Autor: Sofía Villar

Si no conoces aún a Carly Gibert, cantante catalana, estás a punto de descubrir una joya que ya ha dejado huella fuera de nuestras fronteras. Nacida en Cambrils, Tarragona, Carly es de esas artistas que, a pesar de su juventud, han vivido más vidas musicales que muchos en toda una carrera. Y lo más interesante es que lo ha hecho siempre a su manera, con una mezcla única de talento, visión creativa y actitud libre.

Desde sus inicios subiendo covers en YouTube —cuando apenas tenía siete años y era su padre quien le abría el canal— Carly dejó claro que la música era su lenguaje. Lo suyo no era un hobby: era destino. Su voz y carisma llamaron la atención nada menos que de Universal Music y Roc Nation, la oficina de management de Jay-Z, que también llevaba a artistas como Shakira o Rihanna. A los 16 años, dejó Cambrils y se mudó a Los Ángeles. ¡Boom! Empezó su carrera.

De Cambrils al mundo: la evolución de Carly Gibert, cantante catalana

En Estados Unidos, Carly lanzó varios temas bajo el sello 10:22PM/Def Jam, colaboró con leyendas como Bootsy Collins (Game for Two) y acumuló millones de reproducciones en plataformas. Sin embargo, cuando llegó la pandemia, todo cambió. Ese parón fue también una oportunidad: la de reencontrarse consigo misma y con su libertad creativa.

Así fue como Carly Gibert, decidió volver a casa y empezar una nueva etapa como artista independiente. Su primer gran paso fue Tabula Rasa (2022), un disco que funcionó como punto de partida para expresar lo que realmente quería contar. Le siguió Thank God Things Change (2024), un EP más maduro, personal y experimental que consolidó su sello artístico.

Pero no se quedó ahí. Este 2025 ha lanzado Everything New, probablemente su canción más impactante hasta la fecha. Una mezcla brutal de hip-hop, tribal y psicodelia que recuerda a Missy Elliott, Busta Rhymes o Doja Cat, pero con un estilo propio. Y por si fuese poco, el pasado 8 de abril publicó el remix de la canción con Lella Fadda, consiguiendo un ritmo que transporta a El Cairo.

Compositora para los grandes nombres del pop y el K-pop

La historia de Carly Gibert, cantante catalana, no se entiende sin su faceta como compositora. Y es que sus letras han viajado por el mundo a través de la música de algunas de las estrellas más potentes del K-pop. Ha escrito canciones para Lisa y Jennie de BLACKPINK —como el single Love Hangover o Rapunzel— y para SEULGI, con Anywhere but Home, que ya ha superado los 10 millones de reproducciones en Spotify.

En paralelo, Carly sigue lanzando música propia con una producción de nivel internacional. Temas como Lavish, Dropping Seeds o Woo / Run It tienen esa mezcla irresistible de R&B, house, rap y pop que define su estilo. Y si escuchas cómo canta en inglés, entenderás por qué muchos piensan que viene de Los Ángeles, aunque su corazón siga en Cambrils.

En directo: el talento en su máxima expresión

Este 2025 Carly ya ha presentado su EP en España, con conciertos en Madrid (sala Clamores) y Barcelona (sala LAUT), dentro del ciclo Mujeres en Vivo. En el escenario, mezcla visuales, beats hipnóticos y letras que hablan de libertad, identidad y emociones reales. Sin poses. Solo ella.

¿Lo mejor? Además de cantar, Carly produce sus voces, diseña sus portadas, dirige sus videoclips y se involucra en cada detalle de su proyecto. No es solo una artista: es una creadora total. Con su dominio del 3D, diseño gráfico y edición, Carly crea experiencias visuales que complementan perfectamente su música, asegurando que cada aspecto de su obra refleje su visión artística sin filtros ni interferencias.

Si necesitas más razones para seguir su música fresca, su mensaje claro y su energía contagiosa, solo podemos decirte que así es como suena el futuro de la música nacional y nunca está de más adelantarse a lo que será un éxito. Porque Carly Gibert, la cantante catalana de moda, mezcla géneros con naturalidad, rompe moldes sin esfuerzo y demuestra que se puede tener alma internacional sin olvidar de dónde vienes. Lo suyo es real, libre y hecho con el corazón.

En la música, a veces, las historias más auténticas son aquellas que nacen sin pretensión, como una necesidad visceral de expresar lo que se lleva dentro. Así es «Amoríos. La verdad de mi coplilla», el primer disco de La Tania, una obra que se gestó en medio de una crisis personal. Es un testimonio, un ajuste de cuentas con la vida y una declaración de guerra contra el olvido. Pero para entender este álbum, primero hay que conocer a su autora: Tania García Martínez, alicantina de nacimiento, artista por destino y mujer que ha encontrado en la copla su forma de catarsis.   

El amor fue el punto de partida de «Amoríos. La verdad de mi coplilla». O, más bien, el desamor. La Tania y Yerai Cortés, guitarrista flamenco y pareja de la cantante, se conocieron en un verano que, sin saberlo, marcaría sus trayectorias. Ella tenía 24 años, él apenas 17. La diferencia de edad y sus mundos distintos no fueron impedimento para que, tres meses después, estuvieran viviendo juntos en Madrid. Todo parecía perfecto, hasta que el tiempo, la distancia y los celos hicieron que dejara de serlo.

En medio de la tormenta emocional, Tania decidió escapar. París fue su refugio, aunque no hablaba francés ni conocía a nadie. Allí, con la melancolía como compañera, encontró consuelo en la música. Cantaba coplas con Rodolfo, un guitarrista español que se convirtió en su amigo del alma. En las noches parisinas, revivía «El emigrante» de Juanito Valderrama y se veía reflejada en su letra: una extranjera no solo en tierra ajena, sino también en su propio corazón.  

Pero París no era el final del camino, sino una pausa necesaria. La distancia trajo consigo claridad. En el fondo, su historia con Yerai aún no había terminado. El reencuentro era inevitable, y con él, la materialización de «Amoríos». Donde otros verían un punto final, La Tania y Yerai vieron una partitura. La música se convirtió en su idioma cuando las palabras dejaron de servir. Yerai componía, La Tania escuchaba. Ella se reconoció en cada acorde, en cada letra. No podía escapar de su historia, así que decidió cantarla. 

El tiempo, que parece que todo lo cura, ha terminado dándoles un momento inolvidable: un Premio Goya. El pasado 8 de febrero, «Los almendros», una pieza flamenca compuesta por Yerai Cortés junto a C. Tangana e interpretada por La Tania, fue reconocida como la mejor canción del cine español en el último año. Fue ella quien subió al escenario para recoger el premio, con la emoción reflejada en cada palabra. 

Pero después de todo este contexto, es hora de hablar de lo que suena en  «Amoríos». La Tania ha resucitado la copla y la ha adaptado al siglo XXI. Su voz, aguda y llena de matices, se mueve entre la tradición y la modernidad, rescatando ese espíritu folclórico que en el pasado fue refugio de tantas mujeres. 

La influencia de artistas como Marifé de Triana, Rafael Farina o Manolo Caracol convive con sonidos urbanos y una sensibilidad que conecta con el presente. En canciones como «Monigote», «Besitos de otro» o «Mal d’amores», se respira esa esencia de la copla clásica: letras cargadas de sentimiento, desgarro y, sobre todo, verdad. Pero hay algo más: la perspectiva femenina. La Tania se apropia de su historia y la canta sin tapujos, demostrando que el dolor también puede ser sinónimo de empoderamiento. El álbum culmina con una canción homenaje a C. Tangana, quien no solo ha sido productor del disco, sino también un amigo y confidente.  

En un mundo donde el amor y el arte suelen ir de la mano, «Amoríos» es la prueba de que la música puede ser la mejor manera de sanar. Hoy, La Tania se encuentra en un punto de inflexión. Su primer disco ha visto la luz, su historia ha sido contada y su voz ha encontrado su lugar. ¿Qué viene después? No tenemos la respuesta. Pero si algo hemos aprendido de ella es que, en la música y en la vida, lo importante no es el destino, sino el camino.

En un mundo donde la industria musical cambia de piel más rápido que un camaleón en un arcoíris, hay artistas que no solo sobreviven, sino que incendian el escenario con una mezcla explosiva de talento, carisma y una autenticidad feroz. Doechii es una de esas artistas. La rapera de Florida no ha venido a pedir permiso ni a encajar en moldes prefabricados. Ha llegado para devorar el hip hop y reinventarlo a su medida.

Todo gran artista tiene un pasado interesante y nuestra protagonista de hoy no podía ser menos. Así que, para poner un poco de contexto a su actual boom, comencemos por el principio. Jaylah Ji’mya Hickmon, conocida artísticamente como Doechii, nació en Tampa, Florida, en 1998. Desde pequeña, su mundo giró en torno a la música. Su madre, una fuerza imparable en su vida—algo que no se cansa de repetir—, la inscribió en actividades de canto, danza y teatro, formándola para un escenario que aún no sabía que la estaba esperando. Solo podemos darle las gracias por apoyar el talento de su hija y permitirnos descubrirla.

Con el tiempo, la joven Jaylah desarrolló una pasión por el rap y la poesía, usando su voz para contar historias que mezclaban lo personal con lo universal. En 2016, bajo el alias «Iamdomechii», publicó su primer tema, «Girls», y comenzó a forjar su camino en la música independiente. Sin embargo, no fue hasta 2021 cuando su carrera se catapultó. Con una estética juguetona, un flow afilado y un tono sarcástico, su canción «Yucky Blucky Fruitcake» explotó en TikTok y la catapultó al radar de la industria. Doechii, lejos de quedarse en el viral del momento, demostró que había llegado para quedarse.

Desde entonces, su carrera ha sido un ascenso imparable. En 2022, se convirtió en la primera rapera en firmar con Top Dawg Entertainment, el legendario sello que albergó a Kendrick Lamar y sigue siendo hogar de SZA. Ahí, Doechii encontró el respaldo perfecto para desarrollar su sonido e identidad artística.

Su EP «She/Her/Black Bitch » (2022) fue una declaración de principios: un torpedo sonoro que desafiaba los estereotipos de género, raza y sexualidad con una actitud voraz. Y en 2024, con «Alligator Bites Never Heal», confirmó su estatus como una de las voces más innovadoras del hip hop actual. Un disco diverso y ambicioso que le ha valido un «Grammy al Mejor Álbum de Rap», convirtiéndola en la tercera mujer en la historia en ganar esta categoría ya que a menudo ha sido dominada por hombres.

Cuando subió al escenario a recoger su Grammy, Doechii no solo celebró su victoria, sino que lanzó un mensaje que resonó entre miles de chicas negras que sueñan con un lugar en la industria: «Podéis hacerlo. Todo es posible. No permitáis que nadie proyecte estereotipos sobre vosotras». Sus palabras fueron un recordatorio de que el talento, la determinación y la autenticidad pueden abrir puertas que durante demasiado tiempo han estado cerradas.

Pero por si aún queda algún despistado que no conoce a Doechii y no ha visto su reciente presentación en el Tiny Desk Concert de NPR, te presento el último hit que la ha convertido en fenómeno global. En apenas horas, conquistó a la audiencia estadounidense, incendió las tendencias de búsqueda en Google y comenzó a aparecer en playlists, redes sociales y conversaciones de fanáticos de la música. 

Durante 24 minutos, Doechii pasa de rimas afiladas a melodías soul con la misma facilidad con la que cambia de registros en sus canciones. Pero por si fuese poco su destreza musical, la puesta en escena es una declaración de valores en sí misma y hemos descifrado el mensaje que quería transmitir. Doechii aparece con su ya característico face tape, un elemento estético vinculado al mundo del voguing y la cultura drag. No es solo un detalle visual que afila sus rasgos; es un símbolo de reinvención y resistencia en una industria que constantemente impone estándares. En este Tiny Desk, Doechii deja claro que su imagen es una extensión de su arte con el que lanza un mensaje denunciando las injusticias sociales. Porque sí, la música es el altavoz de aquellos que son silenciados. «Quiero que mi música sea un espacio seguro para las personas que se sienten invisibles. Niños queer, niñas negras: merecemos ocupar un lugar», expresó en una entrevista con NPR.

Su importancia en la industria es innegable. Como mujer negra queer en el hip hop, desafía la heteronormatividad que históricamente ha dominado el género y expande sus límites narrativos. En sus letras también explora la sexualidad, la salud mental y la identidad queer y otros temas personales con una crudeza que corta como navaja. En temas como «Crazy», confronta el gaslighting social con versos mordaces: «Dicen que estoy loca, pero soy consciente / Odian la verdad, así que me llaman trastornada». 

Su capacidad para fusionar géneros, romper barreras y desafiar expectativas la convierte en una de las artistas más fascinantes de esta generación. Doechii es un nombre destinado a brillar con luz propia en la historia del hip hop en general y de la música en particular. No existe nada ni nadie que la detengan. Ella misma lo resume con una sola frase: «No estoy aquí para seguir tendencias, sino para marcarlas».