Granada siempre ha sido considerada cuna de artistas de toda clase. Pintores, poetas, bailarines y escultores forman parte de ese círculo privilegiado que permite a la ciudad nazarí postularse como Capital Europea de la Cultura para 2031. Pero, ¿qué sería de Granada sin música? Probablemente un cuerpo sin sangre. Porque si algo define a esta tierra no es solo lo que se ve, sino lo que se escucha en cada esquina.
Vayas donde vayas, si preguntas por músicos de Granada, las respuestas serán de lo más dispares. Los más adultos se emocionarán recordándote el “Rock & Ríos”, te contarán acerca de Los Planetas, de Rosa López y su paso por Eurovisión o Enrique Morente, para los que son más del flamenco. En cambio, los más jóvenes, te pondrán alguna canción de Dellafuente, te dejarán claro quién es “el papá de to’s nosotros”, te enseñarán su camiseta del Granada patrocinada por Saiko o debatirán si la de Huétor Tájar se llama Mimi o Lola Índigo. Hoy vengo a hablar de uno que, tras un año moviéndose en la sombra, el pasado miércoles rompió el silencio para firmar una vuelta por todo lo alto.
Con “DE TO SE SALE”, Antony Z no solo nos confirma que está de vuelta; nos trae un tema digno de himno. El de La Caleta une fuerzas con uno de los productores más importantes de Granada como es Antonio Narváez, para recordarnos que, aunque el pozo sea muy profundo, siempre habrá un atisbo de luz por donde subir.
A lo largo de la letra, el granadino se muestra vulnerable y cercano, hablándonos de la problemática del artista: el huracán vertiginoso que supone el ritmo de vida, sumado a la ansiedad y la presión. Aun así, el mensaje de Antony Z es claro y esperanzador, permitiendo a cualquier oyente verse reflejado en el espejo que dibuja a lo largo de los tres minutos de pista: de to’ se sale.
A un mensaje tan potente le hace falta un ritmo a la altura, lo cual no supone problema para Antonio Narváez. Entre los coros de góspel al inicio y al final del tema, los momentos de calma en los versos y el contraste de potencia que despliegan en los estribillos, Narváez consigue dar un halo que convierte el corte en un tema digno de la Basílica de las Angustias.
“DE TO SE SALE” no es solo un lanzamiento: es un manifiesto. Como si fuera un faro en las oscuras calles del Albayzín, Antony Z nos tiende la mano de una forma casi física, recordándonos que, aunque el camino sea cuesta arriba y estrecho, las vistas desde la cima siempre merecen la pena. Si no te has catado el single todavía, corre ahora mismo a escucharlo. Así, la próxima vez que te pregunten sobre un artista granadino, podrás hablarles de Antony Z, una prueba más de que esa inagotable cuna de talento sigue más viva que nunca, aportando savia nueva a una ciudad que respira cultura por los cuatro costados.
Que Rosalía haya escogido Berghain, el icónico club de Berlín, para lanzar Berghain no es casualidad, es un gesto que mezcla tradición y modernidad de la forma más natural posible, con una fluidez que solo las grandes artistas consiguen. Pero, lejos de ser solo una colaboración atractiva entre electrónica y voz, en este tema, Rosalía también pone en primer plano la música clásica dentro de un contexto urbano y contemporáneo, invitando al público, casi sin notarlo, a redescubrir la ópera.
Música que suena clásica y se siente actual
Desde el primer momento, la canción se presenta con una estructura que recuerda a una obra clásica, la cual se despliega como un movimiento dentro de una obra mayor, pero con un ritmo conectado al pulso del club. Rosalía canta con una técnica que nos recuerda a las grandes sopranos líricas, mostrando una voz clara y potente. Su control del vibrato, la proyección y la claridad de la línea melódica reflejan una formación sólida en el canto clásico. Se puede notar en cada nota, en cada pausa, algo que es poco habitual en la música urbana. Su voz se convierte en el vehículo perfecto para recorrer las emociones con la precisión y el dramatismo que exige la ópera.
El uso de la orquesta sinfónica en Berghain no es un adorno. Ésta, sirve como un diálogo constante con la tradición musical europea que, aunque reinterpretada, mantiene las estructuras formales que desde grandes autores clásicos hasta la música contemporánea han definido la expresión musical. Rosalía le da voz a un repertorio híbrido donde los elementos clásicamente considerados “serios” entran en contacto con la electrónica y la cultura pop.
El poder de los idiomas en el discurso musical
Las letras en alemán, español e inglés no solo agregan color al tema, sino que cumplen un papel fundamental. Cada idioma aporta una textura sonora y cultural distinta que amplifica el alcance de la canción y crea múltiples puntos de conexión con el público. El alemán evoca la tradición operística y la severidad dramática; el español aporta lirismo y calidad; y, por último, el inglés añade ese pulso global contemporáneo. Esta mezcla lingüística forma parte del lenguaje musical híbrido que Rosalía domina y propone.
El espacio que inspira, aunque no esté presente
Aunque Berghain toma su nombre del famoso club berlinés, como se mencionó anteriormente, el videoclip no se grabó allí sino en un estudio de Varsovia, Polonia. Esto nos muestra que Berghain funciona más como símbolo, como una referencia a ese lugar mítico que representa un templo moderno para la música experimental y electrónica.
La grabación en estudio permitió que la orquesta sinfónica y la voz de Rosalía se integraran con cuidado, jugando con la sensación de profundidad y espacio que normalmente se busca en la música clásica. La experiencia que propone es similar a la de una gran sala de conciertos, donde cada instrumento y cada voz se expanden y cobran vida. Los coros infantiles, los instrumentos de cuerda y la voz principal forman un paisaje sonoro que atrapa y envuelve al oyente.
Entre la solemnidad y la modernidad
Berghain muestra cómo la música clásica puede ser una herramienta potente para conectar con audiencias que normalmente no acudirían a una ópera. Al integrar la intensidad emocional y la complejidad del canto lírico en un formato accesible y contemporáneo, Rosalía desestigmatiza la música clásica y la hace parte de la cultura urbana.
Este cruce de géneros no solamente amplía horizontes, sino que reivindica el valor artístico y técnico de la música clásica en un momento donde la hibridación es la norma más que la excepción.
Rosalía, en esta propuesta, ha consolidado este diálogo entre mundos colaborando con voces tan singulares como la de Björk e Yves Tumor. Con la primera comparte una sensibilidad hacia lo experimental y lo emocional, una manera de expandir los límites de la música popular desde la vanguardia y el riesgo. Con Yves Tumor, en cambio, surge una alianza marcada por la intensidad escénica y la exploración del sonido como materia física y sensorial. Ambas colaboraciones evidencian cómo Rosalía habita un territorio fluido en el que lo clásico, lo electrónico y lo performativo conviven con naturalidad reafirmando su papel como una de las figuras más transformadoras de la música contemporánea.
Iconografía y simbolismo clásico
En el videoclip, los símbolos religiosos y la narrativa gótica dialogan con la tradición barroca y operística en su modo de generar atmósferas dramáticas, tensionadas y ritualizadas. Esta puesta en escena es un reflejo audiovisual de la música, que abre caminos para entender lo clásico desde nuevos lenguajes visuales y discursivos.
Uno de los momentos más destacados es la clara referencia a la escena de Blancanieves, que se reinterpreta desde una mirada oscura y feminista, resignificando el cuento tradicional como un símbolo de transformación y resistencia. Además, aparecen símbolos como cruces, iconografía católica y elementos que evocan rituales de purificación, que juntan lo espiritual con lo corporal, evocando otras tradiciones estéticas operísticas de gran carga emocional y visual.
Estas imágenes funcionan en perfecta sintonía con la música, creando un relato total donde lo clásico no solo se escucha, sino que, del mismo modo, se ve y se siente, formando un puente entre el pasado y el presente a través de una estética renovada y llena de fuerza.
Rosalía como referente de un nuevo canon musical
Berghain es un ejemplo claro de cómo la música clásica puede mantenerse viva y reinventarse a través de artistas innovadores que la incorporan sin perder su esencia. Rosalía no solo pone de manifiesto su importancia técnica y cultural, sino que evidencia cómo puede dialogar con las tendencias más actuales y seguir emocionando.
Así, Rosalía conecta con públicos muy diferentes y hace que la música clásica forme parte del día a día sin que notemos la transición. Con su música, la ópera vuelve a aparecer en escena de manera natural y casi sin buscarla, conquistando espacios y sentidos.
Nota: Este artículo se inspira en entrevistas y declaraciones públicas de Rosalía, así como en la escucha y análisis personal de Berghain.
¿Quién es realmente Delgao? ¿El artista sensible detrás de Nana, o el provocador que se ríe de lo políticamente correcto? En esta entrevista con el músico conocido también como El Angelito, hablamos sin filtros sobre su nuevo disco El Sinvergüenza, una obra marcada por el duelo, la rabia, el realismo sucio y el deseo de incomodar.
A través de una mezcla explosiva de géneros y acompañado de amistades -que también son cómplices creativos-, Delgao nos invita a un viaje emocional y sonoro donde belleza y fealdad coexisten sin pedir perdón. Si hay algo claro tras esta charla, es que Delgao no viene a pasar desapercibido.
Delgao: de El Angelito a El Sinvergüenza en su nuevo disco
También se te conoce como El Angelito. ¿Cuánto de angelito y cuánto de sinvergüenza hay ahora mismo en Delgao?
Yo creo que hay más de angelito que de sinvergüenza. Pero en esta etapa de mi vida —donde tengo más rencor, mucho sentimiento de soledad y otras sensaciones negativas—, está por encima la faceta de sinvergüenza como método de defensa. De ahí la necesidad de hacer este disco.
¿Cuál de los dos crees que va a sobrevivir más tiempo? ¿Te da miedo que uno acabe matando al otro?
El angelito. Me llamo Delgao pero soy El Angelito.
No tengo miedo porque siempre van a estar los dos. Parece que estamos hablando de tener personalidad múltiple (risas), pero es así. El Sinvergüenza es mi parte urbana, mis raíces en el rap, en la música electrónica, etcétera. Mis canciones de pop y más sentimentales, podríamos decir que son de El Angelito. Pero en todo lo que hago hay una mezcla de los dos. Nunca haría una canción completamente blanca. Siempre tengo un poco de sombra en las canciones de más luz y al revés.
Entones ¿para ti qué es ser un sinvergüenza?
Hacer lo que te salga de las narices sin que te importe nada. De hecho, cuanto más le moleste a los demás, más contento me pongo (risas). Me gusta causar sensaciones bonitas pero también de controversia. Dejar huella del tipo que sea. No me gusta pasar como uno más —artísticamente hablando—, prefiero que se queden con un recuerdo mío sea bueno o malo.
¿Cómo de sinvergüenza hay que ser en tu industria?
Creo que si no lo eres, estás acabado. Hay gente mucho más sinvergüenza que yo y, cuanto más lo son, mejor les va en el negocio. Los más sinvergüenzas están ganando.
¿Y por todas estas razones elegiste este título?
Una vez terminado el disco se han vuelto a regular mis niveles de sinvergonzonería y de angelito, tanto en cuerpo como en mente. Pero sí, durante el proceso de creación estaba viviendo todos esos sentimientos y emociones.
En FIT EUROPEO habláis mucho de moda, de estética, de accesorios… ¿Cómo es de importante para ti la estética/la moda? ¿Realmente “estás bonito hasta cuándo vomitas”?
(Risas). Yo soy muy fan del realismo sucio y encuentro belleza en la cotidianeidad incluso cuando es un poco asquerosa.
Creo que la moda es llevar lo que te salga de las narices. Estamos en una época en la que todo vale. Me gusta mucho cuando Fran dice: “si me quedo desnudo llevo las joyas y los Calvin”. La moda no solo es la ropa que llevas. Yo si me quedo desnudo tengo un diente roto, un mullet, unos rizos… Ya me siento empiquetao´ solamente por la forma de mi cara.
En FIT EUROPEO no hablamos de Chanel ni de Balenciaga. Hablamos de una gorra de Polo o un chándal de Lacoste. Para nosotros la moda es sentirte el puto amo con lo que lleves encima. Yo ahora llevo una gorra cutrísima en la que pone Madrid y siete anillos que no valen más de 5 euros cada uno y aun así me siento súper cabrón con ellos.
Este disco tiene mucha mezcla de ritmos y músicas… Supongo que también ha sido un proceso de aprendizaje para ti ¿Cuál de todos esos géneros te ha resultado más desafiante? ¿Y cuál te salió más natural?
Son ritmos que ya había hecho, aunque los haya variado un poco. Nunca voy a hacer dos canciones iguales y siempre que voy al estudio necesito aprender algo nuevo. Pero algo novedoso ha sido mezclar el Drill con Funk Brasileño. Tanto HIGH como en MALAGRADECIDA aparece esta mezcla y es una combinación que yo por ahí no he escuchado. Estuvimos D3llano y yo investigando y estoy muy contento con el resultado. Podría haber sido el mayor reto en este disco.
Hay mucha gente a la que tiras beef en este disco, pero he oído que también es gente a la que admiras, al menos musicalmente. ¿En qué consiste ese juego?
En ser un sinvergüenza (risas). No quiero ningún beef con Guns N´ Roses. Solo quería echarme unas risas con María. Nos pusimos a escribir en el estudio y empezamos a decir burradas hasta que nos quedó el tema más gracioso que nos podía quedar (risas). Solo buscamos hacer un tema y que, en al menos, en alguna de las frases, no puedas evitar reírte.
¿Algún referente más que haya marcado tu carrera musical o este disco en particular?
Mmm… En este disco, aunque pueda sonar raro, mi referente he sido yo. Ha sido una vuelta a géneros y estilos urbanos que he ido tocando años atrás: hay canciones de rap, de trap, de Funk Brasileño… Ni los productores ni yo hemos mirado para fuera a la hora de hacer este disco. Lo hemos hecho a nuestro estilo.
Pero por ponerte a alguien en general más allá de este disco, un ejemplo clarísimo es Rosalía. Es alguien que experimenta tanto, toca tantos palos, produce y hace las cosas tan bien…, que cada vez que saca tema yo siento que me tengo que poner las pilas, que tengo que ser mejor. Cada vez que un artista, sea más grande o más pequeño que yo, saca un tema muy bien hecho, pienso: “mira este cabrón qué bien lo hace y qué ideas tan buenas ha tenido”. Y yo siempre quiero tener mejores ideas. Así que me meto en el estudio hasta que me salga un ideón (risas).
Dime algo en lo que tengas fe.
En el año que viene. En los proyectos en los que estoy trabajando y verán la luz en 2026.
Hay mucho simbolismo religioso en este nuevo proyecto. ¿Qué es lo que te atrae exactamente?
Durante el proceso de creación del disco murieron mi abuela y mi tía. En ese lio de sentimientos y emociones me atrajo mucho la estética y la visión de la muerte que tienen las personas religiosas. Vi a mi abuelo feliz después de una vida entera con mi abuela porque su mujer iba a ir al cielo. Admiré tanto… Mejor dicho, envidié tanto esa visión de la muerte y de la vida que no me sacaba de la cabeza la estética, las flores, las cruces y ese enfoque de la muerte. Al final la portada de mi disco es una cruz. No hay mayor prueba de que El Angelito está en El Sinvergüenza. No hay nada más bíblico que un ángel. Todas esas emociones me han dado muchas luces y sombras en las que las inspirarme.
La estética de realismo sucio atraviesa los videoclips y también muchas letras. ¿Hasta qué punto estás dispuesto a incomodar con lo visual o con lo que cuentas? ¿Dónde está tu límite?
Mis límites están en las faltas de respeto. Llegaría a faltar el respeto a alguien que me lo haya faltado a mí en una letra o en una imagen, pero no a un colectivo, o al menos trato de no hacerlo.
Me gusta mucho Bukowski porque cuenta que ha sido un mendigo, que ha dormido en la calle, que ha robado porque era un alcohólico y lo cuenta en sus libros tal cual. A mí también me gusta contar mis historias en mis canciones como en NI 1 PORRITO ME DEJASTE PA MI NOCHE MENOS GANSTE con todo el dolor con el que yo he vivido esos hechos.
En algunas canciones del disco se percibe un tono bastante directo, incluso brusco, al tratar ciertos temas vinculados al deseo, el cuerpo de la mujer o las relaciones. ¿Cómo manejas el equilibrio entre esa expresividad y el respeto hacia sensibilidades o temas que hoy generan tanto debate? ¿Te preocupa cómo pueda interpretarse?
No me quiero excusar. La verdad es que no es la mejor respuesta por mi parte…
Quizá estés pensando en SKINCARE ROUTINE, la canción que tengo con l0rna, que dice: “bien puta, bien puta, bien puta”. Decir eso y pasárnoslo bien improvisando en el estudio… Para lo que hay por ahí, me parece que se queda en una gracia. Yo me junto con María y con Lorena, y si nos sale eso y nos estamos partiendo de risa, ¿cómo les voy a decir “no lo metemos” si estamos haciendo un disco que se llama El Sinvergüenza? Vamos a meterlo y si crea controversia que la cree. Realmente no pretendemos ofender a nadie de verdad; ni a Tupac, ni a las mujeres.
Si me permites alargarme con esta respuesta, ¿sabes cuando una persona feminista o del colectivo hace un chiste sobre ellos y se entiende perfectamente que está de broma? Se siente completamente diferente a cuando lo hace un facha, un machista o un homófobo. No es lo mismo que Lorena diga “bien puta” a que lo diga un machista. También van por ahí los tiros. En mi anterior disco, Nana, ya he demostrado mis valores y en este me he tomado el pase de hacer chiste de las cosas que defiendo.
Has producido parte del álbum tú mismo. ¿En qué momento decidiste que tus ideas necesitaban tu mano directa en la producción?
En verano la música para un poco porque cada uno se vuelve a su ciudad. Solemos trabajar en Madrid, pero nadie de la gente con la que trabajo es de aquí. En verano es más difícil hacer una sesión, cuadrarse con los músicos, con los productores, con los compositores… No me quedó otra que empezar un montón de sonidos por mi cuenta. Como sé producir y no tenía con quién quedar, me puse a ello y luego a la vuelta les fui dando forma junto Calama, D3llano, Only…
En este disco colaboran muchos artistas, que además son tus amigos. ¿Cuál es el truco para trabajar con amigos y que salga tan bien?
Con amigos hacer música nunca se siente como trabajar. Nunca he sentido con KASTA, o con Fran, o con María que estábamos trabajando. Ni con l0rna, ni con Sule B. He sentido que estábamos haciendo lo que más nos gusta en esta vida que es hacer música juntos. Aunque suene muy happy flower, no ha sido trabajar con amigos, ha sido divertirse con amigos.
Todo mi equipo son amigos míos. Mi conductor es un amigo de cuando era scout de pequeño… D3llano que es mi DJ, es un amigo de Ávila desde hace un montón de años… Only que toca la guitarra conmigo en directo es de Segovia también…
Yo prefiero crear un equipo de amigos y juntos hacernos profesionales que buscar un equipo profesional de gente que no conozco para sonar profesional. Confío tanto en mis amigos y en su talento que creo que podemos aprender juntos a ser un equipo.
¿Quién de todos los colaboradores/amigos ha sido el más sinvergüenza en este disco?
(Risas) l0rna. En el disco la que más se ha pasado es l0rna. Se ha pasado tres pueblos, lo reconozco y me encanta que haya sido así.
Tuve bastante debate con mi hermana por esa canción y por la portada del disco. Es una mujer, está mucho más concienciada que yo y hay cosas que no se toma a risa. Para mí es humor lo que para ella es el límite del humor, aunque tengamos los mismos valores.
¿Cambiarías algo del disco después de la charla con tu hermana?
Sí que cambiaría alguna cosa… Aprendo mucho de ella. Sabe muchas cosas que yo a lo mejor nunca he pensado. Obviamente cuando debatimos sobre una canción o sobre la portada, yo la escucho y aprendo cosas que otro día no volvería a decir o a hacer. Pero durante este disco me he repetido muchas veces que soy El Sinvergüenza y que tengo que hacer lo que quiera (risas).
¿Solo dos conciertos para presentar un disco tan ambicioso?
El año vamos a hacer unos cuantos más. Aún me quedan festivales este año, pero soy compositor de otros artistas y eso lleva mucho tiempo y trabajo. No puedo componer, producir discos, hacer festivales y además girar. Espero que la gente lo entienda. El año que viene se vienen cosas.
Y, para terminar, completa la frase: “El verdadero sinvergüenza es el que…”
El primer disco de Vera GRV está en la calle desde el pasado 21 de mayo y no ha dejado indiferente a nadie. Con apenas 24 años, la artista nacida en Almería se ha consolidado como una de las voces más prometedoras del panorama urbano nacional. Tras el éxito de temas como Pobre niña y el EP Amoríos del Albayzín —donde colaboró con Antony Z— y la selección como artista RADAR 2025 por Spotify, Vera aterriza con un álbum debut que condensa todo lo que ha vivido, sentido y aprendido estos últimos años.
El primer disco de Vera GRV: una historia que conecta
Vera GRV ha conseguido lo que pocas artistas logran en su primer álbum: hacer sentir que cada canción es una conversación directa con quien la escucha. Con letras cargadas de intimidad, el primer disco de Vera GRV funciona como diario emocional, como refugio sonoro, como espejo de una generación que también se está buscando a sí misma.
En esta entrevista, Vera nos abre las puertas de ese universo delicado pero poderoso que ha creado desde una casa de campo y con la única guía de su instinto artístico. Hablamos sobre los miedos, los descubrimientos y los detalles ocultos de un proyecto que ya ha marcando el camino de algo grande.
VERA GRV
¿Cuál fue el momento exacto en el que sentiste: “este va a ser mi primer álbum”?
En el momento que vi que tenía la carpeta a reventar de demos increíbles, supe que tenían que ser escuchadas y sentidas.
Vienes del éxito de singles como “Pobre niña” y del EP “Amoríos del Albayzín”. ¿Cómo influyó ese recorrido en la construcción del disco?
Gracias a esos proyectos creció mi comunidad y lo bonito es que son los temas que más verdad contienen. Eso me ha dado más energía, porque si antes no tenía miedo a expresarme tal y como soy, ahora menos. Sé que mi público entiende lo que vivo y lo que soy cuando me escuchan. .
¿Hay un hilo conductor que une las canciones o son piezas independientes?
Mientras creaba el álbum no sabía qué acabaría siendo. Son 12 canciones que resumen mi vida en los últimos años.
Si tuvieras que describir tu primer disco con tres palabras, ¿cuáles serían?
Revelador, nostálgico y un lugar a donde volver.
¿Cuál fue la canción más difícil de escribir y por qué?
“4 de febrero”. No por el tiempo que tardé, sino porque mientras la escribía no podía parar de emocionarme.
Dinos 3 canciones del disco que representan 3 estados emocionales
«Hacesdelmundomejor» para cuando echas de menos a tu sitio y a tu gente. «Gitano mío» es perfecta pa´ ronear o dedicarsela al crush. Y «K poka luz» es mantra, pero para el tóxico.
¿Hay alguna frase del disco que te represente especialmente?
“Aprendiste bien a andar con lo justo, a tirar del dolor de los tuyos”. Esta frase siempre me representará porque es lo que me enseñó mi madre.
¿Alguna anécdota del disco que aún no hayas contado?
Todo el disco lo hicimos en la casa de campo de mi mejor amigo. No quería pisar estudios ni contaminar mi energía de la gran ciudad. Tuvimos que limpiar las voces de las mezclas porque en casi todos los temas se colaban los pájaros y la chimenea.
¿Qué parte del proceso creativo disfrutas más?
El estudio sin duda. Siento demasiadas cosas cuando algo suena tal como quiero y como me imagino. Es satisfactorio.
Spotify te ha nombrado artista RADAR 2025. ¿Qué significa para ti ese reconocimiento?
Es una suerte. Bueno, o mejor dicho, un merecimiento. Pero ha ocurrido en el momento perfecto porque es cuando más segura estoy de mi música y de mí misma.
Has colaborado con muchos artistas. ¿Qué te lleva a elegir con quién trabajar?
Todo es más fácil si en el primer contacto ya siento que esa persona podría ser mi colega. Me gusta la gente transparente y, hablando musicalmente, que no tengan límites en el estudio.
Tu sonido es una mezcla de intimidad, nostalgia y fuerza. ¿Qué referentes te han marcado?
Amy Winehouse, Bon Iver, Coldplay, Manolo García, Billie Eilish… Son artistas que no dejan indiferente a nadie. Me gusta sentir y hacer sentir, y ellos, durante toda mi vida me han hecho sentir muchas cosas bonitas.
¿Qué canción del disco es más «Vera GRV»?
“4 de febrero” es lo más parecido a las primeras canciones que escribí.
¿Cómo te gustaría que la gente escuche este disco?
En un sitio tranquilo, donde puedan analizar la letra y meterse de lleno en mi película.
El primer disco de Vera GRV no es solo un lanzamiento: es el retrato sincero de una artista que ha decidido apostar por la emoción como materia prima. Sonidos que respiran verdad y letras que atraviesan. Este debut es una puerta abierta a su mundo interior. Si algo ha dejado claro Vera con este trabajo, es que ha llegado para quedarse. Y este disco es el mejor lugar para empezar a descubrirla.
«PUCHERO», el nuevo disco de Pepe y Vizio saldrá el próximo 4 de abril. Este álbum es más maduro, crudo y auténtico que nunca, con colaboraciones inesperadas y letras que reflejan la profundidad de su música.
PUCHERO – Tracklist
Un álbum cocinado a fuego lento
Este 4 de abril sale «PUCHERO», el nuevo disco de Pepe y Vizio. Los artistas han logrado una obra más madura, cruda y auténtica, que refleja su evolución musical. El primer adelanto, «Vivir Pa’ Morir», ya ha abierto apetito de lo que está por venir.
En nuestra pequeña charla con Pepe y Vizio hemos descubierto todos los detalles de «PUCHERO», las colaboraciones más inesperadas y el significado detrás de la prosa. Quédate para saborear mejor este disco cocinado a fuego lento.
«PUCHERO», el nuevo disco de Pepe y Vizio
«Vivir Pa‘ Morir» suena a lema de vida. ¿Es más un grito de guerra o una reflexión profunda?
(PEPE) Un poco de las dos cosas. Lo cantas con rabia y con ganas, pero también es una reflexión sobre ese enganche a lo que nos hace daño. Cosas que sabemos que nos destrozan pero repetimos una y otra vez. Eso es vivir pa’ morir.
En este single jugáis con lo efímero y lo eterno, lo doloroso y lo bello. ¿Os gusta vivir en esa dualidad?
(VIZIO) Nos gusta explorar esas contradicciones. Hay algo adictivo en lo que nos hace daño y a la vez nos atrae. Es un equilibrio entre la pasión y la autodestrucción.
(PEPE) Vivimos el momento porque nunca sabemos qué pasará después. Esa urgencia de disfrutar ahora es algo que está muy presente en nuestra música.
«Vivir Pa’ Morir», Pepe y Vizio (2025)
En «Vivir Pa‘ Morir» hacéis muchas referencias a la noche, la luna, la madrugada… ¿Qué simbolismo tienen dentro del tema?
(P) La noche es ese momento perfecto para hacer todo tipo de cosas. Puede ser algo romántico, algo oscuro, algo inesperado. Es la puerta a todo ello porque nadie nos ve.
(V) Es un espacio de libertad. En la noche te permites sacar tu lado más salvaje de una forma natural.
(P) Nadie te juzga… Y si alguien lo hace, es porque también está ahí.
¿Os sentís reflejados en esa imagen?
(V) Sí, aunque ahora estemos en un momento menos salvaje, esa esencia sigue ahí.
(P) Son experiencias que hemos vivido o que hemos visto en nuestro entorno. Al final, esas historias se quedan con uno. Aunque, con el tiempo, aprendes a darles un significado más poético. A veces no es solo lo que vives, sino cómo lo interpretas.
La frase «me cuentan que en el daño está la inspiración» es potente. ¿Creéis que la inspiración viene más del dolor?
(V) Fifty-fifty. Es verdad que el dolor tiene un peso fuerte. Es una emoción muy intensa. Pero no hay que romantizarlo. Se puede escribir desde la felicidad también.
(P) Sí, cualquier emoción fuerte puede ser una fuente de inspiración. La felicidad también inspira, pero como la buscamos constantemente, parece que cuesta mantenerla. En cambio, el dolor es insistente, se queda más tiempo con nosotros y cuesta huir de él. Pero no es sano quedarse ahí. La depresión no mola nada.
(V) Hay que invitar a la gente a que se cuide.
Si «Vivir Pa‘ Morir» fuera la banda sonora de una película, ¿cuál sería?
[A la vez] (V): «Django». (P) «Pulp Fiction».
(P) ¡Ya ves! En realidad, «Django» pega mucho.
(V) Entre «Pulp Fiction» y «Django» podría ser perfectamente. A ver si Tarantino se enrolla y nos mete en una peli.
Hablando de símbolos, «PUCHERO» es un nombre muy visual. ¿Qué ingredientes tiene este disco?
(P) Paciencia, honestidad, conocimiento y mucho cariño. Al final, es como la comida de una madre.
(V) Si no le pones amor, no sale rico. Y nosotros hemos puesto mucho amor en este disco.
¿Qué diferencia a «PUCHERO» de vuestros trabajos anteriores?
(V) Más madurez 100% ¡porque somos más maduros!
(P) Nos conocemos mejor y hemos encontrado nuestro camino.
(V) Los otros proyectos también nos representan, pero este es el sonido más Pepe y Vizio de todos los que hemos hecho.
(P) Uno puede evolucionar para varios sitios y nosotros hemos evolucionado hacia donde nos toca. Para seguir siendo nosotros.
¿Dónde os sentís más cómodos, componiendo en casa o en el estudio?
(V) En el estudio estamos como en casa.
(P) Nos gusta partir siempre de nosotros dos y Kiddo, que es otro productor con el que siempre contamos, alquilar una casa, encerrarnos unos cuantos días… y ahí va saliendo todo mejor que en el sofá de tu casa. Estamos en familia.
En el disco hay colaboraciones muy potentes como Delaossa, Dellafuente, Ana Mena, West Dubai. ¿Cuál os sorprendió más en el estudio?
(V) Ana Mena. A los demás ya los conocíamos pero era la primera vez que nos juntábamos con ella en un estudio y fue increíble. Tiene un talento y una energía brutal.
(P) Y como persona, aún más. Es de esas personas que echas de menos en el estudio. Humilde, natural… Ojalá toda la industria fuera así. Merece la pena conocerla.
¿Ha habido algún tema que os haya dado más quebraderos de cabeza?
(V) La verdad es que todo ha fluido bastante bien.
(P)Nos negamos a sacar algo que no sintiéramos al 100%. Todos los temas del disco nos emocionaban desde el principio, lo que no significa que hayan sido fáciles. Sin embargo, nunca sentimos que fueran un esfuerzo.
(V) Nos hemos dado cuenta de que cuanto más naturales somos, mejor nos salen las cosas. Todos tenemos algo en lo que somos buenos y si eres capaz de enseñar ese brillo a la gente, va a funcionar.
¿Cómo ha sido el proceso de creación del disco?
(V) Una aventura muy divertida. Algunas canciones llevaban tiempo guardadas, pero la mayoría las hicimos entre abril de 2024 y febrero de este año.
(P) No es que no supiéramos qué hacer con ellas, es que queríamos que formaran parte de algo más grande. Estamos en un momento creativo fuerte y queríamos hacer un disco que lo representara.
(V) Ha sido un proceso natural. Teníamos claro el concepto desde hace tiempo, pero quisimos hacerlo sin prisa. Comparado con «Buenos y Prósperos Días» que nos pilló haciéndolo en la cuarentena, este ha sido una pasada.
Empezáis la gira en mayo, primero en festivales y luego por salas. ¿Cómo os sentís?
(P) ¡Con muchas ganas! Un tema puede funcionar o no en digital, pero cuando lo tocas en directo y ves la reacción de la gente, ahí es cuando sabes de verdad lo que tienes entre manos.
(V) Además este año vamos con todo. Hemos subido mucho el nivel del directo. Va a ser especial.
Lleváis años juntos. ¿Qué os hace un dúo tan sólido?
(V) Nos complementamos bien. Donde no llega uno, llega el otro.
(P) Sí, entre los dos sentimos que está todo cubierto. En lo personal somos parecidos, pero como artistas tenemos diferencias que nos suman.
(V) Al final somos un equipazo.
(P) Nos ponemos las pilas el uno al otro en el buen sentido. No querer brillar cada uno por separado, a mí me da coraje que los dos no lo logremos. Eso hace que se vaya alargando y fortaleciendo la relación.
Si pudierais hablar con los Pepe y Vizio de 2016, ¿qué les diríais?
(V) Que tengan mucha paciencia.
(P) Y que confíen. Siempre digo lo mismo: porque ahora no se dé el pelotazo, no significa que haya que cambiar el camino. Si lo que haces es bueno, llegará.
Si tuvierais que definiros en tres palabras, ¿cuáles serían?
(V) Vivimos siempre nerviosos…
(P) Con todo lo que conlleva esa palabra. Un poco locos…
(V) Y profundos.
(P) Hemos venido a esta vida a vivirlo todo. Queremos hartarnos de reír en las alegrías y hartarnos de llorar en las penas.
Si os dieran un cheque en blanco para una colaboración internacional, ¿con quién os meteríais en el estudio sin pensarlo?
(P) ¿Nos metemos los dos y nos lo repartimos?
(V) ¿Te puedes creer que estaba pensando lo mismo? Pagar por una colaboración está bien, pero lo bonito es cuando alguien colabora porque le apetece, no por la pasta.
(P) Exacto. Que se haga con ganas y con amor. Va a salir un tema más bonito.
¿Cómo os gustaría que la gente recordara este disco?
(P) Como un disco atemporal.
(V) Que en 15 años alguien lo escuche y piense que podría haber salido hoy. Eso sería increíble.
Después de esta charla, tenemos claro que con PUCHERO, el nuevo disco de Pepe y Vizio, no solo han preparado un disco con sabor a calle y alma, sino que han conseguido servirlo en su punto exacto. Sin prisas, sin artificios y con ese toque inconfundible de quienes hacen música porque la sienten. Ahora, con la gira a la vuelta de la esquina, solo queda una cosa: que la gente lo escuche, lo cante y lo sienta como suyo.
Amaia es uno de esos talentos naturales de los que no puedes apartar la mirada ni el oído y con su último single “Nanai” lo vuelve a constatar. Este es el primer adelanto de su tercer disco y se puede convertir en un punto de inflexión importante en su carrera por varias razones:
Portada de Nanai: Adrián Cuerdo
La letra
Si bien “Pero No Pasa Nada” y “Cuando No Sé Quién Soy”, contienen letras directas y sencillas sobre el amor, la amistad o la búsqueda de uno mismo, «Nanai», en cambio, presenta algo más fragmentado, un cóctel de microsensaciones, un puente entre lo real y lo onírico. “Cuando abra los ojos todo se me olvidará”, cuya melodía recuerda al principio de “Qué No Va A Pasar” de La Buena Vida, es una de las muchas referencias a los sueños.
Amaia tiene la suerte de que sus amigos son los creativos más punteros de la industria y contar con Irene Garry y Amore en la composición es sinónimo de éxito. La letra es tan gustosa y acogedora que apetece escuchar alguna estrofa más. Aunque precisamente, esa ruleta de palabras en una duración tan corta es lo más cercano a un sueño que podemos encontrar y como dice al final: “aquí un segundo puede ser la eternidad”.
La producción
Primero fue Santiago Motorizado, su ídolo de la adolescencia y el cabeza de una de las bandas de rock más emblemáticas de Argentina “Él Mató A Un Policía Motorizado”. Luego fue Alizzz, quien la ayudó a “sofisticar” su sonido y acercarse a un pop más electrónico y menos analógico. En esta ocasión, Amaia ha elegido trabajar con la gente de su quinta y cuenta con Ralphie Choo en la producción. Ralphie es un artista con una gran intuición, buen gusto y también es el rey de los ruiditos. De hecho, la canción puede desconcertar e incluso marear por momentos. Una percusión desdibujada pero galopante con unos coros hipnóticos que recuerdan a “Give It Up To Me” de Ojerime puede parecer algo difícil de digerir. Sin embargo, la voz cristalina de Amaia ayuda a bajar todo a tierra y a humanizar la canción. De repente parece que te está cantando al oído como cuando tu padre te contaba un cuento antes de dormir.
El videoclip
El formato del videoclip está viviendo un declive y muchos artistas apuestan por visualizers para que el oyente pueda ver algo mientras escucha la canción. No es el caso de Nanai. El video, dirigido por Tomás Peña (De Plata, Harleys In Hawaii, Sin Carné), es una pieza fundamental para expandir el universo onírico de la canción. A través de transiciones de Grand Theft Auto, casas de muñecas, pedicuras con peces y automasajes, repasa las distintas etapas de su carrera desde que salió de OT. Quizás Amaia no había tenido la oportunidad de aplicar su universo irónico-paranoico de Instagram a sus temas y videoclips pero parece que en este disco lo tendremos muy presente.
La difusión
También se nota un cambio en su forma de compartir su música. Al principio, en un intento por abandonar el «sobrehype» de OT, apostó por soltar su música de forma casi austera con un simple anuncio, un videoclip, algunas entrevistas y ya. Esta vez ha subido dos tiktoks, varias stories, tres posts, e incluso ha lanzado preguntas a sus fans. También ha ocurrido lo contrario; hasta ahora no había tenido la oportunidad de aplicar ese universo irónico-paranoico de su Instagram a sus propias canciones/videoclips pero parece que en este disco lo tendremos muy presente.
Amaia ha empezado un nuevo capítulo y promete ser uno de los más interesantes de su carrera. Ya no solo hace canciones pop bonitas y agradables. Ahora nos invita a su propio universo.
PD: A partir de ahora, si escuchas «aaaaahaaahaaahaaaahaaahaaaaa» en tus sueños ya sabes por qué es.
El artista colombiano, Feid, presenta su álbum más versátil hasta la fecha, con un enfoque más global que amplía sus sonidos con una impresionante producción y que una vez más demuestra su gran habilidad para la composición. ‘MOR, No Le Temas A La Oscuridad’ es una analogía con ver a la oscuridad de una manera diferente, que a pesar de cualquier situación adversa, todos podemos brillar por lo que queramos lograr, su nombre es un homenaje al aclamado programa de los años 90 de Nickelodeon, «Are You Afraid of the Dark?».
MOR, No Le Temas A La Oscuridad’ es muy importante para Feid porque representa un período de evolución en su carrera y su catálogo se sigue expandiendo en diferentes sonidos. Además, el tema de la oscuridad suele asociarse con la negatividad, pero en este caso, Feid lo ve más como una oportunidad para ser valiente y salir de su zona de confort. El álbum se creó en diferentes estudios sin embargo Los Ángeles fue fundamental, allá FERXXO y su equipo de productores de toda la vida, Sky Rompiendo, Wain e ICON (Jowan y Rolo), se tomaron su tiempo para crear en conjunto con la convicción de no hacer reggaetón hasta que lograran un sonido más global.
Este nuevo álbum viene con colaboraciones con una amplia variedad de sonidos en todo el LP. Desde el enfoque afrobeat en “Vente Conmigo” y “Bubalu” con Rema, hasta un vibe más electrónico en “Luces de Tecno” y “Ferxxo 151” con ICON, pasando por el Dancehall en «Niña Bonita» con Sean Paul, hasta ritmos más urbano con «Románticos de Lunes» y «Gangsters & Pistolas» con Ñengo Flow, por supuesto el distintivo dembow del reguetón en «Ritmos de Medallo» con Ryan Castro, y un corte alternativo indie en la canción final «Privilegios» con Cupido.
La canción «Sprinter» es una nueva colaboración entre Dave y Central Cee. Esta es la primera vez que estos dos artistas británicos han trabajado juntos. La canción viene acompañada de un vídeo que fue filmado en el sur de Francia y en Londres, y cuenta con la aparición del artista Slawn.
«Sprinter» es el primer lanzamiento de Dave en 2023 y sigue al sencillo «Starlight», que junto con «My 24th Birthday» rompió récords. En el año anterior, Dave agotó todas las entradas de su gira, que incluyó dos actuaciones consecutivas en el O2 Arena, Coachella, Reading Festival, y en ciudades como París, Copenhague, Berlín, Nueva York, Chicago, Atlanta, Toronto, Washington y Boston.
Por otro lado, Central Cee tuvo un gran éxito a principios de 2022 con el lanzamiento de su aclamada mixtape «23», que debutó en el número 1 de las listas oficiales del Reino Unido. Desde entonces, Central Cee se convirtió en el primer artista británico en tener la canción de hip hop más reproducida en Spotify en una semana. A finales de este mes, Central Cee está programado para actuar en varios festivales, incluyendo el Other Stage del Festival de Glastonbury y el Governors Ball en Estados Unidos.
Mura Masa, el productor británico conocido por su versatilidad, lanzó una nueva canción titulada «Drugs» en junio de 2023. Esta canción presenta a la creciente artista peruana Daniela Lalita en las voces principales.
La canción fue lanzada a través de su propio sello, Pond Recordings. Antes del lanzamiento de «Drugs», Mura Masa lanzó una canción titulada «Whenever I Want» en abril de 2023, antes de su presentación en Coachella. En el otoño anterior, lanzó un álbum repleto de colaboraciones llamado «Demon Time» y trabajó en la producción de varias canciones para otros artistas como PinkPantheress, Ice Spice, Shygirl, Oklou, Eliza Rose y más.
Finalmente, Mura Masa también tiene algunas fechas de gira programadas para el verano de 2023, incluyendo actuaciones en Barcelona, Tallinn, Herk-de-Stad, Piercy, Vancouver y Tokyo. Además, parece que Mura Masa tiene más música en camino, según promete un comunicado de prensa.
Sumergiéndonos un paso más en el mundo trascendental de Tainy, el productor y artista puertorriqueño de talla mundial regresa con el segundo vistazo a la esperada llegada de su primer álbum de estudio, ‘DATA’, que verá la luz el 29 de junio, bajo el destacado sello NEON16. En su último adelanto, el genio multi-platino lanza «FANTASMA | AVC» con JhayCo.
