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  • Tristán: «Intento no pensar demasiado en el tiempo»

    Tristán: «Intento no pensar demasiado en el tiempo»

    Tristán! piensa en borrar palabras del diccionario, se ríe del artista que conceptualiza en exceso, y sueña con hacer una película. Es el artista detrás de Tristán, ahora con reloj. Pertenece al dúo creativo bajo el nombre Fomotrauma, los chavales detrás de la mayoría de videoclips y visuales de artistas como Rusowsky y Ralphie Choo. Me recibe por videollamada desde el salón de su casa. Transmite tranquilidad, es atento y me habla sobre sus sueños y preocupaciones. Últimamente piensa en qué pasaría si no existiesen palabras que usamos en nuestro día a día. Yo pienso en qué pasaría si no existiese gente como él.

    Créditos: Clo-Tem

    ¿Qué te ha obsesionado estas últimas semanas?

    Últimamente pienso mucho en borrar palabras del vocabulario. Siento que construimos nuestra vida alrededor de las palabras que usamos, y que si eliminas palabras del diccionario también desaparecen sus conceptos. Me ha hecho bastante gracia pensar que borras palabras y por ello se eliminan de tu vida. Por ejemplo, borras “depresión” y por lo tanto ya no existe.

    Me esperaba una peli o un álbum de música.

    Podría decirlo también pero esto es de lo último que he estado pensando.

    Me gustaría empezar la entrevista con Music EP. Ya ha pasado tiempo desde entonces, ¿qué recuerdos tienes de la época en la que lo hiciste?

    Buenos recuerdos en general. Todo lo que haces previamente te sirve para luego crear en el futuro. Aunque ahora mismo no haría un EP así, sí que siento que fue un momento importante para mí. Estar sacando singles y tomar por primera vez la decisión activa de hacer un proyecto como tal. El englobar las canciones en un concepto, aunque en el caso de Music EP era algo más global. Siento que fue un primer paso y un aprendizaje de cara a preparar el álbum que acabo de sacar.

    ¿Cómo interpretaste ese cambio? ¿Fue natural o sentías que debías hacerlo?

    Sí. Siento que pasa con todos los artistas, ¿no? Empiezas con los singles porque es lo más fácil de hacer y no requiere tanto concepto, cuando tienes pillado el tranquillo dices “venga voy a hacer un EP”, un proyecto más pequeño y que no tiene tanto peso. Ya de ahí vas al álbum.

    Del EP al álbum, ¿cómo ha cambiado tu manera de ver tu música y plasmarla?

    Es inevitable, te cambia el chip. Todas las canciones deben de convivir de una forma u otra. En Music EP algunas canciones las hice por mi cuenta, pero empezaron a dispersarse las responsabilidades. Trabajé con Roy (Borland) y con Daniela Lalita, y para cuando empecé con el álbum sentí que debía trabajar con más gente a parte de mí para darle cohesión. Estuvimos Roy, Teo (Planell) y yo desde cero y eso le aportaba coherencia al proyecto, más allá de pensar en un concepto. Aunque tampoco considero que sea un disco conceptual, no lo es. Más que nada son canciones que me representaban a mí y ese era el marco narrativo. 

    ¿Cómo es el momento en el que dejas de hacer música solo en tu cuarto y pasas a delegar en otra gente aspectos de tu proyecto?

    Pues tiene dos caras: cuando delegas en que otra persona produzca o componga, tienes que dejar ir, ya que estás interrumpiendo el proceso. Delegas en el sentido que esa persona lleva la batuta en ese aspecto del proyecto. Al empezar fue difícil, ¿sabes? De estar acostumbrado a tomar las decisiones yo solo a tener que dialogar y no siempre elegir lo que más te gusta. Yo creo que es muy parecido al proceso de hacer una película. Hay más gente en el equipo y hace falta un consenso. Cuando acabé el álbum pensé justo en eso, que lo siento muy mío pero inevitablemente es un álbum de Roy y Teo también, ya que han estado prácticamente igual de involucrados que yo, más allá de que firmaba las canciones yo y los conceptos salían de mí. También creo que va por proyectos, que esta vez decido hacerlo así y en otro con otras características y enfoques me apetece hacerlo yo todo. 

    Ahora echo mucho de menos producir, y aunque me haya gustado delegar en Tristán, ahora con reloj, si que me planteo volver a producir yo o coproducir con otra persona.

    Es como saltar de un cortometraje a una película. Tiene sus pros y sus contras.

    Justo, es muy bonito y gratificante, pero por otro lado echo de menos el proceso de estar en mi cuarto solo y producir a mi bola.

    Sobre tu disco, primera duda que tengo: ¿qué te ha dado con los relojes?

    En verdad fue una coña que me vino un día. Rondaba la idea de hacer un álbum en verano, subirme a casa de Roy y Teo. Una mañana recuerdo que llevaba un reloj y me hizo gracia el nombre del álbum, pero más como algo sonoro. Me gustaba como sonaba la palabra “reloj”. Empezó como una coña y a lo largo del proceso de hacer el álbum la broma cobró vida y obtuvo un trasfondo. Fue clave ponerme a hacer el álbum con el título ya en la cabeza, creo que generó un marco de por sí en las canciones. Como dije, no considero que sea un álbum conceptual, por lo que las canciones que entraban se decidían por si entraban o no en este lore.

    Lore “reloj” (risas).

    Sí, tenían que tener el punto justo de humor y de ser canciones serias para entrar dentro del álbum. Creo que tiene bastante coña, el nombre determinó mucho el tono del álbum

    Pensaba que sería un concepto rebuscado, el paso del tiempo o algo así

    Inevitablemente acabó cogiendo ese peso, son canciones que representan a la persona que era yo haciendo el álbum, hace año y poco. De primeras era más una coña entre nosotros.

    De cara a este disco, ¿volvías a tu música de antes como punto de partida?

    Fue borrón y cuenta nueva. Tenía claro que quería que fuese algo distinto a lo que había hecho antes. Si hubiese cogido referencias de canciones anteriores, esa ruptura no tendría sentido. En verdad no había referencias más allá de una playlist de inspiración, de cómo quieres que se escuche el álbum. A la hora de grabar la mantuve en secreto, no se la enseñó a Roy, más que nada para no condicionar. No quería ir a tiro hecho, mi plan era coger los instrumentos y confiar en el proceso, ver cómo surgían los temas.

    También es verdad que tenéis un bagaje previo y compartís inspiraciones muy similares.

    Total, era estúpido poner las referencias de manera tan clara en las canciones. Entre nosotros, al ser colegas, sabemos lo que le gusta al otro. 

    Créditos: Clo-Tem

    Sobre Life is a Movie, en la canción dices: “si pudiera nacer otra vez, sería otro hombre”. A estas alturas de tu carrera, ¿cambiarías algo sobre tu trayectoria musical?

    Yo creo que tampoco cambiaría nada, no se me ocurre algo que le diría a mi yo del pasado. No correr, quizás eso. Siento que cuando empiezas en una cosa y te va bien, tiendes mucho a la carrera, a pensar que se te puede ir la oportunidad. El mejor consejo es bajar las revoluciones, el correr hace que no tengas claras las cosas. Cuando pierdes el ansia de todo, mejor van las cosas. 

    Mapamundi es uno de los temas que más me han cautivado del disco. Es una introducción épica para un disco que luego es muy minimalista. ¿Cómo nace esa idea?

    Surge de manera bastante natural, quería hacer una intro que se diese la bienvenida en diferentes idiomas, me hacía bastante gracia. Cuando se lo comenté a Roy, me dio la idea de samplear el Voyager-1, que es el mensaje que Carl Sagan envió al espacio con el fin de encontrar vida extraterrestre. Probamos varias cosas y cuando dimos con ello nos pareció perfecto. Es bastante épica pero fue de manera azarosa, podría haber tomado otro camino pero acabamos metiendo sintes y sintes. Choca bastante con el disco. ¿Cuál venía después de Mapamundi?

    Capitán Cocodrilo.

    Justo, de repente bajada total (risas).

    Mapamundi se siente como si estuvieses lanzando un cohete.

    Era un poco la idea de dar la bienvenida al mundo el disco que íbamos a sacar. Tampoco sabíamos muy bien qué iba a ser ese mundo, pero teníamos ese objetivo de que se sintiese como una nave espacial aterrizando.

    ¿Dónde sería tu sueño presentar un álbum? Algo como un cohete en el espacio con tu música.

    Bua, ni idea. La verdad es que se me ocurren muchas, pero me quedo con esa.

    En Tristán, ahora con reloj mezclas instrumentos acústicos con sonidos propios de ordenadores. ¿Cómo ha cambiado tu manera de hacer música a la hora de introducir instrumentos reales?

    Pues yo no sé tocar la guitarra, estoy aprendiendo ahora. La verdad es que no era bueno con los instrumentos, el piano lo tocaba a duras penas, no tengo batería en casa ni nada. Cuando tomé la decisión de hacer el disco con Roy en su casa, pensé en incluir todos los instrumentos que teníamos a nuestro alcance. Fue muy estimulante porque venía de hacer música en mi cuarto simplemente con el ordenador, así que de repente se abrió un mundo. El poder hacer todas las canciones del mundo, posibilidades infinitas. El sonido orgánico no es una búsqueda demasiado consciente. Siempre me ha gustado la música de bandas y vengo de escuchar indie. 

    Sobre la canción Tutta La Notte, que haces con Calcutta y es entera en italiano. ¿Cómo fue dar el salto a cambiar de idioma para este tema?

    Yo estudié en el Liceo Italiano. Mis padres no son italianos ni nada pero he viajado y escuchado mucha música de allí, aprendí de muy pequeño. Cuando empecé a hacer el álbum tenía en una libreta apuntado cosas que quería tener en él, y una de ellas era tener una canción en italiano. Más que nada como homenaje a las canciones que me gustaban de artistas como Calcutta. Quería “performear” ser otra persona, que siento que está en otras canciones del álbum también. Como muchas otras cosas del proyecto, fue algo que estaba entre la coña y hacerlo en serio.

    Me gusta mucho el peso que le das a la broma, a disfrutar sin un concepto detrás.

    Sí, en Tristán, ahora con reloj me parecía clave el pasarlo bien haciéndolo. Durante todo el proyecto intenté evitar cualquier cosa que me rayase mínimamente. Al principio, al tener que delegar la producción, inevitablemente te preocupas. Piensas: ¿está el álbum yendo bien? Al estar todo el rato jugando en la broma, tampoco quería que fuese excesivamente de coña y que la gente se pensase que era música meme, porque no era la idea. Me tomo en serio pero quería que hubiesen bromas. La idea era evitar a toda costa la solemnidad, que quedase muy épico. Por eso tampoco hay un concepto detrás del álbum, el propio nombre es una coña.

    En Tutta La Notte, dices: “Athletic de Bilbao, Atlético”. ¿A qué te refieres?

    Pues esa es la parte de Calcutta. Cuando le envié la canción, me pidió las pistas y reestructuró la canción. Y cuando me manda la demo, me pongo a escucharla y veo que el pibe ha puesto una referencia al Athletic de Bilbao. Que en verdad venía de cajón al álbum, pero parece que estuviese muy pensado, pero fue algo random.

    Además que no le antecede nada sobre fútbol, viene al dedo con la idea del disco.

    Total. Lo que intuyo es que la letra habla de una especie de romance después de un partido del Athletic de Bilbao. Es un concepto muy estrafalario que me encanta.

    Me sorprende porque no recurre al cliché, no es un equipo español famoso. Algo le ha tenido que pasar para pensar en el Athletic de Bilbao.

    Yo pienso que él estaba contando su película, algo que le habrá pasado alguna vez. Se debió de enamorar de una española en un viaje, no tengo ni idea, pero me encanta especular con a qué se refiere con eso.

    ¿Cuál es el instrumento que más disfrutas en tu música? En su momento, cuando sacaste Green Love como single, me sorprendió el saxofón.

    Tampoco te se decir, la verdad. En la libreta con lo que quería que estuviese en álbum, tenía apuntado lo del saxofón. Es un instrumento que me encanta, que en la música que se hace ahora falta. Me gustan lo que se salga de sintetizadores y percusiones más traperas. Era muy gracioso meter instrumentos que rompiesen con el sonido del disco por la cara. Me encantaría que alguien del mundo urbano empezase a usar instrumentos raros, de repente sacar un clarinete (risas). El saxofón me flipa, pero también las baterías, la guitarra, el piano…

    En medio del disco hay dos temas instrumentales seguidos. ¿Funcionan como interludio o fue pura aleatoriedad?

    Para mí Kung Fu Beat tenía sentido que interrumpiese en mitad del álbum, que hiciese de conector entre la parte A y B del disco. La parte A me parecen canciones más sólidas, con más peso. Transhumancia (el segundo tema instrumental) seguía esa vorágine de la segunda parte. No fue premeditado, pero tenía sentido tomarse una pausa en medio del proyecto. Que después de la tralla de la intro y las primeras 5 canciones hubiese un momento de tranquilidad.

    Me encanta el concepto de descansar en tu propio álbum.

    Justo. Escuchando LUX de Rosalía, tenía la sensación de que no me dejaba descansar. Era demasiado que procesar, en el último disco acabas sudando. Me gustaba que hubiese un momento de break en Tristán, ahora con reloj, que pudieses ir al baño o ponerte a cocinar.

    En la segunda parte del disco está Ártico, uno de los temas más sentimentales del disco. Hablas mucho sobre el paso de tiempo, ver más allá del presente. ¿Qué es el paso del tiempo para ti y tu proyecto?

    Algo inevitable, lo quieras o no el tiempo acaba pasando.

    ¿Le tienes miedo?

    Intento no pensarlo excesivamente para no rayarme. Pero es algo que está ahí por huevos, más te vale convivir con él o te mata.

    Dentro de la canción, ¿qué es el “ártico” del que hablas?

    No es algo en especial. Las canciones del álbum surgen de estar Teo, Roy y yo charlando y de repente tener el venazo de ponernos a escribir la canción. De una temática que surge vamos tirando del hilo. No hay una gran metáfora, no me gusta tampoco escribir así. El “ártico” es como lo quieras entender tú, y ese será el verdadero significado.

    Preparando la entrevista me surgía todo el rato esa duda. Los artistas suelen ser bastante presentes en redes sociales y entrevistas, y escuchando tu música no sabía por dónde me tirarías. Que a lo mejor todo tenía un proceso y concepto muy elaborado o simplemente te las gozabas y ya.

    Yo creo que siempre son ambas cosas, no es blanco y negro. Se tiende a pensar que si yo te dijese que el ártico es algo súper rebuscado, la gente pensaría que hay más bagaje detrás, que fuese más interesante. Siento que a veces, que a mí también me pasa, ves películas y piensas: si esto no es una representación de la metafísica del protagonista… Cuando las cosas están sobre el papel porque sí es cuando más las disfruto. Tendemos a llenar de significado a cosas que no lo tienen y así están bien. Me gusta darle una idea propia a las cosas sin necesidad de que ese sea el del autor, es muy válido.

    Me pasa con David Lynch, que siento que hay cosas que simplemente le apetecían poner sin darle demasiadas vueltas.

    Claro, es que yo te podría decir algo súper rebuscado sobre qué significa el reloj en este proyecto pero muchas veces las cosas vienen de ideas que aparecen en tu cabeza sin significado claro. Si a David Lynch le apetece meter un enano en una escena, lo hace porque esa es la idea íntegramente. No tiene un significado o una metáfora detrás más allá de tener esa idea. Eso ya es suficiente, no hay necesidad de rellenar con un contenido extra ese propio concepto.

    Que el sentido literal puede tener el mismo peso que el conceptual

    Sí, y que sobre todo que el sentido tangencial tiene mucho más significado que algo que va de denso y rebuscado. Es como: venga tío no me la cuentes. Muchas veces el propio sentido se lo damos nosotros, no tienes la necesidad de agarrarte a lo que piensa el autor. Estoy en contra del artista que trata de meter mucho significado en los álbumes, que a veces es mejor dejarlo estar y que sea el oyente quien se haga su película.

    Créditos: Clo-Tem

    También tengo que preguntarte sobre tu otro lado artístico, tu dúo con Mori en FOMOTRAUMA. Es algo muy rompedor para la gente que no está en internet o que no se haya criado con él. Recuerdo ir con mi madre a un concierto de Ralphie Choo y que no diese crédito con los visuales que hicisteis. ¿Cómo dais ese paso a trabajar en otros áreas más allá de la música?

    Pues yo antes de hacer música siempre quise dedicarme al cine. No concibo hacer música como algo separado de hacer la portada o el videoclip. Para mí todo eso va muy ligado, debe tener una intención más allá de las canciones. A la hora de hacer el álbum pienso en cómo haré la portada, los vídeos, la promoción. Fomotrauma viene de que Mori y yo somos amigos y compartimos referencias.

    ¿Es una respuesta a no encontrar artistas que tuviesen la misma visión de vuestro arte?

    En parte sí, siento que tanto él como yo venimos de la experiencia de hacer videoclips con gente que no éramos nosotros y no haber acabado contentos. Tomamos la decisión inevitable de hacerlo nosotros. A veces piensas que no eres suficiente o que, al no tener una productora, no saldrá un buen trabajo. Al final tenemos las herramientas, ya sean un móvil o una luz. Todos los vídeos del álbum los hemos grabado con un móvil y éramos Martín (Mori) y yo con una idea. No lo digo porque sean mis vídeos, pero siento que están más guapos que otros con muchísimo presupuesto o una idea muy grande. Me aburre cuando los presupuestos y los recursos técnicos pesan más que la idea. Siento que si tienes un concepto en la cabeza tienes que hacerlo, independientemente de si no tienes una grúa o unos focos. Tienes un móvil o un colega tendrá una cámara, y si le pones cariño va a estar más guapo que la idea inicial. El videoclip que querías hacer ya lo habrá hecho Dua Lipa, siento que hay que volver al formato pequeño y casero.

    Videoclip de uwu^^, de Rusowsky y Bb Trickz. Dirigido por fomotrauma

    Una duda que siempre he tenido: ¿quién de los dos tiene las ideas más descabelladas? Que el otro haya tenido que pararle los pies alguna vez.

    Depende, a veces soy yo, otras Martín. Los dos tenemos ideas descabelladas que luego vamos reduciendo. Cuando trabajamos para Rusowsky o Ralphie Choo, que sabemos que hay más medios, queremos tirar la casa por la ventana. Luego la productora nos para los pies.

    Veo Fomotrauma como un proyecto que inevitablemente saltará a un formato más allá de videoclips. ¿Tenéis algo pensado en un futuro?

    Estamos con ganas de hacer una película, lo único que nos importa verdaderamente ahora mismo. Ya sabemos hacer vídeos, pero una peli es un reto que no es solamente algo estético sino que tiene un peso aparte. Creo que vamos a tener la oportunidad, hecho con nuestros recursos y a escala muy mínimo, pero a ver lo que sale.

    ¿Tratas Fomotrauma con el mismo peso que tu proyecto musical?

    Absolutamente, ambas me quitan el mismo tiempo de mi vida y en mi cabeza. Va por etapas, cuando estaba con Roy haciendo el disco pues dejé un poco a parte Fomotrauma pero ahora que estamos pensando en la película, la música desaparecerá durante un tiempo. Para mí lo visual siempre ha tenido el mismo peso que lo musical.

    Dices que te quitan el mismo tiempo. ¿Te tomas descansos o te permites darte un tiempo a la hora de hacer arte?

    Creo que la pausa viene entre medias de proyectos. En verano me apetece irme con mi familia y no pensar en ello, pero la música o el cine es algo muy diferente a un trabajo normal. Al final estoy pensando todo el rato en eso. Inevitablemente veo películas y escucho música que me estimula. Si no pienso en ellas acaban viniendo a mi vida. 

    ¿Qué sientes que te falta por explorar en la música? 

    Muchas cosas. Me apetece hacer álbumes muy distintos, a lo mejor me da por hacer algo totalmente electrónico. Hay mucho tiempo todavía para hacer cosas. Pensaba mientras que hacía el álbum que la gente tiene mucha presión por hacer su primer álbum, que parece que solo vas a poder hacer uno en tu vida. La verdad es que puedes hacer lo que quieras, es una carrera de fondo.

    ¿Te molaría jugar con seudónimos o mantenerlo todo bajo el nombre de Tristán?

    Pues no lo sé, a lo mejor probaría. Quizás tiene más sentido hacer cosas bajo otro nombre. Sí que pienso: claro, si ahora hago un álbum de electrónica, a lo mejor la gente no termina de pillarlo. La gente tiene a encasillar y verlo todo por cuadrículas. Ojalá existiese más gente que fuese fan del proyecto independientemente de las canciones, que confíe vayas a donde vayas. Los artistas que más me gustan soy fan de todo lo que hacen. Si David Lynch hubiese diseñado un videojuego habría sido el primero en querer probarlo. Eso es lo importante para mí, para mí lo que me gusta de un artista es su cabeza, lo que hay detrás de su arte. La pena es que la gente lo acabe encasillando en un perfil de Spotify o una serie de canciones. 

    Para terminar, quiero volver a tu idea de borrar palabras. ¿Si borrases la palabra reloj, qué quedaría?

    Si borrases el reloj, seguiría habiendo tiempo, horas y minutos. Simplemente sería Tristán, ahora con. Ese sería el álbum.

    Créditos: Clo-Tem
  • Pedro Hoz: «Mi pasión por el arte es tan grande que quiero que ocupe todo mi tiempo»

    Pedro Hoz: «Mi pasión por el arte es tan grande que quiero que ocupe todo mi tiempo»

    Con apenas 25 años, el artista malagueño ha conseguido construir un universo propio que él mismo describe como «Naturalismo artificial».

    • Comienzos, empezaste a los 18 años, ¿por qué empezaste?, ¿ya tenías el arte como hobby desde antes?

    Yo creo que desde pequeño uno lleva el arte dentro. Hasta los 18 no me planteé nada serio en la vida ni entendía que el arte es una forma de vivir. Porque mis padres no me educaron en eso. Pero aunque empezara a pintar como tal a los 18, yo desde muy pequeñito siempre he tenido como un mundo propio. Al final el pintar para mí es un acto que no refleja lo que es ser artista. Yo desde pequeño era muy imaginativo y vivía en una especie de cuentos que yo creaba y pintar ha sido mi manera de sacarlo fuera. 


    • ¿Has aprendido de forma autodidacta? 

    Sí, nunca fui a clases, en general he ido aprendiendo de mis colegas. Además, el óleo es una técnica de pintura que una vez entiendes el fundamento, simplemente mirando y probando, puedes llegar a comprenderlo y yo así funciono mejor. Se me da muy mal recibir órdenes. 

    • ¿Cuál fue el momento decisivo de dedicarte al arte como trabajo?

    Hay dos momentos. Uno de ellos fue en un viaje de vuelta a España desde Seattle en el que tuve una mega revelación en mi cabeza. Mientras todo el mundo estaba dormido en el avión, yo me levanté con una especie de visión, una sensación interna súper fuerte que no sabría ni describir. Como de haber vivido cosas en tu subconsciente que de repente estamos hablando súper firmemente. 
Yo antes de ser artista, soñé con una realidad que era la realidad del artista, por así decirlo. Ese fue un momento muy importante para mí, el que me hizo crear la visión.

    Después, el segundo momento es más bajado a lo terrenal. Fue cuando hice mi primera exposición en Málaga, donde expuse 30 cuadros. Ahí dije, vale, con esto puedo tirar un tiempo hasta que por lo menos siga vendiendo.

    • ¿Te esperabas poder llegar a vivir de esto? ¿Con qué objetivo empezaste? 

    Sinceramente, llegó un momento en mi vida en el que pintar era lo único que sabía hacer. 
Como se me daba tan mal todo, por así decirlo, y había intentado tantas cosas que no me habían salido que pintar parecía como lo más real a mí mismo y lo que más se adapta a mi naturaleza. Y encima me funcionó, entonces fue pues como motivación en muchos sentidos.

    • ¿Qué momento/evento destacarías de toda tu trayectoria? 

    Mi trayectoria se ha llenado de mini victorias muy poquito a poco. Aunque es cierto que ha sucedido todo muy rápido, en ningún momento ha sido de pelotazo ni nada por el estilo. 
Todos los días cada cuadro que me pinto es un esfuerzo y cada pequeña exposición que he hecho alrededor del mundo: en París, en Miami, en Corea, En México o Madrid es un esfuerzo. Cada pequeña cosita que he hecho para mí ha sido igual de importante la verdad. Lo que más me gusta de mi carrera es mi día a día. Amo pintar y realmente ya no quiero hacer otra cosa. Toda mi carrera mola, yo me lo paso genial, pero no tengo ningún momento especial…

    Bueno, te voy a contar uno por las risas. Pol Arregi (manager) y yo nos fuimos a Miami sin un duro a exponer cuadros en una galería que nos hacía pagar por exponer y fue increíble. Fuimos un día a una exposición de gente súper rica y me acuerdo que teníamos como 60 € en la cuenta, que eso no da para nada en Miami. Llegamos a un evento de la galería, nosotros dos vestidos de calle, Pol con su mochila puesta, porque siempre llevaba su mochila para llevar mi libreta y mi estuche, él es mi fiel compañero. Cuando entramos ahí nos sentimos ridículos y nos hicimos como super pequeñitos.

    Al final dijimos venga, no hay nada que perder. Entonces, me puse a dibujar en una mesa en mitad del terreno que había al lado de la galería. Un rato después, toda la atención de las personas que estaban allí se centró en mí. De repente, nos vimos rodeados de gente ultra rica con trajes y Ferraris y nosotros vestidos como dos niños pequeños regalándole dibujos a toda esa gente que se preguntaba quiénes éramos.

    •  ¿En qué o quién te inspiras? 

    Pues me inspiro mucho en la vida misma, creo que como artista te conviertes en una especie de catalizador de vida. 
Pues sí, desde un paisaje te puede inspirar hasta una imagen que ves un día. También, otros artistas me inspiran mucho, porque soy muy fan del arte en general y lo consumo mucho. Yo simplemente expulso todo lo que vivo.

    Tengo muchos referentes, la verdad. Para empezar, un artista referente que tengo siempre presente es Zoilo Blanca, un chaval que trabaja conmigo en mi estudio y quien más me ha enseñado a pintar dentro de lo poco que he aprendido. Te diría que él es el que más técnica me enseñó. 
Después, artistas como Dalí, El Bosco, George Condo me inspiran. Hay muchos artistas que me inspiran y que no tengo nada que ver con lo que ellos hacen. 
 


    • ¿Cómo definirías tu estilo de arte? ¿Cómo es el proceso de encontrar tu propio estilo? ¿Ha cambiado a lo largo del tiempo? 

    Al final es normal que me consideren pintor surrealista, pero no estoy muy de acuerdo. Hace poco escribí un manifiesto sobre esto y le he dado un nombre a lo que hago y lo titulo “Naturalismo Artificial”. De alguna manera en mi pintura importan mucho estas dos cosas y el contraste que generan entre ellas. No sé si se me podría encasillar porque tengo un imaginario y mundo propio que voy desarrollando que parte mucho de la figura humana y formas orgánicas. 

    Por lo general la gente sufre mucho con el proceso de encontrar su propio estilo y sobre todo por la manera en la que funciona el arte hoy en día, te obliga a definirte. Al principio me rayaba, pero después me puse a pintar y directamente me salían mis formas. En mi caso, la clave ha sido no usar referentes a la hora de pintar, yo dejo que mi mano pinte y eso hace que me salgan siempre las mismas formas. Es cierto que con el tiempo se va mejorando y va pillando más seriedad, el imaginario se va extendiendo. Pero creo que mi estilo nace de mí, hay símbolos en mis obras que repito desde que soy pequeño.     

    • ¿De dónde viene el mundo onírico/mágico que hay en tus cuadros?

    Estas ideas estaban destinadas a existir y que nunca vamos a poder entender y yo soy simplemente un transmisor. Estas experiencias me han influenciado mucho y me han dado una libertad, soy bastante bohemio, lo que me lleva a pintar como lo hago. 

    • También haces esculturas, ¿qué materiales utilizas?, ¿cuándo te adentraste en el mundo de la escultura?

    Al final la pintura es un medio simple para desarrollar las ideas de un artista, pero en mi caso yo pinto mundos 3D dentro de lo que cabe. Pero creo que las esculturas que he hecho hasta ahora son bocetos, estoy empezando a meterme en ese mundo y todavía estoy lejos de donde quiero llegar, por ahora estoy explorando. 

    En este ámbito trabajo mucho con mi colega Jon Benet que es diseñador 3D que entiende mi manera de ver y cuando nos juntamos diseñamos en su ordenador. 

    • Quería abrir el tema de la creatividad, ¿cómo es que tu pasión sea tu profesión? Supongo que estarás continuamente trabajando con galerías, exposiciones y al final trabajando para los demás. ¿Cómo buscas el equilibrio entre tu trabajo y seguir haciendo arte para tí, por disfrute y para seguir mejorando o creando tu estilo propio?

    Yo ya no sé diferenciar nada, vivo haciendo esto y no hago otra cosa con mi vida. Creo que mi pasión por esto es tan grande que quiero que ocupe todo mi tiempo. Es tan fuerte que se ha convertido en mi trabajo y sigue siendo mi manera de vivir. He vivido muchos años trabajando en otras cosas pero ahora mismo no me veo de otra forma. 

    •  ¿Cómo es el proceso creativo que sigues para hacer un cuadro o una escultura? 

    Siempre estoy pensando en el siguiente cuadro, entonces siempre llevo mi libreta en la que hago los bocetos, dibujo la idea y luego hago que exista. Mi cabeza es como una especie de almacenamiento de ideas y de vez en cuando acudo a ellas y las saco de ahí   

    • ¿Dirías que en tus obras cuentan historias propias en las que te ves reflejado o creas desde una tercera persona?

    Esto es algo que yo mismo me pregunto también. Creo que es un mix de todo, hay días que mis cuadros no hablan nada de mí, hay días que sí. Pienso que mi obra y mis pensamientos son muy universales, osea que cuando hablo de mí hablo del resto. Obviamente siempre existe una marca propia y cuando tengo un mal día eso se refleja en mis cuadros. Pero no por eso pinto un cuadro oscuro, de hecho al revés, me considero una persona positiva y bastante hedonista que aspira a la luz, intento que mis cuadros saquen lo mejor de mí. 

    • En febrero de este año has tenido una expo en París, ¿qué se siente al haber vivido eso con tan solo 24 años?

    Estuvo bien pero no estoy satisfecho, sé que puedo hacer más y mucho mejor. Me esforcé mucho y fue muy guay, vinieron mis amigos, mi familia, incluso mi padre que nunca viene a ver mis expos… Sin embargo, todavía no he llegado a donde quiero. 

    Además, nos pasó que a 10 días de tener la exposición nos la cancelaron porque pensaban que no íbamos a vender nada y Pol en 24 horas vendió todos los cuadros. Nosotros nos esforzamos mucho, Pol y yo vivimos por y para esto. El arte no es nada fácil, un mundo muy complicado con mucha competencia. 

    • ¿Cómo es ser un artista joven en un ambiente tan exigente como es el del arte? 

    Yo sé mejor que nadie que soy un artista, me ha costado creerlo, pero ahora no hay nadie que me quite esa idea de mí mismo y no lo digo desde un punto de vista ególatra. No te toman en serio hasta que ven tus cuadros, por eso, creo que es muy importante que mi obra hable por sí misma. Mi truco es que yo prefiero no hablar y que mis cuadros hablen por sí mismos. 

    • ¿Crees que hay que separar al artista de su obra? 

    Pues como quieras, si crees que el artista esté ahí para entender su obra utilízalo, pero si no empatizas con él disfruta de su obra y ya está. 

    • En tu caso, ¿cómo quieres que te perciban los demás?

    Es importante que mi obra hable por sí misma, lo que pasa que yo como ser humano también tengo cosas que decir. Me considero un buen ser humano ayudo mucho a mis colegas y a mi familia y me gustaría que se me recordase como tal. 

    • ¿Es difícil para ti decidir qué oportunidades o propuestas de trabajo aceptar y cuáles no?

    Me considero super selectivo. Es verdad que he tomado malas decisiones, pero yo soy muy purista y al final como artista lo que te diferencia es más a lo que le dices que no que a lo que dices que sí. 

    También, soy muy selectivo con la gente que me rodeo y no lo digo de una manera elitista, porque en mi estudio te puedes encontrar de todo, desde inmigrantes y vagabundos hasta gente rica y me gusta aprender de todos. Pero es cierto que me baso mucho en la energía y cómo cada uno se esfuerza en vivir. 

    • ¿Cómo crees que está actualmente el mercado del arte?

    Este año hay un montón de galerías que están cerrando. El mundo se está dando cuenta que hay artistas jóvenes muy buenos que no tienen porqué estar muertos y arte que no tiene que valer dos millones de euros. Ese segmento del mercado creo que está decayendo. 

    En España hay muy mala cultura del arte, la gente ve comprar arte como un gasto mientras que en el resto de Europa es muy importante criar a tus hijos rodeados de arte.  

    • ¿ Podrías explicar qué estás haciendo en Bilbao en Villa Tola, la residencia de Tas Careaga? ¿sobre qué han tratado tus últimos días allí? 

    Tas Careaga es un colega que se dedica a reformar casas y ahora está haciendo un programa en el que invita a un artista a pasar el tiempo aquí y a pintar a cambio de dejar un cuadro aquí. Venir aquí me está ayudando a cambiar un poco de aires y salir de mi burbuja del estudio en Málaga. Estoy centrándome en pintar, estar tranquilo con mi perrita en el campo y de vez en cuando salgo a ver a viejos amigos.  

    • ¿Qué es una residencia de artistas?

    Las galerías suelen organizar sitios donde van los artistas a producir. Las galerías lo hacen así: te preparan todo, la comida y demás para que tu solo tengas que centrarte en producir. En la que estoy ahora han pasado ya dos artistas.  

    • ¿Cuál va a ser el siguiente capítulo en tu carrera? ¿En qué estás trabajando? 

    El año que viene quiero hacer una mega exposición, quiero dedicarle un año entero a hacer una expo. También estoy produciendo una rotonda para mi pueblo y empezando una escultura de dos metros. Entre muchas cosas, busco cambiar el formato del lienzo y explorar otras formas para producir.

    Fotografías por Nerea Moreno.

  • GRLS y La Dualidad de la Electrónica

    GRLS y La Dualidad de la Electrónica

    GRLS es el nombre del dúo mexicano de moda, el cual ha comenzado a hacerse un nombre alrededor del globo por su papel dentro de la electrónica y su visión respecto a esta, ya no solo en la música, sino en nuestras vidas. Así que hoy, nos hemos reunido para comentar con ellos su exponencial ascenso y su relación con este a través de las redes sociales. Hablamos de adicciones, de sentimiento de pertenencia y del impacto personal, social y musical que supone (o impone) la tecnología en nuestras vidas. Échenle un vistazo, aunque, sin remedio, tenga que ser a través de sus pantallas.

    Fotografía de GRLS para el Imaginario de su Álbum «T.V. ADDICT»

    Javi: Hola Diego y Lucca, lo primero de todo: Hace un par de meses se estrenó vuestro más reciente disco, el cual ha generado un considerable aumento de miradas sobre vuestro proyecto GRLS, entre ellos los míos, y si no me equivoco, ahora mismo os encontráis en plena gira nacional por las principales urbes de México. No soy consciente de si, previamente, os habiais encontrado frente a tal nivel de exposición en vuestras carreras. Así que, antes de nada, me interesa saber: ¿Cómo lleváis el recibimiento, las expectativas, los nervios…? Y en relación a esto, ¿sois de estar muy pendientes a la respuesta del público en Internet a lo que hacéis? Y, en vuestro caso, ¿os influye o afecta mucho en vuestras decisiones?

    GRLS: Pues las expectativas y los nervios los llevamos con calma. Intentamos no compararnos constantemente con otros artistas, porque sabemos que cada proyecto tiene su propio ritmo y su propio camino. Sí estamos pendientes a la respuesta del público y, claro, influye en nuestras decisiones. De hecho, este álbum sí fue moldeado con una intención más comercial: queríamos probar estructuras más pop, jugar con coros y versos más definidos y ver cómo resonaba eso allá afuera.

    Javi: No es casualidad que comience con esta pregunta. Y es que, el nombre de este nuevo proyecto de larga duración es nada más y nada menos que T.V. ADDICT. Un proyecto, que por lo que se puede intuir por su título, y también posteriormente escuchar e incluso ver en sus visuales, está intrínsecamente relacionado con la imposición de la tecnología como el pilar fundamental de la sociedad actual, que nos impide escapar de ella aunque así lo deseáramos. ¿Vosotros consideráis que, en general como individuos, somos adictos a esta tecnología porque nos apasiona lo que nos aporta, o porque no tenemos otra opción que aceptarla para ser miembros integrados de esta sociedad? Es decir, ¿la tecnología nos pertenece o le pertenecemos nosotros a ella?

    GRLS: Creemos que es una mezcla de ambas. Por un lado, la tecnología tiene un atractivo enorme: es una herramienta increíblemente útil y, como creativos, nos apasiona explorar nuevas posibilidades, desde sintetizadores hasta IA, samplers, interfaces, etc. Pero también estamos completamente sometidos a las grandes corporaciones. No es nuevo que plataformas como Instagram, Meta o TikTok están diseñadas para atraparnos y generar adicción mediante estímulos de dopamina. Hoy todavía sentimos que la tecnología nos pertenece, pero a la velocidad que avanza, sí vemos un futuro donde quizá terminemos perteneciendo nosotros a ella. Es algo muy loco y también muy preocupante, porque realmente no sabemos con qué nos estamos enfrentando, especialmente con el tema de la IA.

    Javi: Hace poco, tuve una conversación de índole similar con otro artista llamado Depresión Sonora, en cuyo proyecto exploraba, entre otras cosas, una sensación de pérdida de ilusión debido a la constante sobre-estimulación a las que nos exponemos en las redes. Y me viene muy bien transformar una pregunta que le hice aplicada a vuestro concepto. Y es: ¿diríais que la existencia de la tecnología ha tenido un balance más positivo o negativo en vuestras vidas? Ya no solo hablando de vuestra faceta como artista, donde acaba siendo una necesidad, sino más bien aplicado a vuestra vida personal.

    GRLS: Es complicado porque tiene lados extremadamente positivos y extremadamente negativos. Por el lado positivo están cosas tan simples y útiles como los celulares, el Google Maps o los avances en medicina. Y por el lado negativo están las adicciones, la desinformación, la sustitución de trabajos y la sobreexposición. Sentimos que la tecnología tiene un lado muy oscuro y ha permeado tanto en la sociedad que estamos viviendo tiempos sin precedentes. Al ser estas mega corporaciones quienes dictan el rumbo, estamos muy a la deriva en cuanto a si realmente tendrá un balance sano.

    Fotografía de GRLS para el Imaginario de su Álbum «T.V. ADDICT»

    Javi: Bueno, sea por A por B, la tecnología es, en cierta forma, nuestra realidad, y esta realidad se ha visto de forma directa, ya no solo en el concepto del disco, sino también en la evolución de vuestro sonido. Desde vuestro primer álbum, «GRLS I» (2022), hasta ahora, la electrónica cada vez toma un papel más protagonista y distópico en la música de GRLS, imponiéndose sobre una corriente más acústica que, bajo mi parecer, protagonizaba el debut. ¿Qué os ha llevado a aventuraros por este camino en la producción? ¿Cómo describiriais, a alguien que no haya escuchado nunca vuestra música, qué es lo que se puede encontrar sonoramente en T.V. ADDICT?. Y en vuestro caso, ¿qué diríais que disfrutáis más a la hora de crear música? ¿La naturalidad de los instrumentos orgánicos o la infinitud de los recursos del Ableton?

    GRLS: En este álbum experimentamos mucho con la mezcla entre electrónica y acústica; lo describimos como un experimento psicodélico. Hay composiciones de guitarra y voz que conviven con sintetizadores, samplers y secuenciadores. Naturalmente Diego y Lucca tienen gustos distintos: Diego explora más el rock, punk y folk, mientras que Lucca tiende más hacia la electrónica, hip hop y trap. Lo que más disfrutamos es componer sin un rumbo fijo, dejarnos llevar y ver a dónde nos conduce. Ese sentimiento de escuchar una canción por primera vez, de haber materializado una emoción, es de lo mejor. Y disfrutamos tanto tocar instrumentos como crear beats en Ableton; ambos procesos son igual de hermosos.

    Javi: Siguiendo por este camino de evolución respecto a «GRLS I», cabe también destacar una diferencia clave. Y este es el recurso del idioma. Vosotros, comenzasteis haciendo música completamente en inglés, y no fue hasta un tiempo más tarde, con vuestro EP «0792», que el español comenzó a reclamar la voz principal de vuestra música, hasta llegar a una consolidación como miembros del panorama mexicano con este nuevo disco. ¿Por qué decidisteis dar este giro de 360 grados a GRLS? ¿Creéis que ha sido un plus enriquecedor para vuestra carrera? Y, también me interesa saber que pensais sobre esto: ¿Diríais que, en la música, el idioma puede ser una barrera a la hora de ser escuchados fuera de un sector demográfico, como por desgracia para muchos, puede ser en el cine?

    GRLS: El proyecto empezó en inglés porque vivíamos en Boston, y en ese entonces cantaban también amigos que hablaban en inglés. Cuando regresamos a México, escribir en español se sintió completamente natural. La decisión fue intuitiva, algo que simplemente se sintió correcto, una forma más directa de conectar con nuestro público. Y sí, creemos que ha enriquecido muchísimo el proyecto. Incluso hemos empezado a experimentar con voces en ruso y portugués. El idioma puede ser una barrera, claro, pero también abre otros caminos.

    Javi: ¡Claro! Justo iba a comentar esto. Y es que, cabe destacar que T.V. ADDICT no es un proyecto limitado por el lenguaje ni mucho menos. Y es que, el español no es el único idioma que podemos escuchar. Ya no solo destacando que el inglés no ha dejado de tomar un papel importante en vuestra música, sino destacando la proposición de abrir fronteras, explorando otras raíces musicales mediante su idioma de origen y aportando una potencial versatilidad al proyecto. Encontramos influencia del Funk Brasileño en «sustancia» empleando el portugués, e incluso, un ejemplo de Acid House ruso en «sistemu». ¿Cómo ha sido trabajar la introducción y cohesión de varios idiomas en un único proyecto?

    GRLS: Igual que mezclar varios géneros e ideas en una canción, siempre nos ha llamado la atención mezclar varios idiomas. Las cosas se han dado más por situación que por nuestra propia disposición, tenemos varios amigos que hablan otros idiomas y acabamos en el estudio con ellos. Como siempre queremos experimentar con las más cosas posibles, es muy intuitivo el sentimiento de curiosidad que te lleva a querer saber cómo sonaría otro idioma que no comprendes por completo sobre tu composición.

    Javi: Ahora llega la parte que más disfruto siempre en toda charla, y la que más me enriquece, ya no solo como entrevistador sino también como consumidor del propio arte: preguntar por influencias y recomendaciones. Y es que, para mí, no hay mejor forma de conocer a alguien que conocer lo que le apasiona. Así que os quería preguntar: ¿qué diríais que ha inspirado, en mayor medida, la creación del disco? Tanto en lo musical como en lo visual.

    GRLS: En lo musical, artistas como Gorillaz, Radiohead, Thom Yorke, Eartheater, Skrillex, Travis Scott, Nicolas Jaar, Darkside, Mura Masa, Yung Lean, James Blake, Die Antwoord, Brockhampton, El Michels Affair, The Chemical Brothers, A$AP Rocky, J Lloyd, Dominic Fike, Kevin Abstract, 2hollis, The Beatles, Led Zeppelin y muchos más nos han llenado de ideas durante nuestra vida. 

    GRLS: A nivel visual nos ha inspirado mucho consumir el trabajo de fotógrafos y directores como: Nan Goldin, Peter Lindbergh, Davide y Mario Sorrenti, Daido Moriyama, Juergen Teller, Nobuyoshi Araki, Ren Hang, Gaspar Noé, Stanley Kubrick, Guillermo del Toro. 

    Javi: Y aprovechando también el hilo que está guiando esta conversación y la naturaleza del título del disco, os toca una serie de preguntas rápidas para conocer: 1. Vuestro programa favorito de la televisión. 2. Vuestros dibujos animados favoritos de la infancia. 3. La red social que más utilizáis.

    GRLS: Programa favorito: Game of Thrones. Dibujos de la infancia: Los Simpson. Redes que más usamos: Instagram y Pinterest.

    Javi: Bueno, ya hemos hablado de todo lo que habéis explorado y logrado con T.V. ADDICT. Hasta habéis hecho música en ruso… Así que solo queda preguntar: ¿Qué nos espera en un futuro de GRLS? Pero ya no en el sentido de que me desveléis cuándo viene nueva música o no, sino más en la vía de conocer: ¿Cuáles son vuestras próximas ambiciones? Desde nuevos frentes musicales que queráis abordar, hasta lugares donde os gustaría tocar en directo… O yo que sé, a lo mejor ahora os apetece hacer una canción en japonés. ¿Qué toca ahora?

    GRLS: Queremos hacer lo que ya estamos haciendo pero a una escala muchísimo más grande: los festivales más grandes y llegar a un público aún mayor. Desde hace mucho tiempo estamos muy metidos en la música balcánica y árabe. Hemos estado produciendo muchas cosas así pero queremos consolidar un material que refleje esto. También queremos hacer música con mucha más gente de España, América Latina y de todo el mundo. Lo siguiente que viene es una versión alternativa de T.V ADDICT donde todos los tracks están remixeados, y algunos con nuevos featurings.

    Javi: Bueno, para acabar, una cuestión, que siempre me gusta hacer a los nuevos talentos que lo están empezando a petar, es: ¿algún consejo o mensaje para esos artistas que nos estén leyendo y que estén comenzando a dar sus primeros pasos en una disciplina artística, que les ayude a aprender sobre algunos de esos temas de los que hemos hablado?

    Diego: Un consejo sería escuchar muchísima música, de todos los géneros. Embrace stepping out of your taste so you can expand your taste. También es importante no ser tan duro con uno mismo y crear desde el deseo de mejorar. Entre más creas y más compongas, mejores serán tus canciones.

    Lucca: Haz música para ti mismo y no pares. No olvides divertirte 🙂

  • Depresión Sonora y La Clave para Entender Internet (…O No y Solo Aceptarlo)

    Depresión Sonora y La Clave para Entender Internet (…O No y Solo Aceptarlo)

    Solo Disfrutarlo

    Depresión Sonora entregó al mundo, hace un par de semanas, su segundo proyecto de larga duración, titulado “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo De Sentimientos)”, casi coincidiendo, 3 años después, con el lanzamiento de aquel debut que marcó un antes y un después, ya no solo en su carrera, sino en lo que a la actualidad del Pop-Rock español se refiere. Así que, como no podía ser menos, nos hemos reunido con él de forma presencial, para aprender un poco más acerca del imaginario de este nuevo disco, del funcionamiento del proceso, tanto creativo, como burocrático que rodea a un lanzamiento, de las influencias que han marcado a Marcos, no solo como artista, sino también como persona y para dejar de tratar de entender Internet por un tiempo, o más bien, de vivir en él, para centrarnos en tratar de entender, o más bien, compartir nuestros sentimientos. Así que, acompáñame en una lectura, que si hablamos de lo que podemos entender en Internet, es de lo mejorcito.

    Fotografía de Depresión Sonora para “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)”

    J: Hola Marcos, lo primero de todo: Acaba de salir tu nuevo disco, en nada también dará comienzo la gira por España… Así que, antes de nada, me interesa saber ¿Qué tal vas? ¿Cómo lo llevas? Tema expectativas, recibimientos… También, tema estrés.

    Markusiano: ¡Estrés fatal! Supone muchas cosas de repente sacar un disco. El otro fue mucho más tranquilo que este, pero también es normal. Al final, está avanzando todo. Pero bueno, por lo demás, sobre la gira y el disco, estoy contento. Yo creo que muy bien todo.

    Portada del Álbum de Depresión Sonora “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)”

    J: Esta primera pregunta la hago siempre, y parece un poco el meme este: «Todo el mundo me pregunta cuándo música nueva, pero nadie me pregunta qué tal». Pero siempre la considero una de las preguntas más importantes, ya no solo, como seres humanos empáticos que debemos ser, sino también de cara a ahondar un poquito en el proceso creativo del artista. Y es que, ya hace tres años que salió «El Arte de Morir muy Despacio», tu álbum debut. Un álbum que fue muy aclamado y que sentó una base en la música nacional actual. Entonces, yo te quería preguntar, y me viene muy bien hilarlo con la naturaleza de tu nombre artístico: ¿Durante este período, entre lanzar este álbum y dar forma al próximo, has experimentado algún momento interno de Presión Sonora o de Depresión Sonora? Por ejemplo: de tener miedo a innovar, por sí el nuevo sonido no funcionara tan bien, o de pensar «Buah, igual este ha sido mi PEAK y no voy a poder superarlo». O, el tener un debut tan masivo ha sido más una motivación. De decir: «Pues si este os ha molado, el próximo os va a molar más».

    Markusiano: ¡No, no, no! Lo primero. Bueno, en realidad, un día sí, un día no. Va alternándose. A lo mejor, un día por la mañana estaba agobiado y por la tarde no. Pero todo el puto tiempo, la verdad. Yo creo que es algo que no se va. Hay inseguridades siempre.

    J: Teniendo el disco ya fuera, es obvio que has logrado otro nuevo proyecto con el que te sientes pleno, cosa que me alegra. Y además, por lo que he podido ver y escuchar, está teniendo muy buen recibimiento en redes. ¿Eres muy de estar pendiente de ello? O te sueles encontrar de sorpresa más tarde en Shows, y demás. Por qué a mí, por ejemplo, aunque me gustaría poder decir que no, cuando subo algo, me corroe la dopamina. Y estoy todo el rato mirándolo, aunque no vaya a cambiar nada.

    Markusiano: Pues estoy intentando verlo más tarde. Al final, es el trabajo que llevas haciendo más de un año, y te importa cómo funciona. Osea, quien diga que no le importa… Bueno, igual hay gente que no le importa, pero para mí, en mi caso, sí me afecta. Estoy intentando estar poco pendiente, ahora, esta semana que está saliendo, pero sí, obviamente, de vez en cuando lo miro a ver como va. Y, a veces, me entran agobios, o no… También es muy difícil medir, mirando Internet, si algo funciona o no, porque llegamos hasta donde llegamos. Pero al final, yo creo que va bien. Si que, siempre llega lo bueno y lo malo, y yo creo que uno siempre se queda un poquito más con lo malo que con lo bueno, pero uno se intenta extraer y decir: “El disco está bien. Yo confío en él”.

    J: Algunos ya sabrán que no encamino la charla hacía esta vía por casualidad. Y es que, el nombre e idea principal del disco es: «Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo De Sentimientos)». Un concepto que, en cierta parte, diría que se relaciona con la pérdida de la inocencia y de la ilusión por las cosas, debido, en gran medida, a la constante sobre-estimulación a las que nos exponemos en las redes. Esto es un hecho. Pero, obviamente Internet, como tiene sus cosas malas, también tiene sus beneficios. Entonces, yo te quería preguntar: Para tí, en retrospectiva, ¿dirías que Internet ha tenido un balance más positivo o negativo en tu vida? Ya no solo hablando de tu faceta como artista, donde acaba siendo una necesidad, sino aplicado a tu vida personal. 

    Markusiano: Es complicado decirlo, no sé. Lo que es seguro es que habría sido todo muy diferente en mi vida. Llevo con redes sociales desde los once años, y tengo veintiocho ahora. Me acuerdo de hacerme Tuenti, cuando te pasaban una invitación y todo eso (risas), y desde ahí he estado con redes sociales. Al final, somos de una generación que hemos ido enganchando una detrás de otra. Si con once fue esto, con trece o catorce salió Whatsapp y con 15 ya estábamos todo el mundo en Instagram y Twitter. Mi cuenta de Twitter, de hecho, es del 2011 o por ahí. Entonces, es como que, siempre he vivido ahí.

    Markusiano: Si no hubiera existido, no se si mejor o peor, pero muy distinto. El Internet me ha dado cosas buenas. Cosas muy buenas. Conocer a gente, relacionarte, estar pendiente a coger referencias, sentirte parte de algo. Pero me ha dado cosas malas también. Compararse, perder mucho el tiempo, disociar, vaciarte la cabeza demasiado, a veces. No sabría decirte si el balance es positivo o negativo. Creo que es más una realidad. No es como pensar: “Buah, si no me hubiera comido eso anoche…” ¿sabes? (risas). Internet ocupa el 50% de nuestra realidad. Si no existiera, a lo mejor hubiera aprendido a hacer carteras de cuero, o algo así (risas). Pero, no. Ahí es donde he aprendido todo lo que sé hacer, y por ello, en parte, soy quien soy.

    J: Hablando de la faceta del artista en la actualidad, también es un hecho que Internet ha proporcionado, ya no solo, una infinidad de herramientas a la hora de innovar, sino también una ventana para dar a conocer mucho talento casero que, en otra época, hubiera estado oculto. Pero aún hoy en día, sigue habiendo grandes ideas que quedan ocultas bajo la inmensidad de Internet, donde la ley de la selva actúa sin piedad y solo los que realmente entienden Internet, acaban logrando el camino al éxito. ¿O, no? Quería preguntarte, como artista que ha logrado esta posición: ¿crees que el éxito es cuestión de entender este algoritmo o actúa más el factor suerte? ¿Cuánto dirías que hay de porcentaje de cada uno?

    Markusiano: Lo principal es entenderlo. Entenderlo y tener algo. Da igual que sea música, fotos, vídeos comiendo alitas de pollo… Lo que sea.  Yo creo que lo primero es entenderlo y saber lo que tienes que contar y cómo lo tienes que contar. Y luego, está el factor suerte. Yo no creo que ninguno esté por encima de otro, porque, para mí, pesan igual, pero, no puedes solo tener suerte. Tiene que haber algo más. En plan, no te puedes poner a grabar sin pensar y subirlo y pensar que eso va a explotar. Aunque sea la cosa más tonta, orgánica o absurda del mundo, tiene que haber un entendimiento de cómo funciona Internet. Y lo que tiene la dificultad en esto es que Internet cambia todo el rato. Un día es una cosa y al siguiente otra. Y al igual que un día estás muy puesto en todo, en unos años igual no entiendes nada.

    Fotografía de Depresión Sonora para “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)”

    J: Esto me lleva a la gran pregunta, que a medida que descubro más, y comprendo menos acerca de la naturaleza y funcionamiento de la tecnología que nos rodea, me hace cuestionar con más fuerza: ¿Realmente nosotros entendemos Internet o solamente vivimos en él? 

    Markusiano: Es muy buena pregunta, eh. Yo creo que la mayoría vivimos en esa realidad y punto ¿no? Mira no lo había visto nunca así, pero me gusta. Así, es como que pilla otro enfoque el álbum de repente. Es como que, en el mundo de Internet, nosotros somos esos perros y no entendemos eso que nos rodea. Pero realmente, ¿hay algo que entender? Vivimos en él y ya. 

    Fotografía de Depresión Sonora para “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)”

    J: Me encanta ponerme filosófico, y me has puesto un tema magnífico sobre el tablero sobre el que divagar. Pero también hemos venido a hablar de música, más allá del concepto, de la música «In Situ». Así que: 1. Explicado para alguien que no conozca tu música aún o te este descubriendo ahora mismo. Y 2. Explicado para tú mayor fan: ¿Qué se puede esperar «sonoramente» de Depresión Sonora en «Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo De Sentimientos)»?

    Markusiano: Lo primero es complicado. Porque, ¿cómo le explicas a alguien que es un género musical si nunca ha escuchado un género musical? Es música que suena oscura. Muchas canciones son rápidas, y en las que, mucha gente que no me haya escuchado nunca podría decir: “¡Pero si no canta! Solo habla” (risas). Pero sí estoy cantando. Va a encontrar muchas guitarras, sintetizadores, cajas de ritmos… ¿Qué es una caja de ritmos? Percusiones sintéticas. ¡Muchísimas! Y no sé. Yo creo que, un sonido en el que se puede ver atrapado de alguna manera si le da una oportunidad. Y en cuanto a lo segundo, va a encontrar a un Marcos más mayor, que ha vivido más cosas, que ha girado mucho, que ha escuchado mucha más música y que tiene muchas inquietudes.

    J: Siguiendo por este camino, lo que más me gusta hacer cuando hablo con una persona a la que considero talentosa, es preguntarle por sus referencias. Para mí, en la vida, las pasiones, las referencias culturales que uno tiene lo son todo, y son la base para conocer a alguien. En este caso, ¿qué dirías que ha inspirado, en mayor medida, la creación del disco?. Responde como prefieras, puede ser desde canciones o películas que hayan cambiado tu visión hasta decir: «No, si lo que más ha inspirado este disco es una montaña que está ahí al lado de mi casa, donde voy a pasear los jueves». A tí, en concreto, ¿qué te apasiona?

    Markusiano: Referencias tengo muchas. Me acuerdo que justo antes de empezar con el disco me leí un cómic que es super chulo que se llama “La alegre vida del triste perro Cornelius”. He estado leyendo muchos cómics y mangas, he estado mucho ahí.

    Fotografía del Cómic «La alegre vida del triste perro Cornelius» en CHANDAL Concept Store

    Markusiano: He visto algunas películas, pero tampoco soy un cinéfilo apasionado. Me gustan las películas, pero las consumo más que nada como usuario. No busco referencias en películas, pero obviamente se me van quedando cosas. Ideas que luego se pueden desarrollar o no. Pero sobre todo, lo que más me ha inspirado, es la música. Pantera, Crystal Castles, Underworld… No se, cualquier cosa con una caja de ritmos.

    Markusiano: Qué más… Hay bastante de The Cure también, Extremoduro siempre, algo de Ambient y Slowdive, que les he visto bastantes veces en directo este año. Ahora me dicen mucho: “¡Marcos esto suena muy Shoegaze!” y es que he escuchado mucho Slowdive estos años. Y bueno, hay muchas referencias a muchas cosas. Si fuera escuchando ahora mismo los temas uno por uno, podría seguir así todo el día. Al final, haciendo el disco me lo he querido pasar bien y te lo pasas bien cuando disfrutas de las cosas que te gustan.

    J: Ahora, saliendo un poco de la temática que estamos llevando, por qué esto me pilló totalmente por sorpresa cuando ya había escrito las preguntas, y no podía no comentarlo, no muchos días antes del lanzamiento del disco, apareció por sorpresa un mini EP de tres canciones en colaboración con, nada más y nada menos, que Bb Trickz. ¿Cómo se dio eso macho? 

    Markusiano: Pues se dio de manera muy orgánica, la verdad. Sorprendentemente, para cómo funcionan los códigos ahora mismo en la música y en las colaboraciones. Ella es muy fan de la movida y contactó conmigo. Yo fui sin ninguna clase de pretensión, pensando que no iba a suceder nada y salí de allí sorprendido de decir: “Joder, realmente quiere hacer algo conmigo de manera genuina”. Y hemos conseguido que coexistan nuestros dos mundos de manera muy divertida. Y al final es eso. Es música muy ligera, divertida… Para TikTok parece, ahora mismo, porque se está viralizando (risas), pero era un poco la idea de hacer algo más naif. El disco es mucho más sesudo, tienes que dedicarle mucho más tiempo, que no tiene mucho la gente ahora mismo (risas), y justo esto es todo lo contrario. Solo por pasarnoslo bien. Yo me lo pasé bien.

    Fotografía de Depresión Sonora y Bb Trickz para «DepresionTrickz»

    J: Es que jamás me hubiera imaginado, ya no un tema, sino un trabajo completo y me parece mágico que Belize, teniendo un proyecto tan «a su bola», tan viral en este punto, y tan distinto a lo que podría asemejarse a tu imagen y sonido, se haya subido al barco y adaptado completamente a tu movida. Y es, yo siento, que al menos en los últimos años, ha florecido como un sentimiento muy grande de unión en el panorama musical español que está dando lugar a cosas tan únicas como esto ¿no? ¿Tú cómo lo ves?. 

    Markusiano: Bueno, esta colaboración también se ha dado, porque ha funcionado como ha funcionado y las canciones son así. Me refiero: imagínate que me hubiera propuesto cantar sobre una instrumental de las suyas. Eso nunca habría sucedido, porque mi proyecto tiene un tinte sonoro más concreto. No soy de estos artistas más urbanos o raperos polivalentes que se hacen cualquier clase de género en cualquier momento, sino que ha dado porque es así, y está guay que haya sido así. Porque, realmente, creo que era la mejor forma de conexión para que los dos proyectos confluyeran. Y eso es lo importante. Pero sí, siempre mola que se den este tipo de oportunidades.

    J: Ya, para ir dando forma al final de esta charla, yo no soy de esos a los que les gusta estar preguntando cuándo sale lo siguiente, aún sin haber digerido por completo «Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo De Sentimientos)» aún, pero si me interesa saber cual es el siguiente paso a vista cercana. En unos meses, cuando el disco esté bien asentado, todo el circuito de promo esté hecho, la gira acabada… ¿serás de los que vuelven al ruedo inmediante a preparar lo siguiente, o toca un momento de decir: «Un par de mesecitos, a una casita en el campo, y dejar de entender Internet, aunque sea por un tiempo»?

    Markusiano: Ni idea, preguntame en un año y medio (risas). Yo ahora mismo solo pienso en la entrevista contigo, y como mucho, en la que tendré después. Y, en general, en preparar la gira que empiezo en enero. No puedes estar pensando en eso. Aunque, siempre voy con ideas. Osea, yo ya sé como se llama el siguiente disco. Ya lo tengo en la cabeza, y voy recopilando cosas y haciendo listas con música, con cosas que me gustan, que me dan eso que quiero. Pero, ¿cuándo? ¿De qué manera? No lo sé. 

    Fotografía de Depresión Sonora para “Los Perros no Entienden Internet (…Y Yo no Entiendo de Sentimientos)”

    J: Para acabar, ¿algún consejo o mensaje para los internautas que nos estén leyendo y que estén dando sus primeros pasos en la música, u otra disciplina, que les ayude a aprender sobre estos temas de los que hemos hablado y a mejorar como artistas?

    Markusiano: Qué hagan lo que hagan, tiene que ser genuino. La finalidad de hacer cualquier cosa artística es la propia obra, lo que estés haciendo y el proceso de hacerlo, no las consecuencias de ello. Si quieren que eso sea de verdad y que eso llegue a algún lado, tiene que haber una pasión y tiene que haber un interés. Cuando uno no tiene ninguna expectativa, y lo hace por sí mismo, por el proceso y porque tiene ganas de generar algo, aunque no vaya a ningún lado, uno está feliz. 

    J:  ¡Justo! Yo creo que esa es la mezcla perfecta de entender sobre Internet y entender sobre sentimientos. Así que, no puede haber un mejor cierre que este.

    Markusiano: Bueno, ahora voy a preguntarte yo a tí, ¿te ha gustado el disco?

    J: ¡A mí sí! Además fui a la presentación que hiciste en Madrid, y a mí me gustó un montón, antes de escucharlo en la versión de estudio, en la que ha sido concebido como tal, por así decirlo, escucharlo en directo. Siempre cuando voy a alguna presentación de algún disco, suele ser como: ponen el disco a reproducir, a veces incluso algunos temas sueltos, quizás el artista dice unas palabras, y ya. Qué no digo que esté mal, osea también mola poder vivir la escucha del resultado junto al artista así. Pero a mi me encantó que tu forma de presentarlo fuera tocar el disco en directo y en mi opinión, creo que gana muchísimo.

    Markusiano: Sí, yo también creo que gana. Tener la oportunidad de descubrir algo en directo y no en la versión de estudio, que suele ser al revés, sobre todo, cuando te gusta mucho un proyecto, como a los chavales que vinieron, que son fans de verdad y que llevaban allí horas esperando, es muy especial. En el directo, lo he querido llevar todo a una cosa más de banda, más orgánico y más de sensaciones. Sin vídeo, sin escenografía… Es más café para cafeteros, pero al final es lo que me gusta.

    J: Será café para cafeteros, pero habiendo cafeteros para disfrutar el café, es una decisión perfecta. Y es que, esa fue otra de las grandes celebraciones de la presentación: hacerla abierta al público y gratuita, para que cualquiera que disfrute del proyecto pudiera acercarse a disfrutarlo junto a tí. Así que desde aquí, invito a todos los artistas a que, si pueden, se motiven a hacer más cosas así, porque no solo los fans lo van a agradecer, sino que, a ellos también les va a llenar más y lo van a disfrutar como nunca. De esta forma, retomo mi última pregunta dando también mi propio consejo para los internautas artistas que nos estén leyendo, y pongo el broche a esta magnífica charla. Muchas gracias por todo.

  • RIZHA – Dios ama a las Latinas y nosotros aún más.

    RIZHA – Dios ama a las Latinas y nosotros aún más.

    Con God Loves Latinas, Rizha celebra la identidad latina desde una mirada muy personal, englobando lo esotérico, la sensualidad y la diversidad sonora a partes iguales. Bebiendo de influencias multiculturales entre Argentina y España, fusiona sonidos como el reggaetón, RKT y cumbia 420, con influencias que marcaron su adolescencia en Madrid: witch house, electrónica y música club. En esta conversación, hablamos de industria, procesos creativos, exploraciones sonoras, conservatismo religioso y anécdotas del disco.

    ¡Hola Rizha! Acabas de sacar disco, ¿cómo te sientes?

    Estoy muy contenta, la verdad. Es el primero que hago que hasta mis amigos me dicen tú, pero tú molas un montón, cómo que tiene ese breakthrough point de decir, lo has hecho tú y está guapo, qué locura. De cosas que hice ya a muchos de mis amigos les gusta también, pero era un estilo más ambiente, experimental, rarito, entonces, este es como el primero que hago que es consumible. Ya tocando en sitios random, aunque los temas no se los sepan, la gente ya reconoce patrones de ritmos y se mueve. Es bailable. No me ha pasado en mi vida eso.

    Y a esa gente que no conoce tu música o no te conoce a ti, ¿cómo te presentarías?

    Hola, me llamo Tamara, soy productora y cantante, me gusta mucho experimentar y mezclar géneros y jugar con el Ableton. Depende de a qué amigos le pregunten también, te dicen una cosa u otra.

    El título en sí es bastante esotérico, ¿tú te consideras una persona esotérica?

    Sí, 100%. Yo tengo mis libritos de manifestación y sé leer la carta astral súper bien. No sé tirar tarot porque nunca me dio. Yo realmente me rayo de verdad. Tengo una amiga que hay un tema que nos gusta mucho, bueno, le gusta mucho a ella. A mí me gusta, pero no lo pongo porque es una canción de Bladee y Isabella Lovestory que dice “I got bad vibes” y te juro, o sea, me entra en la ansiedad, no puedo poner eso como me estás repitiendo durante dos minutos que tengo malas vibras, no, no, no. No soy religiosa, no voy a la iglesia, no voy a misa, pero sí que creo en todas las energías y en Dios y en todas esas cosas.

    Entonces tu disco está infusionado con buenas energías y si lo escucho me va a dar 8 años de buena suerte o qué?

    100%. Mi disco está infusionado para que te sientas the baddest bitch del lugar y que te entre y te pique el bicho gay. Te vuelves gay y una bad bitch.

    Perfecto, se lo pondré a mis amigos heteros. En el disco mezclas reggaeton, RKT, cumbia y luego sonidos más electrónicos. Cuéntame un poco sobre tus influencias y qué te ha llevado a hacer este tipo de fusión.

    A mí me gustaba mucho el reggaetón, pero lo consideraba en mi cabeza fácil de hacer. Pensaba que era una pelotudez en cuanto a letra y en cuanto a producción. Pero claro, como yo produzco, siempre he escuchado música también desde el autismo de la música. Entonces, cuando a mí me da, por empezar a producir reggaeton, me doy cuenta de que es súper difícil de hacer, porque es súper minimalista y se me cierra el orto. Me vi por probarlo con Ángeles, pero como es muy electrónica, me quedé con ganas de probar más. Para este último fue súper divertido, porque me puse a escuchar toda la discografía de Daddy Yankee, la discografía de Wisin y Yandel, La Factoría luego, RKT, L Gante, La Joaquí, etcétera, como un montón de gente y analizar más producciones.

    Me di cuenta de que hay similitudes al hyperpop, sobre todo, siento que el tratamiento de vocales y los chops. Te estoy hablando del original de Estados Unidos, no el que luego fue el de SoundCloud.  Las vocales del reggaeton son súper sencillas, pero las instrumentales que te ponen, sobre todo, en el RKT, son una locura. También conecté mucho, porque de mis productores favoritos de toda la vida siempre ha sido Timbaland,  y cuando tú lo escuchas otra vez, Daddy Yankee, talento de barrio, y Wissin y Andel, sobre todo, lo de la revolución, si lo oyes, no es reggaeton, no son canciones de reggaeton, o sea, la gasolina sí es reggaeton, ok, genial, pero te pones pose y ahí no hay reggaeton, no hay patrones de reggaeton, es literalmente club. Suena a Timbaland, pero con Daddy Yankee cantando y se pone a hablar como si fuera medio en inglés.  Osea, que lo que estoy haciendo yo ahora mismo, es algo que el hijo de puta Daddy Yankee hizo en 2008, pero con las cosas nuevas de ahora. 

    En Argentina tenéis muy buena escena urbana. Entre Taichu, Six Sex, La Joaquí, HelloLola, las chicas, sobre todo, lo están haciendo muy bien. ¿No sé si las tuviste en cuenta, o ese sonido también más moderno?

    A Taichu la escucho, me gusta mucho, me gusta mucho Six Sex y las demás también, pero no fue una referencia. Mi referencia en cuanto a contemporánea fue La Joaquí. Yo quería hacer cosas basadas en más antiguos, no quería que sonase al reggaetón de ahora, ni que sonase a las cosas de ahora, porque quería hacer esa mezcla. Sí que te diría que es una cosa que me parece inevitable nombrar, porque es la persona que me inicia a mí a probar cosas con el reggaetón, es Arca. La madre de todas. 

    Bueno, aparte de ser cantautora, también eres productora. ¿Te trae más retos la interseccionalidad de ser una mujer que no solo canta y que escribe, sino que produce y mezcla también?

    Obvio, es el único lugar donde te van a tocar más la polla, porque es el lugar que es masculino. Siendo chica, vos tenés que ser la cara bonita y cantar. Es tu rol otorgado desde siempre. Y claro, cuando yo me empiezo a meterme en tema máquina o cosas así, ya es cuando sí que lo notaba. Sobre todo cuando era más chica, ahora no tanto. También porque tengo mucho carácter y ya entro con otras movidas y estoy mucho más segura. Tenés que ser un poco una hija de puta. Cuando era chica, que tenía 17 años y empezaba a dar mis primeros conciertos, yo me acuerdo de que iba con un amigo mío y claro, siempre que íbamos a tocar, me decían: “¿qué colores quieres en las luces, tal?” Y lo miraba a él y le preguntaban por la ecualización de tal. A mí me hacían las preguntas pelotudas y a él le tiraban las preguntas técnicas, y me acuerdo de que él siempre decía: “No sé, pregunté a ella”. Y así todo el rato.

    La estética visual parece ser igual de importante que la música. ¿Cómo concibes tú esa relación entre imagen y sonido?

    Te lo puedo explicar más claro con un videoclip. Si la canción es un 60% de buena y el videoclip es un 100%, la canción pasa a ser un 100%. Si la canción es un 60% o un 100% y el videoclip es un 30%, la canción a veces también te baja. Siento que al final los proyectos tienen un universo, entonces es un universo no solo estético, sino un universo en el que vos te metes. Lana del Rey es un universo. Se viste así, se mueve así, ella tiene como ese aura, no es por la música solo. Entonces sí que tiene esa importancia porque le da coherencia, le da credibilidad a la música y le da un sostén donde ponerse. En mi caso, tenía que mantener esa dualidad de lo esotérico y Dios  con los 2000, el bling bling y tal. A mí lo que me llama y me mata siempre son las milfs de los 2000. Sofía Vergara. Yo me acuerdo de ser chiquita y mirar a mi mamá a vestirse para salir y decir, no puedo esperar a ser yo. Yo veo a la mujer con 40 y tiene todo tan claro y son tan listas y le chupa todo tanto un huevo, es como que ya se la saben.

    ¿Y tú, con esa edad, te ves haciendo música aún?

    No lo sé, yo creo que sí, pero tipo muy de cada tanto,  flow así Mariah Carey. Ya hizo lo suyo, ya es ella. No sé si estaría como diciendo “chavales, link in bio”. Me gustaría más, en algún momento, pasarme al tema de producir para otra gente.

    Criándote entre Argentina y España, sientes un síndrome de impostor o de no saber a dónde perteneces?

    De hecho, tenía momentos de síndrome de impostor durante el disco haciendo cumbia o haciendo cosas así. Me sentí gringa, dije, no, no, me van a decir algo. Pero no, me siento argentina, pero no siento que el resto de la gente me perciba como argentina. Entonces, siempre siento cierto corte al tener que mostrarme más argentina. Pero también en España, te rompen tantos huevos con el tema de argentino, son todos pesados. Es como que siempre ha sido una cárcel de cristal, mía imaginaria que no existe, que no es real. En este disco, yo creo que me estafó el corcho de, ah, ok, puedo estar tranquila. Siento que lo que más estabilidad tuvo en mi vida de así cultural fue internet, 100%. Yo me siento de internet porque es lo que compartimos entre todos.

    ¿Hay alguna anécdota del disco que aún no hayas compartido?

    Uau. A ver, qué te puedo decir, que no enoje a nadie… El disco fue lo que me hizo darme cuenta de que tenía que dejar a mi novio. Porque dije, uy, y esto se me viene muy encima, me lo quiero tomar muy en serio. Y este chico que está teniendo ciertos comportamientos que están surgiendo ahora en base a que yo estoy más expuesta haciendo más cosas por el disco. Dije, not me, I’m not the one. Además, ya sacrifiqué mi carrera muchas veces y cosas así por parejas mías y este disco está demasiado guapo, no puedo. Siento que con muchas de mis parejas di pie a esas cosas de, ok, no hablo de estos los temas, ok, no saco esta canción, ok, no voy a un fitting que después digo, boludo es mucho más importante la música que esta persona, y más cuando después rompe es decir, la puta madre, las oportunidades que perdí, las cosas que no hice, por este pelotudo, por esta pelotuda.

    Asumo que igual no tiene mucho que ver, pero dado el contexto sociocultural que estamos viviendo con la religión, ¿crees que de manera inconsciente el título o los visuales de este proyecto caen en eso, o no tiene nada que ver?

    Estás hablando del resurgimiento del fascismo.

    Sí. No estoy diciendo que eres fascista tú, ni que tu música es fascista.

    No, no, no, además es un tema que a mí me encanta. Siento que la sociedad va constantemente de un lado al otro, no. La etapa de cuarentena, era un nivel del woke, que hay muchas cosas que tenían mucho sentido y nos dieron muchos frutos buenos, pero también se fue al carajo, muchas otras cosas. Entonces era inevitable que, con lo extremo que había sido ese volantazo para allá, el volantazo para otro lado fuera extremo y eso es lo que va a pasar cada vez más hasta que haya una guerra civil en nuestro país.  Pero esos volantazos sumados ahora a cómo funcionan los algoritmos, cada vez el volantazo es más extremo y los chavales caen en alt right pipelines. Creo que ahora mismo estamos en el volantazo después de todo lo libre que hemos sido de encerrarnos, porque al final la gente, y sobre todo los artistas que al final lideraron un poco la batuta de la paga donde tira la cultura, quieren ser chocantes o contraculturales.

    Yo hace 3 años conozco a una chica que es ahora mi mejor amiga y ella es española, y su familia rozaba y tocaba el cristianismo, entonces siempre que hablábamos de Dios, ahí se despierta mi germen de la estética cristiana. Porque la estética hermosa, y después fue como un tema mío personal de yo decir, entiendo cuando los reggaetoneros cantan cualquier cosa y después dicen, Dios es lo más grande que hay.

    Cuando percibes a dios como el momento en el que te das cuenta de que no solo hay un objetivo, sino que ese camino se está dando en cuanto a que tú tomas conciencia y empezás como esa inercia de manifestación, law of assumption, es simplemente placentero estar centrado en uno mismo y hacer cosas acorde y alineadas con donde quieres llegar. Cuando percibes a dios como eso, que es el estilado de todas las religiones, que rezar es lo mismo que manifestar, que todo va en el punto de centrarse y hacer lo que uno le llama y seguir su camino y alinearse con sus cosas y no putearse a uno mismo todo el rato, de repente decís, damn, jodo con Dios. Obviamente, yo me entiendo toda la estética de Dios y que al final también mi estética, como que la parte de Dios es más que nada, la cruz y ya está, no hay mucha movida ni estoy tapada ni nada. Y las letras no tienen nada que ver, porque es todo el rato de homosexualidad, de esto, etc.

    Exacto, la más cristiana.

    La más cristiana, literal. Sí que es muy interesante lo que estamos viviendo ahora mismo culturalmente y me da mucha curiosidad ver a dónde va a rebotar ahora. Y no me parece raro, porque todo el mundo dice que es raro que esta generación que son los más liberales haya terminado si no así. No es raro para nada, es gente que ha vivido under surveillance 24-7.

    Tú, ¿qué has estudiado?

    Filosofía.

    Makes sense. Para terminar con algo más así, ligerito, divertido. Si tu disco fuera un plato, ¿cuál sería y por qué?

    Sería una milanesa con puré, pero te estás tomando un monster vodka.

    Perfecto, vea la visión, sí.

  • Spinnheli | “En Clave De Gë” EP.11

    Spinnheli | “En Clave De Gë” EP.11

    «LittleBigPlanet» es un juego desarrollado por Sony en el que la creatividad lo es todo: puedes poner pegatinas allá donde quieras, crear miles de universos, compartirlos con el mundo. Es más, su lema es «crea, juega y comparte». En el mundo de la música ocurre exactamente lo mismo. Por eso nos acompaña hoy Spinnheli, una productora cuya bandera es la creatividad.

    Bueno Heli, preséntate. ¿Quién es Spinnheli y quién es Heliena?

    Está buena la pregunta. Yo antes hacía electrónica y mi alter-ego era Heliena. Spinnheli en cambio es la persona que defiende la parte de la productora sin entrometerse tanto en mi historia. Hay veces que Spinnheli es solo para el trabajo; si alguien me llama así es normalmente del curro.

    ¿Cómo empezaste a producir, tanto en la faceta de Spinnheli como en la de Heliena?

    Yo empecé porque me encantaba la electrónica, por Paul Kalkbrenner, un productor alemán que hacía una electrónica diferente, muy melódica con muchos matices. Me encantaba como producía y me di cuenta que producía con el Ableton. Entonces, me lo descargué para trastear y llegó un momento en el que, mientras mis amigos estaban de fiesta, yo me quedaba en casa haciendo mis cosas. Cuando volvían de fiesta, les enseñaba la movida. Al principio era todo muy regulero, pero mis colegas me ayudaban. Ya luego me vine a Málaga a estudiar, cogí carrerilla y empecé a currar directamente.

    Si no me equivoco, das clase en la School Training, el lugar donde estudiaste. ¿Prefieres tu etapa de formación o dar clases?

    Ahora dar clase, cien por cien. Uno en la escuela aprende las bases, pero luego el tiempo en el que uno estudia en casa y tal, me parece a veces más fructífero que lo que es propiamente producir. Estás proponiéndote el reto de estudiar algo y crear a la par, entonces pasas por etapas donde estás más preocupado en entender una técnica que en hacer música como tal. No se te plantean bloqueos creativos o demás movidas.

    Es más pautado, por así decirlo, ¿no? Me parece curioso, porque la gran mayoría de productores comienzan siendo autodidactas, pero son pocos los que terminan formándose específicamente en ello. Al tener este tipo de formación, tienes cierta ventaja con respecto a otros.

    Sí. Yo tenía claro desde el principio que me interesaba mucho el tema de la producción. Yo avisé a mis padres diciéndoles: “oye, no quiero estudiar en la universidad. No me atraen nada esas movidas”. Siempre he estado muy cerca de estudios por parte de mi padre, que hacía música. He tenido mi parte autodidacta y mi parte lectiva, y la agradezco mil; hay cosas básicas que uno no sabe y la caga. Cosas tan tontas como meterle 48 voltios a un adlib que ya está alimentado. Es algo súper intuitivo, pero si no lo sabes, la estás liando. Te da ventaja en cuanto a la base, luego ya la parte creativa es cosa de cada uno.

    Hablemos un poco sobre tu padre, un famoso trompetista de las islas conocido como Mangui. ¿Es uno de tus referentes a la hora de hacer música?

    Totalmente, tanto mi padre como mi madre. Mi padre hacía latin jazz. Era trompetista, compositor, arreglista… Por parte de mi madre, me ha educado muchísimo musicalmente. Era con ella con la que escuchaba música en el coche o con la que iba a comprar discos a El Corte Inglés. Ella escucha y me manda mucha música. Desde la perspectiva de mi padre veía la música desde los bolos, los ensayos o el estudio. Desde la de mi madre, es por el gusto musical, porque le encanta la música.

    «Mis dos padres están súper vinculados a la música»

    Spinnheli sobre la influencia de su familia en su carrera musical.

    Es un puntazo, además que tener la música en casa hace mucho. Y ahora mismo, ¿qué es lo que más escuchas?

    Escucho mucha música que escuchaba cuando tenía 15 años. Encontré unas playlists de la época y ahora estoy arraigada a eso.

    A mi me encanta escuchar música de cuando era más chico y tal. Tengo un MP3 con música de 2012 y de vez en cuando lo miro a ver qué escuchaba en esa época.

    Pues mira, estoy con Ty Dolla Sign, The Dream, la época de Drake, Tyga, Nicki Minaj, Lil Wayne… Ahora escucho baterías de esa época que están guapísimas e intento hacerlas. Veo que la zona norteamericana vuelve a esa época con el puntito hortera. Escucho mucha música que no tiene nada que ver con lo que hago. En general escucho mucho indie y R&B americano y luego hay cosas que escucho cuando no quiero pensar en lo que estoy haciendo yo, como Henry Mancini o salsa, no sé. Aun así, lo que más escucho es afro, es donde estoy más chill.

    Y en cuanto a producción, ¿quiénes son tus referentes?

    Pues me encanta El Guincho, es mi “productor 360” favorito. Soy más friki de la gente que hace música que de los artistas como tal. Me gusta mucho TY, Cubeatz, Yaseer… No sé, gente creativa. Ahora estoy siguiendo más a creativos. El Guincho siempre ha sido mi referente; casi todo lo que saca y las producciones me flipan. Aun así, ahora escucho y observo más a la gente creativa, como los samplemakers.

    El trabajo de los samplemakers me parece algo muy complejo dentro del mundo de la producción. Creo que no es fácil darse cuenta de qué hacer para crear un buen sample.

    Realmente estos chicos crean samples para que la gente los sampleen, ¿sabes? Son músicos que hacen música para productores. El samplemaker está escondido de cara al público. Conocen bien a la figura del productor, pero detrás de ella hay millones de cosas.

    Totalmente. Hay gente tan especializada en cosas tan concretas que me parece loquísimo. La producción es mucho más compleja de lo que puede parecer. Hablemos un poco de plugins. ¿Qué es lo que más utilizas?

    Pregúntame, pregúntame (risas).

    Vamos a utilizar la pregunta que te hace Kas Rules como base. Si solo pudieras utilizar tres plugins de por vida, ¿cuáles serían?

    ¿Instrumentos o efectos? No me pongas todos, que no puedo elegir (risas).

    Vamos a dividirlos, aunque lo mismo Kas luego me dice que eso no vale (risas).

    Vale, de efectos te diría el Magic Flow, el Nudistort; un plugin súper friki de distorsión que suena espectacular, y no sé, alguno muy creativo como Fragments, o alguno que me deje flippear las cosas. O Thermal, otra distorsión. Es que la distorsión es mi fetiche (risas).

    ¿Y de instrumentos?

    S.K.Y. Keys, cien por cien. Para los bajos me encanta un preset de Serum, de Make Pop Music. Me gusta cualquiera de ese tipo. Y ahora estoy utilizando mucho uno que se llama Freq-2, de Dez Wright. Te diría esos tres de momento, aunque mañana seguramente cambie.

    Por cierto, hablando de instrumentos, tú tocas la guitarra, ¿verdad?

    Sí, empecé a tocar la guitarra con 10 años, pero ya no la toco mucho.

    De hecho, tengo una foto por aquí de ti tocando la guitarra. No sé si se ve muy bien.

    Eso es un bajo, tío. ¿De dónde has sacado esa foto? (Risas) Yo estaba en un grupo antes, con 12 o 13 años. Tocábamos en la calle. Empecé tocando la batería, aunque más tarde la cambié por un bajo. Mi padre me estaba enseñando a la par a tocar la guitarra. En el grupo nos adaptábamos todos, al final tocábamos de todo (risas). Aprendimos un montón a estar en equipo, pero a mí me gusta ser independiente. Sobre la guitarra siempre me ha acompañado, pero hay días que me encanta y otros que no la aguanto. Necesito ir y volver, ¿sabes?

    ¿Tú eres más de instrumentos analógicos o digitales?

    La implementación de cosas orgánicas me encanta, pero si es de manos de un profesional (risas). Me gustan más las “herramientas smart”. Luego el tema de sintes me puto flipa. Noto demasiada diferencia entre sintes analógicos y digitales, y me jode porque cuestan una pasta. Me encantan los sintes; de hecho, estoy buscando uno polifónico.

    A mí las cosas más físicas me parecen más complejas que las digitales.

    La música que se hace con clics no mola tanto. Realmente es más complicada de hacer, aunque probablemente sea más fácil de escuchar. La música que se hace con clics terminas automatizándola: das por sentado que vas a sacar tal plugin, vas a poner estas baterías…

    Claro, al final se convierte en algo circular. Además, ahora con la IA es aún más fácil automatizarlo todo. ¿Tú has usado alguna vez IA?

    El otro día la probé con un colega. Vimos un video de alguien haciendo unos coros de algo que habían grabado y probamos a hacerlo nosotros porque estaba guapo. La IA es una herramienta útil, pero hay que tener cuidado porque puede que termines acomodándote y modificando tu forma de hacer las cosas. Es una herramienta a la que no hay que tener miedo. Además, no vamos a perder el trabajo por ella, al final los creativos somos nosotros.

    Siempre vuelvo al mismo ejemplo, pero hay artistas como JPEGMAFIA que la han utilizado en sus temas de forma súper ingeniosa.

    Nosotros cogimos un sample de Splice y lo metimos como referencia. Probando cosas, la IA nos hico un coro curioso que decidimos utilizar como sample. También te da facilidad en cuanto a derechos de autor y toda esa vaina. Por otro lado, es cierto que pierde su magia.

    Todo es útil, a fin de cuentas. Hablando con Saox sobre este mismo tema, hablábamos también sobre el autotune como una herramienta que ha generado polémica.

    Las cosas como el autotune son herramientas que están ahí para ser utilizadas creativamente. ¿Qué más da? Por ejemplo, Bad Gyal vende un producto que, de no ser por esta herramienta, no sería posible explotarlo.

    Si miramos tu catálogo, podremos encontrar de todo: “Milk & Cookies” con Carrión, varios temas producidos en “CERTIFIED FREAK” de KYNE o “OUT OF STOK” con Stokenz entre otros. Hay uno en el que me quiero detener específicamente: “Asalka”, tu primer disco que solo está en vinilo.

    Sí, ese era más bien por la parte de la electrónica y tal. Hice ese disco y me empecé a interesar más por el hip-hop y el trap. El EP de Dani (Stokenz) la pasamos súper bien haciéndolo. La verdad es que hay gente con la que puedo hacer lo que me apetece. Con Dani en concreto pudimos hacer lo que nos dio la gana.

    ¿Cómo es el proceso creativo con cada uno de los artistas con los que has trabajado? Por lo que me cuentas supongo que será muy diferente.

    Primero veo a dónde se dirigen, pues normalmente cuando escuchamos cosas de un artista con el que vamos a trabajar, no quiere decir que estén haciendo esa música ahora mismo. Aunque tú vayas a Spotify a buscar qué es lo último que sacó, realmente eso está viejo para la persona con la que vayas a trabajar. Lo primero es preguntarle en qué mood está y en qué punto coinciden su movida con la mía. A veces llegamos a puertos super guays y otras veces a nada, pero está guay llegar a ese punto de conexión de querer experimentar. También hay otros artistas con los que previamente sé que vamos a trabajar. Si quedo con KYNE, por ejemplo, sé que vamos a hacer R&B (risas).

    Me comentó KYNE que tienes una bugambilia en la puerta del estudio. Ella encuentra bonito el caer de las hojas. A la hora de hacer música, ¿alguna vez algún elemento exterior al estudio te ha servido de inspiración?

    Mira, la bugambilia me da más problemas que otra cosa, que tengo que barrer todos los días las hojas, tengo que podarla, los vecinos se enfadan… (Risas) Yo más bien la inspiración la encuentro en, por ejemplo, este último viajecito que hice a Puerto Rico y a las islas cercanas. Ver que música se escucha en cada una de las islas es inspirador: en Barbados escuchabas la soca, en Santa Lucía podías escuchar un dancehall súper primitivo… Simplemente con la música que escuchas en un sitio y en otro, vuelves en el avión diciendo “qué vaina es esta”. Encuentro la inspiración no buscándola. Por ejemplo, voy en el coche tranquilamente escuchando algo y, hasta que no me he fijado, no me paro a pensar en hacer esto o lo otro. Quizás es una tontería, pero hasta que no te fijas quizás no encuentras esa vibra.

    Siguiendo con el tema creativo en el estudio, ¿qué es lo que más disfrutas haciendo en el estudio?

    Mi vida creativa son etapas: unas veces estoy obsesionada con las voces, otras con las baterías, luego me aburro y me voy a los one shots… Estoy todo el rato oscilando entre cosas. Si tengo que elegir un elemento, elijo las baterías, porque creo que son las que colocan a la canción en algún lugar. Otra cosa que también me encanta es la esencia de las voces en la música. No tiene necesariamente que ser la voz de un artista para un producto final, puede ser el simple hecho de coger una melodía y como va oscilando con una voz encima. La música cambia muchísimo con una voz encima, hay veces que con una buena melodía con algo que la defienda delante ves más claros los colores.

    ¿Tú como sueles empezar tus producciones? Por las baterías, los bajos, piensas primero en los efectos…

    Tío, yo empiezo realmente intentando saber qué quiero hacer. Busco más la vibe de una canción que centrarme en un elemento en concreto. Intento buscar cosas que me lleven a ese lugar, mirando más bien que todos los elementos tengan la energía del producto final. Me parece poco fructífero empezar a crear de la nada, ¿sabes? Antes lo hacía mucho y, aunque salían cosas más genuinas, eran muy alocadas. El cambio para mí fue hacia dónde dirigirme con cada persona que trabajo. Es importante buscar qué energía quiero. También el tema de ver tutoriales me encanta; es una frikada que flipas (risas). Ves a gente en YouTube que dices “cuánto tiempo has tenido para poder utilizar las herramientas así”. Yo ya lo utilizo para buscar técnicas raras, ¿sabes? El otro día conocí a gente que sampleaba en Melodyne. No me quería ir de allí sin que me lo enseñaran (risas).

    «El problema no es por dónde empezar, si no buscar hacia dónde ir»

    Spinnheli sobre la dirección que toman sus producciones.

    Cada vez los productores sois más libres a la hora de crear, sin regiros por las normas intrínsecas de cada género. ¿Crees que la producción se dirige a un marco mucho más libre?

    Cada vez veo más en gente de mi alrededor y con la que trabajo que, cuanto más libre eres, mejor les va. Joder, ¿lo de Bad Bunny qué es? Hizo literalmente lo que quiso hacer, ¿sabes? Si te das cuenta, el punto en el que alguien crece es cuando hace lo que quiere, sin buscar sonar como otro. La industria musical siempre va a estar guiada por algunas pautas. La música que sale en la radio ya está escrita hace tiempo, pero es tu decisión hacerla o no. A mi es una cosa que me revienta, me es imposible hacer la música que quiere la radio.

    Esto que dices viene genial de cara al siguiente tema que quería comentar contigo. En casi todas las entrevistas pregunto por los ritmos de consumo, pues creo que nos dirigimos a una sociedad en la que se consume música de manera vertiginosa. Personalmente, creo que este ritmo tan acelerado es la causa de muchos bloqueos creativos, la automatización de la misma o la pérdida de alma en la música. ¿Cómo lo ves tú?

    Siento que, desde que algunos artistas grandes se han permitido el lujo de parar en su vida, no sacar nada y centrarse en hacer música detenidamente, se ha sentado un precedente. Aunque lo haya hecho un solo artista, es un espacio tanto para que la gente pueda sacar cosas sin tener que competir con artistas tan grandes como para pararse uno mismo y pensar qué quieres. No puedes estar creando día sí y día también sin estar influenciado por la ansiedad que te da no sacar música o el estar activo en redes. Tú necesitas crear lo que tú quieres, no tienes que estar esperando a ver qué sacan los demás para ver qué sacas tú. La industria pretende ir a esos niveles y los va por la gran cantidad de artistas que hay, pero creo cada vez están tomándose más espacio y más tiempo para sacar su música.

    Bueno Heli, la siguiente pregunta no te la hago yo, te la hace Carrión. Si viniera el productor que más te gusta en el mundo y te dijera de trabajar juntos, pero solo si tú cantas, ¿lo harías?

    No sé, la verdad (risas). Creo que no. O sea, lo haría si pudiera tocar mi voz y hacerlo en plan sample.

    A ver, no es mala idea. En ese caso, ¿qué productor sería?

    El Guincho. Es que tiene que ser él, si no paso (risas).

    El disco de Pop Negro es una locura. Me acuerdo que lo descubrí porque un tema suyo, “Bombay”, salía en un FIFA.

    ¿Has visto el videoclip de ese tema? Es una locura, lo puedes ver miles de veces y cada vez que lo veas verás un detalle diferente.

    Vamos con las dos últimas preguntas. La primera de ellas: ¿qué es para ti la música?

    La música es, para mí, la forma vital de expresión. Es la vía que tengo para expresarme. A lo largo de mi vida, ha sido una herramienta mega productiva para expresarme. También es mi modo de vida; gracias a ella tengo la vida que quiero.

    Y, por último: ¿qué hace que tu música sea tu música?

    Eso lo he hablado mucho con Salva. A veces dice “esto suena a ti” o “el otro dicha Fulanito hizo un beat y creía que era tuyo”. No sé, quizás va ligado a las baterías. Normalmente me dicen que lo más característico es el groove de las baterías. Es que la putada es intentar buscarlo uno de sí mismo. Es complicado.

    ¿Algo que decir a aquellos productores que estén empezando que nos leen?

    Que hagan lo que les dé la gana, literalmente. Que confíen en lo que quieran hacer, hay público para todo. Hay frikis de todo, que cada uno friquee de lo que le gusta. Realmente, no hay nada peor que estar haciendo algo que no te gusta.

  • nusar3000 | «Para mí, la música es el sentido de la vida» «

    nusar3000 | «Para mí, la música es el sentido de la vida» «

    En Clave De Gë | PRINT EDITION

    El caballo hispano árabe es una de las razas de caballo más apreciadas del mundo. Esta surge en la época de Al-Andalus, fruto de la mezcla entre el pura sangre español y el caballo árabe. Este corcel es fuerte, inteligente y enérgico; además de uno de los más preciosos equinos del mundo. Algo parecido tenemos en el panorama nacional: a nusar3000.

    Los inicios de nusar3000

    ¿Cuándo empezaste a producir?

    En mi caso fue a los 12 o 13 años. Escribía letras de canciones y en ese momento no había type beats. Me daba un montón de palo ponerme a cantar encima de las instrumentales de los artistas que ya habían sacado los temas, porque era muy complicado que fuese mejor. Entonces empecé a trastear y a samplear movidas de jazz, de funk, de no sé qué… A hacerme mis ritmos. A medida que fue avanzando, me empecé a sentir cada vez más cómodo hasta que ya la producción se terminó convirtiendo en el centro de mis canciones. Al principio, siempre había sido autoproduciéndome.

    La enciclopedia musical hecha persona

    Me dijeron que eras una enciclopedia de la música, que no hay tío que escuche más música que tú. Sabes de música para dar y regalar.

    Es un gran halago (risas). Llevo muchos años escuchando música. Y también música sin hacer música para hacer música. Creo que es algo súper importante. A la hora de hacer un proyecto de, yo qué sé, música urbana, si tus únicas referencias son de ella, puede estar guapísimo, pero hay una gran limitación y una barrera a la innovación. Al final, si para hacer trap tu única inspiración es YSL, Young Thug, Playboi Carti y Travis Scott, es inevitable que tu sonido se asemeje a esa movida. Cuando escuchas un montón de música variada, inconscientemente se produce un intrusismo de unos géneros en otros. Por lo que, al final, cuando (por ejemplo) quieres hacer un reggaetón, como la última canción que he estado escuchando… (nusar3000 mira cuál es la última canción que estaba escuchando). Estaba escuchando ahora a Teodoro Reyes, que es un pibe que hace una bachata increíble. Y claro, a la hora de ponerme a hacer un reggaetón, va a tirar por la bachata. Creo que mola; la música es lo que más me llena en la vida. Es una forma de viajar sin tener que pillar billetes. Ya no solo alrededor del mundo, también en el tiempo. Me encanta escuchar un montón de música; lo que es la música mediterránea, por ejemplo, me toca mucho la raíz y me siento muy conectado… No sé, ese es el rollo (risas).

    A cada ritmo, su contexto.

    ¿Crees que hoy en día los productores cuidan el dar contexto a sus producciones?

    No sé hasta qué punto es un movimiento unificado eso de que los productores intenten contextualizar. Cada vez la música es más un mercado que un arte, más que nada por la forma en la que se comercializa la música y los fines que hay detrás a la hora de hacer música; ahora, cuando alguien empieza a hacer música, normalmente tiene unas expectativas económicas de poder vivir de ello. No sé hasta qué punto los productores, como movimiento global, lo están priorizando, pero sí creo que estamos en un momento en el que las personas de mi generación estamos empezando a abrazar nuestro legado cultural. En vez de intentar hacer lo que hacen en Estados Unidos, estamos intentando abrazar nuestra lengua y nuestras raíces. Para mí, ya que no soy un productor con una formación técnica, me guío de forma intuitiva. La producción tiene que ser el soporte de la voz y, para que la voz tenga contexto, tiene que ser la instrumental la que hable para que no tenga que contar una historia la voz. Con ‘3000’ intento que no haga falta hablar textualmente del mar Mediterráneo y mis raíces, sino que sea la propia música la que te transporte ahí, independientemente de lo que diga la letra.

    Un trabajo de lo más personal,

    ¿Crees que los productores cuidan que los discos en los que trabajan estén bien curados?

    Creo que la putada es que, hoy en día, los artistas grandes no trabajan con uno o dos productores, sino con un gran elenco de productores. Si no tienes realmente la inquietud como artista, más allá del productor, de intentar hacer un álbum que tenga sentido entre los temas, es difícil coordinar a 10 personas que viven en lugares diferentes para que construyan un sonido en conjunto sin que haya habido una sesión de estudio de por medio.

    Tú eres de trabajar con pocos artistas, ¿verdad?

    Desde el principio, yo he trabajado haciendo remixes en mi casa. Pero cuando hago una producción con un artista, lo que me mola es meterme en el estudio con él, fumarnos un cigarro, dar un paseo, compartir música, que me enseñe las cosas que le molan, cómo es el sonido que se imagina, qué quiere transmitir, en qué etapa de su vida está… Es un trabajo de colega. Un productor tiene que ser alguien que te conozca, no alguien que te imponga una movida o replique el trabajo de otro productor anterior. Si tengo una sesión con un artista, dedico una hora y media o dos horas… A veces me ha pasado que tenía una sesión de 6 horas y no hemos hecho un tema porque hemos estado compartiendo música y hablando de nuestra vida… Cuando yo estoy produciendo para un artista, intento comprender cuál es el imaginario y las cosas que le inspiran. Intento así unificarlo con mis referencias, mis influencias y el momento en el que estoy. También la bendición que tengo es que los que vienen a producir conmigo conocen mi sonido. Suele salir todo a la primera, a falta de un par de arreglos.

    Los objetivos subyacentes a la hora de hacer música.

    Si ves la música como una fuente de dinero, estás cometiendo un error, ¿no?

    Para mí, ganar dinero con la música tiene que ser una consecuencia, no la intención. Cuando amas lo que haces y tienes cariño por… Es lo mismo que ser zapatero o trabajar en cualquier oficio relacionado con la artesanía. Aunque haya un fin de poder no tener que trabajar en otra cosa para hacer lo que te gusta, creo que es necesario amar lo que haces. Y puede que, a la larga, eso te haga ganar dinero.

    Quieres decir que la meta no debería de ser el objetivo principal, más bien el camino que recorres hacia ella.

    Total. Además, en el camino es donde te conoces. Si yo tuviera el mismo objetivo que tenía cuando tenía 14 años, ahora mismo no estaría cumpliendo mi objetivo; estaría cumpliendo el objetivo de un niño. Entonces, como por el camino me voy descubriendo y me voy conociendo, el objetivo va cambiando. Por el camino descubro, aprendo, cambio… Al menos yo soy una persona que está en un continuo proceso de cambio.

    Y además te dota de personalidad, algo que siento que es importante en cuanto a la producción. Aquí cada vez hay productores más originales.

    Total. En España hay muy buenos productores como Nadddot, JAMBO o Nico Barán… Muy buenos productores que tienen reconocimiento internacional y que en España no han recibido el reconocimiento que merecen. Y luego también están todos los chavales que se autoproducen en España, como los de RusiaIDK, que son artistas.

    El caballero detrás de la malla de acero.

    Cuidas mucho el misterio, tanto musicalmente como físicamente, hasta el punto de hacerlo único.

    Qué guay. No sé, intento que mi música sea el centro de atención. La estética acompaña a la música. Por eso también está el tema de currar un traje carísimo o grabar un videoclip en Marruecos; la idea es que todo se centre en el arte. El anonimato es la forma en la que puedo mantener el arte más puro, sincero y leal a mí mismo. Es mejor hacer tu movida, hacer el arte de la mejor forma que puedas y sudar un poco de la fama, del ego que la rodea y del reconocimiento público.

    Muy cierto. Además, la fama corrompe mucho, siendo la música donde más.

    Sobre todo, a nivel de persona. Al final hasta el artista más artista es una persona vulnerable, sensible en cierta manera y con preocupaciones e inquietudes. Además, tienes la presión de tener que cumplir las expectativas de la gente.

    La música para nusar3000

    Y, por último, ¿qué es para ti la música?

    Para mí es el sentido de la vida. Es la forma más inmediata que tengo de sentir y de expresarme. Es la anestesia a las malas rachas y la esperanza. Es lo que te hace viajar, emocionarte y sentir.

    La entrevista en versión digital ya está disponible en nuestra web. La versión íntegra con fotos inéditas está en el print #001 de Calle52, disponible en el link en bio.

    Créditos

    Agradecimientos especiales

    @yabang.bcn · @wowconcept_ · @antoniobarroso9440

    Vestuario — Marcas presentes

    ONRUSH · JIL SANDER x PUMA · YABANG · JEAN PAUL GAULTIER · WOW CONCEPT · NIKE · ADIDAS · DOLCE & GABBANA · DSQUARED2 · KARLO MÓDENES · SENDRA · BOLTAD

  • Barry B: «Nunca he actuado por el fan service»

    Barry B: «Nunca he actuado por el fan service»

    Tras el éxito de CHATO, su LP de 12 cortes, Barry B se ha consolidado como una de las voces más auténticas de la nueva música española. En Calle52 hablamos con él sobre crisis creativas, autenticidad frente al fan service, el papel del rap y su manera de entender la industria.

    Después de “CHATO”

    El recibimiento del disco ha sido masivo, con artistas y público volcados en tu música. ¿Cómo se enfrenta la carrera de un artista después de un éxito así?

    Mucho mejor de lo que me esperaba. No sabía que iba a tener este recibimiento y contar con el aval tanto del público como de la industria te da una tranquilidad enorme para hacer lo que quieras.

    ¿Sentiste algún vacío después de culminar una obra así?

    La primera semana tuve unas buenas crisis después de estar todo el año a piñón con el disco. Acabas y te quedas sin nada, solo te quedan las opiniones de la gente. Luego me envalentoné gracias al recibimiento y salí de esas crisis. No tengo palabras para describir lo que supone que alguien me diga que el disco le ayuda en sus momentos bajos.

    Autenticidad por encima de todo

    Tu línea siempre ha sido hacer lo que quieres, sin seguir lo normativo.

    Me gusta hacer lo que sale de los mismísimos. Si le rebota a la gente, que le rebote; si le mola, que le mole. Pero al menos quiero sentir que he hecho lo que he querido. Ya estaba muy harto de pensar en lo que la gente pudiera interpretar o querer.

    «Nunca he actuado por el fan service. Por lo menos quiero sentir que he hecho lo que he querido.» — Barry B

    El valor del rap

    ¿Cómo entiendes el papel del rap hoy en España?

    Las personas de a pie se identifican más con las letras de un rapero porque realmente viven lo que cuentan. La gran parte de la población son trabajadores de negocios pequeños, que viven el día a día de manera ultra apurada, y eso quién mejor lo describe es un rapero o una rapera.

    Industria y equilibrio personal

    Tras el éxito, ¿te sientes más obligado a entrar en la dinámica de la industria?

    Hay dos o tres eventos a los que no puedes faltar, el resto mejor evitarlos porque son parte de que te coma la industria. Lo más importante es volver a casa y estar tranquilo. Veo a mogollón de artistas que no faltan a nada y luego no proliferan: está muy bien ir de barra libre en barra libre, pero tienes que centrarte en crecer como artista y en que tu material sea lo suficientemente bueno.

    El futuro

    ¿Qué viene después de “CHATO”?

    Siempre estoy trabajando en nuevas ideas. Después del disco llegaron El BB de la luz e Infancia Mal Calibrada (ya disponible), y con lo que tenemos se podrá armar un EP. Es la evolución natural de “CHATO”, un camino creado para hacer canciones gritables en directo.

    La entrevista íntegra, con todo el proceso creativo y su visión completa, está disponible en el print #001 de Calle52 junto con un material fotográfico exclusivo.

    Créditos

    Marcas

    Mans Concept Menswear, Unode50, Scrtco, DAME APRES PARIS, Düa Düa, DSas3 Studio, John Galliano, Dolce & Gabbana, Prada, New Rock, No Faith Studios, TwoJeys, Dior.

    Agradecimientos

    Polemo Madrid, Postproducción, Pelonio, Optik Archive.

  • BLAIR: Bar Scorpios

    BLAIR: Bar Scorpios

    Tras meses de alimentar el hype con adelantos, visuals de otro planeta y una narrativa que se mueve entre el costumbrismo pop y el thriller existencial, Blair irrumpe en la escena con Bar Scorpios: un disco que no solo confirma el giro oscuro y conceptual de su música, sino que la instala como una de las narradoras más inquietantes y lúcidas de su generación. Aquí no hay espacio para la indiferencia: cada tema es un guiño a la cultura digital, a la obsesión por la estética y a ese arte de convertir la vulnerabilidad en su mayor fortaleza.

    Blair es de esas artistas que no temen ensuciarse las manos -ni el vestuario- en busca de una identidad propia. Lo suyo es mezclar referencias de culto, sangre (literal y metafórica) y una honestidad brutal que la vuelve imposible de encasillar. Charlamos en remoto, ella desde Buenos Aires y yo desde Madrid, pero la distancia se desdibuja cuando la conversación fluye y el entusiasmo es mutuo. Sin filtros, nos sumergimos en el universo de Teresa, la protagonista de su nuevo disco, y en todo lo que convierte a Blair en una artista única.

    Bar Scorpios no es solo un disco: es una invitación a perderse en nuevas historias, abrazar la sensibilidad y descubrir la belleza en los matices más inesperados.

    Tu último disco, Bar Scorpios, marca un giro hacia una narrativa más oscura y conceptual, con un personaje principal. ¿Cómo surgió la idea de contar una historia a través de un álbum y qué te inspiro a crear a Teresa como eje central?

    Cuando uno saca un disco, surgen muchas teorías y me gusta dejar que la gente imagine. Teresa, en realidad, iba a la iglesia porque no le gustaba su casa y no tenía amigos; era su refugio. Me divierte que las fans hayan pensado que era aspirante a monja, incluso mi prensa lo puso así. La idea de hacer un álbum conceptual nació porque sentía que mis canciones de desamor se repetían mucho. Quise inventar algo distinto, y así surgió la historia de Teresa: una chica inocente cuya pureza se va corrompiendo, inspirada en personajes como Laura Palmer de Twin Peaks. Me interesaba explorar esa transformación y llevarla al extremo.

    ¿Qué rol tiene la ficción y la dramatización en tus letras y shows? ¿Te sientes más cómoda narrando historias propias o creando personajes y universos alternativos?

    Siempre busco llevar todo al extremo, aunque a veces no se puede por presupuesto o logística. Por ejemplo, una vez me bañé en sangre en un show y, sin querer, terminé rompiendo un micrófono carísimo –no fue algo planeado, simplemente pasó en medio del impacto visual-. La sangre empezó como una metáfora de arrancarse el corazón por amor y terminó siendo un recurso recurrente. La ficción y la dramatización me permiten explorar fantasías y emociones que no podría vivir en la realidad. Es mi gran excusa creativa.

    En tus trabajos, por lo que he visto, la estética visual y la puesta en escena parecen tan importantes como la música. ¿Cómo concibes la relación entre imagen y sonido en tu proyecto?

    Para mí, es impensable una canción sin su videoclip. Crecí con MTV y YouTube, y siento que el video complementa la canción, permite mostrar el universo que tengo en la cabeza. En este disco, la historia es casi cinematográfica: necesito que el público vea al personaje, no solo lo imagine. Los detalles visuales, como por ejemplo, las monjas ayudando a limpiar sangre, son parte de la narrativa que no siempre está en la letra.

    Vienes de experimentar con el trap, pero tu sonido actual mezcla pop, rock alternativo y referencias a otras décadas. ¿Qué artistas o movimientos crees que más influyeron en tu búsqueda de un estilo propio?

    Empecé en el trap porque me daba vergüenza cantar y el autotune ayudaba a disimular. Pero después me di cuenta de que disfrutaba más componer otro tipo de música, influenciada por The Cure, el pop de los 2000, y artistas como Lady Gaga. También me inspiro mucho en libros y películas, como Twin Peaks o poetas argentinas como Alejandra Pizarnik y Silvina Ocampo. En este disco, la narrativa visual y literaria fue tan importante como la musical.

    ¿Cómo viviste el salto de la escena under al mainstream, tocando en festivales como Lollapalooza o en el The Eras Tour en River?

    Fue una validación enorme, tanto externa como interna. Me demostró que se puede soñar en grande y que los sueños, a veces, se cumplen. También fue un cambio de mentalidad: pasé de pensar en pequeño a permitirme soñar con escenarios enormes. No fue fácil, hubo críticas y hasta amenazas, pero estar ahí fue como el final de una película: ganó lo bueno.

    Tus canciones suelen hablar de la tristeza, la soledad y el no encajar. ¿Por qué crees que tu público se identifica tan fuerte con estas emociones?

    Creo que la gente conecta porque mis letras reflejan mi edad y experiencias. Cuando estaba triste, escuchaba música triste, pero me gusta equilibrar melodías alegres con letras melancólicas. Así, quienes me escuchan pueden canalizar su dolor bailando o cantando, sin caer en la tristeza absoluta.

    ¿Qué lugar ocupa la vulnerabilidad en tu propuesta artística? ¿Sientes que hoy en día mucha gente no se muestra “real”?

    Para mí, no mostrarse real es cavar tu propia tumba. Es importante que la gente que me sigue me quiera por lo que soy. Comparto mucho de mi vida en redes y creo que eso genera una conexión genuina. Me gusta ser fan, compartir lo que me apasiona, y creo que eso también se refleja en mi música.

    En esta revista se pone mucho foco en la moda y la estética. ¿Cómo piensas tus looks y la dirección de arte en tus videos y shows? 

    Me fascina el cine antiguo, el old Hollywood, las divas como Audrey Hepburn y Marlene Dietrich. Todo lo guío hacia ese lado, pero sin forzar una estética. Me gusta experimentar, cambiar de personalidad y no limitarme a un solo estilo. Lo importante es tener una identidad visual coherente con el proyecto, pero también permitirse jugar.

    Si tuvieras que definir tu universo visual en tres palabras, ¿Cuáles serían y por qué?

    Atemporal, porque me gusta lo vintage pero también lo actual; cinematográfico, por todas las referencias a películas; y bipolar, porque el disco tiene dos polaridades muy marcadas.

    Ahora que tu música y tu estética están en constante cambio, ¿hacia dónde te gustaría llevar tu próximo proyecto? ¿Hay algún género o formato artístico que te interese explorar?

    Quiero seguir explorando letras más divertidas y melodías pop, pero siempre manteniendo esa esencia retro y de diva. Me gustaría que cada disco tenga su propio universo visual, que sean diferentes entre sí, como capítulos de una misma película.

    ¿Qué sueños o metas te quedan por cumplir, tanto en la música como en otras ramas del arte o la cultura pop?

    Lo más valioso para mí es conocer y hacerme amiga de artistas que admiro. Me encantaría algún día hablar con Rosalía, por ejemplo. También sueño con tocar en grandes arenas y, por qué no, ganar algún premio. Pero lo más importante es seguir viajando y creciendo gracias a la música.

    ¿Qué te emociona más: mirar para atrás y ver todo lo que lograste o pensar en lo que todavía te falta por descubrir?

    Definitivamente, mirar para atrás. El futuro me ilusiona, pero disfruto mucho ver todo lo que he conseguido hasta ahora.

    Y así, entre melodías radiantes y letras que duelen, Blair demuestra que la sensibilidad también puede ser revolución. Para quienes buscan algo auténtico y diferente, su música se convierte en un refugio y una inspiración.

  • Delgao: de El Angelito a El Sinvergüenza en su nuevo disco

    Delgao: de El Angelito a El Sinvergüenza en su nuevo disco

    ¿Quién es realmente Delgao? ¿El artista sensible detrás de Nana, o el provocador que se ríe de lo políticamente correcto? En esta entrevista con el músico conocido también como El Angelito, hablamos sin filtros sobre su nuevo disco El Sinvergüenza, una obra marcada por el duelo, la rabia, el realismo sucio y el deseo de incomodar.

    A través de una mezcla explosiva de géneros y acompañado de amistades -que también son cómplices creativos-, Delgao nos invita a un viaje emocional y sonoro donde belleza y fealdad coexisten sin pedir perdón. Si hay algo claro tras esta charla, es que Delgao no viene a pasar desapercibido.

    El Sinvergüenza Delgao nuevo disco
    IG: @delgaao

    Delgao: de El Angelito a El Sinvergüenza en su nuevo disco

    También se te conoce como El Angelito. ¿Cuánto de angelito y cuánto de sinvergüenza hay ahora mismo en Delgao?

    Yo creo que hay más de angelito que de sinvergüenza. Pero en esta etapa de mi vida —donde tengo más rencor, mucho sentimiento de soledad y otras sensaciones negativas—, está por encima la faceta de sinvergüenza como método de defensa. De ahí la necesidad de hacer este disco.

    ¿Cuál de los dos crees que va a sobrevivir más tiempo? ¿Te da miedo que uno acabe matando al otro?

    El angelito. Me llamo Delgao pero soy El Angelito.

    No tengo miedo porque siempre van a estar los dos. Parece que estamos hablando de tener personalidad múltiple (risas), pero es así. El Sinvergüenza es mi parte urbana, mis raíces en el rap, en la música electrónica, etcétera. Mis canciones de pop y más sentimentales, podríamos decir que son de El Angelito. Pero en todo lo que hago hay una mezcla de los dos. Nunca haría una canción completamente blanca. Siempre tengo un poco de sombra en las canciones de más luz y al revés.

    Entones ¿para ti qué es ser un sinvergüenza?

    Hacer lo que te salga de las narices sin que te importe nada. De hecho, cuanto más le moleste a los demás, más contento me pongo (risas). Me gusta causar sensaciones bonitas pero también de controversia. Dejar huella del tipo que sea. No me gusta pasar como uno más —artísticamente hablando—, prefiero que se queden con un recuerdo mío sea bueno o malo.

    ¿Cómo de sinvergüenza hay que ser en tu industria?

    Creo que si no lo eres, estás acabado. Hay gente mucho más sinvergüenza que yo y, cuanto más lo son, mejor les va en el negocio. Los más sinvergüenzas están ganando.

    ¿Y por todas estas razones elegiste este título?

    Una vez terminado el disco se han vuelto a regular mis niveles de sinvergonzonería y de angelito, tanto en cuerpo como en mente. Pero sí, durante el proceso de creación estaba viviendo todos esos sentimientos y emociones.

    En FIT EUROPEO habláis mucho de moda, de estética, de accesorios… ¿Cómo es de importante para ti la estética/la moda? ¿Realmente “estás bonito hasta cuándo vomitas”?

    (Risas). Yo soy muy fan del realismo sucio y encuentro belleza en la cotidianeidad incluso cuando es un poco asquerosa.

    Creo que la moda es llevar lo que te salga de las narices. Estamos en una época en la que todo vale. Me gusta mucho cuando Fran dice: “si me quedo desnudo llevo las joyas y los Calvin”. La moda no solo es la ropa que llevas. Yo si me quedo desnudo tengo un diente roto, un mullet, unos rizos… Ya me siento empiquetao´ solamente por la forma de mi cara.

    En FIT EUROPEO no hablamos de Chanel ni de Balenciaga. Hablamos de una gorra de Polo o un chándal de Lacoste. Para nosotros la moda es sentirte el puto amo con lo que lleves encima. Yo ahora llevo una gorra cutrísima en la que pone Madrid y siete anillos que no valen más de 5 euros cada uno y aun así me siento súper cabrón con ellos.

    El Sinvergüenza Delgao nuevo disco
    IG: @delgaao

    Este disco tiene mucha mezcla de ritmos y músicas… Supongo que también ha sido un proceso de aprendizaje para ti ¿Cuál de todos esos géneros te ha resultado más desafiante? ¿Y cuál te salió más natural?

    Son ritmos que ya había hecho, aunque los haya variado un poco. Nunca voy a hacer dos canciones iguales y siempre que voy al estudio necesito aprender algo nuevo. Pero algo novedoso ha sido mezclar el Drill con Funk Brasileño. Tanto HIGH como en MALAGRADECIDA aparece esta mezcla y es una combinación que yo por ahí no he escuchado. Estuvimos D3llano y yo investigando y estoy muy contento con el resultado. Podría haber sido el mayor reto en este disco.

    Hay mucha gente a la que tiras beef en este disco, pero he oído que también es gente a la que admiras, al menos musicalmente. ¿En qué consiste ese juego?

    En ser un sinvergüenza (risas). No quiero ningún beef con Guns N´ Roses. Solo quería echarme unas risas con María. Nos pusimos a escribir en el estudio y empezamos a decir burradas hasta que nos quedó el tema más gracioso que nos podía quedar (risas). Solo buscamos hacer un tema y que, en al menos, en alguna de las frases, no puedas evitar reírte.

    ¿Algún referente más que haya marcado tu carrera musical o este disco en particular?

    Mmm… En este disco, aunque pueda sonar raro, mi referente he sido yo. Ha sido una vuelta a géneros y estilos urbanos que he ido tocando años atrás: hay canciones de rap, de trap, de Funk Brasileño… Ni los productores ni yo hemos mirado para fuera a la hora de hacer este disco. Lo hemos hecho a nuestro estilo.

    Pero por ponerte a alguien en general más allá de este disco, un ejemplo clarísimo es Rosalía. Es alguien que experimenta tanto, toca tantos palos, produce y hace las cosas tan bien…, que cada vez que saca tema yo siento que me tengo que poner las pilas, que tengo que ser mejor. Cada vez que un artista, sea más grande o más pequeño que yo, saca un tema muy bien hecho, pienso: “mira este cabrón qué bien lo hace y qué ideas tan buenas ha tenido”. Y yo siempre quiero tener mejores ideas. Así que me meto en el estudio hasta que me salga un ideón (risas).

    Dime algo en lo que tengas fe.

    En el año que viene. En los proyectos en los que estoy trabajando y verán la luz en 2026.

    Hay mucho simbolismo religioso en este nuevo proyecto. ¿Qué es lo que te atrae exactamente?

    Durante el proceso de creación del disco murieron mi abuela y mi tía. En ese lio de sentimientos y emociones me atrajo mucho la estética y la visión de la muerte que tienen las personas religiosas. Vi a mi abuelo feliz después de una vida entera con mi abuela porque su mujer iba a ir al cielo. Admiré tanto… Mejor dicho, envidié tanto esa visión de la muerte y de la vida que no me sacaba de la cabeza la estética, las flores, las cruces y ese enfoque de la muerte. Al final la portada de mi disco es una cruz. No hay mayor prueba de que El Angelito está en El Sinvergüenza. No hay nada más bíblico que un ángel. Todas esas emociones me han dado muchas luces y sombras en las que las inspirarme.  

    La estética de realismo sucio atraviesa los videoclips y también muchas letras. ¿Hasta qué punto estás dispuesto a incomodar con lo visual o con lo que cuentas? ¿Dónde está tu límite?

    Mis límites están en las faltas de respeto. Llegaría a faltar el respeto a alguien que me lo haya faltado a mí en una letra o en una imagen, pero no a un colectivo, o al menos trato de no hacerlo.

    Me gusta mucho Bukowski porque cuenta que ha sido un mendigo, que ha dormido en la calle, que ha robado porque era un alcohólico y lo cuenta en sus libros tal cual. A mí también me gusta contar mis historias en mis canciones como en NI 1 PORRITO ME DEJASTE PA MI NOCHE MENOS GANSTE con todo el dolor con el que yo he vivido esos hechos.

    En algunas canciones del disco se percibe un tono bastante directo, incluso brusco, al tratar ciertos temas vinculados al deseo, el cuerpo de la mujer o las relaciones. ¿Cómo manejas el equilibrio entre esa expresividad y el respeto hacia sensibilidades o temas que hoy generan tanto debate? ¿Te preocupa cómo pueda interpretarse?

    No me quiero excusar. La verdad es que no es la mejor respuesta por mi parte…

    Quizá estés pensando en SKINCARE ROUTINE, la canción que tengo con l0rna, que dice: “bien puta, bien puta, bien puta”. Decir eso y pasárnoslo bien improvisando en el estudio… Para lo que hay por ahí, me parece que se queda en una gracia. Yo me junto con María y con Lorena, y si nos sale eso y nos estamos partiendo de risa, ¿cómo les voy a decir “no lo metemos” si estamos haciendo un disco que se llama El Sinvergüenza? Vamos a meterlo y si crea controversia que la cree. Realmente no pretendemos ofender a nadie de verdad; ni a Tupac, ni a las mujeres.

    Si me permites alargarme con esta respuesta, ¿sabes cuando una persona feminista o del colectivo hace un chiste sobre ellos y se entiende perfectamente que está de broma? Se siente completamente diferente a cuando lo hace un facha, un machista o un homófobo. No es lo mismo que Lorena diga “bien puta” a que lo diga un machista. También van por ahí los tiros. En mi anterior disco, Nana, ya he demostrado mis valores y en este me he tomado el pase de hacer chiste de las cosas que defiendo.

    Has producido parte del álbum tú mismo. ¿En qué momento decidiste que tus ideas necesitaban tu mano directa en la producción?

    En verano la música para un poco porque cada uno se vuelve a su ciudad. Solemos trabajar en Madrid, pero nadie de la gente con la que trabajo es de aquí. En verano es más difícil hacer una sesión, cuadrarse con los músicos, con los productores, con los compositores… No me quedó otra que empezar un montón de sonidos por mi cuenta. Como sé producir y no tenía con quién quedar, me puse a ello y luego a la vuelta les fui dando forma junto Calama, D3llano, Only…

    En este disco colaboran muchos artistas, que además son tus amigos. ¿Cuál es el truco para trabajar con amigos y que salga tan bien?

    Con amigos hacer música nunca se siente como trabajar. Nunca he sentido con KASTA, o con Fran, o con María que estábamos trabajando. Ni con l0rna, ni con Sule B. He sentido que estábamos haciendo lo que más nos gusta en esta vida que es hacer música juntos. Aunque suene muy happy flower, no ha sido trabajar con amigos, ha sido divertirse con amigos.

    Todo mi equipo son amigos míos. Mi conductor es un amigo de cuando era scout de pequeño… D3llano que es mi DJ, es un amigo de Ávila desde hace un montón de años… Only que toca la guitarra conmigo en directo es de Segovia también…

    Yo prefiero crear un equipo de amigos y juntos hacernos profesionales que buscar un equipo profesional de gente que no conozco para sonar profesional. Confío tanto en mis amigos y en su talento que creo que podemos aprender juntos a ser un equipo.

    ¿Quién de todos los colaboradores/amigos ha sido el más sinvergüenza en este disco?

    (Risas) l0rna. En el disco la que más se ha pasado es l0rna. Se ha pasado tres pueblos, lo reconozco y me encanta que haya sido así.

    Tuve bastante debate con mi hermana por esa canción y por la portada del disco. Es una mujer, está mucho más concienciada que yo y hay cosas que no se toma a risa. Para mí es humor lo que para ella es el límite del humor, aunque tengamos los mismos valores.

    ¿Cambiarías algo del disco después de la charla con tu hermana?

    Sí que cambiaría alguna cosa… Aprendo mucho de ella. Sabe muchas cosas que yo a lo mejor nunca he pensado. Obviamente cuando debatimos sobre una canción o sobre la portada, yo la escucho y aprendo cosas que otro día no volvería a decir o a hacer. Pero durante este disco me he repetido muchas veces que soy El Sinvergüenza y que tengo que hacer lo que quiera (risas).

    ¿Solo dos conciertos para presentar un disco tan ambicioso?

    El año vamos a hacer unos cuantos más. Aún me quedan festivales este año, pero soy compositor de otros artistas y eso lleva mucho tiempo y trabajo. No puedo componer, producir discos, hacer festivales y además girar. Espero que la gente lo entienda. El año que viene se vienen cosas.

    Y, para terminar, completa la frase: “El verdadero sinvergüenza es el que…”

    …se la pela (risas).