Categoría: Spotlight 2024

De vez en cuando encuentras a un artista que encaja contigo y en el momento que estás en tu vida de una forma especial. Así me pasó cuando descubrí a Teezo Touchdown, y lo mismo me ha ocurrido este año con Niko B. Su álbum, dog eat dog food world, es un recorrido impredecible, cargado de sorpresas y matices que te envuelven en su universo único, dejándote con la sensación de haber encontrado algo que no sabías que necesitabas. Con este álbum Niko consolida su lugar como una de las voces más singulares del panorama actual.

El debut de Niko B es tan único como él mismo. Desde que apareció con sus éxitos virales, Mary Berry y Who’s That What’s That, el nativo de Milton Keynes, UK, ha sido difícil de clasificar en una sola categoría. Con este álbum, confirma que su ascenso no es casualidad. Mezcla Rap, Alt-R&B, Lofi-House e incluso Jersey Club y a pesar de su aparente caos, encuentra cohesión en su sentido del humor y su sensibilidad indie. Esto también se refleja en sus excelentes visuales, en los que recientemente ha colaborado el filmmaker británico del momento Lauzza.

Canciones como trespass coat, junto a dexter in the newsagent, son temas cargados de honestidad y desenfado, como si alguien estuviera contándote sus historias más absurdas mientras ríe contigo. Y es precisamente ese equilibrio entre lo humorístico y lo sincero lo que hace que Niko B destaque. Temas como i’ve smoked weed 9 times and have had one good experience transforman letras que, en otro contexto, parecerían absurdas —como mencionar ceniceros del tamaño de coches— en reflexiones sorprendentes que rozan lo filosófico. 

Niko subvierte el típico alarde del rap, apostando por una actitud que, aunque llena de bromas, resulta profundamente genuina, apostando por una autenticidad que no necesita alardes. Con un delivery monótono, los beats llevan en gran parte del peso de la canción. Las letras, llenas de referencias de la cultura de internet, memes, humor autoreferencial y anécdotas juveniles, consiguen que sientas todo el proyecto cercano y actual. El álbum cierra con canciones como what counts as fine? y whos in designer, que vuelven a sus raíces en el Lofi-House, ofreciendo un final tranquilo pero lleno de significado.

Estos años no han sido fáciles para nadie, pero la música de Niko me ha recordado algo importante: no todo tiene que ser tan serio. En un mundo que a veces parece robarnos la capacidad de asombrarnos o disfrutar las cosas simples, artistas como él traen de vuelta esa chispa. Su energía ligera, optimista e incluso inocente me ha acompañado en los momentos felices y en los difíciles. Esa actitud, de vivir sin tomárselo todo tan en serio, es justo lo que quiero llevar conmigo al 2025.

2024 ha sido un año de muchas tendencias y descubrimientos. La música ha estado ultra gentrificada, llena de diversas propuestas que, entre tanto ruido, a veces han pasado desapercibidas. Sin embargo, entre todo ese caos, para mí han destacado proyectos que han sabido brillar con fuerza. The Help con su álbum LL ha sido una revelación, mientras que el joven Icy Vedo surfea con estilo la ola que seguramente inundará 2025. Joyas como Babyxsosa han sido descubrimientos muy gratos, y artistas como Akrilla, Fimiguerrero o Barry B se han consolidado con proyectos potentes que están traspasando fronteras.

Pero este año me quedo con un álbum que me ha ilusionado de verdad, uno que me ha hecho volver a sentir la música en la piel, emocionándome con cada mezcla de ritmos y vibras, todo ello presentado con una gran cohesión. Esto es algo que tiene aún más mérito si consideramos la cantidad de colaboradores que participan en Leather Park (Vol. 1). Todo ello está magistralmente encauzado por Odunsi (The Engine), un artista que no solo ha entregado un gran proyecto, sino que también ha reafirmado su posición como una figura clave en la escena alté.

El género alté, del que Odunsi es pionero, es un movimiento musical y cultural que surgió en Nigeria a mediados de la década de 2010. Se caracteriza por su enfoque experimental y ecléctico, fusionando afrobeat, R&B, hip-hop, electrónica y otros géneros globales. Nacido como una alternativa al afrobeat comercial, el alté ha sido liderado por jóvenes artistas que buscan autenticidad y creatividad fuera de las convenciones mainstream. Figuras como Cruel Santino, Lady Donli y Tems han contribuido a redefinir los límites de la música africana contemporánea, consolidando un espacio que combina vanguardia y expresión cultural.

Desde su irrupción en la escena musical nigeriana en 2016, Odunsi se ha consolidado como un creador prolífico que combina a la perfección rap y R&B. Este talentoso músico ha lanzado una serie de sencillos y EPs que han cautivado al público con su sonido único. En 2024, nos regaló cuatro sencillos: Mind Reader, Crown Bounce, Resurrect y Therapy. Tres de estas canciones ocupan un lugar destacado en su último álbum, Leather Park (Vol. 1), un trabajo que me atrevería a decir que es su obra más ambiciosa hasta la fecha.

Como una figura esencial en la escena alternativa nigeriana, el proyecto debut de Odunsi, Time of Our Lives, marcó un antes y un después. Inspiró a una generación de creativos a explorar el género alté, validando y representando a una nueva ola de artistas. Aunque su música no siempre se apodera de las listas mainstream, el impacto de su visión y la calidad de su arte son innegables. 

Leather Park (Vol. 1) es mucho más que un álbum; es una declaración de intenciones. Con 15 temas que exploran a fondo el alté, Odunsi nos ofrece una experiencia sonora diversa y fascinante. La lista de colaboradores es impresionante, desde el fenómeno del street pop Bella Shmurda hasta el pionero del alté Cruel Santino, pasando por talentos emergentes como Minz y Elias Slay6rr. Cada artista aporta algo único, enriqueciendo un álbum ya de por sí cargado de texturas y matices.

En cuanto a la producción, cada tema tiene su propia identidad, gracias a que Odunsi confía en un productor diferente para cada pista, aunque lidera personalmente gran parte del proceso. Esto da como resultado un disco variado que mantiene al oyente enganchado de principio a fin. Para quienes aman el alté, Leather Park (Vol. 1) es como abrir un cofre del tesoro musical. Cada canción es una nueva joya, una sorpresa que demuestra cómo el género puede seguir evolucionando.

Benifornia, cómo puede intuirse por su título, trae a España esa vibra paradisiaca y veraniega que siempre ha caracterizado a la cultura californiana para demostrar que aquí somos más disfrutones que nadie, dando forma a un proyecto que podría funcionar como banda sonora de una potencial nueva entrega del GTA Vice City ambientada en la Comunidad Valenciana.

Así como lo oyes. Sami Deluxe, armado únicamente con una Talk-Box y la compañía de sus talentosos colegas, se adentra en el sonido noventero más Funk y Disco, que carga al proyecto de ese aura retrofuturista del Pharrell Williams de Los Neptunes, y que cada vez que lo escuches, te hará ver el mundo como Phineas y Ferb: Sintiendo que el verano nunca acaba.

Pero si aún te quedas con ganas de más, y no quieres que pare la fiesta, te recomiendo escuchar su EP ‘Stereo Madness’, donde, formando equipo junto a Flako NKO, nos muestra un adelanto de un prometedor futuro proyecto que, como mínimo, promete ponernos a B.A.I.L.A.R SIN PARAR.

En un fin, el motivo de seleccionar ‘Benifornia’ como mi Pick de Álbum Nacional para el Spotlight, además de por tener un enfoque distintivo y adentrarse en la exploración de un sonido único que no se encuentra en casi ningún otro proyecto español, es posible que nazca de un sentimiento de nostalgia, que me ha hecho conectar con ese niño interior que tantas buenas experiencias ha ido recolectando, a lo largo de los años, a través de la mejor época del año: el Verano.

Boy, cual apodo genérico que le da nombre, podría ser la historia del Coming-Of-Age del adolescente promedio. Ya sabéis: Ese momento en el que todo llega de golpe, y debes lidiar con temas tan vitales como la propia búsqueda de la identidad, o hablar a tu Crush. Y sí, al final, lo que nos cuenta 2hollis es esto. 

Pero, si algo nos deja claro desde el Minuto 1, es que su forma de visualizar sus emociones dista a años luz de lo genérico, y que, de hecho, es excepcional. Y es que, pocos álbumes dibujan y se hacen sentir, tan minuciosamente a través del sonido, la Senda Arcoíris de estímulos y sensaciones que supone ser un chaval de la Generación Z, cómo lo hace este. 

El álbum funciona como un DJ SET totalmente cohesionado, que, como la misma rueda emocional y social de la pubertad, no da chance ni a tomar un último respiro una vez adentrado en él, creando un ambiente super veloz y cargado en el que, en cuestión de segundos, el R&B es Metal, el Metal es Dubstep, el Dubstep es House, y nada es lo que parece, dando comienzo a una aventura, que cuanto menos, será desafiante y sorprendente, pero sobre todo, reveladora.

De esta manera, como vengo destacando, el motivo de seleccionar ‘boy’ como mi Pick de Álbum Internacional para el Spotlight nace de esa completa carga dramática que transporta su sonido, haciendo que este sea un álbum, que aunque no conectes con las vivencias del autor o incluso no comprendas el idioma, te provoque toda una amalgama de emociones a flor de piel con cada efecto, o como mínimo te haga sentir algún que otro escalofrío, como lo ha hecho conmigo.

Colores intensos, bajos distorsionados y una baby voice como ninguna que hayas escuchado antes. Así se presenta uno de los trabajos más laureados de este año en el underground estadounidense a manos de una renovada Skaiwater, gracias a la que se han logrado romper barreras de género que parecían imposibles de superar hace años. En un nicho tan masculino como el underground, el hecho de que una chica no binaria haya logrado posicionarse como una de las promesas más respetadas de la nueva ola es un hito pocas veces visto.

Desde que escuchas real feel, el primer bocado de este proyecto, sientes un magnetismo inexplicable; quizás es la voz de Skai, cálida y sentida (“¿es Playboi Carti o Young Thug?” dije la primera vez que la escuché), o ese piano que suena de fondo que rompe todos los esquemas y prejuicios con los que entrabas. Cuando experimenté esta primera escucha, decidí dejarme sorprender sin ninguna pretensión. Y menudo disco, del que no he podido desapegarme por mucho que hayan pasado los meses.

Hay letras, flows y beats de #gigi en los que pienso día sí y día también. El proyecto es una montaña rusa de emociones, hablando desde desamores y vulnerabilidad hasta incertidumbre con su orientación sexual. Skaiwater nos promete un relato que pocos artistas nos pueden brindar, hablando abiertamente sobre prejuicios sociales con su música y cómo se extrapolan a su vida personal y sus relaciones. #gigi es uno de estos proyectos que suenan bien en la superficie y que calan más conforme te adentras en él tratando de entenderlo.

Dicen que el arte no solo te marca por el mero hecho de serlo, sino que a esto se le añaden las experiencias que hayas tenido junto a él. #gigi fue una de los pocos proyectos que escuché una y otra vez durante un viaje con amigos, y siempre que suenan los primeros acordes de temas como rain o richest girl alive, me transporto a un momento donde fui feliz imitando la voz de Skaiwater o acercando el dedo al altavoz para sentir los graves de box.

Me he emocionado con heavy metal y he saltado con bleach, y siempre que lo escucho pienso “es el álbum de la década”. ¿Una exageración? Probablemente, pero el hecho de que un disco te haga sentir así no tiene precio, y es por eso que #gigi tiene un hueco especial en mi lista de discos favoritos de 2024. Deseoso de ver lo que le depara el futuro a su sonido y el mensaje que trate de reflejar. Mientras tanto, seguiré agradeciendo y recordando una y otra vez las experiencias que he atesorado con #gigi.

Acaba 2024 y nunca está de más celebrar a una de las artistas más especiales de nuestro país: Rebe. Fue de los primeros estrenos interesantes del año y la culminación de su inexplicable universo. Con “Y es que acaso no me oyes??”, Rebe presenta un sonido valiente y único (de verdad, es imposible que algo de ahora suene parecido) y a la vez hace un guiño a sus referencias de siempre. Un poco de Las Grecas, Chicago, Grimes, Pimpinela, Marisol y listo. De hecho hay un guiño a esta en “Marisol”, un primer single con el que te entrarán ganas de rescatar palabras como “guateque” o “bailongo”.

Y es que Rebe pone en valor algo que siempre se quiere esquivar: lo rancio. Mientras muchos artistas apuestan por “limpiar” y estandarizar la canción española, Rebe prefiere potenciar su verdadera magia usando campanas, mosquitos, coros desafinados, efectos que suenan a Word Art 2003, y otros recursos que te harán sacar una sonrisa. En “lejos del mundo y del dolor”, Rebe parece una caja de música rota con una bailarina llena de polvo y “duelo de amor” te transportará a esa función de infantil donde te quedabas en el sitio moviéndote de izquierda a derecha. 

A pesar de todos estos adornos, este disco no es una bizarrada gratuita imposible. Son canciones pop con melodías muy pegadizas y sorprendentes que acompañan a unas letras ultra dramáticas. No sobra ni falta ningún elemento. “yo te llevo conmigo al cielo” combina su voz inconfundible con miles de microinstrumentos y hasta toques de reggaeton? En fin, se nota que estas canciones se han tejido con la única ilusión de construir un mundo tan concreto y tan mágico que sea inevitable sentir curiosidad por él. En una época donde los estrenos se nos escurren entre los dedos, se agradece contar con proyectos así de mágicos y humanos. Viva lo rancio, viva lo cutre y viva Rebe.

La vida es una carrera a fondo, dónde las personas que te acompañan en tu maratón hasta el final dejan una huella imborrable en ti. RALY es el Martín Fiz de la industria española y sabe perfectamente de qué va esa maratón. Siempre sin dejar de correr, el artista de Igualada firmó este 2024 uno de los mejores álbumes debut que se recuerdan en los últimos años.

Para los que nos mudamos a la gran ciudad desde entornos menores como pueblos o islas, el foco al que te expone la industria desde el minuto uno puede llegar a ser ansioso. Pasar de la tranquilidad de Igualada, un pequeño pueblo a las afueras de Barcelona de menos de 40 mil habitantes, a grandes ciudades, como la antes mencionada capital catalana o Madrid, florece en ti un tipo de sentimientos difíciles de procesar al momento. La “galleta” de realidad que te propana la industria desde el día uno hace que en las mentes brillantes crezca un fenómeno estudiado por muchos pero entendido por pocos, la evolución. “Lo que piensa la ciudad de mí” es un disco que no es propio de un artista con 2 años de carrera musical.

Ya sin tener en cuenta el progreso enfrente de sus proyectos previos, el primer disco de RALY presenta una madurez notoria y un sonido cohesionado durante todo el registro sin sonar repetitivo. Otro punto que le merece su mención en el Spotlight es el excelente manejo de la intensidad de las letras, poniéndo en referencia “aunque duela”, dónde el artista logra ese equilibrio tan perseguido por muchos en el que consigue sonar profundo pero no pedante. La visión de RALY y su equipo de trabajo en el apartado visual también supone una grata sorpresa y se aleja de lo que se suele esperar de un artista emergente.

En 2025 presenta “A0”, su próximo disco, y una oportunidad de subirte a la ola de un artista que con solo dos años de carrera reventó el main stage del Riverland. Hasta entonces, “Lo que piensa la ciudad de mi” sigue teniendo registros frescos como “enfermo” o “SIN PERO” (esta te suena seguro).

TRISTAN! es un caso curioso dentro de la escena española. Lleva ya 2 años de carrera y sigo teniendo esa sensación de que todo esto es su espacio de juegos. Creo que es ese estilo juvenil, incluso infantil a veces, lo que me ha enganchado tanto y lo que me ha hecho simpatizar con cada letra y melodía que escribe. “Music EP” es la primera vez que le vemos formar un proyecto de verdad y se le nota más, aún si cabe, vulnerable y creativo que nunca.

Por esa misma razón de que TRISTÁN! solo era un niño jugando con sus juguetes, me generaba expectativa ver cómo afrontaría hacer algo más meditado. Yo quería que saliera bien, iba con la intención de volver a él mucho durante el año, pero realmente “Music EP” se escucha como una experiencia muy selectiva. Es un chute de nostalgia y felicidad que siempre está ahí, pero del que tampoco quieres abusar. 

Aún me acuerdo cuando escuche ‘OPPENHEIMER’, el standout del disco definitivamente. La letra en esta ocasión no es lo que me llamó, de hecho a día de hoy no descifro lo que dice en algunas partes, pero esa explosión psicodélica, los coros (hechos supuestamente por una artistaza como Azuleja) y toda la atmósfera del tema me atrapó. Me llevaba a otro mundo cada vez que la escuchaba, daba igual lo que estuviera pasando fuera que me trasladaba a una playa paradisíaca alejada de la sociedad. Era casi que un mecanismo para inhibirme del mundo.

Después hay temas como ‘Pinky Ring’ o ‘Take It Easy’ que te consumen, en el buen sentido de la palabra. La mezcla de sonidos electrónicos repetitivos y esa voz susurrada y muy procesada te da esa sensación futurista y minimalista a la vez. No me sorprende que Roy Borland este detrás de ambos temas, porque sus guitarras y su forma de entender la voz y el cómo expresar los sentimientos me cambió mi visión de la música. 

Entre la estética, las propias canciones y el artista que lo hace, que le tengo mucho cariño, este EP se ha convertido en algo muy sentimental para mí. Me veo reflejado, es definitivamente lo que a mí me gustaría hacer si fuera artista. Uno de mis deseos para el 2025, verlo y sentirlo en directo.

Hay gente que dice que estudiar con música es imposible, que lleva a la desconcentración porque, aunque quieras tener la atención en decir si un compuesto es base o ácido o en cómo resolver una identidad notable, siempre acabas tarareando aquello que suena en tus cascos. ¿Cansado de no poder estudiar escuchando música? Hoy te voy a enseñar uno de los proyectos que más me ha ayudado en mis días de biblioteca; y los que no son de libros y apuntes.

Los discos instrumentales son de las cosas más bonitas que te puedes echar a los oídos. Es maravilloso que algo sin letra te diga tanto, hasta tal punto que te aísla de aquello que está en el exterior. Literalmente sois tú y esa melodía que te lleva a un estado de trance entre tus apuntes y uno mismo. A lo largo de mi periodo de exámenes y de esos días que necesitaba paz y concentración máxima, me han acompañado muchos discos instrumentales, pero ha habido uno que ha estado conmigo día sí y día también.

Seguro que te suena Gideo, uno de los productores más talentosos del país. Ha producido para artistas como Pedro LaDroga, Cecilio G. o Gloosito. Además, junto a Baby Pantera ha trabajado back to back en proyectos como “BCN” o “Nonchalant”, además de colaboraciones existentes entre ambos. Pues bien, tras 2 EPs entre 2022 y 2023, “Ninot” y “Offender”, Gideo se lanza a la aventura de los álbumes.

El 24 de abril de este año, Gideo nos presenta “Proffessional Existing”, un disco instrumental que consigue tenerte completamente disociado durante la media hora que dura el mismo. Mediante beats hipnóticos, Gideo nos plantea una paleta de sonidos muy detallada y sintética repartida a lo largo de 10 temas. En esta ocasión, el artista madrileño ha contado con Baby Pantera y Loyalty XIX para acompañarlo en “Gatekept” y “Value”, tercer y quinto corte de la cinta.

Una de las cosas que más me gustó de “Professional Existing” es el trato tan cuidado que da Gideo a cada capa que conforma cada pista. Imagínate que vas a una gran ciudad. Todos los sonidos se fusionan entre sí para dar lugar a esa “banda sonora” con la que identificas que estás en una metrópoli. Si te paras a analizar los sonidos uno a uno, te darás cuenta de que hay coches pitando, que un señor está vendiendo lotería o que un conspiranoico pregona que “el fin se acerca”, pero el ruido de fondo te hará difícil poner fija tu atención en esos sonidos. Gideo consigue que, cuando pones tu atención en aquellos detalles de la pista, todo lo que está detrás quede en silencio. Consigue que el sonido exista de una forma única y diferenciada de los demás puntos a analizar.

Para mí, Gideo ha conseguido con “Professional Existing” llevar a otro nivel la experiencia auditiva que supone un disco instrumental. Ha logrado de forma más que exitosa que el sonido tome protagonismo, tanto individualmente como globalmente. Y bueno, también ha conseguido librarme de la convocatoria extraordinaria, qué más quiero.

Cuando escuché «Ludovica» del anterior álbum del trío italiano Fuera, no tenía ni idea de que sería la llave para que Mike, Diack y Jimmy me abrieran las puertas a un universo lleno de contrastes, emociones y una frescura casi adictiva. Fue entonces cuando llegó Mariposa, ese primer adelanto que marcó un antes y un después. Notaba que algo importante se estaba gestando, pero no que sería el inicio de lo que hoy considero mi álbum internacional favorito del año: Sonega Sonela.

Tras un año dejando pistas de lo que sería su obra más trascendental, Fuera nos entregan un álbum que va más allá de las tendencias habituales. Sonega Sonela rompe esquemas, desborda creatividad y conecta culturas con un sonido rebelde, crítico y a la vez satírico. Este álbum no es solo música; es un puente entre lo mejor de Italia y España, con ambos idiomas entrelazándose a lo largo de sus temas.

El viaje comienza con singles potentes como «Mariposa», «Santo», «Cosa Fai Stasera?» y «Estrella», cada uno acompañado de visualizers tan originales como sus canciones. En abril, Fuera nos reveló que estos temas formaban parte de un EP, Sonega, al que se sumaron pistas como «Lentamente», «Nella Mella» y «Rebel». Estos temas, más experimentales y abstractos, le dan al álbum un aura codificada y misteriosa convirtiéndolo en uno de los proyectos más interesantes del panorama underground italiano.

Dentro de esta escena, nombres como Ele A, Emma, Slings o Centomilacarie destacan como exponentes de una nueva ola de artistas italianos que están redefiniendo la industria con propuestas frescas y revolucionarias. Fuera se suma a esta corriente con su carácter único y su capacidad de dialogar con la escena española. No es casualidad que hayan mostrado en sus redes sociales admiración hacia colectivos y artistas como RusiaIDK, Nusar3000, Fuji?, Iuky o Gara Duran. Estos nombres no solo inspiran su trabajo, sino que también refuerzan la conexión con el vibrante movimiento musical que se vive actualmente en España.

El pasado diciembre marcó el cierre de este recorrido con el lanzamiento de siete nuevos temas que terminan de dar forma a su masterpiece. En estos tracks, el español toma protagonismo, y el álbum se convierte en un mosaico sonoro que viaja del rap introspectivo a ritmos latinos, coqueteando con el glitch y haciendo guiños al flamenco y la tradición mediterránea.

Temas como «Pero es Normal» nos envuelven en una melancolía llena de fuerza, mientras que «Goyard» conecta con los sonidos más contemporáneos de Nápoles y Madrid. Quiero hacer una mención especial a «Conexión», una auténtica joya que confieso no haber dejado de escuchar desde que la descubrí.

No sé si el 2025 será el año en que veamos a Fuera conquistar a la escena española, pero algo me dice que están más cerca que nunca. Lo que tengo claro es que uno de mis propósitos para este año será ver a estos chicos en directo <3