Categoría: Album Review

En una mezcla entre calle y elegancia, el artista británico Sainté sale con su primera mixtape con su característica interpretación del nuevo sonido del rap en Reino Unido donde es pionero absoluto.

_{Sainté en el shooting de la portada de «Still Local» (2024)}

Si no estás muy al tanto de la escena del rap en Reino Unido, probablemente no conocerás a Sainté. El artista originario de Leicester es uno de los pioneros en el cambio de tendencia musical en la escena de Reino Unido, donde se ha transicionado de un Drill mucho más agresivo y sobrecargado en cuanto a sonidos a un rap mucho más tranquilo y menos abrupto.

Sainté nos ha dejado proyectos de pocas canciones como «Local MVP», «Vacation» y «Out the Blue», donde la evolución de sonido del británico es constante en cada proyecto. Destacar de estos canciones como «Champagne Shots», «On Me» y «Compare» para introducirse en el artista.  Desde 2020 el ascenso de Sainté ha sido categórico, con su segundo sencillo «Round & Round» acumulando ya más de 40 millones de reproducciónes en Spotify. Sainté ha estado en el foco desde sus comienzos, algo que el rapero ha sabido llevar perfectamente, manteniendo su estatus y aumentando progresivamente sus cifras.

_{Sainté en el shooting de «Still Local» (2024)}

La portada del disco acompaña al concepto de «Still Local», que se puede ver como una continuación del disco Local MVP. Sainté sigue rodeado de su gente, de los que estuvieron en el ascenso pero también en las caídas. Cuando salió Local MVP, el rapero no tenía tanta repercusión ni estaba donde está ahora, y aunque el ascenso de Sainté ha sido categórico, sigue en el mismo sitio del que salió.

El shooting del proyecto viene de la mano de Simon Wheatley, un fotógrafo londinense que ha dedicado su carrera a hacer documentales y fotografiar Londres. Es calificado como uno de los fotógrafos británicos más influyentes del siglo 21.

_{Portada de «Still Local» de Sainté (2024)}

En materia de «Still Local» como proyecto, encontramos una macedonia de diferentes géneros como el jersey club, aunque Sainté sigue manteniéndose fiel a su sonido pero con pequeñas pinzas de evolución para no caer en la monotonía, como pasa en «Tea Over Henny» donde añade unos drums de New Jazz que crean una atmósfera bastante cómoda que ayuda a la primera escucha del disco. Por cierto, una primera escucha que se hace bastante liviana, donde su sonido no se satura y las colaboraciones del disco como Draft Day acompañan a la perfección este sonido que nos presenta el británico en el disco. En una escena donde los proyectos cada vez se hacen con más intención de funcionar como un conjunto de canciones que no se hace para ser escuchado a la vez, se agradece que una mixtape como esta tenga una primera escucha tan valiosa. 

Uno de los puntos fuertes de este proyecto son sin duda sus letras. Algo que describe a esta nueva tendencia del Rap en Reino Unido es la palabra “nonchalant”, que significa calma y despreocupación. Así nos lo demuestra Sainté en letras donde el artista flexea de sus logros de una manera bastante despreocupada, lejos de lo que estamos acostumbrados en la escena , a esos ritmos más agresivos donde los artistas nos cuentan el lujo en el que viven, siendo Sainté y toda esta escena mencionada anteriormente la rotura de esquema del rap británico, donde antes predominaban los 808 distorsionados con el UK Drill y ahora artistas como Nemzzz y el propio Sainté con proyectos así cambian la tendencia de sonido a la que todos asociamos el rap de Reino Unido.

La producción del proyecto también es clave, siendo otro de sus puntos fuertes. La selección de beats es impoluta y consigue que un género que suele ser tachado de monótono (no hay más que ver los comentarios sobre el último proyecto de Nemzzz) tenga una gran variedad. Los responsables de este sonido son productores como Lil Silva que sale acreditado como colaboración, sumándose a Brad Baker o Charlile P. El álbum esta repleto de productores emergentes del Reino Unido que llevan trabajando con Sainté desde su ascenso en 2020.

_{Sainté en el shooting de «Still Local» (2024)}

Sainté suena más de lo que parece, y es que su gran repertorio le hará girar por toda Europa con Lil Tjay de finales de abril a mitad de mayo, pasando por nuestro país el 7 de mayo en Madrid en la Sala La Riviera y el 8 en Barcelona en la sala Razzmatazz.

Con «Still Local» Sainté se presenta como el principal exponente de la nueva ola del rap en el Reino Unido, siendo pionero en este sonido desde hace años y sumando esta última grabación a su lista de proyectos que cada vez se ve más enriquecida. 

En 2016 tuvo lugar un evento en el mundo del rap estadounidense que quedaría marcado a fuego en la memoria de muchos como uno de los momentos más icónicos de lo que llevamos de siglo. Efectivamente estoy hablando del XXL Freshman Cypher 2016. La revista XXL escogió como promesas de ese año a un selecto grupo formado por raperos como Lil Uzi Vert, Lil Yachty, Desiigner, Denzel Curry, 21 Savage, Kodack Black, Anderson Paak, y como sorpresa; Lil Dicky.

La historia de Lil Dicky es una sobre privilegios a la inversa, porque es un rapero que no ha sido bien recibido en la escena nunca. Su condición de rapero satírico, blanco y judío le pone en jaque en un ambiente en el que predomina la música negra. Esto pasa de castaño a oscuro sabiendo que cada vez que un rapero blanco ha decidido empezar su incursión en el sector ha conseguido el mismo o incluso más reconocimiento por parte de la industria por hacer lo mismo o incluso menos que cualquier artista negro. Y sí, estaremos muchos pensando en aquel momento de los Grammy’s de 2014 en el que Macklemore se hizo con el premio a mejor álbum de rap por encima del Good Kid m.A.A.d City de Kendrick Lamar y el Yeezus de Kanye West.

Por ende, su forma de introducirse en la industria sin ser visto como una especie invasora o un “colonizador musical” fue hacerlo desde la sátira y la inversión de roles, como ya explicó a la perfección en el ya mítico videoclip de Professional Rapper. Y no nos vamos a alejar mucho del aspecto audiovisual de su carrera. Cuando lanzó su primer disco, este vino acompañado de unos cuantos videoclips que destacaron por lo ingenioso y creativo de su propuesta (en algunos más inspirados que en otros). Y pese no a haber cuajado en España, los videoclips de temas como Pillow Talking o $ave Dat Money ya son prácticamente cultura popular.

Viendo la implicación que ponía en estos proyectos, no supone ninguna sorpresa la evolución natural que tuvo su carrera cuando dio el salto a televisión con su auto ficción biográfica DAVE. Esta serie fue producida por FX (Que también se ocupó de Atlanta en su día) y en ella el propio Lil Dicky recrea lo que fue su camino al estrellato tomándose algunas licencias por el camino. De cualquier manera, el show acaba siendo un compendio de bromas, juegos de palabras y situaciones incómodas bajo las que se esconden comentarios por momentos muy sagaces sobre los privilegios de clase, el ‘struggle’ como método de legitimización y la apropiación cultural. En el seno de esta serie es donde nace el disco que nos ocupa hoy: Penith (perdonad la introducción tan extensa pero para entender a Lil Dicky TODO es contexto).

Llegados a cierto punto de la serie la trama empieza a girar sobre como Lil Dicky tiene que hacer su primer disco, al cual titula Penith como otra broma más sobre pitos, porque que tu nombre artístico se traduzca como ‘pene pequeño’ por lo visto no es suficiente. Así mismo, el disco que ha llegado a nosotros es una banda sonora que recopila y amplía los snippets y las canciones que suenan en la serie.

Es difícil tomarse en serio a Lil Dicky, y todas las críticas que le caen se apoyan principalmente en lo cursi, rebuscado e infantil que es en muchos momentos. Es un tono complicado de pillar, y creo que el principal hándicap reside en que tienes que haber visto la serie para entender, y luego disfrutar este compendio musical. Pese a que la mayoría los “videoclips” que figuran en youtube no son más que highlights extraídos de la serie, el imaginario que esta crea se vuelve indispensable para entender ciertos momentos. De otra forma no sabría explicarle a alguien como el drop de la intro se relaciona directamente con una versión de Anna Frank en el presente haciendo el baile de Watch Me (Whip / Nae Nae) de Silentó.

Una vez la conoces, hay que abrazar esa estupidez gratuita y alocada. A veces sale mejor y otras peor, con temas que tienen potencial y quedan en bromas de mal gusto (o temas que directamente surgen como bromas y se quedan ahí). Los únicos momentos en los que el disco brilla con luz propia y se sostiene sin necesidad de la serie son probablemente los más intimistas del mismo. Temas como Going Gray o I Met a Girl son una ventanita al alma de Dave más que a la de Lil Dicky. Relatos amenos y sinceros sobre el amor y la vida con los que cualquiera puede relacionarse. El disco no tiene un ritmo fijo, va pasando de estas baladas a temas que son una exhibición de las habilidades vocales de Lil Dicky, (que en contra de la creencia popular, no le faltan) para después dejarnos con algunos ejemplos de la facilidad que tiene para el ‘storytelling’ que le ayudó a llegar a la fama. Harrison Ave y Jail (Part 1) son ejemplos perfectos de esto, con Jail (Part 1) siendo un tema magistralmente absurdo en el que habla de un falso escenario en el que le meten en la cárcel y empieza a elucubrar sobre su vida de tipo duro allí ganándose el favor de los maleantes con los que convive. En este caso el tema viene con un videoclip de ocho minutos que es una delicia que os invito a experimentar por cuenta propia.

En la producción quiero destacar que contamos con la presencia del hitmaker Benny Blanco, que también es un personaje de la serie. Las relaciones de Lil Dicky con sus amigos y compañeros son un eje central de la serie y en consecuencia también del disco. La forma que tiene de tratar a su gente va cambiando para bien y para mál según avanza la historia. Por eso me parece que la outro We Good en la que canta junto con GaTa, su segundo de abordo, cierra el disco a la perfección, suponiendo una celebración de la vida, la amistad y dejar a un lado por un momento el ego y el narcisismo. Pese a ser una auto ficción, creo que hay resquicios de cómo es Dave en realidad que se pueden vislumbrar en ciertas frases del disco. Entiendo el desinterés hacia este álbum por parte del público general y que tiene un replay value muy escaso, pero si vas con la mente abierta y dispuesto a rascar más allá de la superficie te vas a encontrar con un disco sincero y con momentos sorprendentes tanto en lo musical como en lo lírico. Ya sabéis lo que dicen, entre broma y broma la verdad asoma.

Un viaje al pasado, a cinco o seis años atrás, es lo que mucha gente de veintidós o veintitrés años querría hacer en este momento. Una vuelta a la época donde no tenías tantas responsabilidades, donde no habían tantas preocupaciones ni necesidades que atender. Si pudiéramos volver a esos días y nos lleváramos este álbum con nosotros el éxito estaría asegurado, siendo este proyecto una continuación de las tendencias que ya se seguían pero mostrándonos cómo serían si hubieran seguido evolucionando hasta el día de hoy. Cole Bennett apela a la nostalgia desde una posición complicada para crear una pieza cohesiva, la de director de vídeos, pero que tal y como está planteado el álbum consigue transportarnos a otros años donde todo era más bonito.

Desde que ví el cortortometraje que nos abría las puertas a este universo y a este proyecto, ‘whyrush?’, supe que iba a ser algo especial, ni bueno ni malo, pero ciertamente especial. La moraleja, que el mayor premio de esta vida es la vida en sí, es potente y te hace reflexionar desde un primer momento, creandonos escenarios y expectativas muy diversas sobre el álbum. Al final, la voz en off de Rick Rubin nos recuerda que la vida es una oportunidad que muchas veces está marcada por unas metas que son definitorias de lo que somos, pero que debemos vivir este regalo que es la vida a nuestro propio ritmo disfrutándola al máximo.

La vida y las decisiones que tomamos es también un tema recurrente en el apartado musical. Esta temática tan amplia se puede ver reflejada en todos sus aspectos; en ‘Guitar In The Room’, Lil Durk recuerda su vida pasada en la que puede haber cometido errores pero ha reconducido su rumbo y ahora quiere que se le trate por quién es actualmente y que le den un voto de confianza; en ‘Hummingbird’, UMI, SahBabii y Teezo Touchdown intercambian versos sobre sus perspectivas personales sobre el sentido de la vida o el amor en lo que es la mayor performance vocálica del álbum; sin embargo, la canción que mejor refleja está temática en la faceta de vivir tu propia vida es ‘Stop Giving Me Advice’, Jack Harlow y Dave se funden en una oda al personalismo y al egocentrismo sano en la que no le aceptan consejo a nadie y se mantienen puros a ellos mismos.

Este sentimiento reflexivo sobre la vida también llega por medio de los coloboradores. Las voces de los difuntos 6 Dogs y Juice WRLD te hacen pensar sobre lo efímera que es la vida, al igual que Lil Tracy hablando de su hermano de diferente madre Lil Peep y como se fue sin que el pudiera despedirse. También que aparezcan personas como Sheck Wes, Corbin o Ski Mask The Slump God que llevaban tiempo sin sacar música propia y estaban alejados del foco público también ayuda al sentimiento de nostalgia que comentaba al principio, al igual que con raperos icónicos como Lil B o Chief Keef u otros que marcaron una época entera como Lil Tecca, Swae Lee o el propio Lil Yatchy que te devuelven completamente a otros momentos de la vida.

Otro punto de vista desde el que ver el disco es la distribución de las canciones a lo largo del tracklist. Este evoluciona como un día en el sentido de que el frenetismo decae pasada la primera mitad del álbum, induciéndonos a una parte más tranquila que busca la musicalidad en otras cosas como la lírica y no solo en el ritmo. La locura de la primera parte se ve concentrada en la canción ‘Fist Night’, una pieza muy bien formada que hace que se sienta como un paraje colérico encajado entre la intro de Teezo Touchdown y el speech final de Lil B. Esto se consigue juntando a cinco personas en una misma canción que cambia de ritmo tres veces. Por el otro lado, tenemos a ‘Hello There’ como máximo representante de lo que sería la noche en este álbum, una canción basada en la interpolación de ‘I Miss You’ de blink-182 que consigue transmitir una sensación muy oscura. Las voces de Corbin y Lil Tracy son inquietantes y llenas de remordimiento, mientras que Black Kray añade ese sonido a murmullo que hace la canción aún más tétrica.

El proyecto en general abarca muchos géneros y facetas de estos, ya que aunque mayoritariamente sea trap los artistas se desenvuelven muy bien en géneros a los que no están acostumbrados o sacan a relucir su mejor versión. Esto en parte puede ser porque los raperos sobre todo se siente que están disfrutando en sus versos y esto el oyente lo nota. Una buena muestra de esto es la canción ‘Special’ en la que tanto Latto, Aminé y Swae Lee fluyen a la perfección la base con melodías muy frescas que te transportan directamente al verano. En ‘Say Ya Grace’ directamente se juntan Chief Keef y Lil Yatchy, dos de los raperos que más disfrutan fluyendo las bases y que casan perfectamente con el tono irónico del track. La poca seriedad del proyecto en este aspecto suma más que resta, lo que es complicado de conseguir, y ayuda a que todas las escuchas sean muy agradables, dándole forma a un proyecto muy ameno.

Porque la seriedad a veces no lo es todo, Cole Bennett a través de Lyrical Lemonade consigue hacer una oda al pasado cercano y consigue traer de vuelta el disfrute de toda una época. Aun con esto la introspección siempre estuvo y, por ende, está presente equilibrando la balanza a la perfección. La evolución siempre aporta y eso lo podemos ver por todos los lados de este proyecto en el que Cole consigue hacer, en sus propias palabras, su primera película. Ahora solo queda esperar al deluxe, que ya está confirmado, al segundo volumen y al lanzamiento de los videoclips de todos las canciones del disco, lo que hará la pieza aún más redonda si es que se puede.

Una odisea se define como «un viaje largo en el que abundan las aventuras adversas y favorables». Homero ya retrató uno de estos viajes en el siglo VIII a.C. Veintinueve siglos después Sean Leon retrata su propia odisea a través de una película, ‘House Of Leon’, y un álbum, tema de este artículo, que funciona como banda sonora de la misma, ‘IN LOVING MEMORY’. Sumando estos dos proyectos se completa una experiencia total en la que conviven los momentos más profundos de la vida de Sean con sus puntos más álgidos, conviviendo perfectamente en la faceta más R&B y neo-soul del artista.

En 2019, Maui, como es apodado el cantante, comenzaría a desarrollar un nuevo disco después de su tercer álbum de estudio, ‘Sean Leon (The Death Of)’. Desde un primer momento ya tenía claro que quería hacer un álbum que prescindiera más del rap y que, en sus propias palabras, «rellenara los espacios vacíos con poesía y afirmaciones».

De esta etapa temprana del álbum nace ‘THE GLADE’, con su amigo cercano y uno de los mejores artistas de la nueva ola del R&B Daniel Caesar. Este tema provoca una sensación de lucha y coraje que en cierto punto se concentra para crear un paraje más fraternal con tintes angelicales, protagonizado por la firme voz de Caesar. Esta canción, que aún estaba en desarrollo para el momento, llamaría la atención de Kanye West que reversionaría la canción para darle una temática más bíblica, pero manteniendo la esencia original, e incluirla en Donda como ‘Up From The Ashes’. Este encuentro entre artistas deriva de forma más inmediata en la colaboración de Leon en ‘JESUS IS KING’, el disco que Ye estaba trabajando en el momento, como escritor en ‘Selah’ y ‘Use This Gospel’.

En 2020 sucedería un hecho que marcaría ya no solo este álbum, sino la vida del artista por completo. Su hermano Kingsley fallecería dejándolo completamente destrozado, cambiando el rumbo de su vida personal y profesional. En este momento el álbum pasa a llamarse ‘IN LOVING MEMORY’ y se empieza a plantear como un homenaje, un homenaje a su hermano pero también un homenaje a su vida que desde ese suceso consistió en sanarlo y asumirlo como pudiese. En la canción ‘KINGSLEY’S OUTRO’ Sean dice; «enrollo marihuana, vuelvo a ser yo de nuevo», retratando su forma de alejarse de la difícil realidad que estaba viviendo; y «voy a conseguirlo, porque mi hermano no lo consiguió», mostrando con una voz destrozada y casi llorosa como era su relación con su hermano en ese momento después de su muerte en el que todavía no asimilas del todo lo que está pasando.

A partir de este momento Sean comenta que trabajar en el álbum se volvió para él una forma de encontrar paz en relación al fallecimiento de su hermano, y que por esto mismo le había costado tanto «dejarlo ir» en el sentido de lanzarlo y no volver a trabajarlo. De hecho en 2021, Maui publicó un prematuro tracklist del álbum vía Twitter, que tan solo contaba con 7 canciones, pero probablemente esta versión del disco no salió en ese momento por el motivo antes mencionado.

Una de las canciones que al parecer siempre ha permanecido en el proyecto es ‘MEMORIES’, que se puede ver como el buque insignia del disco. Consigue reunir a la perfección todos los factores diferenciales del disco en tan solo dos minutos y medio; la composición es lo más alejado al rap que se pueda imaginar, plagada de frases poéticas en vez de versos rápidos; la canción es una carta de amor a su hermano, en donde Sean desea volver al pasado y su hermano le contesta preguntándole si duele recordarle; por último, la esencia, maximalista pero delicada a la vez, consigue situarte en un entorno de forma casi cinematográfica y la canción nunca se desprende de este lugar imaginario.

Durante todo el disco se encuentran estas características, en mayor o menor medida y permitiéndose prescindir de alguna para crear una diversidad que se mantiene cohesiva. En ‘EQUINOX’, por ejemplo, se incluye un verso rapeado precedido de un cambio de beat a trap, esto se usa de manera excepcional para dinamizar la extensa canción de casi siete minutos que necesitaba de un momento como este.

Con estos parámetros derivados de unas circunstancias únicas, Sean Leon consigue lanzar una obra maestra emotiva y familiar. Un disco que se disfruta en el día pero que reluce más bajo la luz de la luna, en esas noches en las que vuelves al pasado rebuscando en la memoria y creando escenarios nuevos a partir de lo que tienes guardado.

El pasado 15 de diciembre, Diego 900 decidió celebrar por todo lo alto el segundo aniversario de su aclamado ‘Gas Platino’ con el lanzamiento de su cuarto proyecto de larga duración titulado ‘La Espalda del Sol’, donde el artista se enfrenta a la pérdida del amor, expresando todo lo que no ha podido expresar con palabras en estos últimos años, y aprendiendo tanto de sus virtudes como de sus errores para sanar su corazón y estar preparado para volver a sentir la calidez del sentimiento de nuevo.

Dentro la industria musical, es bien sabido que, el mes de diciembre es una época complicada en relación al lanzamiento y promoción de todo tipo de proyectos de carácter artístico debido a varios factores, como son la disminución del hábito de consumo y del interés por las tendencias que marcan el momento por parte del público, debido a las características festivas de la Navidad. Es decir, estamos demasiado ocupados con los reencuentros familiares, la elección de regalos y las canciones de Mariah Carey como para llevar al máximo alcance potencial a un producto de gran escala. Y eso las discográficas lo saben, por lo que, mayoritariamente, deciden no arriesgar y esperar un par de meses más para entregarnos la música que tanto ansiamos de su artista estrella. Una decisión completamente comprensible en la que todos ganamos. Es por esto, que en esta época encontramos una especie de limbo en cuanto a sequía de nuevos lanzamientos musicales, pero, a efectos prácticos para nosotros, no es algo muy perceptible debido a la situación descrita.

Pero, ¿por qué os estoy contando todo este rollo tan largo? Porque aquí es donde entran los sellos independientes y el motivo que me da pie a introducir el álbum del que voy a hablar hoy. Y es que, si eres un artista «pequeño», por así decirlo, pero con un público muy sólido, esta es una oportunidad que puedes aprovechar bastante bien. Lanzar tu proyecto en diciembre no sólo no te va a afectar negativamente a nivel de audiencia, sino que también es bastante más probable que tu lanzamiento no vaya a ser solapado por otro más titánico.

Diego 900 se adueña del mes de Diciembre por segunda vez en este 2023

Aquí, es donde entra el nombre de un artista, que nos ha regalado, no uno, sino dos de los proyectos más aclamados de sus respectivos años, ambos compartiendo día en el mes de diciembre. Estoy hablando de Diego 900 y de sus dos últimas obras maestras: ‘Gas Platino’ de 2021 y, la que hoy nos concierne, ‘La Espalda del Sol’ de 2023.

Y es que, si te has pasado por redes sociales estas últimas semanas es bastante probable que hayas visto más de una vez la frase: «El único que puede sacar álbumes en diciembre es Diego 900». Esto no es dicho es vano, ya que el reciente pasado 15 de diciembre, Diego nos sorprendió en el segundo aniversario de Gas Platino, tras una larga época en bajo perfil, volviéndose a adueñar de este día con un esperado nuevo proyecto y demostrando que sí tu arte es realmente bueno, tu público siempre va a estar ahí esperándote y listo para escuchar lo que tengas que contar. Nieve, truene o haga sol. Y justo esto último, va a ser un tema recurrente en el día de hoy.

El Sol como representación conceptual del estado de ánimo y la experiencia

Como bien señala el título, este más reciente proyecto de Diego 900 establece su idea principal alrededor de la figura del Sol. Pero, ¿esto que representa? Bajo mi interpretación personal, esta premisa simboliza de forma metafórica una época complicada y, a su vez, constructiva en la vida del autor. Y es que, como podemos observar durante su escucha, Diego emplea una gran cantidad de símiles relacionados con la meteorología o incluso, la astronomía, para expresar los sentimientos y vivencias que ha experimentado durante estos últimos años.

Partiendo de esta base, también nos preguntamos, ¿por qué la elección de esta figura para crear el imaginario del proyecto? Desde tiempos inmemoriales, el Sol ha sido una figura muy importante en múltiples culturas y disciplinas, y la visión conceptual de esta ha sido de gran utilidad como medio de expresión. Desde el misticismo religioso desarrollado en las sociedades antiguas, hasta las representaciones artísticas más abstractas, y pasando por la mirada científica, la llegada del Sol ha significado, ya sea literal o metafóricamente, una señal de luz y buen augurio en un nuevo comienzo.

Entonces, si la aparición del Sol posee este significado, ¿qué representa estar a La Espalda del Sol? Para mí, esta expresión hace alusión a un proceso de sanación personal, el cual ha conseguido llevar a cabo gracias a su música. En las letras, podemos observar que Diego abraza en cierta forma a la oscuridad, pero no como algo perjudicial, sino como un espacio necesario para reflexionar y superar una pérdida, siendo en este caso, la del amor.

De esta manera, Diego aprovecha este espacio para relatar, entre anocheceres y tormentas, una de las decisiones más complicadas que le tocó tomar, provocada por la difícil compatibilidad entre la persecución de un sueño y la atención necesaria para mantener una relación amorosa, y comentar como esta ha repercutido en su situación actual.

Gracias a este proceso, Diego evita acomodarse al falso confort de un Sol que terminaría abrasándolo y se toma ese tiempo de introspección para tratar de comprender su duelo, y encontrar así la paz interior, experimentando, al fin, un nuevo amanecer. Así, mediante La Espalda del Sol, da forma a todo lo que no pudo expresar en su momento, aprendiendo tanto de sus virtudes como de sus errores y poniendo fin a un ciclo.

Sonoridad melancólica de un corazón apagado y el resurgir entre llamas

El imaginario conceptual que rodea al disco no solamente se deja ver a través de las letras, sino que el apartado sonoro también juega un gran papel en aportar claridad a este mensaje. Durante el desarrollo del disco podemos encontrar que, principalmente, este está envuelto en una atmósfera melancólica, la cual caracteriza a gran parte del proyecto, pero en ciertas ocasiones significativas, aparecen ciertos atisbos de energía al explorar fusiones con ritmos más movidos, que aparecen como los rayos de luz de un corazón que, progresivamente, se está volviendo a encender.

Y es que, en todo momento, este Sol del que tanto hemos hablado, no representa a otra cosa que al sentimiento de un corazón que necesitaba sanar hasta estar preparado para volver a descubrir la maravillosa calidez del amor.

Importancia y valor del conocimiento del mensaje y la cercanía con el público

En conclusión, se puede sacar en claro qué, La Espalda del Sol es un proyecto que conoce muy bien su mensaje, lo que hace que sea muchísimo más cercano para su público y que cada frase consiga transmitir su sentimiento como si estuviera escrita para cada una de las personas que la escuchan. Y la verdad, que esto es algo muy a valorar y que posicionan a La Espalda del Sol como uno de los lanzamientos del 2023.

Para mí, uno de los álbumes que más me han marcado a nivel de primera escucha este año y que mejorará, aún más si es posible, con el tiempo.

Tras un segundo disco descarado y urgente, Sebastián Cortés vuelve con “No Sé Qué Será De Nosotros”, un EP más reflexivo en el que repasa, de forma casi masoca, el fin de una relación que le ha drenado por completo. Todo esto también se refleja en los visuales con una de sus portadas más minimalistas e introspectivas. Un fondo blanco y una polaroid en medio que podría ser un recuerdo espontáneo de esa relación. Todo un acierto.

“Esto es la intro” empieza con una guitarra “mal” tocada que recuerda a las demos de Daniel Johnston y una conversación con una chica en la que bromean con usar ese trozo como intro. Un comienzo saleroso que le quita hierro a todo el drama que viene ahora. 

Y justo después suena un sintetizador tímido que crece hasta convertirse en un synth pop épico. Y es que “Siempre Me Acuerdo De Ti” podría sonar en la escena final de una trama adolescente de los años 80. Esta dinámica progresiva también está ligada a la letra. Empieza pintando una imagen romántica de todos los momentos que le han arrebatado del tirón: la cafetería donde solían ir, besos en portales… para después acabar repitiendo “mirando la luna porque me recuerda tanto a ti, a ti, a ti, a ti”. Y así empieza la title track, con el eco de este estribillo como transición. De repente se escucha un vocoder, algo con lo que Sebastián ya había trasteado en “Todo Ha Cambiado Para Siempre”, su segundo disco. Es curioso que este efecto vocal se esté convirtiendo en un sello del pop actual. Ya lo vimos desparramado por todo el último disco de Alizzz o en el estribillo de la ya coreadísima “Columbia” de Quevedo. Cortés ha conseguido usar este recurso a su favor para resaltar el dramatismo que la canción necesitaba.

En “Querernos De Nuevo”, el primer adelanto del disco, Sebastián se siente aislado e incomprendido: “cuando cuento esto a cualquiera no me entienden y me miran siempre raro”. Ese solo de guitarra distorsionada es otro de los momentos memorables del proyecto y denota que efectivamente, estamos ante un EP cantado, escrito y producido por Sebastián Cortés. Todo fluye y sus decisiones parten de la intuición y el sentimiento. Quizás está demasiado cómodo en esa estructura pop-rock con toques electrónicos pero es difícil imaginar estas canciones con otra forma diferente. Aún así, sería interesante ver a Sebastián colaborando con otros compositores y explorar otros enfoques.

En “Todo El Amor Que Nos Sobra”, Cortés es capaz de identificar y enfatizar momentos delicados añadiendo armonías o filtrando su voz. La ruptura le ha pillado desprevenido pero a veces queremos refugiarnos en el dolor. Recordar lo bien qué estábamos, lamentar lo mal que estamos o imaginar cómo sería si todo siguiera igual. Todo menos aceptarlo. Quizás a nivel lírico, podría acompañar esa vulnerabilidad con escenas más concretas. ¿Qué le ha llevado hasta esos sentimientos?, ¿Qué recuerdos tiene con esa persona? Aunque la letra es honesta podría recordar a cualquier otra canción de desamor

Y llega el desenlace de la historia con “Me Duele Hasta Pensarte”, donde Sebastián por fin remonta y acepta que la vida sigue y puede vivir sin esa persona. Mentira. Sigue igual de triste y hundido y lo demuestra en uno de sus mejores momentos a nivel vocal, cantando “me duele odiarte, pero más olvidarte, me duele hasta pensarte” a pleno pulmón.

“No Sé Qué Será De Nosotros” no es una colección de canciones. Cortés ha conseguido tejer un proyecto clásico y aparentemente simple sin traicionar a su espíritu curioso y experimental. Los temas representan fielmente una etapa de su vida y tiene sentido escucharlas una tras otra. No sé si es el proyecto más innovador y arriesgado del mundo (ni tampoco es la intención) pero lo que está claro es que el pop español está en buenas manos. Sebastián se está estableciendo como una figura camaleónica y lo mejor es que no sabemos cuál será su siguiente paso.

Tras diez meses muy discretos, los valencianos Bluu y 17Beats toman la palabra de nuevo para traernos “Working on Mute”, un proyecto que demuestra que a lo callado, todo sale mejor.

La literatura es una de las formas del arte que más me gustan. El hecho de poder dejar plasmado tus sentimientos en varias líneas me resulta cuanto menos cautivador y liberador. El otro día me estaba leyendo una obra de Jorge Luis Borges, un famoso escritor argentino, y me acordé de una frase que dijo: «No hables a menos que puedas mejorar el silencio». Pero bueno, ¿qué tiene que ver esto con la música? Pues que Borges y Mario Mota, mejor conocido como Bluu, tienen más en común de lo que parece. Diez meses después de la salida de «17 Bluured Days», Bluu y 17Beats rompen su silencio para traernos «Working on Mute», un golpe sobre la mesa con el que dicen «aquí estamos nosotros».

A lo largo de los nueve temas que componen la cinta, los artistas nos presentan una muy variada y colorida paleta de ritmos de la mano de 17Beats. Desde ritmos en los que el artista ya se había montado antes como son el trap y el reguetón, hasta sonidos más experimentales y arriesgados como el funk brasileño, el corrido tumbado o el jersey club, sonido de moda de este año. Y si, como dice el dicho, «el que no arriesga, no gana», yo creo que esta vez ha ganado, y por mucho.

Desde el primer tema se puede sentir el poder de Bluu. Los duros y vibrantes 808’s y el sobrenatural sintetizador del ritmo ofrecido por 17Beats, junto a la gran performance vocal del valenciano, abren el disco introduciéndonos en una atmósfera cuanto menos única. Y es que, en el siguiente tema, «Coraçao de Ipanema», nos sorprenderán con un funk brasileño junto a Tarchi, con quien ha colaborado en otros temas como «Escapada Nocturna».

Depués del detroit bajo el nombre de “GTO”, Bluu nos presenta «Horny Vibes», un movido jersey club en el que, fruto de la locura en el estudio, Bluu decidió interpolar «Sexy B*tch», el famoso tema de David Guetta y Akon. Para mí uno de los mejores temas de la cinta.

https://www.youtube.com/watch?v=UJZSeqTBiqo&ab_channel=Bluu

Tarchi no será la única colaboración de la cinta. En «x0,5», Bosston y Eflexx se unirán a Bluu para interpretar un pegadizo reguetón en el que ninguno de los presentes en los créditos del tema se queda atrás, y es que nadie le baja a lo largo de los dos minutos y medio que dura este tema. No se “si como otros ellos no los habían”, pero lo que sí sé es que la química entre los tres artistas en intachable: elaboraron este tema en menos de hora y media.

Y como último junte de la cinta tenemos a H. Rayiz, que se une a 17Beats para crear un ritmo más que elegante para «Sirena», dando una masterclass de cómo dos polos opuestos, incluso en herramientas de producción, pueden dar lugar a un temazo de principio a fin. Y bueno, si te pareció una locura la interpolación del tema del famoso DJ parisino, espera a escuchar la referencia a “Greece”, el track conjunto de Drake y DJ Khaled, una completa voladura de cabeza.

Y si el inicio fue magistral, el final no se queda para nada atrás. “Sola”, la penúltima pista del disco nos trae un corrido tumbado al más puro estilo de Vatocholo y Cash Bently, dos de las fuentes de inspiración del artista en la confección del tema. Además, cuenta con un videoclip cargado de nexos entre el mundo mexicano y el valenciano, todo ello obra de Hugphotoss.

https://www.youtube.com/watch?v=Hcx19Cp2CAQ&ab_channel=Bluu

Con “Perdón”, tema en que 17Beats volvió a hacer magia sampleando «Habits (Stay High)» de Tove Lo utilizado en «Perdón», los valencianos ponen punto final a su segundo proyecto juntos, dejando claro que no hace falta ser ni el más blandito ni el más duro, tan solo ser tú mismo

Para mí, este disco es cuanto menos mágico. Si tuviera que definirlo con una sola palabra, «versátil» sería la elegida. Tanto artista como productor ponen a nuestra disposición una cinta con ritmos muy variados y cuidados, featurings más que a la altura de los temas y un Bluu que se nota que ha dejado sangre y sudor en esta cinta, sin alzar mucho la voz y manteniéndose discreto, pero resonando con fuerza en los altavoces de la gente.

Bon Calso ha sacado a la luz su cuarto álbum de estudio, tras más de un año desde el lanzamiento de sus dos proyectos anteriores: OUTTA MY HEAD y Love Me Not, los cuales consiguieron un merecido puesto en el TOP del 2022 y que consolidaron su figura como artista dentro del panorama español. Ahora, Bon Calso ha llegado para disfrutar de ese merecido éxito y demostrar que, en ocasiones , salirse de lo establecido puede conllevar a sucesos increíbles. Esto es OUTTA CONTROL.

Hay quien dice que la cantidad y calidad son factores que no pueden coexistir de forma simultánea pero, para mí, hay un artista que lleva años haciendo qué, incluso, se vea fácil. Y es que, únicamente teniendo en cuenta su discografía en el pasado año, podemos recordar que fue el responsable de no uno, sino dos de los proyectos de larga duración más disfrutables y prolíficos en el tiempo de ese 2022. Estoy hablando de Bon Calso y de sus creativos proyectos OUTTA MY HEAD y Love Me Not.

Aunque no lo parezca, ya ha pasado más de un año desde el lanzamiento de ambos y el hecho de poder asegurar que los sigo disfrutando tanto como el primer día, y que incluso han conseguido aumentar su valor en lo personal para mí, dice mucho de la calidad de ambos en un momento en el que cada semana hay decenas de álbumes nuevos que escuchar. Pero es que, en esto de fabricar canciones duraderas, de calidad y a un buen ritmo, Bon Calso siempre me ha parecido un genio. Ahora, tras un año para recordar, centrado en plasmar sus pensamientos y (des)amar mucho, Bon Calso ha dado luz verde a su cuarto álbum de estudio y está preparado para salirse OUTTA CONTROL.

Concepto principal de OUTTA CONTROL: Confianza en la visión

A través de sus proyectos anteriores, Bon Calso supo darle una forma artística a sus momentos más difíciles, y gracias a ello, llegó un merecido éxito que ha recibido con los brazos abiertos. Y es que, la premisa principal de OUTTA CONTROL es desacatarse y disfrutar al máximo de todo lo que ha conseguido, demostrando que el esfuerzo no ha sido en vano. De esta manera, el proyecto establece su estilo desde un enfoque más vacilón, enérgico y con un Bon Calso muy seguro de sí mismo.

Influencias y el toque personal del artista: Innovación y unión entre conceptos

Para conseguir esto, Bon Calso se sirve de un sonido altamente electrónico que venía experimentando desde OUTTA MY HEAD, y que ha consagrado con más fuerza en su discografía con algunos Singles de este año. Este sonido proviene de una clara influencia principal del Pluggnb y el Rage, los dos subgéneros de la nueva ola del Hip Hop Americano que más fuerte lo están petando ahora mismo y cuyas características cumplen todos los requisitos para expresar el mensaje del proyecto.

Estableciendo esta referencia sonora como base, Bon Calso le impregna su marca personal con su estilo melódico característico en los deliveries vocales, algo que no es tan común de ver en esta corriente musical, pero que le queda como anillo al dedo. De esta manera, Bon Calso consigue unos estribillos bastante pegadizos y un sonido sensual al estilo R&B, e incluso acercándose a la novedosa técnica viral del Slowed + Reverb en canciones como AHA!.

Mediante esta premisa y sonido principal, Bon Calso habla de triunfo, de pasión, de lujos y sobre todo, de dejarse llevar. Este último punto se hace presente en su forma más cristalina en la Outro del disco titulada W.T.F, donde habla sobre el estilo de vida de no llevar un plan fijo y de, en cierta forma, vivir fuera de control. Un control creado por unas presiones autoimpuestas que te impiden perseguir un objetivo. Es decir, la búsqueda de una vida libre fuera de la oscuridad de los pensamientos.

¿Será OUTTA CONTROL otro álbum para recordar?

Se podría decir que OUTTA CONTROL es un proyecto bastante sólido, con un propósito claro, y que trae la consolidación de un nuevo horizonte en la carrera de Bon Calso. Ahora bien, también considero que el proyecto posee un carácter más introspectivo que los álbumes anteriores.

Bajo mi punto de vista, estos anteriores proyectos ya nombrados, aunque también expresaban su mensaje y trasfondo personal, tenían un enfoque más direccionado hacia el público, primariamente en lo referido al sonido y estilo musical, mientras que OUTTA CONTROL lo veo más como un proyecto de autor. Esto quiere decir que, posiblemente no vaya a ser el que más triunfe entre el público general, aunque sí, un proyecto de gran valor artístico para sus seguidores y sobre todo, personal para el mismo artista, y que, con posteriores escuchas, podría llegar a recibir un mayor reconocimiento.

Así que por el momento, sólo nos queda preguntar: ¿Será OUTTA CONTROL otro álbum para recordar? El tiempo nos dará la respuesta.