Categoría: Album Review

  • «La Calor Del Norte», un viaje de sur a norte por Vazkez.

    «La Calor Del Norte», un viaje de sur a norte por Vazkez.

    Personalmente, siempre me he llevado muy bien con los vascos. Aunque toda una península nos separe, siempre he sentido una fuerte energía similar entre ellos y los andaluces. Es por eso que, cuando escuché el disco del que os vengo a hablar hoy, un fueguecito se encendía a cada uno de los temas que componen esta obra.

    El pasado 20 de octubre veía la luz “La Calor Del Norte”, el nuevo disco de Vazkez, artista vasco perteneciente a LaJoyeria con pasado en Andalucía, concretamente en Granada. Si le has echado un vistazo al tracklist, quizás te ocurrió como a mí y echaste de menos “Babosa” y “Rosa Peral”, los primeros adelantos de la cinta que nos hacían una idea de la dirección que iba a tomar el proyecto. Aun así, los 13 cortes que componen el disco hacen que elegir qué temas sustituir por uno de estos dos se conviertan en un dilema entre escoger a papá o a mamá.

    Los 6 primeros temas son los anclados al sur. Zahra Moreno y Chickjuarez acompañan a Vazkez para dar forma a “Kalima” y “Carmen”, contando este último además con Dellachouen. En su análisis a este disco, Alex, de Perrera Urbana, compartía que una voz femenina poderosa siempre queda bien; dato con el que no puedo estar más de acuerdo con él. Con “Kalima”, el susurro de Vazkez frente al cante de Zahra se siente como si la mano de la Puerta de la Justicia por fin hubiera alcanzado la llave. En cambio, “Carmen” te transporta a una cueva del Sacromonte, al tablao de San Cristóbal o al mirador de San Nicolás, lugares donde una guitarra, un cajón y unas palmas son más que comunes.

    Fotografía perteneciente al rodaje del videoclip de «Xirimiri». Hecha por @nai.garay

    “En Casa De Paco”, junto a LaJoyeria y Malakias puede ser uno de los ritmos más divertidos del disco, contrastado por las desgracias que narra Vazkez a lo largo de la pista. “Sol De Enero” y “Skit Romantiko Palentino” retoman esa esencia andaluza marcada, muy heterogéneas entre sí. Mientras que en “Sol De Enero” se habla del amor de forma desgarradora, en el skit Vazkez juguetea al más puro estilo andaluz, improvisando al ritmo de las palmas y los “olés” de los demás allí presentes que por una castellana deja su tierra.

    Para el siguiente tema, “La Feria”, podría dedicar toda una review, porque es espectacular lo que consiguen Vazkez y Érebo. El ritmo tan cautivador, las segundas voces del estribillo, líneas que impactan como balas y la Tómbola Antojitos sampleada a lo largo del tema. Además, su versión en vivo en el canal de Grindin es majestuosa. Para mí, el mejor tema de la cinta.

    Con los siguientes 7 temas, viajamos al norte. “Yo te llamé”, el corte junto a Ben Yart y Chickjuarez ha sido toda una sorpresa para mí, sobre todo por Ben Yart. Tras mucho tiempo fuera del foco, nos presenta una letra tan profunda como las que podemos ver en “Ceros”. Los posteriores cortes, “Resfriado”, “La Ría” y “Alassane, Zer Urrun Dagoen Senegal” mantienen la línea del disco, recorriendo en forma de “canciones anécdota” la vida de Vazkez por su tierra natal.

    El que para mí es uno de los highlights de la parte norte es “Apunto De Kererte”, junto a Polilla, Iuve Botticelli y Chickjuarez. Junto a “Maritxu”, es de los temas más accesibles de la pista. El ritmo se siente sencillo, sin sobrecarga. La letra le acompaña, dando incluso la sensación de que podría formar parte de la banda sonora de alguna película.

    Fotografía perteneciente al rodaje del videoclip de «Xirimiri». Hecha por @nai.garay

    Con el cierre, “Xirimiri”, además de contar con un videoclip cargado de referencias al que le podríamos dedicar un artículo aparte, parece que no moja, pero cala. Sobre un potente ritmo a cargo de Jay Cas y detunedfreq, este corte consigue resumir a la perfección ese fuego que sentía a lo largo de cada uno de los temas del proyecto, concretamente en su parte final. “Te llevo al estadio para que cantes con mi gente aunque aquí sea de tu tierra el que no bote” puede ser una de las líneas más cargadas de significado de todo el disco.

    Me gustaría tomar las palabras del creador de contenido “dconc3pt”, y es que este disco no está hecho para intolerantes. En una entrevista para el Diario de Sevilla, Jon Plazaola, actor vasco que interpreta a Iñaki en “Allí Abajo”, decía que una de las similitudes entre vascos y andaluces es que nos gusta que la gente que viene a nosotros conozca nuestra realidad. Con “La Calor Del Norte”, Vazkez consigue romper con esa barrera invisible entre las diferentes culturas. No es “un vasco haciendo flamenco” o “un andaluz haciendo música del norte”, es una radiografía de las experiencias y vivencias del artista, y no hay nada más personal que nuestra propia historia.

    Aunque la gente solo entiende las costumbres de su casa, Vazkez nos invita a la suya, con mucho mimo y cuidado. “La Calor Del Norte” es un room tour por la vida de Vazkez y por su amor a ambas tierras. Es una transfusión directa de energía, de tú a tú.

  • «Canciones en Mi»: el universo íntimo de pablopablo

    «Canciones en Mi»: el universo íntimo de pablopablo

    Hay artistas que aparecen portando algo más que música: traen consigo la urgencia del ahora y la memoria de lo que fuimos. pablopablo irrumpe en esta escena. Gracias a su voz, la cual reconocemos sin saber por qué, es capaz de mostrar todo aquello a lo que nadie se atreve a través de su álbum, Canciones en Mi.

    Basta escuchar unas pocas estrofas para entender que en su universo lo importante sucede en los márgenes. La nostalgia no es coartada, es el idioma secreto con el que dialoga toda una generación que mira siempre entre dos mundos. pablopablo cultiva la sobriedad de quien prefiere sugerir antes que exhibir, y la honestidad le permite ser mensaje y mensajero al mismo tiempo. Cada vez que canta, pablopablo propone una vuelta a lo esencial. Personas antes que personajes y canciones como refugio.

    Sencillo en palabra, lleno de significado

    El nombre del disco refleja una doble intención bastante atractiva. Por un lado, nació de una idea muy simple: que todas las canciones estuvieran en Mi mayor, un guiño a la sencillez y a la música desnuda, que pudiera sostenerse solo con piano o guitarra. No se trataba de demostrar que ese estilo fuera mejor, sino de explorar creativamente ese límite y ver qué podía surgir. Pero luego apareció otro sentido más personal, un juego de palabras con el pronombre “mí”, como un reflejo de cómo estaba en ese momento. El proyecto en un principio empezó como un EP, pero con el apoyo y la visión de C. Tangana se convirtió en algo más ambicioso y sólido.

    La trayectoria detrás del nombre pablopablo

    Pero este momento de esplendor artístico no surgió de la nada. Antes de mostrarse como pablopablo y publicar Canciones en Mi, Pablo Drexler ya era un músico y compositor inquieto, con una formación sólida en Londres por la Guildhall School of Music & Drama. Sus primeros pasos los dio entre Madrid y escenarios menores, colaborando discretamente a la sombra con artistas de referencia en la escena española actual, como Guitarricadelafuente y C. Tangana.

    No solo trabajó en la producción y composición para otros, también publicó singles propios e incluso un álbum en 2022 mostrando desde temprano su versatilidad y una predisposición a romper barreras de género musical y de idioma. Desde muy joven, integró proyectos colectivos y absorbió influencias que le permitieron comprender de cerca la mezcla de tradición y modernidad que hoy define toda una escena alternativa tanto en España como en Latinoamérica.

    Canciones en Mi condensa esa búsqueda. En cada tema se siente la presencia de lo vivido, lo heredado y lo aprendido al riesgo de elegir caminos menos transitados. La sombra tutelar de Drexler está ahí, pero más como referencia afectiva que como ancla creativa. pablopablo aprende a soltar y en ese desprendimiento construye su estilo propio. Ni folk ni urbano, ni pop ni experimentación, una amalgama donde el minimalismo y la vulnerabilidad sirven de nexo frente a la ansiedad de las etiquetas. Cada canción parece pedir permiso al recuerdo, dejando que las experiencias del día a día se mezclen con la música sin perder naturalidad. Por ejemplo, la colaboración con Amaia suena suave y natural, una pausa en medio de tanta ironía actual. Y, con Ralphie Choo, hay momentos de experimentación y frescura, pero siempre con autenticidad, sin que parezca forzado o artificial.

    “Canciones en Mi” desglosado

    El comienzo del disco, Canciones en Mi, es una intro con un tema instrumental, la cual funciona como un preludio minimalista y desnudo que prepara al oyente para la atmósfera íntima del disco. Aquí se destaca la exploración en la tonalidad de mi mayor, reforzando el concepto de sencillez y honestidad. 

    Dónde estás! es una canción de desamor que cuida la voz desnuda sin apenas adornos, enfatizando la fragilidad y la ausencia. La letra sencilla contrasta con la intensidad emocional, reforzada por su voz en primer plano. La desnudez sonora refleja la soledad y convierte a la voz en un vehículo para mostrar la vulnerabilidad.

    En temas como Todavía se puede ver como el autor retoma lo acústico más puro, con guitarras suaves que acompañan a letras que mezclan melancolía y pausas reflexivas que dan lugar a la introspección. En esta quietud sonoro-emocional, se invita al oyente a un viaje íntimo de recogimiento. Así, pablopablo refuerza la idea de que la pausa no es solo ausencia, sino un momento activo de construcción interna.

    Eso que tú llamas amor es una pieza que introduce frescura y experimentación en el disco, mezclando estilos que aportan aire nuevo sin perder autenticidad. En ella, el corrido mexicano se entrelaza con la electroacústica, mostrando la versatilidad del artista y su expresión libre de etiquetas. La colaboración con Ralphie Choo, además de aportar frescura, añade el distintivo saxo midi el cual aporta una textura original a la canción, mientras que Carín León, contribuye con un verso escrito rápidamente, el cual completó la identidad emotiva y cercana del tema.

    En De Vez en Cuando, el cantante vuelve a apostar por una acústica pura, con guitarras y letras cargadas de melancolía y reflexión. La canción, al igual que Todavía, invita a detenerse y mirar hacia dentro. Así, se mantiene la línea íntima y reposada que atraviesa el disco.

    De Ti es una balada íntima con voces a dúo, un nudo sonoro que expone las dificultades del amor con ternura y crudeza, emociones que conectan con la honestidad y la vulnerabilidad del disco. La presencia de Amaia no solo aporta un contrapunto melódico, sino que abre una especie de diálogo entre dos perspectivas, haciendo que la canción parezca una conversación íntima donde se revelan miedos, anhelos y dudas. Este intercambio vocal enriquece la emoción del tema, pues pone en evidencia que el amor no es unilateral ni sencillo, sino un terreno compartido de vulnerabilidad.

     Vida Nueva representa un súbito cambio dentro del disco, aportando algo más enérgico y potente, lo cual contrasta con la mayoría de las canciones que son más introspectivas y calmadas. Este giro dinámico es necesario para romper la monotonía emocional y renovar el impulso del viaje sentimental que propone el disco.

    Las canciones Ojitos de Ajonjolí, Será X MÍ y ¿Tú te dabas cuenta? regresan de nuevo a la calma y la sencillez que caracterizan gran parte del disco. Aquí, la guitarra y el piano se convierten en el soporte delicado sobre el que se despliegan letras que oscilan entre la ternura y la inevitable ironía, reflejando la complejidad de las emociones amorosas. Las metáforas que pablopablo emplea, como la delicadeza de Ojitos de Ajonjolí, funcionan como imágenes poéticas que expresan fragilidad, cuidado y a la vez la vulnerabilidad inherente al amor.

    Siempre Te Quiero A Veces es la canción más extensa y final, que cierra un ciclo emocional con una declaración sincera que combina ternura y contradicción, sustentada por un fondo instrumental potente y envolvente. Esta pieza representa el momento de dar un impulso, un acto de aceptación de las ambivalencias del amor. Es un final que, lejos de ofrecer resoluciones definitivas, reafirma la idea de que el amor imperfecto y las contradicciones forman parte del recorrido emocional que el disco propone.

    Y, por último, Las Tuyas actúa como un cierre confesional y con humor, donde pablopablo aborda su propia identidad y herencia musical como un acto de confianza, dejando abierta la invitación a seguir explorando esa identidad en futuros proyectos.

    El impacto de pablopablo va más allá del disco. Es en directo donde su propuesta termina de cobrar sentido. Se ve cómo en sus actuaciones, a veces en espacios pequeños, desaparece la distancia entre él y el público, y se crea una conexión genuina que no todo artista logra mantener con su comunidad.

    Verdades nuevas y un respiro de calma

    pablopablo no está inventando nada, y sin embargo lo hace todo nuevo. Esa es quizás la mayor virtud de los que, como él, eligen apostar por la sinceridad y la autenticidad, incluso cuando eso implica exponerse y arriesgarse por completo. Este disco, el cual invita a la escucha paciente y la conexión profunda, es, sobre todo, un acto de confianza y una vía directa hacia la emoción verdadera.

    Escuchar Canciones en Mi es encontrar un espacio de calma en medio del ruido, donde la música se escucha tal cual es.

    Nota: Este artículo se inspira en entrevistas y declaraciones públicas de pablopablo, así como en la escucha y análisis personal del álbum.

  • BLACK BRITISH MUSIC: MADE IN BRITAIN, PAID IN BRITAIN

    BLACK BRITISH MUSIC: MADE IN BRITAIN, PAID IN BRITAIN

    Londres: ciudad de ruido, estímulos y dopamina, básicamente una jungla de asfalto como la definimos los foráneos. Si nos vamos un poquito más al sur llegamos al mitificado South London. Ahí hace muchos años que pasan cosas, quizás más de las que deberían. De ahí viene Jim Legxacy, un distinto que lejos de mantenerse en la ola normativa de rap británico con deliveries crudos y pesados usa la sensibilidad como arma principal. Un Big Picture Thinker de manual.

    Nos encontramos en 2022. Lewisham es uno de los distritos más pobres del sur de Londres y dicha ola de pobreza acaba con James Olaloye viviendo en la calle. Es una experiencia que te cambia. Esa ausencia de un sitio cómodo dónde dormir le obligó a rotar de salón en salón de sus amigos dónde a duras penas conseguía ir creando su nuevo proyecto. Homeless N*** Pop Music supuso un antes y un después en la vida de una persona que pasó de no tener techo a ver como poco a poco todo estaba cogiendo forma. 

    Black British Music no solo es una mixtape. Es un antes y un después del nuevo underground británico donde Jim Legxacy sigue la estela de Dave (que colabora en 3x) como cabecilla de una generación de raperos, con nombres como EsDeeKid, Fimiguerrero (presente en el track Sun) o YT entre muchos otros. Dichos paralelismos con Dave tienen sentido teniendo en cuenta dos cosas: cómo se ha volcado la escena al completo con su nuevo proyecto y lo diferente que es de sus contemporáneos. Ambos son artistas que siempre se han caracterizado por la calidad de sus composiciones, que contaban la vida en las calles como sus contemporáneos pero de una manera mucho más profunda y desde una perspectiva de debilidad y no de fortaleza. 

    Alrededor de esta estela de hip hop experimental -si se puede calificar de esa manera- las guitarras vuelven a aparecer como elemento que justifica la esencia de Jim una mixtape más. En tracks como issues of trust, que funciona casi como interludio, son el elemento principal apoyando un storytelling donde Jim se abre en canal sobre un suceso traumático (el fallecimiento de su hermana) y como ese dolor ha derivado en un miedo interno hacia sí mismo y cómo afronta las situaciones de dolor. La composición una vez más como punto fuerte de sus proyectos. 

    También es importante destacar la presencia del afro y la importancia que le da a dicha cultura en Black British Music, que hace referencia a la música desarrollada en Gran Bretaña fruto de la diáspora africana y caribeña que llegó al país en una de las grandes crisis que atravesó tras la segunda guerra mundial. “We’ve been makin’ asses shake since the Windrush” reza uno de los tags del disco. El Windrush fue uno de los barcos provenientes de Jamaica y otras naciones caribeñas con alrededor de 500 migrantes que contribuyeron a la diversificación de la cultura del país.

    Solo son 3 los acompañantes de Jim en el trayecto que supone BBM que consiguen estar completamente cohesionados en el proyecto. Dave y Fimiguerrero (que sorprende en el registro afro de sun) son colaboraciones potentes pero el descubrimiento de Dexter in the newsagent nos presenta una de las voces más armónicas y bonitas del under británico, una digna heredera de Jorja Smith que brilla por encima de todos en dexters phone call

    Hilando el track anterior, es de recalcar lo curioso de los títulos. Suenan a archivo de obra maestra que guardas así en el FL porque no sabes que nombre ponerle. i just banged a snus in canada water como estilo de vida, que por cierto prueba a Jim en un registro más atrevido y agresivo lejos de su característica meloidicidad. Uno de los más potentes de la mixtape sin duda.

    El verdadero valor de Black British Music y la propuesta de Jim en general reside en la facilidad para hacernos sentir cosas aunque no entendamos su complejo acento británico. Su voz como melodía principal, las guitarras presentes en más de la mitad del disco, los coros y samples que elevan la vibra a otro nivel desarrollan una mixtape cuidada hasta el último stem más innecesario e irrelevante.

    Estamos ante el nacimiento de una estrella a la que cada vez se le da más reconocimiento y que devuelve en cierta parte la fe de que puede haber artistas dignos en el mainstream. El perfil público de Jim se basa solo en su música y no en polémicas, apariciones innecesarias o disputas con otros raperos. Sólo un chico que escuchaba Mitski en el barrio mientras intentaba salir de él. Finalmente puede decir con orgullo que lo ha conseguido por mérito propio. Sin el apoyo de artistas enormes ni grandes sellos detrás. «Made in Britain, Paid in Britain».

    Fotografía vía XL Recordings.

  • Bad Bunny: El arte como mensaje político

    Bad Bunny: El arte como mensaje político

    Benito Antonio Martínez Ocasio, mejor conocido como Bad Bunny, hace historia en la industria musical con su último álbum Debí Tirar Más Fotos (DTMF). Más allá de entretener a la audiencia con su ritmo y sazón caribeño, ofrece un manifiesto político y cultural que resuena desde los barrios más locales de Puerto Rico hasta escenarios europeos, y que próximamente resonará en el Estadio Riyadh Air Metropolitano de Madrid.

    DTMF: Estrategia, arte y protesta

    Este álbum es una carta de amor y de reclamo. Con un alto nivel de coherencia, desde sus letras hasta sus decisiones estratégicas, Bad Bunny plantea un mensaje claro: Puerto Rico no es un souvenir. Es una colonia.

    Cover Álbum Debí Tirar Más Fotos, Bad Bunny
    Cover del álbum DTMF, Bad Bunny.

    Una de las piezas clave para entender este discurso es el cortometraje promocional, también titulado Debí Tirar Más Fotos. Escrito y dirigido por Bad Bunny junto al cineasta puertorriqueño Arí  Maniel  Cruz Suárez, y protagonizado Jacobo Morales (quien representa al artista en el futuro), creando una obra multidisciplinaria, combinando arte, historia, activismo y ficción. Por medio del lamento de no haber tomado más fotos del pasado, invitando a abrazar el legado, valorar las raíces y proteger la memoria colectiva.

    Además, cada canción del álbum viene acompañada de un visualizer tipo diapositiva, con textos elaborados junto al historiador Jorell Meléndez Badillo. En estos se introducen datos esenciales sobre la historia puertorriqueña: desde la colonización española, la anexión a EE. UU. y el Grito de Lares, hasta la fauna en peligro de extinción. 

    Una estrategia innovadora y muy interesante que convierte la música en una experiencia educativa y artística a la vez.

    Cuando el ritmo educa

    En canciones como NUEVAYoL donde el ritmo, energía y el piquete son esencia, una mezcla muy encantadora de reggaeton y dembow. La letra es una expresión de autoconfianza de su cultura en la diversidad de la Ciudad de Nueva York, dando honor a la música latina y a la gente. Aborda temas de emigración y de un nostálgico verano en la gran ciudad. 

    Otro gran ejemplo es LO QUE LE PASÓ A HAWAii, donde aborda temas de gentrificación y la pérdida de identidad cultural, comparando la situación de su isla natal con la de Hawái, ambas afectadas por la colonización y el turismo desmedido.

    Mientras CAFé CON RON exalta el valor de la comunidad y la tradición musical, LA MuDANZA aborda con claridad la lucha por la identidad puertorriqueña. En ambas, Bad Bunny refuerza su compromiso con una narrativa que no solo entretiene, sino que educa y reivindica.

    Video oficial de LA MuDANZA de Bad Bunny (2025).
    Video oficial de LA MuDANZA de Bad Bunny (2025).

    Una gira mundial sin Estados Unidos

    Una de las decisiones más simbólicas del artista ha sido excluir a Estados Unidos en el tour mundial Debí Tirar Más Fotos, que se extenderá entre finales de este año hasta el verano de 2026 por América Latina, Europa, Asia y Oceanía.

    Bad Bunny ha sido claro en su posición hacia la política actual estadounidense y sobre el sistema de explotación histórico de Puerto Rico y Latinoamérica. Rechazar sus escenarios es una declaración de principios ideológicos. Y aunque no ha hecho explicaciones públicas, la coherencia entre sus letras y esta decisión es evidente. Su silencio es también parte del discurso, y eso lo convierte en un artista político, aunque no lo aparente. 

    LOS ANGELES, CALIFORNIA - FEBRUARY 05: Bad Bunny performs onstage during the 65th GRAMMY Awards at Crypto.com Arena on February 05, 2023 in Los Angeles, California. (Photo by Emma McIntyre/Getty Images for The Recording Academy)
    LOS ANGELES, CALIFORNIA – FEBRUARY 05: Bad Bunny performs onstage during the 65th GRAMMY Awards at Crypto.com Arena on February 05, 2023 in Los Angeles, California. (Photo by Emma McIntyre/Getty Images for The Recording Academy)

    El regreso a España

    Después de años sin presentarse en España, Bad Bunny regresa con fuerza. Madrid y Barcelona serán testigos de la enérgica fiesta puertorriqueña. Madrid será la única ciudad europea con doble cita. Esto tendrá un impacto artístico y económico significativo para ambas ciudades.

    El legado del conejo malo 

    Bad Bunny nunca ha sido solo un cantante. Desde el inicio expresaba que venía a romper esquemas. Con DTMF, confirma esto: sin colaboraciones con estrellas globales, con boleros, una crítica social, sonidos caribeños crudos y resistencia cultural. 

    NEW YORK, USA - MAY 05: Bad Bunny MG25 (Mike Coppola/Getty Images)
    NEW YORK, USA – MAY 05: Bad Bunny Met Gala 2025 (Mike Coppola/MG25/Getty Images)

    Su influencia ha llegado a convertirse en objeto de estudio académico en las universidades más prestigiosas del mundo. A partir del otoño 2025, Yale, ofrecerá el curso Bad Bunny: Musical Aesthetics and Politics. Otras instituciones como Princeton, Wellesley College y Loyola Marymount University, ya lo han analizado como prodigio musical y su influencia en temas de raza, género y política.

    DTMF es una muestra de su evolución como artista y activista. Es Bad Bunny volviendo a la raíz, usando el arte como herramienta de memoria, denuncia política y transformación.

  • Sen Senra y el viaje circular: PO2054Z, la trilogía que convirtió Pontevedra en un mito.

    Sen Senra y el viaje circular: PO2054Z, la trilogía que convirtió Pontevedra en un mito.

    Hay discos que se escuchan y discos que se viven.

    Sen Senra, con su trilogía PO2054AZ, nos invita a un viaje que trasciende la música: es una travesía emocional, un regreso a casa y una declaración de intenciones. Desde el primer acorde hasta la última nota, el Peugeot 205- con matrícula PO2054AZ- se transforma en el vehículo simbólico de un relato generacional que arranca en Pontevedra y termina, inevitablemente, en el reencuentro de uno mismo.

    Un Peugeot, tres discos, mil vidas

    PO2054AZ no es solo una trilogía musical; es una obra que desafía la lógica actual de la industria, donde priman los singles y la inmediatez. Sen Senra apuesta por la profundidad, la coherencia narrativa y la autenticidad, regalando más de cuarenta canciones que funcionan como un álbum familiar, un espejo para quienes han sentido el peso de irse y las ganas de volver. La matrícula del coche de su padre, convertida en título, es mucho más que un guiño nostálgico: es la prueba de que los objetos cotidianos también cuentan historias.

    El Origen: arrancar el motor, mirar atrás

    Todo empieza con el primer volumen, El Origen, y no es casualidad. Sen Senra no se esconde: abre la puerta de su infancia, de su barrio, de esa Pontevedra que parece que esté oculta en los mapas turísticos, pero aquí se cuela en cada verso. Nada de apariencias, solo esencia. Las guitarras suenan a humedad, las letras a tardes largas y silencios compartidos. El álbum es una promesa: no voy a ser lo que esperan, voy a ser lo que soy. Y esto, en tiempos de copias y patrones, es revolucionario.

    El Emigrante: la distancia como herida y motor

    La segunda parada es El Emigrante. Sen Senra se va, pero la morriña gallega lo acompaña. La nostalgia se convierte en motor creativo: el sonido se abre al mundo, llegan colaboraciones y riesgos nuevos con ganas de romper la frontera entre lo propio y lo ajeno, pero la raíz sigue ahí, terca. Cada canción es una carta sin remitente, un intento de entender el significado de pertenecer. Irse, en su universo, es también una forma de volver, de reafirmar la identidad a través de la distancia.

    El Retorno: el silencio como grito

    El Retorno cierra el círculoAquí, Sen Senra no necesita gritar: elige el silencio, el espacio, la introspección. Se atreve a cantar en gallego, a volver a poner a su familia en las notas de voz, y a mirar a los ojos a su propio reflejo. La producción se desnuda, las canciones respiran. En este álbum, además, se reconcilia con la guitarra y deja a un lado las colaboraciones, recuperando el protagonismo de un enfoque más íntimo. El Peugeot 205 ya no es solamente un coche viejo: es el tótem, el símbolo de todo lo que importa. Volver no es retroceder, es entender que la belleza está en lo pequeño, en lo que nunca se fue del todo.

    ¿Qué transmite cada canción de El Retorno?

    El Retorno de Sen Senra es un viaje de regreso a casa, pero también un reencuentro con uno mismo. Cada canción es una parada en ese trayecto, una postal emocional que va de la nostalgia al orgullo, de la fragilidad a la determinación. El disco arranca con De Voltadonde se siente ese vértigo de volver después de mucho tiempo: la melodía es suave y los audios familiares te hacen abrir la puerta de la infancia, con ese alivio de saber que, aunque todo cambie, hay cosas que siguen esperándote.

    En Eternamente Jovenla nostalgia y las ganas de futuro se dan la mano. Es un tema para recordar quién eras y quién quieres seguir siendo, celebrando la juventud como una actitud vital. R O M E O huele a playa y a despedidas tranquilas: aquí el amor y la nostalgia se funden en una melodía envolvente, como el rumor del mar al atardecer.

    Se Ve Muy Claro Desde Aquí es claridad y honestidad: el piano imita el oleaje, las guitarras arropan y la voz transmite esa fragilidad sincera de quien mira la vida desde arriba y entiende lo que realmente importa. No Sé Hacerlo Ya De Otra Manera es pura vulnerabilidad, una confesión de quien solo sabe avanzar entre dudas y cansancio, buscando respuestas en el instinto y la honestidad.

    Por Si Vuelve es la espera hecha música, con guitarras suaves y una voz que deja la puerta entreabierta por si acaso. En A Mí No Me Tumba NadieChristian se planta firme: la base es contundente, la letra es un mantra de resistencia y la voz suena más segura que nunca. Es un recordatorio de que, pase lo que pase, nadie le va a derribar.

    Idea Loca es el impulso de romper la rutina y lanzarse a lo desconocido solo por el placer de probar. Ligera, fresca y contagiosa, invita a vivir a tu manera, sin miedo. Padiante es el homenaje a Galicia: una canción de raíces, de orgullo y de resistencia, que defiende la historia compartida y la fuerza de seguir adelante juntos.

    Espantando Palomas juega con la metáfora de soltar preocupaciones como quien ahuyenta palomas en una plaza. Los coros arropan, las panderetas marcan un ritmo sutil y todo crea una atmósfera íntima para dejar ir lo que pesa y volver a empezar. Si Yo No Supe Cuidarte es de las más sinceras: aquí Christian reconoce errores y asume la culpa, en una melodía delicada que habla de soltar y aprender de los afectos perdidos.

    La Belleza es la calma después de la tormenta: una invitación a encontrar luz en lo cotidiano y aceptar la vida con sus claroscuros. Hasta El Fondo es el cierre emocional, una balada donde el cantante se entrega por completo, celebrando la importancia de vivir intensamente y darlo todo, pase lo que pase.

    PO2054AZ pone el broche final con una pieza casi hablada, con campana de iglesia incluida, que transforma la muerte en esperanza: aquí no se entierra un cadáver, se planta una semilla. Es el último gesto de un disco que convierte cada final en un nuevo comienzo, y cada regreso en una siembra para el futuro.

    Pontevedra: raíz, refugio, horizonte

    Pontevedra no es solo un decorado. Es la madre, el refugio, la herida y la cura. Sen Senra la lleva en el acento, en las imágenes, en esa forma de mirar el mundo con calma y vértigo a la vez. Cada disco es una postal de vuelta, una prueba de que lo local puede ser universal si se cuenta desde dentro. Aquí no hay Galicia de postal: hay lluvia, hay niebla y, sobre todo, hay verdad.

    Iconografía: hacer mitología de lo cotidiano

    La matrícula PO2054AZ, las fotos viejas, el coche, las voces de casa. Sen Senra convierte lo cotidiano en icono, lo personal en colectivo. No es nostalgia barata: es memoria viva, es la prueba de que los objetos también cuentan historias. La trilogía es un álbum familiar, pero también un espejo para cualquiera que haya sentido el peso de irse y las ganas de volver.

    No hay final, solo un nuevo comienzo

    Sen Senra no cierra una etapa, la abre de par en par. PO2054AZ no es un punto y final: es una invitación a escucharnos, a reconocernos en las cosas sencillas, a no tener miedo de volver a empezar. Aquí no hay hits prefabricados ni fórmulas gastadas. Hay riesgo, hay ternura, hay ganas de romper la foto y volver a pegarla, aunque quede torcida.

    Sen Senra ha vuelto a casa, pero ahora la casa somos todos los que le escuchamos. Y en tiempos de ruidos y prisa, eso es lo más valiente que se puede hacer.

    Nota: Este artículo se inspira en entrevistas y declaraciones públicas de Sen Senra, así como en la escucha y análisis personal del álbum.

  • Spanish Leather: Guitarricadelafuente y la reinvención del folclore desde la piel y el deseo.

    Spanish Leather: Guitarricadelafuente y la reinvención del folclore desde la piel y el deseo.

    Un nuevo capítulo generacional
    Con Spanish Leather (2025), Álvaro Lafuente, más conocido como Guitarricadelafuente, no solo confirma que es una de las voces más especiales de la música española, sino que se atreve a romper moldes. Este disco es un viaje entre lo rural y lo urbano, entre la inocencia y la madurez, que conecta de lleno con las inquietudes de su generación. Aquí no hay miedo a hablar de deseo, ironía o emociones a flor de piel. Es el reflejo de alguien que ha crecido, que se atreve a ser quien es y a contarlo sin filtros.

    El cuero: símbolo, actitud y juego
    El título no es casualidad, Spanish Leather es mucho más que una referencia al pasado: es una metáfora de la piel, de lo que nos protege y a la vez nos expone. Álvaro juega con la tradición, la reinventa y se ríe de los clichés. La portada y la estética del disco lo dejan claro: aquí la masculinidad se mira al espejo, se parodia y se celebra desde un punto de vista libre, sin complejos. El cuero es, como dice él, una invitación a desnudarse emocionalmente delante de todos.

    Sonidos: raíces, vanguardia y cero miedos
    Musicalmente, Spanish Leather es una evolución natural pero ambiciosa respecto a su debut La Cantera (2022). Álvaro se rodea de productores top como Carter Lang, pablopablo o Raül Refree, entre otros, y se lanza a experimentar. Aquí hay folk, sí, pero también distorsión, autotune, bases electrónicas y guitarras que suenan a campo y a ciudad. Cada canción es un universo propio, y se nota que no ha tenido miedo a probar cosas nuevas. Spanish Leather es un disco que suena a ahora, pero sin olvidar de dónde viene.

    Letras: deseo, humor y verdad
    Las letras de este álbum son directas y sin rodeos. Álvaro habla de deseo, de libertad, de vivir el momento y de reírse de uno mismo. Canciones como Full Time Papi, Futuros Amantes o Port Pelegrí mezclan ironía y sensualidad, y muestran una masculinidad mucho más abierta y flexible. Aquí no hay postureo: hay ganas de contar lo que se siente, aunque sea incómodo o incluso “cringe”. Y eso, lejos de restar, suma autenticidad y conecta con quienes buscan música real.


    ¿Qué transmite cada canción de Spanish Leather?

    BABIECA!
    El disco arranca con energía y frescura, transmitiendo desde el primer momento una sensación de apertura y bienvenida: guitarras alegres y acordes mayores que crean un ambiente optimista, casi festivo, que invita al oyente a sumergirse en el universo del álbum. La melodía, ligera y desenfadada, marca el tono de lo que está por venir y anticipa un viaje musical lleno de matices y sorpresas.

    Futuros amantes
    Este tema es pura actitud. Guitarras que suenan crudas, un ritmo que te empuja y una melodía que invita a dejarte llevar. Hay tensión, hay sensualidad y hay un estribillo que se te mete en la cabeza. Aquí el folk se mezcla con el pop y el resultado es un temazo para escuchar en bucle.

    Full time papi
    Aquí Álvaro se suelta y juega. La base es moderna, la guitarra sigue ahí marcando el sello, pero lo que engancha es ese estribillo pegadizo y la ironía que se respira en cada frase. No es fácil hacer que algo tan divertido suene tan bien, pero en este sencillo lo consigue. El autotune y los coros le dan un toque moderno y fresco sin perder el estilo.

    Puerta del Sol
    Empieza suave, casi como una nana moderna, pero de repente explota y la producción se vuelve más cañera. Aquí hay contraste: de la calma al caos, de lo íntimo a lo grandioso. Es una de esas canciones que te llevan de viaje sin moverte del sitio.

    Pipe dream
    Aquí el ritmo manda. Sientes la influencia del reggaetón, pero con un giro experimental que lo hace diferente. La melodía es juguetona y pegadiza, perfecta para bailar o para escuchar con cascos mientras imaginas que eres el protagonista de tu propia película.

    Poses
    Este tema es pura experimentación. Vocoder, ruidos raros, armonías que no te esperas y una letra que se ríe de los estereotipos. Es de esos cortes que te sorprenden y te hacen pensar: “vale, esto no lo había escuchado antes”. Personalmente, el final me recuerda, de forma simpática, a la melodía de Me colé en una fiesta de Mecano, un detalle que me ha gustado y que aporta un guiño nostálgico al tema.

    Los chicos del club
    En esta parte el disco se pone más loco y experimental. Voces dobladas, efectos raros y una sensación de estar en una especie de sueño colectivo. La melodía es sencilla, pero lo que resulta atractivo es el ambiente de “aquí estamos todos y todo vale”. Pura comunidad.

    Port Pelegrí
    Si cierras los ojos, casi puedes oler el mar. La guitarra acústica manda y la melodía fluye ligera, como una tarde de verano sin preocupaciones. La percusión le da un toque de rumba, pero todo suena fresco, sin caer en lo típico. Es de esos temas que te ponen de buen humor sí o sí.

    Mataleón
    Minimalismo total: guitarra y voz, sin filtros. Aquí Álvaro se desnuda (musicalmente) y deja que la emoción hable. La melodía es libre, los acordes suenan abierto y el resultado es súper íntimo, como si solamente te cantara a ti.

    ¿Quién teme a la máquina?
    En esta canción la cosa se pone más seria. La base es electrónica, la armonía tensa y la melodía casi hablada. Álvaro reflexiona sobre la industria musical y el resultado es un tema peculiar, pero que engancha si te dejas llevar por el viaje.

    Sonata nº9 de los heavies de Gran Vía
    Un interludio instrumental que homenajea a los míticos músicos callejeros de Madrid, mezclando sensibilidad clásica y ese punto eléctrico. Es un respiro que suma personalidad y conecta tradición con calle.

    Tramuntana
    El broche final, enlazado perfectamente con el interludio anterior. Una balada que te abraza, con una melodía dulce y nostálgica que te deja pensando. Aquí la voz brilla y la armonía te envuelve. Es el cierre perfecto para un disco que va de la fiesta a la emoción en menos de una hora.

    Cada canción de Spanish Leather aporta su propia energía, pero todas juntas forman un viaje sincero y sin miedo a mezclar estilos, emociones y sonidos. El disco es como una ruta con paradas muy distintas, pero que al final te deja claro que lo importante es atreverse a ser uno mismo y disfrutar del trayecto.


    El proceso creativo: libertad, espontaneidad y humor
    El proceso creativo de Spanish Leather ha sido pura libertad. Álvaro y su equipo no han puesto límites: cualquier idea, por loca que pareciera, podía acabar siendo el hit del disco. Full Time Papi nació de una broma interna, y así han surgido muchos de los mejores momentos del álbum. Esa espontaneidad y ese humor hacen que el disco respire frescura y que hable el mismo idioma que una generación que ya no quiere filtros ni artificios.

    Colaboración y diversidad: la nueva escena
    Uno de los puntos fuertes del disco es su espíritu colectivo. Álvaro agradece y celebra el talento de la nueva generación de músicos españoles, que han dejado su huella en cada canción. Spanish Leather es una fiesta de estilos y voces, un reflejo de una escena musical que apuesta por la diversidad y la colaboración. Aquí la música es un punto de encuentro, un espacio para compartir y crecer juntos.

    Reinventar el folk: una tendencia con nombre propio
    Spanish Leather no es solo un disco, es el ejemplo de cómo se puede reescribir el folclore desde la libertad y la emoción. Álvaro rompe con lo de siempre y lo reconstruye a su manera, conectando con un público que busca algo más que nostalgia. Esta tendencia va más allá de la música: es una actitud, una forma de entender el arte y la vida.

    Reinventarse sin perder la esencia
    La clave de este álbum es la valentía para cambiar sin dejar de ser uno mismo. Álvaro ha dejado de lado la perfección técnica para apostar por la emoción. Ya no necesita la guitarra como escudo: ahora se mueve libre en el escenario, se expresa con el cuerpo y deja que la música hable por él. Spanish Leather es el ejemplo de que se puede innovar sin perder las raíces.

    Más allá del cuero: identidad y futuro
    Spanish Leather es más que un disco: es una declaración de intenciones, un espejo de lo que somos y de lo que queremos ser. Guitarricadelafuente demuestra que la música puede ser divertida, profunda y auténtica a la vez.


    Nota: Este artículo se inspira en entrevistas y declaraciones públicas de Guitarricadelafuente, así como en la escucha y análisis personal del álbum.

  • Claudio Montana y su vuelta a Madrid (por lo bueno)

    Claudio Montana y su vuelta a Madrid (por lo bueno)

    Claudio Montana celebra su esperado regreso a la música, de la mano de RUSIA IDK, con un triple show milimétricamente detallado en la ciudad que enmusa su música, afrontando una nueva etapa en su carrera, cargada de contrastes y recuerdos, pero sobre todo, llena de color, aire fresco y buena compañía. ¡Como volar una cometa!

    Fotografía del Concierto de Claudio Montana en Madrid por Leire Téllez (@leiretelleez)

    LA PERSISTENCIA DE LA MEMORIA: La Figura y Estatus de Claudio Montana

    Es increíble cómo pasa el tiempo. Parece que fue ayer cuando me gradué del instituto. O cuando mi mayor preocupación consistía en elegir qué película alquilar en el videoclub el fin de semana, o esperar a que llegara la hora de bajar al parque a jugar a la pelota con mis amigos. De igual manera, me pasa con la música. Puedo recordar con la exactitud del presente cómo fue la primera vez que escuché una canción que me marcó o algún artista que me sorprendió de alguna manera. Y sobre todo, si se trata de alguien como Claudio Montana.

    Esto es curioso. En un momento en el que la presencia constante en redes es casi obligatoria, y el ritmo de demanda de nueva música por parte de los artistas es cada vez más alto, podríamos pensar que justamente la figura de Claudio sería la que tenía un mayor potencial de ser apartada a un lado y perdida de vista. Él es uno de esos artistas que no se caracteriza precisamente por sorprender con un nuevo lanzamiento cada semana (ni cada mes… ni cada año…), y está claro que no va a ser uno de mis artistas más escuchados en el Wrapped.

    Pero lo cierto es que cada vez que aparece, me tiene ahí, pendiente, tratando de perseguir la concentración plena, para no perderme ni un solo detalle de su obra. Y cuando no lo hace, me tiene ahí, preguntándome cuándo será la próxima vez que escuche sus aspiraciones e inquietudes. Y eso es de admirar.

    Habían pasado casi dos años desde que «Carbone», el más reciente capítulo de su diario musical donde nos revelaba su partida de Madrid en búsqueda de una paz mental, llegó a nuestros oídos, cuando recibimos la noticia de que Claudio Montana volvería al ruedo este año, pasando a formar parte del colectivo musical independiente «Rusia IDK», con la distribución de un nuevo single llamado «El paseo» y la gran sorpresa de un concierto único de tres fechas que anunciaba por todo lo alto su regreso a esta gran ciudad, tan llena de contrastes, pero que tanto ha inspirado su carrera.

    @rusiaidk #claudiomontana ♬ sonido original – rusia-idk

    Y, por supuesto, como no podía ser de otra manera, nosotros no nos lo podíamos perder.

    LA VUELTA A MADRID (POR LO BUENO): Triplete de Detalles, Compañía y Amor (y Shows)

    Instantes antes de entrar al concierto, al ver la fila kilométrica que rodeaba las inmediaciones de la Sala But, me vino a la cabeza el momento en el que salieron a la venta las entradas y lo mucho que me sorprendió la velocidad en la que se volatilizaron. Justo ahí, pude reafirmar de primera mano que esta sensación que provocaba la música de Claudio era algo a escala popular, y que a nadie le va a molestar si necesitas tomarte un tiempo alejado de todo, si tu aportación a sus vidas ha sido beneficiosa. Siempre habrá gente esperando tu regreso, con las mismas ganas, o incluso más que tú mismo, si es posible. Y vaya que sí había ganas.

    De forma recíproca a nuestro entusiasmo, Claudio nos entregó un show a la altura de las expectativas. Primero de todo, destacar la gran labor de aprovechamiento del espacio para dar forma a una experiencia inmersiva de 360 grados, contando con varias pantallas adicionales que añadían contexto a la obra y transfondo del artista, funcionando como un pequeño museo de objetos con gran valor simbólico para Claudio, un diseño de iluminación titánico que tintaba al recital de una sensación de incertidumbre, exteriorizando el sentimiento presente, y un pequeño puesto que nos daba ciertas pistas sobre el imaginario conceptual del ansiado y muy próximo regreso a la música.

    @rusiaidk

    Esta semana Claudio Montana EP

    ♬ sonido original – rusia-idk

    Así, el concierto se desarrolló de forma muy teatral, estableciendo una sucesión de actos a través de claros y oscuros que buscaban contar una historia de evolución. De cambio, inquietud y sobre todo de adaptación. Esa historia que tanto hemos escuchado a través de sus canciones, que aunque rodeada de información aparentemente fragmentaria, sigue un hilo conductor y un tema recurrente que se manifiesta como inquietud: el papel de la gran ciudad en la búsqueda de supervivencia frente a la vida adulta.

    Fotografía del Concierto de Claudio Montana en Madrid por Leire Téllez (@leiretelleez)

    Claudio, como posiblemente muchos de los asistentes al concierto, ha tenido que enfrentarse, a una edad temprana, a la necesidad de desplazarse de su hogar con el objetivo de perseguir un futuro y, con ello, adaptarse al cambio en un lugar cuyo ritmo y estilo de vida es completamente diferente y acelerado respecto a cualquier otro lugar que conozcas. Un hecho que, por supuesto, llama a la reflexión de decidir cuál es la opción que más te beneficia. Pero, no solo mirando en favor de la oportunidad, sino también de la salud, de la compañía e incluso de la felicidad. Entonces, ¿merece la pena irse de Madrid por lo malo, o volver a Madrid por lo bueno?

    Esta es la cuestión que tanto se ha replanteado Claudio en su música y que llegó a su clímax entre «Carbone» y «El Paseo». Ahora, Claudio ha vuelto a darle una oportunidad a la ciudad, volviendo a Madrid por la pasión por los detalles de su profesión, la compañía de sus amigos, presentes en el concierto en canciones como «Giovanni de Luca» y «Nuevo Duelo», y por el calor humano y amor hacia su arte por parte de sus seguidores, materializándose como reafirmación total en un regreso a la música, y por encima de todo, en un regreso a los escenarios que demuestra que, en este desafío, nunca estará solo.

    Fotografía del Concierto de Claudio Montana en Madrid por Leire Téllez (@leiretelleez)

    SOBRE CÓMO VOLAR UNA COMETA: El Regreso a la Infancia.

    Esta incorporación al equipo Rusia IDK por parte de Claudio ha llegado de la mano con «Sobre cómo volar una cometa», un EP de cuatro canciones que propone un soplo de aire fresco en el estilo habitual de Claudio, colaborando en la producción con el dúo de Art Pop con tintes de Ambient «Ultralágrima», estilos que toman una gran presencia en la escucha.

    Y es que, en «Sobre cómo volar una cometa», la participación de Ultrálagrima busca acentuar el estado contradictorio de la incertidumbre y el caos de la vida adulta y cosmopolita mencionado previamente, exponiéndolo mediante la yuxtaposición a otra sensación completamente contraria: la inocencia de un niño. Desde la temática que señala su título hasta las melodías infantiles y nostálgicas que toman el control de las outros de cada canción, el EP nos transporta a una época en la que no había preocupaciones y que, como dije al principio, no parece distar demasiado de la actualidad en nuestras memorias.

    Entonces, ¿acaso todo esto significa que lo de antes era infinitamente mejor y que ahora la vida es una @#$%&? Para nada. Durante el EP, podemos ver a un Claudio más optimista, que afronta una nueva etapa en su vida de la forma correcta: estando agradecido por el ahora y por la gente que le acompaña en su camino, y convirtiéndose en un adulto que comprende que para tener una vida plena, nunca hay que dejar que desaparezca ese niño interior que todos tenemos.

    Sí, la vida ahora tiene exámenes, alquileres caros y reuniones larguísimas de Google Meet. Pero no por eso no puede haber películas, tardes en bares y noches de juegos de mesa con amigos. Esas cosas que, aunque tu día haya sido el más largo del mundo, te motivan a seguir adelante. Y es que, aunque esto que digo pueda parecer algo muy típico y sencillo de seguir, a veces se nos hace bola encontrar el equilibrio. Pero, al final, todo llega, y el resultado es precioso. Es como, por ejemplo… Volar una cometa.

  • “OI!” de YT: UK finest en su máxima expresión

    “OI!” de YT: UK finest en su máxima expresión

    ¡Ha muerto la reina Isabel! En otras noticias YT ha estrenado «OI!», probablemente el acontecimiento más esperado por los seguidores acérrimos del rap británico.

    ¿Cómo presentar a YT para la gente que no consume su música? ¿Quizás como un artista graduado en Oxford que rapea como si tuviese una renta por pagar? Si te pica la chispa y quieres entender su arte escucha “Black & Tan” con Lancey Foux y “MVP” con Fimiguerrero. Tras esta breve pero descriptiva presentación entramos en materia. “OI!” es un álbum de 12 canciones que vio la luz el pasado 28 de marzo tras dos adelantos, el antes mencionado “Black & Tan” y “Prada or Celine”, casi nada. 

    YT tiene un estilo especial. No es tan fácil rapear así y que tus temas suenen tan divertidos a la vez. Hace unas semanas se pasó por el stream de Plaqueboymax, un streamer de Faze Clan que lleva un tiempo mostrando como es el proceso de selección de beats, composición y grabación de los artistas en sus In The Booth with Plaqueboymax para dejarnos una barra bastante relatable: “George Bush how i am blowing through a rack”. Y tan a gusto se quedó.

    Romper también una lanza a su favor porque en ese mismo freestyle lanzó un patrón que referencia a una actriz para adultos que acabó quitando tras explicar que no le representaban barras así y no quería transmitir esos valores a su público mayoritariamente joven. Los artistas que ponen por delante su fe y creencias a la viralidad o el aumento de streams están destinados a triunfar.

    Volviendo a “OI!” nos encontramos con una mixtape a la antigua. Un sonido jerk que nos recuerda principalmente a Zell si hablamos de mercado hispano (ambos se siguen en Instagram) y el tag del disco repetido aproximadamente 70 veces. Joder, estamos tan de vuelta. La producción del proyecto es mortal, peca un poco de recordarnos de más a “#STILLSWAGGIN”, la mixtape predecesora a “OI!”, pero igualmente impecable. Una muestra de ello es “Put Your Hands Up”, que samplea «One (Your Name)» de Swedish House Mafia con Pharrel Williams. Créditos a eliesg por esta obra de arte. 

    Los featurings los conforman Fimiguerrero, Lancey Foux y Len. Estos tres lanzaron una mixtape bajo el nombre “CONGLOMERATE” hace unos meses y puedo afirmar con fuerza que es uno de los discos más potentes del underground britáinco en los últimos 5 años. Volviendo al featuring de Fimiguerrero, teníamos la predecesora “MVP” con un mítico videoclip de la.uzza como vara para medir “Diamonds”. Tras varias escuchas al track, y mira que las comparaciones son odiosas en el mundo de la música, “Diamonds” está al nivel de “MVP”, si no es mejor.

    Si nos ponemos quisquillosos con el disco hay pocas cosas malas que sacar, pero que se sienta como una continuación de “#STILLSWAGGIN” quizás no es lo más positivo para el artista, igual que los deliverys que a veces se hacen un poco pesados. Aún así es un sonido fresco que no está sobresaturado y solo han pasado dos años (quizás menos porque el proyecto iba a salir antes) entre mixtape y álbum. 

    OI! es un sobresaliente en todos sus aspectos y la estética del disco no es una excepción. El universo alrededor de la mixtape está cuidado a la perfección y se nota cuando todas las partes involucradas del proyecto riman en el mismo caudal. YT es una figura importantísma en el underground británico porque en un panorama dónde todos los raperos se mantienen distantes en la mayoría de sus momentos con el público, a él no le tiembla la mano para abrir stream del FC25 en Twitch y gastarse medio adelanto en Fifa Points.

    Es un chaval que rapea duro, estudió en Oxford y no tiene miedo a flexear de ello, rompiendo con esa imposición por parte tanto del público como de los propios artistas de que hay que venir de los suburbios para ser moralmente bien visto por el resto de raperos. Seguiremos de cerca a YT porque ya rompe barreras en el mercado estadounidense y está a un petardazo más de quedarse con todo. No digas que no avisamos. 

  • Playboi Carti, el sinónimo de “MUSIC”.

    Playboi Carti, el sinónimo de “MUSIC”.

    4 años, 2 meses y 17 días desde “Whole Lotta Red”. 2 años, 11 meses y 2 días si nos remontamos al “anuncio” que decidió hacer Playboi Carti en su perfil de Instagram, con lo que parecía ser una portada a la que le acompañaba el pie de foto “MUSIC”. Si aún sigues en shock, déjame decirte que no estás loco, amigo. Tras innumerables fit-pics, unos cuantos leaks, shows en directo y mentiras varias, por fin tenemos “MUSIC”, el nuevo disco de Playboi Carti.

    El 17 de febrero, Spotify dejaba por Los Ángeles diversos cartelones con la temática de “I AM MUSIC”, dando indicios más que evidentes de que el disco estaba al caer. Cuando el pasado 12 de marzo Blackhaine aparecía una vez más por el perfil de Carti para anunciar la salida de tan ansiado proyecto, creo que más de uno de nosotros derramó una lágrima. Después de tanto tiempo íbamos a tener nueva música de Playboi Carti, esta vez sin ser un featuring o una filtración.

    La noche del lanzamiento, el 14 de marzo, fue una completa locura. Después de un par de tweets de Akademiks (desinformando, como de costumbre), el artista confirmaría a través de su cuenta secundaria la longitud real de la cinta y los featurings. Tras unas horas de retraso, cerca de las 12:00 PM, se hacía oficial el lanzamiento de “MUSIC” en plataformas de streaming, dando pie a la histeria colectiva. Ahora bien, ¿habrá merecido la pena la espera?

    Playboi Carti llorando mientras canta «Long Time-Intro» en el Rolling Loud de California, 2025.

    Repasemos primero el tracklist. 30 temas en los que encontramos presencia de Future, Travis Scott, Ty Dolla $ing, Young Thug, Lil Uzi Vert y una colaboración oculta, dando así lugar a 1 hora y 16 minutos de escucha total. Si has seguido el rollout activamente, seguramente hayas echado de menos algunos de los singles lanzados a lo largo del pasado año, como “ALL RED”, “BACKR00MS”, “DIFFERENT DAY” o “2024”, aunque de este último es más que evidente el por qué de su ausencia. Te hago un spoiler: no los eché de menos, ya sea porque a mi gusto se habría quedado un tracklist excesivamente largo o porque quizás el vacío de dichos temas lo estaba obviando por los más nuevos. Una vez visto a qué nos enfrentamos, llega la hora de ponerse los cascos.

    La primera escucha fue una mezcla de sentimientos. Por un lado, el fanatismo que recorría mi sistema nervioso decía que el disco era un no skips, una obra maestra insuperable. Mientras tanto, la parte racional de mi persona debatía entre si era mi percepción o la mezcla y el master de los temas estaba hecho por un niño de preescolar; y mi percepción no suele fallar. Aun así, quiero hacerle caso a mi parte más fanática, y es que el disco fue todo lo que yo esperaba: un sonido totalmente nuevo y variado. Si hay algo a lo que tenía ganas de echarle el tímpano era al nuevo estilo de Playboi Carti, que luce como la conversación más normal entre las voces que rondan la cabeza de un esquizofrénico con personalidad múltiple. Voces graves como si de una cueva en Francia se tratara como en “MOJO JOJO”, “TOXIC” o “HBA”; un nuevo delivery agudo y divertido como ocurre en “OPM BABI”, “OLYMPIAN” o “MUNYUN” o el susurro amenazante de “POP OUT” o “COCAINE NOSE”. Si os soy sincero, me parecía arriesgada la excesiva modulación de la voz, llegándola a hacer pesada y más a lo largo de una hora y pico; no ha sido el caso, por si había dudas.

    A la voz le acompaña una producción exquisita, quitando los problemas de mix y master y la presencia de drumrolls y sonidos de escopeta sacados del mismísimo Instant Buttons, que a veces resulta prescindible y desconcertante. No hay beat en el disco que no me haya volado la cabeza, pues todos logran llamar mi atención de una forma u otra. Además, los productores no son moco de pavo: Cash Cobain, Ojivolta, MIKE DEAN, Metro Boomin o Wheezy entre los más de 50 productores que participan en el disco. Aun así, mis flores se las llevan F1LTHY y Cardo Got Wings. Todos los temas que llevan su nombre en los créditos son absolutos bangers.

    Y bueno, no produce ni nada del estilo, pero creo que la presencia de Swamp Izzo es más que necesaria en la cinta. Temía que fuera un tanto pesado y cansino, como ocurre a veces con DJ Drama o siempre con DJ Khaled, pero creo que Swamp Izzo aporta más que quita a la cinta. Incluso en temas donde quizás pueda sentirse agobiante, como puede ocurrir con “OPM BABI”, termina siendo todo lo contrario. Pasa algo similar en “CRANK”, uno de mis temas favoritos del disco. El tema en sí es muy rockstar y transmite una energía bestial, pero sin las intervenciones de Swamp Izzo como si fuera un perro con la rabia, el tema perdería todo el poder que subcomunica el alma misma de su esencia.

    Imagen extraída del videoclip de «EVILJORDAN», en el canal de Youtube de Playboi Carti.

    Sobre los featurings, todos cumplen de manera más que sobresaliente, pero si que es verdad que se me ha hecho pesado escuchar tantas veces a Travis Scott a lo largo de la cinta. En “PHILLY” y “WAKE UP F1LTHY”, conecto mucho con el de Houston, pues la vibra western de “PHILLY” encaja mucho con la idea que tengo del artista y “WAKE UP F1LTHY” era uno de los temas que más tenía ganas de escuchar tras escuchar la versión filtrada del mismo. En los otros dos temas, siento que sobra. En “CRUSH”, parece que te está poniendo un caramelo delante y no lo puedes coger, ya que parece que en cualquier momento se va a arrancar a tirarse un verso legendario, pero nunca ocurre. En la que comparte tema con Future, para mí es completamente prescindible. También me gustaría hablar de el featuring secreto, y es que he leído por ahí que Kendrick Lamar no aporta nada al disco. A todos ellos, les invito a dejar a un lado su fanatismo por Drake y disfrutar de una introducción extraterrestre en “MOJO JOJO”, el increíble estribillo junto a Jhené Aiko en “BACKD00R” y “GOOD CREDIT”, la primera colaboración oficial de ambos artistas.

    Y bueno, no podemos olvidar a Lawson, el ghostwriter de confianza de Ojivolta. Por si no lo sabías, supuestamente Carti utiliza inteligencia artificial en los temas “RATHER LIE” junto a The Weeknd y “FINE SHIT”. Os seré muy sincero: no estoy a favor del uso de IA, pero si realmente la ha utilizado, solo puedo aplaudir. Si alguien me recrimina que el tema tiene IA, haré oídos sordos y seguiré disfrutándolos como un leprechaun en un caldero de oro.

    Tras escuchar “MUSIC”, lo único que eché en falta fueron algunos de los temas que creía que estaban incluidos en el mismo, como el angelical ritmo de lo que iba a ser “DRUGS GOT ME NUMB”, el rage de “FOMDJ” o “MÉNAGE”; porque sí, tengo mono de más colaboraciones entre Carti y Uzi. Aun así, creo que Carti ha cumplido las expectativas de sus oyentes por mucho, entregando una obra destinada a hacer historia. Si crees que exagero, déjame decirte que no, amigo mío. Playboi Carti ha conseguido batir en menos de una semana récords que solo demuestran que las ganas que había por “MUSIC” eran inmensurables.

    “MUSIC” para mí es una obra de arte, de principio a fin. No ha habido segundo del disco en el que no haya estado moviendo la cabeza, haciendo muecas a lo Conway o diciendo para mis adentros que “es el disco de la década”. Lo que transmite este disco no se acerca ni un mínimo a lo que sentí la primera vez que escuché “Whole Lotta Red” o cualquier otro disco por el que haya esperado tanto. “MUSIC” ha sido hecho para marcar territorio, para poner una “doble O” en el mapa y para crear conversaciones incómodas acerca de si Playboi Carti es uno de los mejores artistas de la época. “MUSIC” es el grabado en piedra que demuestra que Playboi Carti es uno de los artistas por el que el mundo puede pararse. Playboi Carti no es un artista cualquiera: Playboi Carti es música, pura y dura.

  • “La Madrugá”: Siempre sale el sol

    “La Madrugá”: Siempre sale el sol

    Delaossa ha vuelto: “La Madrugá” es una realidad tras varios años gestándose y todo lo que engloba a este proyecto significa una victoria para la figura del rapero de El Palo. Ahora bien, ¿sigue siendo una victoria a nivel musical?

    Siempre que en la industria se da un suceso de estas dimensiones mediáticas, la gran parte queda retratada en cierta manera. Los escépticos reniegan de la figura del rapero andaluz o los más acérrimos a Dani defienden a capa y espada todo movimiento pese a la incoherencia de algunos. “La Madrugá” en sí ha servido para poner a muchas figuras mediáticas en el foco. KIDDO ha acabado siendo retratado por supuestamente robar créditos, Delaossa se ha contradicho tras asegurar en “Nueva Season” que no rapeaba para lograr un McMenú, para posteriormente colocar una cancion pop con Quevedo que le asegurará poder chartear en las principales listas de éxitos de España con “Still Luvin”. También se ha puesto en valor la figura de Bigla The Kid, con créditos en la gran mayoría de tracks del disco, convirtiéndose en el productor con más oyentes mensuales del país. Aún así, solo esta acreditado como artista principal en una canción. Nada nuevo en la oficina.

    Dejando un poco claros y sombras atrás, la figura conceptual de “La Madrugá” y su mensaje son esperanzadoras. Delaossa llevaba años transitando de un rapero con problemas con las sustancias a uno con un mensaje más positivo con un gran valor moral del que debe sentirse orgulloso. Todo rapero que luche contra el estereotipo de hombre rudo sin sentimientos aparentes hacia cosas que no sean el dinero o el poder, será siempre bien recibido, y más si se arraiga tanto a sus raíces andaluzas y sobre todo a su familia. Casi todo lo que engloba el apartado composición es otro tanto que se suma el rapero de El Palo, siempre acompañado por Bigla, por supuesto. 

    Ahora bien, el gran problema del disco es un demonio que lleva persiguiendo a Delaossa mucho tiempo, su voz. Delaossa es rapero y en “Still Luvin” se vio a la perfección. La voz cruda y áspera le viene como anillo al dedo en registros como “Bling Bling”, sin duda el track rapero más potente del disco dónde tanto la producción como las cadencias despreocupadas de Dani lo convierten en un rara avis del proyecto, que debería haber servido de referencia al resto de temas. Igualmente, es de valor atreverse a montarse en ritmos más aflamencados sabiendo que no es su registro más destacado, consiguiéndolos además de una manera bastante lograda y justa para una cultura tan importante para nuestro país como lo es la andaluza.

    Otro de los puntos más oscuros del disco es su apartado visual. Tras dos vídeos donde el equipo se gastaría todo el adelanto en cubrirlos a la perfección (vídeos increibles y de lo mejorcito que hemos visto en España últimamente), es desastroso que los visualizers del disco sean la portada con dos bandas negras. Hay raperos underground que con una handycam y dos latas de Cruzcampo han grabado mejores visualizers que los que vemos en “La Madrugá”. La portada trata de señalizar el resurgimiento de Dani y la selección de colores es impecable, pero la toma elegida da a ver más que Delaossa está literalmente pariendo el disco que cualquier cosa.

    Las colaboraciones no destacan mucho, salvo las gratas sorpresas de Tijeritas y Andrés Calamaro. También hay throwbacks con Pepe y Vizio o Nicki Nicole que quizás pecan un poco de estar rebuscando exageradamente al público de sus predecesoras, o en el caso de los primeros de quemar demasiado el estereotipo de sus orígenes callejeros. 

    Entre este año y el pasado nos hemos encontrado con un gran número de raperos que han vendido sus discos como generacionales y obras magnas de su vida y han acabado decepcionando a la opinión pública. “Ameri” de Duki o “San Jorge” de Recycled J son parte de esta lista y “La Madrugá” tiene un pie más dentro que fuera de ella, no por la calidad del disco si no por la gran expectativa que había sobre él. Eso sí, si lo comparamos con los mencionados anteriormente «La Madrugá» esta a años luz.

    Si bien es cierto que a nivel producción y composición está años luz de los mencionados anteriormente, el tracklisting del disco le juega una mala pasada. A Delaossa le convenía más construir un disco íntegramente de rap, un género que da bastante pie a hablar de lo sucedido (no hay más que escuchar “Nueva Season”), que un disco dónde los registros raperos son solo la excepción y se construye más en ese registro de temas que llevan mano al pecho a los oyentes que llegaron por “Veneno” o “El Patio”. 

    Por otra parte es bastante entendible el decidir alejarse en cierta parte del bombo y caja. Todo el mundo pedía la vuelta del perro andaluz sin tener en cuenta lo que ello conlleva. Adicción, mala vida y problemas de salud mental desarrollaron un disco así. No viene mal recordar que la música debería ser un arte orgánico y lo que el artista vive es lo que suele plasmar en su obra. Exigir la oscuridad cuando el artista vuelve a ver la luz denota la falta de madurez de cierto sector del público que solo quiere consumir, y con ello me refiero también en consumir la salud del artista con tal de tener «Mirame Así» en plataformas de streaming.

    “La Madrugá” es un álbum muy personal en su mayoría y se agradece, se esperaba un disco sin mensaje y creo que canciones como “Estrella” ha dejado clara que la intensidad sigue presente aunque se manifieste de manera más comercial en algunos tracks. En este caso el fallo ha sido venderlo como un disco donde Delaossa no ha mirado el banquete que son temas como “Demonios De Blanco”, con referencias forzadas e innecesarias.

    Es un proyecto comercial que se agarra de manera indirecta y no intencionada de la profundidad que tiene su trasfondo para apelar a las emociones del oyente, con canciones que lo maquillan como “Elíseos” con Cruz Cafuné que considero uno de los únicos temas donde realmente Delaossa ha hecho lo que se le venía en gana. Un drumless en el disco de rap más esperado de los últimos años, junto con “MMCD”, es digno de celebrar para los más arraigados al rap tradicional.

    El sol ha vuelto a salir en la vida del andaluz y su desintoxicación, a veces muy repetitiva en el disco, vuelve a traernos al más sano y renovado Delaossa que, por más que duela, no es el mismo que el de “Un Perro Andaluz”. Los raperos evolucionan, y aunque cueste creerlo por algunos, son personas. A veces esa evolución trae consigo proyectos como “Luces Fuera” de Tote King, que supo cerrar su trayectoria a la perfección, “Ameri” de Duki, el flop de la década en el rap mainstream o “La Madrugá” de Delaossa, un disco con un balance equitativo de pros y contras que acaba decantándose más por la balanza de los pros por el mensaje que tiene. Delaossa ha vuelto, con sus más y con sus menos, pero ha vuelto y lo celebramos.