Categoría: Album Review

  • «CONCRETO», la ansiada vuelta de L’Haine

    «CONCRETO», la ansiada vuelta de L’Haine

    ¿Qué es un muro de concreto sin grafitear? ¿Qué es un beat del Norman sin surfear? Te traigo la respuesta: Música, nunca mejor dicho, para los oídos de L’Haine. El nuevo león de Mécèn estrena su primera mixtape bajo el sello y estas son nuestras opiniones acerca de él. 

    En unas semanas “De La Forma En Que Yo Quiero” cumple 2 años, desde entonces L’Haine no había vuelto a lanzar un proyecto largo. Si algo hay que reconocerle al logroñés es la capacidad que tiene de crear universos sonoros, consiguiendo una gran cohesión musical en los proyectos y diferenciándolo de sus predecesores: “DLFEQYQ” suena a nostalgia, a amor y a recuerdos. “CONCRETO” suena fresco y alegre gracias a los ritmos nuevos que presenta el artista en el proyecto. Aun así la intensidad que caracterizaba a L’Haine en sus proyectos, sobre todo en materia composición, es inexistente durante la mayoría del disco, salvando “CDC”. 

    Este es, quizás, el punto flaco del proyecto. Esta tape se siente como 8 canciones que funcionan bien individualmente y no buscan transmitir un mensaje en concreto, siendo algo poco propio del rapero logroñés. Al final, esa es la esencia de una mixtape, un tipo de proyecto que has sido devaluado con los años y sobre todo omitido, porque siendo claros, la gran parte del panorama “urbano” es experta en pegar temas el uno con el otro sin correlación alguna y justificar un concepto sin coherencia alguna. 


    La selección de sencillos promocionales del disco es un tanto que se suma “CONCRETO”. “MARLO”, “HOT!” y “COMODINES” abrieron la vereda de un proyecto que contenía 5 canciones que transmitían exactamente la misma vibra que dichos adelantos. La gran culpa de esto la tienen J Cream, Norman Bate$ y PMP, encargados de hacer que el disco suene como suena: fresco, digerible y sobretodo, sin ningún parecido a sus predecesores, mostrando la clara evolución musical del equipo. 

    Acompañando a la música, el apartado visual podría dar más de sí. Los vídeos y visualizers de los sencillos promocionales y “KIM” son impecables, pero para el nivel de L’Haine, los visuales estáticos con simples subtítulos amarillos que tienen el resto de tracks desentonan mucho con el nivel mostrado en este apartado en el resto de facetas del proyecto. La cover representa a la perfección lo que vemos en el disco, un L’Haine más rapero que nunca con registros nuevos mucho más al “desnudo” y sin tanta carga de autotune que le sientan muy bien y son una bocanada de aire fresca para el proyecto. Sobra decir que sus deliverys, otro proyecto más, son impecables.

    “CONCRETO” era un proyecto necesario el año pasado dando transición a otro posible disco mayor. Tras dos años sin un proyecto largo de L’Haine, pese a que las canciones son muy buenas, esperaba más. La vara de medir tras un proyecto como “DLFEQYQ” estaba por las nubes y se esperaba que, tras dos años prácticamente en la sombra, el artista estuviese preparando un proyecto generacional, pero de momento nos tenemos que conformar con “CONCRETO”, es un gran proyecto que marca el inicio de una nueva etapa.

  • Kora nos invita a la Reflexión Electrónica con ‘002’

    Kora nos invita a la Reflexión Electrónica con ‘002’

    Kora, la artista catalana que está revolucionando el campo del Indie Pop Español con su toque House Progresivo, ha lanzado su segundo proyecto de larga duración, titulado ‘002’, invitando al oyente a la reflexión más profunda, a través de los conceptos de la nostalgia y el paso del tiempo, en su narración sobre el desamor.

    Portada Oficial de ‘002’ de Kora

    No os voy a mentir, 002 ha sido mi primer acercamiento a la música de Kora. Hasta unas semanas atrás, nunca había escuchado de su figura, y por ende, sobre ninguna de sus aclamadas piezas previas, pero lo bonito de la música, es que siempre llega en el momento más correcto.

    Ahora, mientras escuchaba este nuevo proyecto y me adentraba progresivamente en el imaginario artístico de Kora, me preguntaba como había sido esto posible, y buscando información sobre su carrera artística para complementar esta reseña, parecí llegar a una respuesta. Y es que, me di cuenta de que el aura que rodea a Kora es, ciertamente misteriosa, en relación a la exposición mediática, e incluso a la contextualización de su música.

    Kora, aún teniendo una gran presencia en redes y plataformas digitales, es una de esas artistas que opta por poner todo su foco, al completo, sobre el propio arte, más que en la información que la rodea, posicionando al oyente en un libre albedrío lejos de las preconcepciones, idealizaciones o prejuicios y entregándole una completa labor personal de interpretación, que será única para cada uno.

    Esto, en el momento actual, en el que la constante presencia digital llega a cobrar más relevancia en la posición de un artista que la propia música, es un Modus Operandi que, en la industria, cada vez se da menos, y que yo, como disfrutón del análisis musical, valoro mucho, ya que me propone un desafío de escucha más activo e interesante. Así qué, vamos a ello.

    El TÍTULO (002): Sencillo NO es lo mismo que Simple.

    Esta premisa de abrazar la filosofía del No-Spoilers tan sagrada en el cine y adaptarla al arte musical, es algo que ya podemos observar desde el propio título. Y es que, ‘002’ no da ninguna pista más allá de que este es su segundo disco, dejándonos aún más expectantes de lo que podremos encontrar en él una vez comience su escucha.

    Esto, aún funcionando sorprendentemente como tal, no nace de ser una estrategia de retención de audiencia, ni mucho menos. Y es que, Kora, en anteriores ocasiones, ha señalado que le cuesta elegir los títulos de sus álbumes, ya que considera complicado que, una sola palabra o frase, logre simplificar o representar todo un proyecto con mucho tiempo, trabajo y sentimientos detrás. De esta manera, esta sencillez por un lado, remarca, por otro, la focalización de la estética, el mensaje y el sonido como las verdaderas piezas centrales de su música.

    LA ESTÉTICA y el MENSAJE: La Onírica de la Nostalgia y La Espiritualidad del (Des)Amor.

    Si me preguntas a mí, y posiblemente a cualquier aficionado a la música, acerca de qué es lo primario y más esencial que me invita a escuchar a un artista o un proyecto por primera vez, respondería, sin dudar, la portada. Y en el caso de ‘002’, no ha sido menos.

    Recordándome, en gran medida, al diseño de fotografía de la película de ‘El Árbol de la Vida’ de Terrence Malick, en esta llamativa imagen, llena de colores y estímulos, que ya, desde un primer vistazo rápido, nos invita a entrar, nos encontramos el instante de dos niños disfrutando de lo que, posiblemente, será un momento icónico de su infancia que les marcará lo suficiente para llegar a ser un recuerdo nostálgico en un futuro más próximo que lejano.

    Fotograma de la Película ‘El Árbol de la Vida’ (Terrence Malick, 2011)

    De esta manera, acentuando la sensación nostálgica, el desenfoque de los bordes y los reflejos luminosos, si bien nos introducen en esta especie de «pillapilla» a través de una sensación de movimiento y velocidad, situándonos dentro de la acción y convirtiéndonos en uno más de los protagonistas, también refleja la propia marcha de la vida: el paso del tiempo.

    Todas estas ideas, relacionadas con conceptos tan reflexivos como los recuerdos y el tiempo, que se pueden interpretar a través de la fotografía, son algo que cobrará bastante importancia para desarrollar el mensaje y lírica del álbum, relacionándose a través de un único factor común: el amor, o mejor dicho, el final de él. Y es que, si, ‘002’, no deja de ser un álbum que explora, en su mayoría, la temática del desamor a través de una relación que ya terminó, y cuyo único motivo por la que sigue viva, es por el recuerdo de que algún día, en algún marco de esa concepción lineal de lo que llamamos tiempo, existió.

    EL SONIDO: Si hay que Llorar, que por lo menos, sea Vibrando (o al menos Reflexionando).

    Por último, y no menos importante, (de hecho lo que más), hablemos del sonido. Uno de los aspectos más interesantes y llamativos de la música de Kora, es que ella escribe, compone y produce todo lo que hace, y en este álbum, también es así, y mola bastante.

    El fundamento sonoro de ‘002’ se establece en un Pop Electrónico que trata de lograr un sonido etéreo y espiritual que funcione acorde a la temática que trata, antes mencionada.

    De esta manera, encontramos principalmente una gran influencia del House Progresivo que dota de una fuerza esperanzadora a la vibra melancólica de, por momentos, un R&B con ecos de Jazz y Garage al más puro estilo británico, y otros, un estilo Indie que maravillará a los seguidores de artistas como Jimena Amarillo o Irenegarry, haciendo de este proyecto un álbum sobre el que dejarse llevar, y sobre todo, que, aún adentrándose en el sentimiento del pesar, invita a la introspección y la búsqueda del ánimo.

    LA CONCLUSIÓN: Escucha a Kora.

    En conclusión, solamente me queda decir, que la música de Kora, ha sido un descubrimiento interesante para mí, y que sí tú aún, no la conoces, y te ha parecido mínimamente atractiva alguna parte de este análisis, también podría serlo para ti. Así que, te animo a escucharla, ya que siempre mola descubrir artistas nuevas, y más si son de esta calidad.

  • HEKO pone el turbo con su nuevo EP, «DUNNO».

    HEKO pone el turbo con su nuevo EP, «DUNNO».

    ¿Sabías que el primer motor con turbo era usado en el ámbito naval? No fue hasta el 1962 que este tipo de motor fue instalado en el Chevrolet Corvair Monza y el OldsMobile Jetfire. Hoy en día podemos encontrar este tipo de motores, mayormente, en coches de carreras; y en alguna que otra Citroën C15. Al parecer, ya no solo los coches llevan motores de tal calibre. Si tienes dudas, escúchate lo último de HEKO.

    En un 2024 donde no ha hecho más que pisar el acelerador e ir al corte con temas como «Donde Stas?», «Choni Love» o «Kill The Rich», tras una sesión de tunning digna de Los Ángeles Custom, HEKO nos trae «DUNNO», un EP compuesto por 5 temas donde la energía está más que presente. No hay colaboración vocal alguna, simplemente HEKO junto a sus productores habituales: Mike Wit, Delson Aravena, WetNLoud y LOTUS FLAME; exceptuando a Deivvbb, con el cual trabaja por primera vez en este proyecto.

    Como adelanto, HEKO presentó el segundo corte de este trabajo, «Call Center», un tema que podría entrar perfectamente en cualquier sesión de drum and bass. Y si la presentación ya empieza tan revolucionada, espérate a la cinta; los demás temas no le bajan absolutamente para nada.

    Con «TUTALOKO», HEKO hace sonar el motor para activar al oyente de la forma más inmediata y efectiva. La agresividad del Drill junto al trance del Industrial Rave al final del tema lo convierten en una introducción más que estimulante. Tras «Call Center», la electrónica sigue presente con «ENTERPRICE», donde WetNLoud y Mike Wit traen un EDM que logran mantener la vibra alta. Tras estas 3 piezas tan movidas, HEKO y MIke Wit nos presentan «Solito estoy bien» sobre un ritmo de trap como excepción a la tónica general del EP. Y por último, con «WOW», HEKO y LOTUS FLAME cierran el EP con otra mezcla de Drill e Industrial Rave, haciendo de esta cinta una verdadera vuelta de clasificación de Fórmula 1.

    Este EP es una verdadera dosis de adrenalina para todos aquellos amantes de la música electrónica y los ritmos de altos BPM. Además, es bastante fidedigno a su paleta de sonidos, creando así un perfil bastante único dentro del panorama. Si es con este artículo que lo estás descubriendo, te invito a indagar en los demás trabajos del artista. Para mí, este proyecto es agresivo a más no poder, se siente como un coche llevado al límite; lo más cercano al silbido del turbo. Así que, si te van la velocidad y la adrenalina, HEKO tiene lo que buscas. Aunque no tengas coche.

  • BUENAS NOCHES de Quevedo: Lujosa Consagración

    BUENAS NOCHES de Quevedo: Lujosa Consagración

    Van Gogh pintó la noche estrellada buscando representar el cielo desde la ventana de su manicomio, ilustrando cómo veía su vida pasar por delante encerrado en su cuarto. BUENAS NOCHES de Quevedo es una historia que narra como el canario ve la vida pasar desde su ascenso a la fama, definiendo esta como una montaña rusa. Es un disco que, en líneas generales, representa a la perfección la dualidad del éxito, con sus cosas buenas y sus cosas malas.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)

    La noche y Quevedo son buenos amigos. Desde que “cayó” el artista canario presume de la nocturnidad como uno de sus momentos de auge creativa, culpada por el insomnio que le ha producido su ascenso al estrellato. BUENAS NOCHES narra a la perfección las vivencias de Quevedo desde su llegada al estrellato con su sesión con Bizarrap, teniendo temas como GRAN VÍA alrededor de 2 años. No es secreto que el de Las Palmas no se encontraba en casa entre los focos y las miradas juzgadoras de su público conformado por el mainstream más crudo y exigente, llevándole a necesitar por el bien de su salud un descanso en el que apenas tuvo apariciones públicas.


    Después del lanzamiento de DURO (no es ni de lejos su mejor registro) y el dudoso evento en Santa Catalina donde se le achacó citar a tanta gente por un precio que no concordaba con la duración del evento, la baza se tornaba más hacia la típica expresión de que el disco sophomore de un artista siempre es un bajón respecto al rookie. En este caso, las comparaciones no son justas. DQE y todo lo que significó el proyecto fue la cúspide de un ascenso vertiginoso con un disco lleno de el reggaeton más mainstream (que no quiere decir malo) y una campaña articulada para que todos los temas con estribillos pegadizos peguen en redes no puede compararse a un disco que no es íntegramente de reggaeton y la mayoría de sus ritmos son propios del pop electrolatino de los 2000.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)

    Detrás de BUENAS NOCHES está una campaña poco forzada y elegante donde el poder principal del proyecto está en el botón de play y no fuera del estudio. Los anuncios tanto del single promocional como del disco (obviando el aplazamiento por la tragedia de la DANA) se dieron un día antes y se dejó en la mano de los creadores de contenido en redes y los fans la tarea de masificar el hype por la vuelta del canario. 


    Entender el concepto más empírico de BUENAS NOCHES es complicado por su condición de disco mainstream pero se puede entender como un disco dividido en dos caras. En la primera se muestra a un Quevedo solo, suelto y soltero donde narra su condición de fama y los beneficios que esta conlleva como sus relaciones con diferentes mujeres y desde la entrada de QUE ASCO DE TODO se muestra a un Quevedo mucho más consciente de lo emocional que sufre por haber perdido a la persona a la que quiere. Si bien esto no casa con su larga relación con su pareja, eso se lo dejamos a las revistas del corazón.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)

    La producción del disco es uno de sus picos fuertes si no el mayor. A noviembre de 2024 y con una larga trayectoria a sus espaldas nos seguimos preguntando si Kiddo Manteca ha fallado alguna vez en un tema. A su lado como espadachines de su mesa redonda encontramos nombres como Bluefire (que aún no ha dejado el Fifa), Gio o Garabatto, un habitual en el equipo de trabajo del canario estos últimos dos años. 


    Acompañando a la maravillosa producción tenemos a un Quevedo intratable con una performance vocal como la que nos tiene acostumbrados, dejando momentos icónicos como las rasgaduras de dolor en su voz en la outro, BUENAS NOCHES. Se sumerge en registros más agudos de lo que acostumbra y el experimento y maneja el autotune a la perfección en tracks como CHAPIADORA.COM.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)

    Otro pico fuerte es los ritmos elegidos y la tracklist, que está compuesta a la perfección con una división clara de temáticas añadiendo temas alternados entre reggaetón y un pop que nos recuerda a los hits de Danny Romero en los 2000 que no tardará en ser catalogado como el nuevo electro latino. Registros como GRAN VÍA o QUE ASCO DE TODO aportan esa salida del concepto sonoro del disco siendo un synthpop y la vuelta de Quevedo a un boombap.

     
    A nivel lírico, la primera cara del disco es innegablemente floja, pero una vez más hay que contextualizar que estamos ante un disco mainstream y nadie esperaba ver a Quevedo disertando sobre el sentido de la vida o la cantidad de estrellas que hay en la Galaxia. 14 DE FEBREROS es señal representativa de que en este disco Quevedo ha hecho lo que le ha venido en gana sumando a Sin Nombre, un artista inclasificable de República Dominicana de la mano de su ukelele y sus letras, digamos, poco correctas.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)

    Hilando la materia de colaboraciones, la elección en su mayoría aporta al disco lo que necesita y se adapta a la perfección a los ritmos que se les presentan. Aitana en su línea aporta ese toque popero que necesita el disco y sin duda estaremos escuchando GRAN VÍA como número uno en todas las radios pese a la gran incógnita que presentaba un mix de artistas tan dispares. Por otra parte, la sorpresa de Sin Nombre y un Sech desatado (tachado de decadente pero cada vez que acompaña a alguien en un ritmo cumple) aporta al disco el no caer en las colaboraciones genéricas y esperadas. La colaboración con el respetado Yung Beef y el verso de La Pantera también son de los mejores momentos del disco, aunque no todo son rosas y LOS DÍAS CONTADOS con Rels B es el único skip. 


    El apartado visual también lleva consigo una caída abismal enfrente de DQE donde se montó una película que recorría Canarias representando las historias de varios isleños. En cambio BUENAS NOCHES tiene la gran mayoría de sus visuales en una alfombra roja de una gala desde un travelling inverso en el punto de vista de camareros y un chef alternándose cada canción con Quevedo cantando en dicha alfombra mientras rodea la cámara. En resumen, de la profundidad y el significado pasamos a la superficialidad del lujo, y evidentemente el proyecto salvo en el videoclip de KASSANDRA pierde mucho con esto. La portada no es la mejor, aunque la referencia sea buena y cuaje con lo cantado en la primera parte del proyecto, se sigue sin entender el hilo entre el título con su significado y la portada.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)

    Esto no es un disco consagratorio. Quevedo no necesitaba para nada volver a repetirle a la industria emergente en el mainstream como es el reggaeton español quién es. Ya con DQE puso bien clara la línea en que nunca iba a conformarse con ser un reggaetonero del montón y juntar 14 temas iguales en un recopilatorio sacándole trend de TikTok a cada uno. BUENAS NOCHES es más un disco reafirmatoio de que Quevedo no es uno más de su camada ni nacional ni internacionalmente. La imagen superficial que da este disco es la de un Quevedo sobrado y feliz en su estatus de fama y así lo ha manifestado el público pero va más allá y si hilamos un poco lo que cuenta en su disco con lo que ha pasado por su vida desde su retirada a ahora solo es un dos más dos para entender el sentido de este proyecto y lo que de verdad pasó en su retiro temporal.

    En resumen, disco sólido, diferente y necesario en una industria que lleva años necesitando un lavado de cara de la mano de sus grandes exponentes y creo que esta introducción en el mainstream de tantos géneros por parte de Quevedo y su equipo de trabajo era necesaria para aportar a ello. El reggaeton no está muerto pero si está en decadencia y hoy por hoy es complicado estar donde esta Quevedo y hacer un disco íntegramente de él, no hay más que mirar los ejemplos en Puerto Rico dónde discos con ritmos diferentes como COSA NUESTRA o UVST han tenido una aceptación pública casi perfecta.

    Quevedo en el shooting de BN (2024)


    Quevedo ha vuelto para quedarse y así nos lo ha hecho saber. Una vez más es un ejemplo de que los españoles tenemos oro en casa pero nos encanta criticar y no sabemos valorarlo. No faltan los comentarios de que no está ahí por valor propio, de que su ascenso a la fama no fue orgánico y muchos más que honestamente, dan pereza. Hoy por hoy a la espera de que Rosalía deje de hibernar y vuelva a la senda de los proyectos largos, Quevedo es el artista mainstream más grande del país le duela a quién le duela.

  • «Rosa&Rojo», el nuevo disco hecho lienzo de D.Valentino.

    «Rosa&Rojo», el nuevo disco hecho lienzo de D.Valentino.

    «Rosa y rojo, patada en el ojo». Sí, suena agresivo con ganas, pero por si no lo sabías es uno de los refranes más conocidos del mundo de la moda. Este viene a decir que el rosa y el rojo son dos colores que no pegan ni con cola. Para algunos, una verdad como un templo; para otros, una más que grande falacia a la hora de crear nuestros outfits. Os voy a ser sincero: de moda entiendo lo justo y necesario. Pero si hay algo de lo que entiendo un poco es de música, y creo que en «Rosa&Rojo», el nuevo disco de D.Valentino, los colores son más que acertados.

    Tras casi más de un año sin lanzar disco, el de Valencia volvió el pasado 18 de octubre para traernos «Rosa&Rojo», un proyecto de colores cálidos en el que nos habla de cómo dos personas, aun pareciendo totalmente incompatibles, pueden lucir tan armónicos como los outfits de Tyler, the Creator en la gala de los BET Awards de 2023 o en la gala de los Grammys de 2020.

    «Rosa&Rojo» cuenta con 12 temas que recorren una muy variada paleta de sonidos en la que, aunque el pozo principal es el R&B, también podemos encontrar Rock, New Jazz o Hyperpop entre otros. En cuanto a colaboraciones, este LP sigue la misma línea que su anterior trabajo, «Sweet Dreamz 2», contando solo con Para esta cinta, D.Valentino cuenta con la presencia de 60k Cvndy y 17Beats para dar pinceladas vibrantes a este lienzo acústico de tonos brillantes.

    Este disco es «mío». Es el disco más personal que he hecho.

    D.Valentino sobre su último disco, «Rosa&Rojo»

    El disco comienza con «Koro-sensei», un tema de Hyperpop producido por 60k Cvndy. ¿Que no sabes quién es 60k Cvndy? Pues verás, Bernat Sedó es uno de los productores más duros de Hyperpop en España. Ha producido para artistas como Bosston, Eflexx, Mda, Slappy Av o Sticky M.A entre muchos otros. Con D.Valentino no es la primera vez que lo vemos, ya en «Love Kills Slowly» pudimos verlo en la outro de dicho disco, en el tema de «Kacchan». Volviendo a «Koro-sensei», este tema sirve no solo como introducción a la cinta, también como una especie de despedida al hyperpop por parte del valenciano. Con este primer track, con título que referencia al protagonista del famoso anime «Assasination Classroom», D.Valentino da sus primeras y contundentes pinceladas a esta obra. Y si «Koro-sensei» te pareció un inicio vibrante, el segundo tema te lo parecerá aún más. Con «marihuana», un pluggnb fresco como él solo, D.Valentino consigue mantenernos con la vibra alta.

    Pasamos a «pov», el único single de este disco; y para mí más que acertado. Con una letra pegajosa y el «pov» acompañando al ritmo, hacen que estés con la melodía en bucle durante todo el día. Junto a «fvck», el cuarto corte, son dos temas con una tonalidad muy diferente a los dos primeros. Mientras que «Koro-sensei» y «marihuana» buscan ser más explosivos, «pov» y «fvck» tratan temas más sentimentales, como son la conexión física y el amor.

    El siguiente tema, «voodoo», mantiene un poco esa línea más calmada que nos traían los dos anteriores cortes, aunque en esta pista la temática es un tanto más triste, logrando así que el tono de color baje hasta tal punto que podría asemejarse a un rosa con grandes tintes de blanco. Y hablando del rosa, con «entre la luna y yo» el artista logra plasmar el rosa más pálido posible. Sobre un Rock, D.Valentino consigue sentirse mucho más cercano al oyente, siendo así un tema más que apto para esos días de bajón.

    Cambiamos de color. D.Valentino cogerá una brocha para pintar del más vivo rojo tu experiencia con los siguientes tres temas. Con «instante», D.Valentino logra subirte el ánimo bajo un Funk al más puro estilo de Silk Sonic. Para aquellos que echaban de menos algún sonido más actual, nos trae «demasiao», un New Jazz que acompaña bien a esa tendencia ascendente que toma desde el anterior track, y «play», un Surf que cuenta con un estribillo bastante pegadizo.

    Para dos de los últimos tres temas de la cinta, D.Valentino colabora con 17Beats. El valenciano, que ya hemos podido ver en proyectos de artistas como Bluu, Smart K, tarchi, mmedina y Eflexx entre otros, además de en su proyecto «PHACES», está en racha: no falla un beat el tío. En «platanomelon», el único tema que cuenta con videoclip, D.Valentino y 17Beats consiguen crear un R&B de lo más íntimo. 17Beats puso el mejor lienzo posible y D.Valentino los mejores colores, para mí un tema más que sobresaliente. En el segundo tema juntos, homónimo a la cinta, 17 y D.Valentino optan por un ritmo más lento para dar conclusión a este proyecto.

    Entre los dos anteriores temas encontramos «mikasa», un Trap melódico que cuenta con el que, para mí, es uno de los mejores fragmentos del disco. En la segunda parte del tema, D.Valentino consigue escribir un verso de lo más wavy, en un verso un tanto acelerado pero que cada final de verso se siente como un trazo fino y preciso. Es pegajoso como él solo.

    D.Valentino ha conseguido traer a su público un proyecto de lo más personal, con un gran abanico de sonidos y un trato más que cuidado del concepto a lo largo de las pistas. Además, me parece muy acertado el contraste entre los colores que el artista quiere representar y las sensaciones a lo largo de la escucha. No es caótico en cuanto a las tonalidades, algo que a mi gusto chirriaría mucho en la escucha. D.Valentino consigue que la curva que dibuja a lo largo de la cinta invite al oyente a seguir escuchando. D.Valentino ha conseguido hacer los trazos perfectos, desde el rojo más brillante hasta el rosa más pálido.

  • La mirada microscópica de Judeline con su debut «Bodhiria».

    La mirada microscópica de Judeline con su debut «Bodhiria».

    Desde mudarse a Madrid con la excusa de estudiar bachillerato artístico hasta firmar con una de las multinacionales más punteras del mundo (Interscope), la evolución de Judeline es digna de película. Musicalmente empezó con canciones cálidas y tranquilas como «De Una Manera» u «otro lugar» y ahora, con “Bodhiria”, explora un territorio más oscuro y envenenado. 

    Portada de «Bodhiria» – JP Bonino

    En «INRI», Judeline suena como una cobra saliendo de una cesta. Tanto el beat como la letra están cargados de sabor y misterio, y además dejan espacio para que la voz susurrada de Lara suene gigante. Y es que Tuiste y Mayo se han convertido en una especie de maestros del diseño sonoro; siempre aportando texturas envolventes y explosiones sin clichés. Es bonito pensar que tres personas se puedan entender tan bien a la hora de construir un universo tan afilado como este disco.

    Bodhiria está lleno de micromomentos de euforia. Por ejemplo, en “mangata”, Judeline clama “se escucha abajo del agua «i-li-re-li-re-ri-ro»” y las voces están colocadas de tal manera que parece que suenan debajo del mar. La letra narra la historia de una chica hechizada por la luna que recuerda con desesperación un desamor. Un gran primer single que combina trazas de techno con una sensibilidad minimalista.

    En cambio, “angelA” parece la canción de los créditos iniciales de Kim Possible si existiera en 2024. “Mi toto la sangre de Cristo, bebé, bébetela, métela” posiblemente te frene en medio de la calle y te haga tragar saliva (caso real). La canción sirve como presentación del personaje que narra esta historia, una especie de alter-ego. Aquí también encontramos la inevitable conexión de Lara con África en “me tiene metida en su boca, Dios mío, mā shā’a Allāh”, que significa “lo que Dios ha querido”. Este interés siempre ha estado presente desde el inicio de su carrera, romantizando el narcotráfico en “TANGER-ZAHARA” o mismamente en INRI: «el niño que me quiere es de afuera, habla darija”. 

    En el plano visual, la portada de JP Bonino y los videoclips de Nono Ayuso y Rodrigo Inada, traducen a la perfección lo que la música suscita: sueños, enamoramientos y mucho veneno. A través de una paleta de colores basada en tonos tierra, grises y negros, los directores han sido capaces de desarrollar el universo “Bodhiria», usando elementos de la cultura andalusí como las “cobijás” de Vejer o la plena devoción cristiana, con escenas de estampas, rosarios y una iglesia llena de sus propios familiares. . Tanto “mangata” como “INRI” han sido nominados para los UKMVA, los premios más serios de videoclips del mundo.

    Y es que desde sus inicios, Lara siempre ha contado con su familia en su música (never forget su tío bailando «CANIJO» en una playa de Cádiz) y es imposible no sentir nada al ver los videos de su padre Javier tocando el cuatro venezolano para “JOROPO”, una canción que te agita el cuerpo y te recuerda que estamos ante uno de los talentos más singulares del país. Una dosis de tierra en un disco tan celestial. La canción cuenta con uno de los momentos más vocalmente interesantes del disco, donde escuchamos por primera vez, el registro grave de Lara y un delivery más directo, menos susurrado. Quizás se echan de menos más momentos así. A veces, el sello «Judeline» puede pesar demasiado y ese arrastre de las palabras puede dificultar su comprensión e incluso volverse cargante por momentos.

    “JOROPO” no es el único guiño a Venezuela. En «BRUJERÍA!», Lara canta «yo sé que soy un jaleo, un bululú» una palabra venezolana que significa desorden y alboroto. La primera escucha de este tema puede ser hasta desconcertante, sobre todo en el estribillo donde la percusión se desata. Sin embargo, es una de las razones por las que este disco es necesario. Hay que incomodar, hay que levantar cejas, hay que cortar la corriente. Ya habrá tiempo para asimilarlo.

    Artwork de «Bodhiria» – JP Bonino

    Está claro que la música de Judeline está cargada de espiritualidad y quién mejor que Rob Bisel para elevarla. Bisel es un productor americano que ha formado parte de los proyectos que más han impactado la cultura como el disco-monstruo de SZA «SOS», la idiosincrasia de Tyler, The Creator «IGOR» o la carta a corazón abierto de Kendrick Lamar, «Mr. Morale & The Big Steppers». Su sello está muy presente en «zarcillos de plata», que recuerda al baladón de SZA «Nobody Gets Me», con guitarras filtradas y coros celestiales. En este caso se trata de un repaso por una relación intensísima con un gangster acompañado de un delivery vocal emocionante con voice cracks (claramente intencionados) y miles de segundas voces que te llevan al cielo. Si ya funcionaba como single, en el disco aún más. Aporta variedad dentro del universo «Bodhiria».

    Sin embargo, Judeline sigue confiando en artistas locales como Ralphie Choo, aunque como él mismo dice, es un artista «del mundo». Ralphie está presente en canciones como «4esquinitas» o “4 angelitos”. En esta última, escuchamos la ya clásica flauta de DRUMMIE con palmas, adlibs y mucha urgencia. Desde su primer encuentro en “EN EL CIELO” saltaron chispas. Ambos entienden sus respectivos universos y ambos atraviesan momentos muy parecidos. 

    Otro que está en la misma página es Rusowsky, uno de los pocos nombres que podrían encajar en el disco. Vocalmente, se podría decir que Lara y Rus son hermanos. Un tono susurrado, consonantes masticadas y un halo de misterio. Tras escuchar “Heavenly” es posible que de repente te encuentres en la ducha cantando “llévame llévame iiihhh, hacia allí hacia allí iiihhh” (caso real)

    Artwork de «Bodhiria» – JP Bonino

    En fin, llámala «Yudlain», «Yudlín», «Judelín» o «Judeline» pero nadie se veía venir que una chica de 2003 de Caños de Meca fuese a ser una de las figuras con más proyección del país. “Bodhiria” es uno de esos proyectos con los que a uno le entran ganas de ponerse a hacer cosas, reunir referencias y pintar la imagen que siempre has querido pintar. Ha bajado un ángel del cielo y se llama Judeline.

  • GlorySixVain «YELA» – Ya estoy lejos, amor

    GlorySixVain «YELA» – Ya estoy lejos, amor

    GlorySixVain ha tenido muy claro siempre lo importante que es madurar. Con lo acelerado que va todo últimamente, el momento actual es uno en el que tienes que estar espabilado o la gente pasa de ti muy rápido. Por si esto fuera poca presión, que te fiche La Vendición y que este sea tu primer disco con ellos es motivo para ponerse las pilas. Glory se ve en la tesitura de demostrar todo de lo que es capaz tanto a su público como a la industria. 

    YELA es el título del proyecto con el que ha decidido sacar músculo, y estas letras son un acrónimo al que él mismo ha dado sentido. Hay que profesionalizarse para entrar en esta industria y que te tomen en serio, el reto está en mantener la esencia, pero ese barro del que viene Glory Ya Está Lejos, Amor.

    Curiosamente Yela también es una variante del nombre árabe Yelena. El significado detrás de este nombre es “luz” o “resplandor”. Eso es lo primero que nos entra por los ojos al enfrentarnos a este disco. La portada se presenta como un cuadro en el que un resplandor níveo cubre todo el fondo, con el reflejo de un espejo de mano mostrando la figura de Glory cubierta por un velo con motivos decorativos y una gorra plana de los Yankees. Un portadón que se aleja de esa oscuridad que podíamos ver en Las Trampas Ocultas de Spiderman o 686. Es casi paradójico que se alcance esta limpieza en lo estético cuando entras de lleno a un sello tan “rudimentario” como La Vendición, pero eh, no nos quejamos.

    Lo que más me sorprendió cuando me enfrenté por primera vez a YELA fue sin duda la duración del disco: cuarenta y cinco minutos que pueden parecer pocos pero que se hacen más cuesta arriba cuando ves que están repartidos en diecisiete temas. Da la sensación de que está volviendo la tendencia de los discos largos. Ya pasó con Metrika, que además es de la misma quinta que Glory, con su disco Madre Fundadora nos entregó un paquete que tampoco llegaba a la hora de duración pero que contaba con veinticuatro canciones. Muchos se alegrarán de que vuelva esta tendencia y que los artistas se preocupen de crear un cuerpo de trabajo de mayor grosor sin sacrificar calidad en el camino. La pregunta aquí es: ¿consigue Glory alcanzar este equilibrio?

    Hay que empezar hablando de las producciones. Cuenta con nombres como Pochi, Jose The Engenier, Damnpablo o Roydee entre otros. El punto fuerte de este disco es sin duda la variedad a la hora de elegir los beats. Cada tema se siente muy distinto de los demás, excepto dos o tres. Con lo que sí que no se siente muy distinto es con todo lo demás que hay fuera de este álbum. La gente de La Vendición se ha acostumbrado a un sonido específico y parece que les cuesta salir de ahí. Por eso es complicado escuchar cualquier canción del disco y sentirla como algo totalmente nuevo. Hay también ciertas inspiraciones que vienen de más allá del charco, la más destacable siendo el “Ken Carson type beat” que se marca PAINKID en No quiero Dormir, el tema con Yung Beef. Este productor ya había trabajado con Fernandito en temas recientes como AL DENTE o ZKITTLEZ y se nota en ciertas señas de identidad ya establecidas que hacen flaco favor a Glory a la hora de definir su estilo.

    Pero tampoco le voy a echar peso en los hombros por cosas que no corren directamente de su cuenta. Lo que pone Glory aquí es su voz, que puede chirriar en un primer acercamiento pero quien lo conoce ya sabe los berridos saturadísimos de autotune que lo caracterizan. Si quieres comprar el paquete, genial, lo vas a disfrutar. Si no conoces el procedimiento, agárrate que vienen curvas. El principal riesgo al que se enfrenta Glory cuando le pone voz a un proyecto tan largo es el de ser cargante. Y para mí ese momento llega en el tema número diez: Flores de Lego, que si bien en la producción tiene cosas interesantes, después de la tralla que llevas encima con diez temas es lo último que me apetece escuchar. Luego se las apaña para remontar y sorprender; el tema con El Bugg y el tema con Metrika me parecen dos highlights del disco por la capacidad de adaptación de las colabos y lo atrevido de hacer una bachata con El Bugg. Es curioso como dos chavales de la nueva han logrado eclipsar a la colabo de Yung Beef, que como pasó en el disco de Dellachaouen, colaborador recurrente de Glory también, su verso acaba siendo perezoso y carente de personalidad, falta hambre ahí. Y no todo son colabos, hay un buen puñado de temas en los que sabe defenderse sin ninguna ayuda, y entre ellos destaca Ruinera, que cuenta con un estribillo pegadizo de cojones sobre un jersey club que no falla.

    Es en la racha final del disco cuando intenta hacer algo personal y potente pero no termina de encajar del todo. Descansito de Dios me parece un tema redundante y muy pobre a nivel técnico y lírico para lo que quiere contar e incluso teniendo un beat switch en medio. Los dos temas que le siguen logran subir el nivel por la genial decisión de samplear a Rosalía y un cierre con Fran Laoren que sorprende gratamente. Con toques de 808s & Heartbreak y un verso muy sentido por parte de Glory logran que me olvide de quien está cantando y hace de cierre perfecto para el proyecto.

    YELA en su conjunto es un paso más en el camino de Glory, un proyecto en el que se nota una atención y un cuidado importantes. Tiene sus puntos flojos, como todo, pero eso no impide que sea una escucha disfrutable y con varias cosas a destacar. Aún así todavía no me parece que haya conseguido demostrar todo lo que pretendía, y tampoco tenía por qué hacerlo todo en un proyecto. Quedan todavía muchos años de carrera por delante para pulir todo esto o seguir sudando de todo, porque así funcionan en La Vendición a veces. De una manera o de otra, estaremos escuchando.

  • Cruz Cafuné trae el sonido del verano con “BLU€S”

    Cruz Cafuné trae el sonido del verano con “BLU€S”

    Los veranos en Tenerife Sur tienen nueva banda sonora. El EP sorpresa del versátil Cruz Cafuné contiene 6 grabaciones con registros que van desde el sexy drill hasta música jamaiquina. 

    Cruz Cafuné en un show (2024)

    Cruz Cafuné es de esos artistas que hacen movimiento. En el aspecto de crear escena, tiene a toda una camada de raperos detrás a los que apoya y da colaboraciones cuando conecta con lo que están haciendo, véase el remix “Rifle Talibán”. En cuanto a traer sonidos nuevos que no han sido explotados lo suficiente en España, el tinerfeño es pionero. Ya lo hizo en su día con el jersey club y ahora lo hace con el sexy drill neoyorkino a la vez que Abhir y un jerk, que nunca habían sido tocados por un artista mainstream.

    La buena sociedad que forma Cruzzi con Gesse da O y Lex Luthorz ayuda al proyecto a tener un sonido bastante fresco, y como no, hay samples por doquier. “Tu Vas A Tener Que Explicarme” de La Ross María acapara la atención gracias a la habilidad de Gesse y Lex para transformar los samples en un instrumento más, quedándose así un sexy drill (subgénero del drill popularizado por Cash Cobain) donde el beat es el principal protagonista en “m€ntiras”.

    Evento de presentación de «blu€s» (2024)

    La macedonia de géneros musicales de “blu€s” contiene también un jerk, un riddim’ jamaiquino y el tema que popularmente más se ha destacado del EP, “la raíz d€l mal”. Una outro muy parecida a “Me Muevo Con Dios” que samplea a Mother’s Finest se encarga de cerrar el proyecto regalo de Cruz Cafuné.

    Lujos, coches y cadenas rodean al de Tenerife en “blu€s”. Este exceso de suntuosidad en un proyecto tan corto ha generado varias críticas, achacando que la falta de profundidad del EP hace que pierda fuerza frente a sus pasados proyectos. Si bien este EP cumple la función de proyecto fácil de digerir para una época concreta del año, el sector más nicho esperaba algo más introspectivo, parecido a lo que nos había traído el canario en sus anteriores grabaciones.

    Portada de «blu€s» por Dimithry Victor y BCS Vision (2024)

    Ya lo relata el propio Cruzzi en “Este Verano” cuando canta “No es tan profundo”. La funcionalidad de este proyecto es introducir al rap game español más mainstream unos códigos diferentes a lo acostumbrado con nuevos géneros que tienen un sonido más fresco que lo que acostumbramos a ir para cumplir dicha función de proyecto corto para el verano. 

    Siempre se le exige al artista música nueva que no se parezca a lo que ha sacado antes, pero cuando el artista varía y le da al público algo fuera de su zona de confort vienen los problemas. “blu€s” es un proyecto que sigue la línea de consumo devorador que existe en la música actualmente, que difícilmente será recordado al nivel de “Visión Túnel”, pero que igualmente cumple a la perfección el rol que el equipo de Mécèn ha querido que tenga. 

    Como aperitivo para su nuevo proyecto de 2025, este EP es un sólido bien en la discografía de el rapero tinerfeño, del que se espera mucho en el futuro. Aunque haya hecho más ruido por las polémicas en redes ajenas al rapero que por el propio valor de la música que contiene, “blu€s” trae sonidos nuevos y frescos al panorama hispano con una perspectiva.

  • «SAYONARA» es cine para ciegos

    «SAYONARA» es cine para ciegos

    Nunca es fácil decir adiós, parece que cuando nos vamos a despedir de algo o alguien todas las memorias que tenemos asociadas a él nos persiguen y nos suplican que no lo hagamos. A Alvaro Diaz le ha costado encontrar un camino hacia su liberación, pero para nuestra fortuna ha ido recopilando todas sus experiencias para compartirlas en esta película llamada “SAYONARA”.

    Portada de «Sayonara»

    Desde el momento en el que salió ‘RAMONA FLOWERS’, el primer adelanto del disco, en 2022 el proyecto ya se iba impregnando de ese misticismo que ahora se ve con nostalgia. Alvarito lo tenía todo listo para un lanzamiento cercano que nunca llegó. Siempre nos quedará la duda de cuánto dista esa primera versión de la que fue publicada finalmente. Por esto “SAYONARA” nos muestra la evolución de Alvaro Diaz como artista, pero también como persona. En estos dos años de espera su vida ha cambiado mucho y con ella su sonido. Cuando salió “Felicilandia”, su anterior proyecto, ya llevaba mucho en el juego y tenía un reconocimiento considerable, pero no estaba ni cerca del estado de referente que conseguiría apenas un año después.

    Con este contexto, Alvarito retrata las fases de una despedida, formándose una especie de yin yang que no deja espacio para un ‘gris’. En sus propias palabras, la primera parte del disco es “un poco heartless porque estás intentando evitar decir lo que sientes”, mientras que después del interludio “lo sueltas todo” y al final te quedas con esa plácida sensación de libertad. Esta premisa hace que “SAYONARA” se convierta en una experiencia cinemática que no necesitas ver para entender, basta con escuchar la voz de Alvaro.

    En ‘MAMI 100PRE SABE (INTERLUDE)’ se hace una analogía en la voz de una madre que se queda grabada en la memoria de cualquiera que escuche el disco: “Te acuerdas cuando eras chiquito e íbamos al cine y se acababa la película y nos quedábamos hasta el final a ver si aparecía una escena nueva? A veces la vida es así”. Esto viene a representar el disco en gran parte, el asumir que por mucho que la esperes no siempre aparece esa nueva escena de una película y que en algún momento tienes que salir de la sala de cine y volver a la realidad que vivías antes de comprar las entradas del filme.

    Alvaro Diaz vía Instagram

    Como toda buena película, “SAYONARA” tiene una introducción bien definida que nos presenta a los personajes, ‘TE VI EN MIS PESADILLAS’. Aquí Alvaro ya sabe que su relación está más que acabada, no tiene solución por más que él quiera. Con mucho dolor y arrepentimiento en su voz se despide y recuerda los buenos momentos que no se van a volver a repetir, comenzando con un seco y efímero “se acabó”. Al final ARON (Arón Piper) lo rescata de esa atmósfera cargada de nostalgia y lo lleva a olvidar como él sabe, de fiesta: “Álvaro, no me jodas eh. Levántate de ahí ahora mismo y vamos pa la calle”. 

    Aquí empieza un viaje por los perreos más sucios y pesados de toda la carrera de Alvaro Diaz como ‘BYAK’ con Rauw Alejandro o ‘KAWA’, un total flashback a la escena de Puerto Rico en los 2000s interpolando canciones de Daddy Yankee y recuperando un sonido hipnótico que pocos han sabido recuperar. Aunque Alvarito en poco tiempo ya ha masterizado el reggaeton con propuestas al nivel de los más grandes no solo se queda ahí. Trap, house y demás géneros conviven en esta primera mitad del disco con una fluidez increíble entre temas. Específicamente ‘PLN’ y ‘LENTITO’ son dos pulmones para este caótico tracklist que sorprendentemente funciona.

    En un tweet, Alvaro comentaba que si tuviera que definir el álbum en una palabra sería “chrome”, cromado o metálico. Tracks como ‘FATAL FANTASSY’, producido por Tainy, demuestran que esta definición no solo es completamente acertada, sino que el diseño de sonido del disco está a otro nivel como si se tratase de un trabajo de millones y millones de dólares. Este factor determinante para la inmersión en la historia se extiende hasta la segunda mitad del disco con sintetizadores punzantes en la introducción de ‘FUNERAL’, el bajo distorsionado seguido de unos sintetizadores eléctricos en ‘MAJIN BUU’ o los efectos tanto en la instrumentación como en las voces de ‘QUIZÁS SI QUIZÁS NO’, generando ese sonido envolvente que te mete de lleno en la atmósfera del disco.

    Esta segunda mitad de la historia es más profunda, reflexiva y muy nostálgica. En ‘QUIEN TE QUIERE COMO EL NENE’ se representa esa fase de duelo en el que la relación no puede continuar, y solo esperas ese inevitable adiós mientras te cuestionas si hay forma de salvar la relación: “No voy a pedir que me esperes, pero tengo mil excusas para que vuelvas y te quedes”. ‘EN PR NO HACE FRÍO’ es una canción única en donde los caminos de ambos ya se han separado pero aún tienen la esperanza de volver, sin tener el valor para decirlo de frente: “Subiste una foto con el hoodie mío y no es porque tiene frío. No te voy a negar que de otra cuenta te espío”. Cuando ya la ilusión de poder volver ha pasado empiezas a recordar todo lo bonito, cuando los dos aún estabais enamorados siempre uno al lado del otro, este momento viene a ser ‘YOKO’. Este track es un completo destello de apego entre las canciones más apagadas del álbum por su letra apasionada acompañada de unos coros angelicales de Judeline, pero que viéndolo en perspectiva tiene un trasfondo muy oscuro: “Un atardecer contigo no lo cambio por ninguno si tú me quisiste cuando ni yo me quería”.

    Alvaro Diaz por Jesús Soto Fuentes

    Toda la nostalgia que hay en esta segunda interpretación de la ruptura se canaliza en ‘GOLDEN GUN’, pero no de una forma emotiva sino que con un trap que se convierte en un boom bap como los que Alvarito no hace desde hace mucho tiempo. Lo primero que se te viene a la mente al escuchar esto es al Alvaro de SoundCloud, sus primeras mixtapes y EPs como “Ilumilatin” y la mezcla de fronteo y barras que lo caracterizaba. Para sumar aún más el tema empieza con un sample mítico de Arcángel que ayuda a crear el escenario más agresivo de todo el álbum. A partir de aquí la base se presta a que todo fluya y se desprenda del amor y afecto, mencionando marcas, dinero, personajes célebres y mujeres, puro trap como el que ya no se hace. Para cuando parece que todo está controlado se interpone un sample de un pasaje de la Biblia que precede perfectamente una base de rap tétrica: “Acuérdate de tu creador en los días de tu juventud antes de que vengan los días malos”. La letra cambia y se vuelve reflexiva, recordando el largo camino que ha tenido que seguir Alvarito hasta el lanzamiento de “SAYONARA”, sus aspiraciones y sus metas: “Mis raperos favoritos no le meten como antes, búscame un espejo para inspirarme. Esto va a vivir por siempre porque es arte”. Finalmente todo culmina con un audio del difunto Alex Malverde, el padre del hip hop mexicano y en palabras de Alvaro “el responsable de que yo esté hoy aquí”.

    Y como toda película, esta también tiene un final, un final melancólico para cerrar una aventura muy propia de amor y desamor. ‘NO LLORES SI ME VOY’ es un homenaje al pop-punk de Blink-182, una de las mayores referencias de Alvarito en la música, con un toque minimalista y sobrio. Este es una despedida final en la definitivamente no se van a volver a ver, por mucho que lo quieran. Un cierre emotivo para una aventura frenética la cual seguramente se repetirá de nuevo porque en algún momento siempre vamos a tener que decir adiós, ‘sayonara’, por mucho que no lo queramos.

  • Brocki se presenta a las calles con ‘VS THE WORLD’

    Brocki se presenta a las calles con ‘VS THE WORLD’

    El innovador artista Brocki se ha revelado como una inminente promesa del Hip Hop y el Afrobeat en España con el lanzamiento de su primer proyecto de duración extendida titulado ‘VS THE WORLD’, trabajando en colaboración con ODDLIQUOR en la producción para traer frescura al panorama con mucho estilo y melodías animadas que recuerdan a grandes nombres de la fusión musical como Dave y Tyla.

    No me equivoco si digo que el estilo musical al que más me he aficionado este último año ha sido esa conexión entre el Hip Hop de UK y Afrobeat que tanto han popularizado artistas como Dave, Burna Boy, Rema y más recientemente la hiperviral Tyla. Y es que, para mí, es una música que siempre apetece escuchar y que te anima hasta el día más gris. Voces únicas, melodías pegadizas y un ritmo que, según están comenzando a sonar las primeras notas, ya transmite un buen rollo irrefrenable.

    Es por esto, que al igual que mola tanto, es algo que no todo el mundo puede hacer. Por ello, es de valorar qué podamos disponer de artistas que se adentran en este sonido, y más aún, de poder contar con la llegada de este sonido a España de la mano de nuevos talentos. Y como a mí, no hay cosa que me guste más que descubrir artistas emergentes y sobre todo, escuchar buena música, no podía pasar por alto el nombre de Brocki.

    EL DESCUBRIMIENTO DE UN NUEVO ARTISTA y LA IMPORTANCIA DE UNA COMUNIDAD MUSICAL

    No es sorpresa que muchos grandes artistas ya estén confiando en su visión. Y con razón. Desde el Minuto 1, el artista ha venido pisando muy fuerte, con el lanzamiento de su primer EP titulado VS THE WORLD, el cual está producido en su totalidad por ODDLIQUOR, uno de los grandes nombres de la producción musical en nuestro país, y por supuesto, uno de mis favoritos.

    De hecho, fue su presencia la que me dio a conocer la existencia de este EP y el motivo para darle una oportunidad, demostrando la gran importancia que tiene la creación de una comunidad en nuestra escena musical, que cada vez pilla más fuerza a través del apoyo de los artistas más consolidados a las nuevas propuestas, logrando resultados más completos, y muchísima más frescura y variedad musical.

    VS THE WORLD: PRIMERA MUESTRA de la IDENTIDAD MUSICAL de BROCKI

    VS THE WORLD está compuesto por un total de 5 canciones diferentes entre sí, pero que, a su vez, siguen un mismo hilo conductor sonoro que dibuja las primeras pinceladas del estilo identitario de Brocki.

    BILINGUAL RIDDIM: CONFIANZA, ESTILO Y MUCHO ACENTO

    Comenzamos con Bilingual Riddim, siendo esta la más diferenciada dentro del EP, contando con una atmósfera más cruda respecto al resto de canciones. Característica que se deja ver, tanto mediante los deliveries melódicos de Brocki, rapeando con mucha firmeza, confianza y estilo al más puro estilo del Hip Hop de UK, como a través la instrumental, construida a partir de unas percusiones industriales muy marcadas y agresivas, que toman el control sobre la instrumental, dejando a los sintetizadores en un estado ambiente y generando, de esta forma, un trasfoco oscuro que, sin pasar al primer plano, se va adentrando hipnóticamente en tu cabeza.

    Pero aún siendo la canción que más se diferencia al resto en cuanto a sonido, Bilingual Riddim ya nos deja ver, de forma clara, uno de los pilares fundamentales y más icónicos del proyecto. Efectivamente, estoy hablando de la contraposición entre Español y el Inglés para construir la estructura de las canciones, que se intercambia con fluidez y naturalidad, consiguiendo un resultado original y de calidad.

    JUDGE ME / HIJO DE JULIET: ODIADORES VAN A ODIAR

    Tras este primer tema, llegamos a Judge Me e Hijo de Juliet. En estas, encontramos a Brocki haciendo frente a esas opiniones negativas y sin fundamento, que por naturaleza, siempre van a existir sobre tu persona o tu arte, pero sin dejar que estas te afecten en absoluto.

    De esta forma, al igual que la temática, la producción instrumental propone dejar toda mala vibra fuera, con dos canciones que siguen una línea más melódica y llena de florituras vocales, acompañando a un patrón rítmico de percusiones más animado, característico del Afrobeat, que introduce al EP esa vibra positiva que comenté anteriormente, invitando a moverse y disfrutar.

    BLACK BOY MAGIC / SIDE BY SIDE: EL SONIDO DEL AMOR

    Así, llegamos a Black Boy Magic, un tema al estilo vacileo. En este momento, la buena vibra ya se ha apoderado por completo del EP, y tanto la letra como la percusión comienzan a hacerlo notar, preparando el terreno para llegar a su climax en la próxima canción.

    Side by Side es la quinta y última pieza del EP, y también, es la más animada. Aquí Brocki expone unos sentimientos a flor de piel, dando forma a una canción de amor, que expresa, ya no solo mediante palabras, sino a través de múltiples estímulos sonoros y melodías diferentes y un lindo estribillo a dos voces, la energía que provoca este sentimiento, dando un cierre muy completo al proyecto.

    ¿MERECE LA PENA ESCUCHAR ‘VS THE WORLD’?

    En conclusión, considero que VS THE WORLD es un EP completo, distintivo dentro de la escena musical y que merece la pena escuchar, dejando un primer vistazo sobre un nuevo descubrimiento y esperando, con ganas, ver como continúa desenvolviéndose con lo próximo.