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Descubrir quién está detrás de la producción de tus temas favoritos es una de las cosas más bonitas que tiene la música, pero cuando descubres a un productor del que jamás habías escuchado hablar, la curiosidad es aún mayor. En el episodio de hoy nos acompaña GIO, un productor detrás de hits como «Las Bratz» de Aissa y El Bobe, «DAME» y «YANKEE» de Quevedo o «Buenas Noches», el último disco del canario de moda.

Bueno GIO, vamos con la primera pregunta. ¿Cómo empezaste a producir?

Creo que fue cosa de mis tíos y mis primos, que eran DJs. Ellos me acercaron a la música, rollo, me grababan discos o lo que sea que yo pudiese escuchar, ¿sabes? Ese fue como mi comienzo dentro de amar y disfrutar de la música. Y todo eso que, al final, es como el comienzo de que luego quieras empezar a producir. Si tienes más curiosidad sobre la música, la producción y tal, empiezas a buscar videos en YouTube, empiezas a buscar información entre tus colegas que sabes que les gusta la música… Y empieza todo un poco así, por lo menos en mi caso.

¿Quiénes fueron tus primeras referencias?

Mis primeras referencias de música, cuando ya no escuchaba la música que ponían en el coche tus padres, la que se te impone de pequeño, ¿no? (Risas) Empecé escuchando reggaetón, tío. En Latinoamérica es muy común hacer como recopilatorios de 200 mil temas de reggaetón en un disco de estos que te encuentras piratas en la calle. Me llegó uno de esos cuando yo no sabía lo que era el reggaetón. Te hablo de hace más de 10 años, ¿sabes? Aquí, porque yo soy de Ecuador, vengo aquí con 5 años. Y claro, crezco con la música de aquí, con todo lo de aquí, pero a los 13 o 14 años me llega un disco de reggaetón de Hector y Tito, Don Omar, Daddy Yankee… Todos los OG’s (risas). Ahí me empieza a gustar ese género y a llamarme la atención ese sonido.

Bueno, con esto más o menos has contestado a la siguiente pregunta (risas) pero, a nivel producción, ¿cuáles son tus referencias?

Yo empecé porque vi un vídeo en YouTube de Luny Tunes en el estudio. Creo que fue el génesis de mi interés por la producción. No enseñaban gran cosa, se veía a lo mejor una pantalla con el FL Studio de fondo, pero era como el momento de verlos en el estudio, disfrutando de hacer música y tal me llamó la atención. A partir de ahí empecé a buscar información: “vale, ese programa se llama FL Studio”, “cómo lo consigo”, que si tal… A un primo, como que el programa le llega por uno de estos discos que te digo que llegaban, igual que con la música y demás (risas). Entonces le llega el FL, me lo pasa y ahí empiezo a hacer pistas.

Es curioso, porque a muchos les pasa eso, que ven un vídeo como los que hace KIDDO explicando cómo se hizo el beat de un tema y tal, y al ver todo se quedan asombrados y les llena la curiosidad.

Al principio, al ver la interfaz yo intenté, pero tampoco había demasiada información. El contenido que hay ahora de tutoriales, de cómo empezar a hacer un beat o lo que sea, eso hace más de 10 años no los había. Te descargabas el programa y tú solo tenías que entender cómo funcionaba. Había muy poca cosa, incluso en inglés. Estuve muchos años con FL, pero después de probar unos cuantos entornos, me he quedado con Abbleton.

Conozco a muchos que se pasan de FL a Abbleton. Supongo porque es más intuitivo.

Yo empecé con FL, me acuerdo que con la versión 7. Fue la primera que instalé. Lo dejé cuando salió la 20, que ya me pasé a Abbleton. No sé si es más intuitivo, pero al final el entorno de trabajo también tiene mucho que ver con el sonido que está ahora en el mercado. Siento que con Abbleton llegas a un punto que es muy difícil que llegues con FL de forma natural. O sea, yo siento que, después de utilizarlo, cada uno tiene lo suyo y sabe cómo hace la música, pero yo encontré como que esa diferencia en mí y en mi forma de trabajarlo todo.

Ya que hablas de las diferencias a la hora de hacer música y el cómo se hace la música, te iba a preguntar por tu proceso creativo a la hora de hacer los ritmos. Que, por cierto, es muy diferente dependiendo del proyecto en el que trabajes, que no son pocos: el último disco de Aissa, en “YANKEE” y “DAME” del primer disco de Quevedo y casi en la totalidad de “Buenas Noches”, en “HEY BB” de Saiko, en varios discos de La Cruz o en “Las Bratz Remix” entre otros, y he de decir que los ritmos son muy variados. Detállanos un poco acerca de tu proceso creativo.

Durante los años ha ido cambiando, ¿sabes? Ha ido cambiando a medida que yo he ido madurando dentro de hacer música y de entender cómo funciona y cúal es mi rol dentro de ser productor. Para crear un beat, si lo creo de cero… Que también es muy común que otra persona empiece el beat y yo termine el tema, ¿sabes? Como que he desarrollado esa relación con los artistas en la que, al final, confían en el toque final o en el sonido que les doy a los temas. A lo mejor empiezan un tema con otro productor y luego me lo traen para que yo le dé el sonido que hemos ido desarrollando, ¿sabes? Tanto con Aissa como con La Cruz llevamos bastante tiempo trabajando y desarrollando un sonido que al final, aunque otros productores empiecen la idea… Y esta muy guay, yo también lo hago en viceversa: a lo mejor hay un productor que trabaja más de la mano con otro artista, yo me encargo de la composición del tema y luego el otro productor termina como el color del artista con el que está acostumbrado a trabajar. En cuanto a los beats, a mí me gusta crear hasta que ya no me da, ¿sabes? Si me siento inspirado, yo me siento y hago un beat, pero hasta el punto donde veo que ya estoy empezando a sobrepensarlo, ¿me entiendes? Llego al punto donde la inspiración me da y lo dejo apartado. Sigo con mi vida, haciendo mis cosas o viendo una serie y cuando veo que otra vez algún input del exterior me motiva, me siento y continuo ese, empiezo uno nuevo o lo que sea. Al final todo el material que hago me sirve para otras sesiones. A lo mejor cojo una idea sin acabar, se la enseño al artista y el artista me comenta algo. Siempre que me siento creativo, creo hasta que ya no me siento creativo.

¿Y qué te inspira a la hora de hacer ritmos? En una columna de Fleek repasaban 7 temas tuyo y en lo que se refiere a “AMANECIÓ”, tuviste un input muy concreto. ¿Qué te lleva a hacer determinados ritmos?

Puede ser cualquier cosa, en realidad. Puede ser que yo esté viendo una serie y me meta tanto en la historia que me crea esas emociones y diga “hostia”, ¿sabes? Yo creo que ese input son las emociones.

Eso está muy guapo. Además, eso hace que surjan detalles muy guapos, como el beatswitch en el ritmo de “YANKEE” de Quevedo o la ausencia de un bombo marcado en un reggaetón como ocurre en “COSA DE DIOS” de Antony Z.

Claro, es que al final todas esas decisiones tienen que ver con quién es el artista con el que estoy compartiendo el estudio. A lo mejor unas baterías que le entran en un tema a Aissa, a Antony Z se le quedan agresivas. A cada artista intento darle un sonido dentro de lo que yo hago; que dentro de lo que les gusta sobre lo que yo hago, darle un sonido acorde a lo que es el artista y lo que representa, ¿me entiendes? Aunque a un artista un tema le parezca muy guapo, a lo mejor no es para ese artista. Yo me meto con ellos, tenemos conversaciones acerca de sus referencias, qué es lo que entienden de la música y demás. Compartimos siempre antes de entrar a hacer música porque al final, cuando yo empiezo a hacer música con un artista, normalmente suelo seguir haciendo música con él. Siempre pienso que esa relación es a largo plazo.

No te gustará entonces tener a muchos artistas a los que producir, ¿no?

No, no me gusta ir produciendo temas a varios artistas. Me gusta darle un sonido a cada artista y que confíen en mí. Me gusta poder acompañarlos a desarrollar su sonido y la parte musical de su carrera.

Me gusta que todos los productores que habéis pasado por aquí penséis así, que un círculo pequeño de artistas con quienes trabajar es mucho mejor, puesto que eres más personal y cercano con ellos.

Sí, a mí me gusta más, sobre todo porque siempre me ha gustado mucho estar en el proceso de crecimiento de los artistas.

FOTO: “Ese camino es increíble poder vivirlo con ellos”.

Totalmente cierto. Por ejemplo, con Lucho tienes “GLOSS (DIDARIE)”, uno de sus primeros temas. Y ahora está con muy buenos números.

Literal, literal. Ese tema lo grabamos hace, no sé, un año y medio o así. Fue una vez que fui a Canarias, con intención de hacer música allí. Grabé con varia gente, entre ellos Lucho.

Bueno, vamos a hablar un poquito sobre uno de tus últimos trabajos: “Buenas Noches”, junto a Quevedo. Cuéntanos un poco acerca del proceso del mismo.

Pues el disco lo trabajamos este último año y medio en varios campamentos por las islas y la península. Estuvimos en Andorra, en Granada, en casi todas las islas… Fue un proceso largo donde hicimos muchos temas, pero se quedaron los que englobaban bien el concepto del disco. Y nada, trabajar con los otros 4 productores fue diferente: en el primer disco llegué al final y como que no los conocía mucho; hice mis temas con Pedro y ya. En este sí que trabajamos el disco en conjunto: enseñándonos trucos, pluggins, conocimientos y experiencias dentro de la industria… Entonces, creo que ha sido un crecimiento personal para todos.

Has trabajado con KIDDO, con Bluefire y con GARABATTO, siendo uno de los dos posibles escenarios que se presentan hoy día en cuanto al trabajo de producción: uno de ellos el trabajo autónomo y el otro junto a más productores. ¿Cómo es trabajar codo a codo con productores?

Pues yo no estaba tan acostumbrado, tío. Al final venía de hacer mis temas yo y ya está. Aparte, yo también cuando empecé todo mi crecimiento musical fue… Yo vivía en Fuenlabrada, ¿sabes? Allí no había ni reggaetón, ni FL, ni Abbleton ni nada. Entonces era el único friki haciendo cosas en el ordenador y tal. No había tanta gente a la que decirle “vente a mi casa y hacemos un beat” o “si cantas, vamos a grabar”, entonces mi proceso fue un poco por mi lado. Cuando llegué a este proyecto y había que colaborar con todos ellos, no me chocó; la verdad es que me lo pusieron bastante fácil. Yo también lo dije antes de empezar, no había colaborado con tantos productores. Además, yo soy muy encerrado a la hora de hacer música, pero por el background que tengo. Yo me puedo poner los cascos, me dejas en una mesa solo y fluyo, ¿sabes? Pero trabajar con más gente dentro del estudio, aportar todas las ideas y hacer todo lo mejor posible para el tema era un reto, pero todo salió bien.

Hablemos un poco del sonido del disco. No sé si has visto en redes lo dispar que es la opinión de la gente acerca del disco: que si el sonido del disco, que si las letras, que si tal y cual. La paleta de ritmos es muy diferente a la de “Donde Quiero Estar”. Cuéntanos un poquito sobre la evolución del sonido.

Desde el principio ya sabíamos que iba a tener esa vibra nocturna, sabíamos que iba a ser música de club. En los primeros campamentos y en la primera parte del proceso, que bueno, se va desarrollando a lo largo de un año y medio en el que hay mucho crecimiento, haces muchos temas, pasan cosas y tal. Al principio es verdad que tenía mucho la energía del anterior, pero hubo una etapa a la mitad, cuando salió “DURO”, y ahí como que se abrió una puerta, un nuevo sonido donde Pedro quedaba muy bien y podía sorprender. Al final el disco tampoco puede ser similar al anterior, tiene que haber un cambio. Aunque al principio la gente no lo termine de asimilar, siento que con el tiempo la gente podrá entenderlo.

¿Crees que “Buenas Noches” va a trascender más que “Donde Quiero Estar”?

Eso no se puede saber. No son ni parecidos, son trabajos completamente diferentes. Solo el tiempo dirá si trasciende o no.

Toda la razón. Al principio yo pequé de compararlos no solo en sonido, también en concepto. Poco a poco he aprendido a valorarlos por separado y en efecto, no tienen nada que ver.

Es que claro, al final es eso: un disco de 18 canciones, todas de reggaetón, quizás iba a ser aburrido. Pedro es un artista que todas estas cosas las piensa. Los artistas grandes a cada disco vienen con una imagen completamente diferente a la anterior. Las personas cambian con el tiempo y maduran. Un artista no puede seguir hablando del mismo tema que hace 3 años porque su vida va cambiando y va viviendo nuevas experiencias. Madurando, en general.

Hablando de madurar, ¿tú crees que a nivel global el reggaetón se ha quedado un paso atrás? ¿Suena obsoleto e igual, como algo de hace 10 años, o crees que está innovándose cada vez más?

Creo que puede sonar igual. Cuando alguien es tan viral o tan conocido, obviamente hay mucha gente que va a seguir esa corriente de sonido, de letras, de conceptos y tal. Pero también creo que hay gente innovando y haciendo cosas nuevas. No siento que quede obsoleto. También te digo, a lo largo de la historia, el reggaetón ha ido cambiando. Se ha ido volviendo más electrónico, más trap o más tal pero siempre con el color ese del reggaetón. Por ejemplo, hay canciones de Mora que son electrónica, pero con ese color de reggaetón, ¿sabes? Ya sea por las voces, por los sintes utilizados… Igual como en el pasado, Wisin y Yandel sacaron “Los Extraterrestes”, que es muy electrónico; y en 2016, todo lo que era reggaetón se volvió trap, pero en realidad lo que era de trap eran los drums, todo lo demás era de reggaetón. Siento que ese sonido si que se va a mantener, pero va a haber más repertorio.

Me viene de escándalo lo que has dicho de Mora, más que nada porque en sus dos últimos discos se le criticó por el uso excesivo de la electrónica. Fueron muy exigentes con el sonido presentado por el puertorriqueño, casi poniendo en duda los ritmos utilizados. ¿Crees que el público es muy crítico con la producción detrás de los temas?

Sí, siento que sí. Cuando algo se vuelve tan conocido, la gente lo critica más. Aun así, no le veo yo esa barrera. Ten en cuenta que yo soy latino, nazco en Ecuador y tal, pero me crío aquí. Para mí el reggaetón y la electrónica, por ejemplo, tienen sentido juntos. Tú vas a la discoteca y hay un momento en el que te ponen reggaetón, en otro música electrónica y todo termina siendo música de discoteca. Entiendo que a la gente que le gusta el reggaetón, quiera reggaetón, pero no sé. Al final hay otra gente que a lo mejor no ha escuchado a Mora en ese registro, le gusta más y termina ampliando su público. Las canciones de reggaetón siguen ahí, si alguien quiere escuchar a Mora en un reggaetón lo va a poder seguir escuchando.

Esto último que has dicho es totalmente cierto. Además, Mora es cierto que tiene un catálogo muy amplio, hay donde escoger.

Claro, si es que hay un montón, ¿sabes?

Y sobre la música de fiesta igual, la mezcla entre el reggaetón y la música electrónica en una discoteca puede tener total coherencia.

Yo por ejemplo hago reggaetón porque son mis influencias iniciales, pero al final lo que hago realmente es música de discoteca. Creo que mi concepto y lo que yo hago es música de discoteca, para que la gente se lo pase bien.

¿Te gustaría probar algún género musical?

No es que lo escuche mucho, pero me gusta mucho y me parecería muy loco estar dentro de una producción de regional mexicano, corridos tumbados o algo así. Que requiera músicos y que sean muy buenos, que me cambie totalmente el mood de la música que hago.

¡Qué pasada! Aquí en España tenemos a unos chavales que hacen música de allí, a Callahan Ugn y Olson, y aunque no esté demasiado puesto, no lo hacen mal.

Dentro de la música, yo creo que es lo que menos he tocado: música con músicos.

Tiene que ser más complicado.

Claro. Al final la música que hago es con sintetizadores y tocando el piano, que lo toco medianamente bien. Pero coger a un tío que toque la guitarra de esa manera, grabarlo y que suene increíble… Tiene que estar muy guay.

Ya que hablas del piano y tal, ¿qué dominas en el estudio?

Creo que mi fuerte dentro del estudio es hacer los beats. Como músico y como pianista me defiendo: toco acordes, saco melodías y tal, pero no te voy a hacer una canción completa (risas). Pero creo que montar el beat es mi fuerte. Además, es la parte en la que la gente se siente más cómoda conmigo.

Muy cierto. Además, es lo que te he dicho antes, que tú a la hora de hacer beats cuidas mucho los detalles.

Claro, yo elijo los sonidos y le doy una visión. Obviamente todo esto se ha ido desarrollando a que lo vaya haciendo sobre la marcha, pero yo me lo pienso mucho: que si la selección de sonidos, el concepto, el momento en el que está, los cortes o la elección de estructura; todo eso aplicado a hacer los beats.

Recuperemos el tema de los productores. Tainy o Sky Rompiendo pueden ser dos de los productores más influyentes del mundo. Tainy hizo un disco de productor, “DATA”, y Sky está trabajando en uno. ¿Te animarías a hacer un disco de productor?

Yo creo que todos los productores sueñan con eso, con un disco en el que invitar a todos los artistas con los que han trabajado. Sí, claro, obvio (risas). También te digo, ahora mismo acabo de terminar dos discos que me han dejado en un momento donde quiero estar muy chill hasta empezar el año. Ahí voy a empezar a pensar en cosas y proyectos para el año que viene. O sea, ya lo tengo todo pensado, pero creo que hay cosas que requieren su tiempo, ¿sabes? Creo que tengo que trabajar más en mi marca personal y demás.

Bueno, supongo que ahora no estarás en nada, ¿no?

A ver, digo chill, pero chill a medias (risas). Aunque ahora esté tranquilo, y demás, el proceso de un disco es muy caótico: que si fechas, entregas, mandar esto aquí, recibir esto allá… El de Pedro lo llevo trabajando mucho más tiempo, pero tanto el proceso final del de Aissa y el de Quevedo coincidían.

Vamos, estabas a dos manos (risas).

Claro, claro. Que si recibir voces de aquí, recibir voces de allá, que si montar todos los temas… Era un caos (risas). Terminé cansado, pero muy contento. Ahora un poquito de descanso y a seguir.

Claro, un año y pico de curro tras un disco es largo. Es mucha carga.

Ten en cuenta que es como espaciado el trabajo que hacíamos en los campamentos. La parte final de ambos discos me pilló un poco a la par. En los campamentos más bien se hacen maquetas que hay que terminar cuando ya va a salir el disco, entonces ya era como “vale, ahora que tenemos los temas que van a entrar en un disco y en otro, hay que terminarlas”. Entonces, todo me pilló muy a la vez.

Bueno, vamos a hablar un poco sobre redes sociales. El reggaetón puede ser el género en el que mayor ritmo de consumo encontremos, siendo este reflejado en redes sociales. Como productor, ¿crees que el ritmo de consumo es mayor? ¿Es todo más efímero o tarda más en quemarse un disco?

Yo creo que depende de lo que hagas. Todavía siguen haciendo discos que perduran en el tiempo. Es cierto que se hacen trabajos más efímeros, pero todavía se hacen discos que se van a seguir escuchando en 5 o 10 años. Ahora salió el Wrapped de Spotify. Mi artista más escuchado ha sido Cruzzi.

Hostia, no me lo esperaba.

Yo escucho mucho reggaetón, aunque también me gusta mucho el rap. “Me Muevo Con Dios” seguramente en 5 o 10 años lo voy a seguir escuchando. Creo que depende de qué hagas. Tampoco considero que una cosa sea buena o sea mala. Cada uno va haciendo su música y su carrera como va viendo. El tiempo dirá si perdura. Igual hay discos en el pasado que ya ni se escuchan.

Sí, total.

Creo que esto no es nada nuevo, esto siempre ha existido.

Claro. Yo te lo decía por la gente que, a la semana del disco se pone: “¿se puede decir ya?, ¿AOTY?”.

Me han dicho que todas estas cosas se dicen mucho en Twitter. Bro, es que yo no tengo Twitter. Tenía mucho hace muchos años y no me acuerdo de la contraseña. He visto cosas en Tik Tok, pero creo que las cosas más fuertes se dicen en Twitter.

Menos mal que no lo tienes, porque vaya sitio macho (risas).

Sí, me rayaría seguro (risas). No, en realidad no. A mí me gusta lo que hago. Me gusta juntarme con artistas en el estudio, me lo paso super bien. Y hay mucha gente a la que le gusta la música. A la gente que no le guste, que vea algo malo o lo que sea, tiene muchas opciones.

En el Wrapped, cuando te muestran los minutos que has estado escuchando música, hay gente que llega a números desorbitados. ¡He llegado a ver gente con 200.000 minutos! Yo lo veo exagerado, llegar a esa cantidad de minutos es una locura. Retomando el tema del consumo de música, ¿tú crees que la gente escucha música por escuchar, sin ser consciente de lo que está escuchando?

Yo creo que hay de todo. También te digo, hay una edad en la que empiezas a tomar ese tipo de decisiones. Yo creo que la gente escucha lo que le gusta cuando quiere escucharlo; es lo que tiene la libertad de tener algo como Spotify. Yo en mi caso, por ejemplo… Escucho mucha música, tío. Estoy todo el día escuchando música: salgo de mi casa y en el coche me pongo música, llego al estudio y hago música, vuelvo del estudio y en el coche me pongo las referencias, me siento en el sofá y me pongo otro rato música… Escucho música desde que me levanto hasta que me duermo. No escucho toda la música que sale. Es imposible, no me daría tiempo. Escucho recomendaciones de amigos o trabajos que van saliendo de artistas que me gustan mucho. Yo creo que es una manera normal de consumir música.

A ver, creo que para alguien dentro de la música es necesario consumir música, día sí y día también a un ritmo que te sientas cómodo. Pero es que hay gente que literalmente se acuesta, se pone los cascos y a farmear minutos como un loco.

Yo no puedo, más que nada porque no dormiría (risas). Para dormir sí que necesito descanso, pero de ahí estoy todo el día escuchando música.

Qué bonito. Vamos, te lo decía porque, en mi caso, he reducido a la mitad el tiempo total de música escuchada, pero más que nada porque quería ser selectivo.

A mí me gusta ser selectivo con la música que escucho, pero de verdad, me encanta escuchar música; estoy con ella todo el día. Si voy a entrenar o salgo a una discoteca, escucho música.

Tío, hablando de discotecas, ¿has pinchado en alguna?

He hecho un par de apariciones, en alguna movida de Aissa o alguna fiesta temática de “Las Bratz”. Hasta ahora, tampoco lo he pensado, pero sí me gusta. Cuando inicié, fue por mis tíos, que eran DJs. Por eso mi cercanía a la música de club. El que ellos fueran DJs y tuvieran esos aparatos, que llegaran con esas maletas repletas de discos… Todo eso es lo que inició la música en mí. Fue todo un proceso lento, iban pasando las cosas poco a poco.

Bueno, lento pero paciente. Creo que en la industria la paciencia escasea cada vez más.

Yo creo que en general la gente no tiene paciencia, no solo en la música. También tiene que ver con cómo va el mundo ahora mismo, que va todo muy rápido. Creo que si hay casos en los que en un periodo corto de tiempo el artista se pega o lo que sea, pero normalmente la carrera de los artistas lleva mucho tiempo de desarrollo desde que te empieza a gustar y te grabas tus primeros temas hasta que te pegas. Mira J Balvin, hasta que fue J Balvin lo mismo habían pasado 10 años. La gente no ve lo anterior, ese es el problema. Cuando ya empiezan a sobresalir un poco, ya han hecho 7 u 8 años de carrera. Esto tiene que ver mucho con la paciencia y el saber esperar. Si tiene que pasar, va a pasar.

Hablando de la paciencia y el ver en detalle la discografía de un artista, ¿crees que la gente se para más a ver los detalles detrás de los temas? Por ejemplo, pararse a ver quién ha producido un tema.

Yo creo que en el mercado latino ahora más. En el mercado americano sí que el productor siempre ha tenido un poco más de relevancia, pero en el mercado latino con las figuras de Tainy, Sky o Bizarrap, está ayudando a que la gente entienda que la música no la hace solo el artista. Ayuda a que entienda que hay un pibe que ha estado toda su vida haciendo música es la mitad del tema. Estas figuras ayudan mucho, sobre todo en el mercado latino. Me alegra un montón, porque la gente así sabe que el 50% de una canción que le gusta y que va a quedar en su mente siempre también está hecha por otro pibe.

¿Crees que este reconocimiento es menor por parte de periodistas, medios e incluso la propia Recording Academy, que en su día no reconoció a Tainy como candidato a disco del año?

Lo de los Grammys y Tainy, no lo sé, creo que no tiene que ver con el reconocimiento a los productores; creo que tiene que ver con otras cosas. En cuanto al reconocimiento en los medios, creo que también es un trabajo de los productores, ¿sabes? Al final, el artista no solo va al estudio, también trabaja su marca y el marketing, entre otras cosas. Si el productor también quiere estar presente en los medios de comunicación, también debería hacer ese trabajo: considerarse también un artista y trabajar también su marca. Mira a Bizarrap, lo entrevistan igual que a cualquier artista grande porque ha trabajado su marca.

Y, por último, quiero rescatar una frase que dijo Ozuna en su día. En ella decía que el productor es el que estaba en la silla, no más. ¿Crees que los artistas reconocen cada vez más el trabajo de los productores?

Mira, yo he estado en este mercado… A mi la primera vez que me firman es con 20 años, por aquel entonces ya trabajaba con artistas que funcionaban aquí en ese entonces. Te puedo decir que ha sido un cambio en cuanto a la cultura, porque al final antes la música que se hacía aquí no tenía esa cultura de reconocer a los productores. Es más, con la entrada del reggaetón, el trap y estos géneros cuando el productor cobra mucha más importancia. Ahora siento que sí que el artista da mucho más peso al productor. Los artistas con los que trabajo me han mostrado un respeto increíble, hasta tal punto de poder decirle a un artista “oye, me gustaría estar como main artist”. Creo que ahora la gente lo entiende más.

Bueno GIO, nos acercamos a la parte final. He estado investigando un poco y me he topado con una cosita llamada “NIGHT KIDS S.L.”. ¿Qué es?

A ver, estoy montando un proyecto en el que poder desarrollar a otros productores con talento, sobre todo más jóvenes. Llevo con este proyecto bastante tiempo, incluso antes de trabajar con Pedro. Ahora vamos a entrar más de lleno en eso. “NIGHT KIDS”, niños de la noche.

Es un puntazo, me parece muy bien pensado lo de dar formación a productores jóvenes.

Siempre me ha gustado rodearme de chavales nuevos, seguir aprendiendo de ellos y yo aportarles experiencia. Hace como 3 años empecé a trabajar un chaval que es productor, empezó a venir al estudio y se empezó a formar ese vínculo. Cada vez fueron viniendo más chavales y bueno, estamos organizándolo de momento. Me gustaría incluir a esos productores en trabajos de artistas con los que tengo un fuerte vínculo. Hay gente con mucho talento que quizás solo necesita una guía para impulsar su carrera.

Me parece muy bonito, honor para ti. Bien GIO, llegamos a la parte final de la entrevista. El productor del capítulo anterior, $kyhook, te deja la siguiente pregunta: cuál disco recomendarías y cuál no.

Diablo. Es que discos que no recomendaría, es que… Primero vamos a empezar con el que recomendaría. De los nuevos, de los que hayan salido este año, te diría “Sayonara”. Y que no recomendaría… Es que nunca he escuchado un disco tan malo (risas). Es muy complicado, tiene que ser muy feo como para que te diga que no te lo escuches en tu vida. Es una pregunta complicada, pero cuando encuentre un disco muy malo, te lo diré (risa).

Te lo tengo en cuenta (risas). Y yo personalmente quería preguntarte, ¿cuál es tu colaboración soñada?

Colaborar con productor, me gustaría colaborar con Tainy. Con artistas, tengo una lista. En esa lista están Bad Bunny o Drake.

Son muy tochos, eh. Ojalá se den en algún momento.

Claro, estamos hablando de cosas que me gustarían (risas). Nunca se sabe si se dará, aunque también te digo, ahora mismo estoy colaborando con artista que nunca pensé colaborar. Por eso tampoco tengo miedo a decirlo, igual pasa.

Estás manifestando literalmente (risas). Vamos con las dos últimas preguntas. La primera: ¿qué hace que tu música sea tu música?

Yo creo que yo: mi background, mis referencias, la música que me ponían mis padres en el coche de pequeño y que se quedó en mi mente, lo que me inspira… Todo. Creo que todo en conjunto hace que mi música sea mi música. Es eso literal, cuando haces un tema te acuerdas de determinadas cosas y vas fluyendo, con naturalidad. La respuesta rápida es yo, pero dentro del yo están mi familia, la música que he descubierto, la que me han descubierto mis primos, mis tíos, mis amigos… Básicamente las referencias de toda una vida.

Y por último GIO, ¿qué es para ti la música?

¿Qué es para mí la música? Para mí es mi forma de vivir. Yo vivo por y para la música, tío. Todo lo que hago tiene que ver con eso, desde que me levanto hasta que me duermo. Desde que empecé, eso no ha cambiado. Para mí, la música es todo, es mi forma de vivir y me muevo por eso.

El espacio es uno de los lugares más misteriosos del Universo. Hay miles de preguntas que todavía no hemos podido resolver sobre el mismo, aunque cada día son más las novedades técnicas que ponen al humano más cerca del mismo. En Zaragoza, aunque no haya estación espacial o similar, un productor consiguió acercar al ser humano con el espacio mediante la música. Su nombre es $kyhook.

Muy buenas tío. ¿Cómo estás?

Bien, todo bien. ¿Tú qué tal todo?

Muy bien, todo bien por aquí. Bueno $ky, para empezar, ¿cómo empezaste a producir?

Pues, ¿cómo empecé a producir? Pues muy primitivamente en verdad, porque fue como hace, no sé, en 2010 o así. Me bajé el Audacity y empecé a cortar simples ahí, pero no tenía ni idea. Más adelante hicieron como un taller allí en mi barrio, La Almozara, en Zaragoza. Me acuerdo que vinieron El Sr. Rojo y DJ JUVE. Pusieron un documental de scratch, se llevaron la MPC y estuvieron haciendo ritmos en directo. Me fui a mi casa en plan “buah”, esto como… Como que se puede hacer y aparte es como “me flipa”. Y un poquito así. Luego ya juntándome con un colega de mi barrio… Pienso que cuando más aprendes es cuando con peña que sabe más que tú. Yo he sido muy afortunado con eso: al principio conocí a G.Lesson en Zaragoza, luego conocí a Pedro LaDroga; que para quien no lo sepa, aparte de cantar, también produce que flipas. Por entonces él sabía mucho más que yo. Luego gracias a Pedro conocí a Dano y bueno, y ya lo que cada uno va aprendiendo y eso.

Bueno, con Pedro has colaborado muchísimo. Si no recuerdo mal tenéis como 3 o 4 discos juntos.

Bueno, 3 y medio (risas). Como hicimos el EP y tal… Pero sí, son 3 discos en verdad.

La gente os considera como unos de los artistas más influyentes a nivel de sonido en el panorama español, con ese trato de la música que podría definirse como espacial. Ante eso quería preguntar, ¿cúales son tus referentes a la hora de producir?

Al principio como que empecé a producir lo típico, beats de trap y tal. Además, como otros productores de aquí como Lex Luthor y tal que me gustaban, usaban muchos samples de fonk y jazz y demás, pues empecé a sí un poco como todos. Luego empecé a escuchar más rap del sur de EEUU, de Memphis y demás, rollo Three 6 Mafia, la peña de Raider Klan… Me empezó a influir un poco más ese sonido y a la vez, no quería samplear nada que samplease la gente. Yo decía: “Ya hay muchísimo de eso. ¿Qué puedo hacer diferente?”. Me acuerdo que en esa época estaba escuchando mogollón de discos de Ambient y cosas así y dije: “Buah, si mezclo Ambient como samples en vez de lo típico que usa todo el mundo y que no estoy viendo tan a menudo…”. También coincidió que en aquella época empezó a sonar más Clams Casino y XPRSS. Y bueno, así fui pillando un poco mi sonido. Luego ya, a partir de ahí, es mezclar un poco las influencias de lo que te va gustando. Conforme avanzas, también le vas poniendo menos límites. También la gente ahora disfruta de la música sin tener que etiquetar por géneros. En 2012 nosotros éramos como unos herejes. Ahora está más normalizado, pero en aquella época no había muchas cosas con 808s, hi hats y demás. Aquí la peña no quería entrar a eso.

Cosas como el Cloud rap, como A$AP Rocky en “LONG.LIVE.A$AP”…

Y Yung Lean, con los Sad Boys y demás.

Retomando aquello que has dicho sobre la gente, que no quería entrar en eso, ¿crees que la brecha existente entre el panorama estadounidense y el nacional se ha estrechado?

Sí, yo creo que es mucho más corta pero globalmente. España, e incluso Argentina, también siento que va un poco a su rollo. Hay mucha gente que ha intentado hacer un subgénero de eso, como sin entender los códigos, el tipo de sonido… ¿Sabes lo que te digo? Lo que me gusta es que hay más gente probando cualquier tipo de propuesta y de géneros que van más allá del rap. Ahora creo que es el mejor momento para eso. También hay hueco para la música que es más de nicho, que antes se sentía más un “si estás fuera de esta línea, estás fuera”. Entonces, sí, diría que se ha acortado. Además, en 2012 y tal que empezó el movimiento del vaporwave, que fue una cosa a nivel internacional. Aunque nosotros no estuviéramos pendientes de eso, pasó casi como a la vez. Por eso con «Skydrvg» la gente nos veía un poco futuristas, porque estábamos en ese momento haciendo eso. Ahora no veo que tenga que salir algo en EEUU y que a los 4 años estén en España intentarlo hacerlo.

Claro, ahora tienes a chavales haciendo cosas como los chicos de Disobey, haciendo Trap a lo 2016, la llegada del detroit o el surf…

Lo de SahBabii.

¿Tú jodes con el surf?

Es que para mí, etiquetar eso como un género… Es que para mí es lo mismo. El hip hop tiene muchas ramas y muchos subgéneros (risas). El otro día estuve escuchando el disco de SahBabii y es la polla, ¿sabes? Es que eso siempre ha estado guay, lo que pasa es que igual últimamente no había como muchos artistas que estén haciendo eso guay y fresco. Al ser tan nuevo y tal, no sabes si en unos años va estar sonando igual de bien y tal.

Acerca de descubrir música, ¿tú usas SoundCloud?

¿SoundCloud? Es que no es lo mismo ahora que en aquel entonces.

De casualidad encontré el tuyo, CONTROLTHESKY, y vi que tenias algunos temas remixeados como “Acting Like” de Tory Lanez o “Chanel», de Frank Ocean.

Eso igual sigue. Pero, ¿sabes qué pasa? SoundCloud lo he consumido como usuario, pero nunca me he puesto yo a subir ahí… ¿Sabes? No me dio por ahí. Pero sí joder, para descubrir música ha sido la mejor herramienta posible.

Totalmente, yo lo uso más que nada para eso.

Ya es que cuando cambiaron la política esta de los reposts y cuando cambió la empresa no sé. No sé si la vendieron o algo (risas).

Claro, ya todo el mundo fuera. a no usarla (risas).

Lo interesante es cuando todo el mundo está ahí. Si ahora todo el mundo se va de Twitter es como, qué va a ser Twitter, ¿sabes?

Ahora había mucha gente diciendo de irse de Twitter.

Todas acaban cayendo tarde o temprano. Ya nadie está en Tuenti o en Facebook casi (risas).

Hablando de Facebook, hace poco por el tuyo encontré alguna cosilla que otra curiosa sobre ti. ¿Podrías hablarnos de «Bitácora»?

Buah, «Bitácora». Nadie me había mencionado nunca eso.

Y sobre «Quimica Code», «SKYTOURIST»…

Claro, «Química Code» sí, pero «Bitácora» es lo primero que subimos a Internet, con mi colega Lebuil. No rapea ahora, pero está currando, con algo sobre luces y tal. Le ha ido bien también. Cada uno pillamos un camino diferente, pero fue con uno de los primeros que empecé a hacer música.

También encontré algo acerca de Withered. Cuéntanos algo.

Withered fue un colectivo de productores que bueno, más que ser un colectivo, fue un grupo de colegas que hacíamos música. Estaba Kropki también, que hace diseño. Es el que hizo la portada de “Moonchies” y todas las visuales. El grupo surgió un poco como, si somos todos productores y hacemos música increíble, vamos a intentar ayudarnos y a potenciar que no tiene por qué haber un cantante encima de un ritmo. La música es música, y también existe la música instrumental. Hicimos también algunas sesiones en Razzmatazz. Algunos siguen dándole: Kyddiekafka, Wax.dee, Hermei, Margari’s Kid, jayeem… Son todos productores increíbles.

Me gusta eso que has dicho sobre que no hace falta que necesariamente haya un cantante encima de una base, me parece un puntazo. Noto mucho eso que has dicho en tu último disco, “THE LONG RUN”. Comparándolo con “Moonchies”, este disco se siente mucho más esférico, donde tu presencia está más marcada.

Quizás es por el proceso. Este disco lo he hecho más haciendo la música primero, que también la hemos hecho en persona, pero ha sido más como, ya con la sonoridad que quiero que tenga cada tema, he buscado un poco quién era adecuado o qué necesitaba en cada tema. Igual tengo más peso porque, a pesar de haber muchas colaboraciones, hay muchos temas en las que la mayor parte del tiempo estoy sonando yo; hay más espacio para la música. En “Moonchies”, por ejemplo, sí que es un disco más a machete, a pesar de que hay cosas diferentes. Es beats y cantante. Este es más libre, no sabes que va a pasar en el siguiente tema. Es otro rollo.

¿Cuál es tu proceso creativo a la hora de hacer música?

Intento cambiar. Cada proyecto es un mundo diferente. Si estás currando con alguien, cada uno va tirando para su lado. Si lo estoy haciendo yo solo… Por ejemplo, este disco lo empecé sin ningún concepto ni nada, que se fuera formando solo. En lo siguiente que tengo pensado, tengo la idea más preconcebida un poco de lo que quiero que sea. Creo que lo divertido es cambiar porque, cuando estás tanto tiempo haciendo una cosa, si tienes que volver a estar 6 meses, 2 años o lo que te cueste, supongo que quieres hacer algo para no aburrirte, ¿sabes? Más concretamente con la música, no tengo ningún método. Escuchar música, ponerme una peli, hacer algo antes y luego ya, pues no sé, ver cómo te sientes ese día. A la hora de producir nunca empiezo de la misma forma: a veces te pones a tocar el piano y te salen unos chords que te gustan, otras veces es la batería… No sé, voy cambiando (risas). También, a veces, vienen colegas con ideas de voces. Eso es lo que mejor se me da, creo yo (risas). Tienes la idea y luego yo imagino el resto. Por eso creo que se me da guay hacer remixes también.

Sobre lo que has dicho de no aburrirte haciendo música, hace poco vi por Twitter a un productor hablando sobre el Splice, sobre si estaba bien usarlo o no y me pareció bastante curioso. ¿Tú cómo lo ves?

Sí, eso ya es personal de cada uno. Diría que Splice está muy guay, pero no se lo recomendaría a alguien que está empezando a producir. It’s too easy, es demasiado fácil.

Hombre, si es demasiado fácil no tiene gracia (risas).

Es como la inteligencia artificial. El día que no tengas esa herramienta o no te dejen usarla, estás perdido. Pues eso, Splice… Pero claro, depende de cómo te lo plantees es como “¿samplear está bien?”.

Claro, mis amigos y yo lo estuvimos hablando. Es que si coges un loop y lo dejas así, como está, no tiene trabajo alguno.

Es que, ¿sabes por qué ya no cojo loops? No es porque sea sencillo o no, es que, si no lo cambio, va a salir otro tema que va a ser parecido al mío. Si tengo que usarlos, son para situaciones muy puntuales. Por ejemplo, si tengo el tema terminado, estoy haciendo los arreglos y quiero meterle algún detalle como una sirena de ambulancia, lo busco ahí. 

Hablando de Pedro LaDroga, uno de tus colaboradores más frecuentes, quería hablar acerca de las colaboraciones en tu último disco. Podemos encontrar no solo gente de la talla de Dano, Diego 900, Erik Urano e incluso Lua de Santana, también a artistas con pocos oyentes como Brocki, Demmy Sober o TIARA. ¿Cómo se ha dado el junte con estos artistas?

Está guay. Si es gente desconocida y ha llegado al estudio, ha sido por algún tipo de conexión de algún colega en común o algo. Nosotros somos anti gatekeeping: si tengo un colega que me gusta la música que hace y conozco otro colega con el que encaja perfecto, los conecto y ya está. No es una cosa de business. Hay veces que es al revés, que te llegan a ti. En el tema que hay con Lua de Santana está Aina Da Silva porque Lua me dijo “oye, ¿se puede venir (Aina) al estudio?”. Entonces, si todo va guay, hay buena vibra, es buena gente… Es un placer hacer música con quien sea, ¿sabes? Yo busqué a la gente que pensé que podía cumplir las necesidades que tenía, sin mirar quien es más o menos conocido. Es que a mí eso me da igual (risas).

Además, yo creo que es una buena forma para el público de conocer a este tipo de artistas, ¿no? Por ejemplo, gracias a este disco descubrí a Brocki.

Yo creo que es un win win para todos, para el público sobre todo. En este disco, muchos temas están pensados para el club, para poder pincharlos en mis sesiones y tal. Para mí el espíritu de los DJs es compartir y enseñar música nueva. Ahora vemos en el disco a mucha gente desconocida, pero yo he escuchado muchas cosas que van a sacar y son increíbles. Sé que en un par de años no se verá igual. Será como “ostia, ¿tienes a Brocki en el disco?”; y yo “sí, de cuando no era conocido, de antes de que me dejase de hablar” (risas). No hombre, es broma. Lo que quiero decir es eso, que quizás en este disco se ha dado la casualidad de que los primeros temas de un artista son en este disco. No ha sido intencional.

Hablando del público, ¿crees que la gente hoy en día está pendiente de este tipo de artistas?

Yo creo que el público está… Creo que hay mucho público nuevo y muchos chavales jóvenes. De venir de hacer un disco como “Moonchies”, yo ya me empecé a dar cuenta que a mucha gente no le interesa la producción, le interesa lo otro (risas). Entonces es como “ah, ¿por qué no te haces un tema con este y con este?”, como si fuesen Pokemon. Entonces dije: “da igual lo que haga y a quien junte, a la peña se la va a sudar”. Hay mucha peña que es como el show, ¿sabes lo que te digo? Es como los fuegos artificiales, es como… No sé cómo decirlo. Sé que hay mucha peña que estaba esperando algo así con “THE LONG RUN”.

Un “Moonchies” parte 2.

Exacto. Por eso es lo que te digo. Cuando hice “Moonchies” ya tuve esa reflexión y paré un tiempo a reflexionar sobre cómo quería que fuera mi carrera. Sé que, si tengo que estar siendo dependiente de con quien me hago un tema, no es como yo quiero vivir. No quería encasillarme en eso, no es lo que me apetecía. Que bueno, al final el disco ha acabado con un montón de colaboraciones, pero es porque ha surgido así.

Estuve hablando con Kozma sobre esto y decíamos que cómo puede ser que un disco tan cuidado y currado, haya sido super poco comentado. Nosotros supusimos lo mismo que tú, que la gente esperaba una especie de segunda parte de “Moonchies”.

Tampoco me ha pasado nadie que me haya venido a hablar de “Moonchies”, pero es lo que me imagino de la gente. Es cierto que hay temas de “Moonchies” que se siguen escuchando más que temas nuevos que he hecho ahora. Es guay, a todos mis discos los quiero por igual, pero este disco lo he hecho muy para mí. Lo he hecho un poco a lo que yo quería escuchar. Luego lo pones fuera y habrá gente que le llegará también. Que sean más o menos no depende de mí. Que vengáis tú o Kozma, que lo estéis escuchando y que os mole, es objetivo cumplido. Ya luego donde llegue, si lo escucha más gente… Pues bueno, ojalá lo escuche la mayor gente posible. También sé que no es el formato más fácil aquí en España. Pero bueno, yo también estoy mirando fuera: gran parte del disco no es en español. Es un poco la idea de “THE LONG RUN”. Yo sé que el cambio de mentalidad a la hora de escuchar este tipo de discos va a costar de primeras, pero a la larga va a estar guay.

Acerca del idioma, el disco que “The Sky is Black”, junto a Blkswn, aquí en España no ha tenido tanto vuelo. ¿Tú crees la gente es cerrada a la hora de escuchar música en otro idioma?

Es que no lo sé, no se que decirte. Mi circulo no, pero el público en general… Eso te tienes que ir a las estadísticas de a qué conciertos va la gente o qué artistas vienen de fuera a cantar a España. Muchos artistas se saltan Madrid y Barcelona de las giras, y eso es porque ellos mirarán donde tienen oyentes y verán que aquí no, seguramente (risas). Entonces pues sí, no sé. Aquí lo veo complicado. También ha crecido tanto la movida que, si hay gente que aquí tiene propuestas diferentes y les llega a unos mínimos en los que pueda seguir con su propuesta, está guay también.

Para seguir, fuiste jurado del #DROPABOMB de GRINDIN’, donde se tomó un acapella de “Moonchies” para dicho concurso. Quería saber si este tipo de concursos o eventos, como es el SamplerChef, te parecen buena forma de exposición de los productores al público.

Yo creo que es muy guay y… Alguien me dijo que, en el SamplerChef, se conocieron Tuiste y Mayo. No sé si me equivoco, pero creo que es así. Esos eventos están de puta madre porque es como, la gente que está atenta, usa estas cosas también. Es super bueno para conocer a gente de tu entorno. No sé de cara al público que tipo de exposición da a los productores, pero no creo que sea lo más importante. Lo importante es que haya un espacio, que la gente pueda conocer a otra peña, también online… Porque bueno, cuando estás empezando, yo sé que producir es abrumador. Ahora es más fácil que antes, que no teníamos casi ni tutoriales. La información está ahí, pero sé que es difícil. Cuando tienes sitios donde puedes conocer gente que está haciendo lo mismo que tú y te puedes ayudar, yo eso lo veo super útil. Es la ostia.

Claro, es que lucen guapísimos. Es totalmente lo que dices, una buena forma de aprender y hacer comunidad. De ahí sales con ideas e influencias nuevas. Hablando de eso, ¿ahora mismo qué te apetece producir? ¿Qué te llama la atención?

No sé, estoy muy trip hop. Me apetece hacer cosas como… Bueno, ahora en el estudio estamos un poco en esas, con los sintes, las baterías y demás. Me apetece hacer como, aparte de mi proyecto, música así para tocar en bandas, que se pueda interpretar.

Qué pasada, luce muy guapo. Una cosa que te quería comentar es acerca de tu papel como DJ. Hiciste el warm up para el concierto de Duki en Zaragoza en 2018, además de hacer varias sesiones en Razzmatazz. Por casualidad, ¿cómo se te daba el scratch?

Hace mucho que no practico, pero… Se me da bastante mal, la verdad. Se me daba mal, en plan, no era muy técnico. Era más rollo PREMIER, ¿sabes? Rollo de pillar frases, buscarles un sentido, choppearlas… Que luego en verdad es igual que cuando choppeas voces en el trap, es la misma esencia. Pero sí, lo del scratch molaba. Cuando empecé iba con vinilos y eso.

Claro, es que vi un par de fotos tuyas pinchando con vinilos y me pareció curioso. No es muy usual.

Pillabamos vinilos, no Traktor. Llevabamos los discos de vinilo y es como, heavy (risas). Sí tío, yo he hecho de DJ a media España. Cuando me mudé a Barcelona le estuve pinchando al Soto Asa, a Bea Pelea, a Aleesha… A un montón de gente. Y ya en Zaragoza ni te cuento. Una vez le pinché en un concierto a Lone y me acuerdo que trajo a un montón de gente. De repente, vi a un chaval y dije “ostia, me suena lo que está rapeando”. Era Charlie de Hijos Bastardos, un tío super majo pero que era rarísimo verlo en conciertos y cosas así, como un Pokemon legendario.

¿Prefieres producir o pinchar?

No sé, es muy diferente. Me lo paso muy bien en las dos.

Lo de los vinilos me parece una pasada. Es increíble la gente que pincha con vinilos, además de que lo hace poca gente. Uno de los últimos que he visto es videos y demás es a Héctor Oaks, que me flipan sus sesiones.

Y bueno, Dj Swet. Es otro nivel mundialmente, muy heavy.

Tío, sobre el nombre de $kyhook, ¿viene de la revista sobre baloncesto?

Bro, la revista salió 6 o 7 años después de mí (risas). Pero bueno, la revista también es por lo mismo, por una jugada de Kareem Abdul-Jabbar. Pero nada tío, fue ponerme $kyhook y empecé a ver skyhooks por todos lados. De hecho, el chico que le hacía los videos a Erik Urano se llamaba Skyhook también. Me acuerdo que el chaval lo empezó a poner escrito diferente y un día hablamos de eso, de “joder, que casualidad”. Después de eso también ha salido como un proyecto para conectar una estación espacial con la Tierra… Y es como stop it.

Claro, como te gusta mucho el baloncesto, pensaba que venía de ahí.

Sí, soy muy… ¿Quién te ha dicho eso?

Hombre, si te lo digo pierde la gracia, ¿no? (Risas).

Sí bueno, era mucho mejor antes porque ahora no tengo la Play ni nada. Pero sí, eso.

Sigues el baloncesto y demás, ¿no?

Sí, la NBA sobre todo. También sigo la ACB.

¿Y la Fórmula 1?

La Fórmula 1 me gustaba más antes. Ahora si puedo la veo también, pero el basket es lo que más me mola.

Yo me acuerdo que fue con un 2K, no sé si el 2K12 o el 2K10, que empecé a escuchar rap en inglés.

No sé que habría en el 2K12. Yo me acuerdo de la de Meek Mill y Rick Ross, la de “Imma Boss” (tararea la melodía de “Imma Boss”). Esa siempre estaba en todos los 2K.

A mí me dio por una de Jay Z, “Public Service Announcement”. Estaba muy guapa la banda sonora.

Ahora el 2K está muy hateado. Es un juego que hacen para sacar pasta. Tiene mazo microtransacciones y demás. Es rollo, si quieres jugar online, tienes que pagar más para que tu jugador no sea una basura.

En la música pasa un poco igual a veces, ¿no? Hay gente que se mueve mucho por dinero y demás. ¿Cómo lo ves tú?

No sé, lo veo como lo que es. Todo el mundo tiene que sacar pasta, ahora todo el mundo está pendiente de eso. Pero no sé, con la música hacer pasta no es sencillo. Hay cosas más fáciles con las que hacer dinero. Estoy pendiente de cobrar lo mío, pero tampoco dejo ir oportunidades por el tema pasta. La cosa es que siempre te tiene que aportar algo a ti, ya sea económico o que te haga una ilusión que flipas. Entonces eso, creo que me preocupa lo menos posible.

¿Crees que se hace más música por dinero que por amor?

Sí, pero es lo que pasa siempre que amplias el círculo. Es como, todo el mundo quiere más público. Imagínate que pudieras ver la población de España. No sé cual es el porcentaje, pero hay bastante gente de derechas, ¿no? Tu no puedes esperar ganar infinito público y que no vayan fachas a verte a los conciertos, ¿sabes lo que te digo? Es lo que es. Con la música es igual, si toda la gente puede hacer música y tienes ejemplos de que se puede hacer dinero con la música, mucha más gente va a intentar hacer música por dinero. Es normal, pero, igualmente, también va a pasar lo contrario. Al tener tantas herramientas y facilidades, peña a la que le encanta la música ahora lo tiene más fácil que nunca para hacer lo suyo. Por eso hay que intentar coger lo bueno.

También esto da lugar a artistas que se autoproducen, siendo esto una ventaja, ¿no?

Sí, claro. Hay ideas que son de una persona. En plan, esta es tu idea de la música, de la letra y de todo. Tyler, por ejemplo, hace todo, ¿sabes? Está muy guay porque quizás luego puedes hacer un tema con otra persona, pero no es lo mismo porque ya ha pasado por dos filtros diferentes. Igual es algo incluso mejor, pero no va a ser lo mismo. Entonces, yo creo que es eso. Por ejemplo, ahora que yo me he animado a cantar en algún tema, es una maravilla el poder hacer todo. Sobre todo, que no tienes que explicarle a nadie la idea y en la comunicación no se va a perder nada.

Claro, además de que quizás hay veces que incluso los productores tienen nociones sobre teoría musical y demás. Que bueno, ¿qué tan importante es la teoría musical en la producción?

Lo que importa es el oído. Obviamente, si tienes teoría musical, es mucho más fácil. Nunca he sabido demasiado sobre eso, ahora estoy aprendiendo más. Lo que diría es que se aprende jugando y experimentando. Si te lo tomas como “buah, es que necesito esto, esto y esto para ponerme”, pues no te pones nunca. Mejor ponerse y luego ir aumentando poco a poco todo.

$ky, ahora pasamos a una parte de la entrevista en la que te hago dos preguntas, una hecha por el productor del anterior episodio y otra hecha por un artista de tu entorno. La primera es de *****, que quiere saber de cuál sentido prescindirías si tuvieras que quedarte con solo cuatro de ellos.

Joder, es que esta es jodida. Igual te diría el olfato. Pero no sé si él ha pensado en eso. Yo creo que ha pensado en o me quedo ciego o me quedo sordo.

Dijo exactamente eso, dijo que a quien se lo preguntara al revés seguramente me diría “no, el oído, porque si no sé qué” (risas).

Quitaría el olfato y si no, es lo que más me mataría, pero quitaría el oído.

¿El oído?

Es que no me gustaría quedarme ciego.

Pero para ti que eres productor sería imposible producir música.

A ver, tendría que sacrificar la música, digo yo, ¿no? Joder, pero es que todo el mundo me mata con esta respuesta (risas). Pero, ¿sabes lo que te digo? Es como, viviría tranquilo sin que nadie me esté rayando (risas). No estaría escuchando las obras que tengo aquí fuera, es como bueno. Pero quedarme ciego, que no podría ver a mi familia más, ni ver pelis, ni a mi gato ni nada, pues no sé.

Claro, te quedan dos: el gusto y el tacto.

Hombre, el tacto es que lo necesitas para sobrevivir. Tú ves a esta gente que no siente dolor, es una putada. Estás enfermo y no lo sabes nunca. Te puedes morir sin saber por qué. Pero bueno, muy buena pregunta de *****, muy buena pregunta.

La siguiente pregunta te la hace Brocki, y es qué te pareció él.

¿Eso ha preguntado? Pues muy mal, fatal todo. Una mierda. Por eso curro con él, porque es malísimo y tal (risas). No hombre, es una máquina.

Llegamos a las 2 últimas preguntas. La primera de ellas: ¿qué hace que tu música sea tu música?

Yo (risas). No tengo ghostproducers, la hago yo (risas).

Tipo Drake (risas). Aunque bueno, lo de Drake son más bien ghostwriters.

Algo más como Dr. Dre o DJ Khaled (risas). Pues no sé lo que hace que la música sea de uno. Supongo que tu criterio, tus influencias y tal, ¿sabes? Intentar conectar con eso e intentar no partir de otra música para hacer la tuya.

No imitar.

Exacto. Todo es inventado y reinventado, ¿sabes? No escuchar un tema en la radio que te guste y decir “quiero hacer esto”.

 Por último, ¿qué es para ti la música?

¿Qué es para mí? No sé, es como algo inexplicable. No sé por qué nos gusta tanto, pero es algo colectivo. Es como magia, no sé explicártelo. Me encanta la música y disfruto mogollón haciéndola y escuchándola, sirve para conocer gente increíble también, buenos amigos que hemos tenido… Es como algo que nos une un poco. Con lo diferentes que somos los seres humanos y como piensa cada uno, pues yo creo que eso, que sirve para compartir y acercarnos un poco. Pero no solo la música, el arte en general.

Totalmente de acuerdo. $ky, ¿algo que quieras decir a nuestros lectores?

Les diría que disfruten su camino y que disfruten lo que hagan. Lo primero es hacer algo que te gusta y, como segundo objetivo, intentar como comercializarlo y sacarle provecho. También es guay, si no tienes que trabajar 8 horas al día, poder dedicarlas a hacer cosas que te gustan. También tiene un lado malo eso de convertir un hobby en tu curro, puede hacer que lo acabes odiando y quemándote. No nos engañemos, pero las condiciones que tienen los productores hoy en día no siguen siendo buenas, porque no son buenas para los cantantes ni los artistas tampoco, y nosotros que seguimos estando por debajo en ese escalafón, aunque seas el primero en llegar al estudio y el último en irte, tu no vas a ser la prioridad de nadie. Por eso digo, no es imposible, pero es jodido, ¿sabes lo que te digo? Los animo a que hagas lo que te guste, porque si vas a triunfar con algo que no te guste y luego te vas a quemar, es jodido.

En «Jumanji», el famoso filme de 1995, el personaje principal de la misma es guiado al cofre que albergaba el tablero de juego mediante el sonido de tambores tribales. Curiosamente, el protagonista de este episodio sintió algo parecido. La música lo guio hasta el que iba a ser su tablero de juego: una MPC. Y qué casualidad, aunque baile una letra, ambos compartían el mismo nombre: Allan Parrish.

Primero que nada, ¿cómo estás?

Muy bien tío, haciendo el cabra por ahí. Todo bien la verdad.

Día de curro, ¿no?

Sí bueno, los viernes acabo pronto, a las dos. Y nada, la verdad que tenía bastantes cosas pendientes y al final solo me ha dado tiempo a hacer una. Mira ya aprovecho y lo digo por si alguien pregunta, pero tengo discos de “El Periplo” pendientes de enviar. Se me han juntado cosas y se me ha hecho imposible enviarlos.

A mi me llegó hace poco y qué pasada, suena muy guay. La espera merece la pena.

La verdad es que estoy muy contento en cómo quedó. Me pringué en eso y al final ha quedado guay, a la gente le ha gustado.

Totalmente, ha sido currazo. Bueno, primera pregunta: ¿cómo se dio lo de empezar a producir?

En mi casa siempre ha habido mucha música y eso supongo que contribuyó a que yo fuera curioso sobre cómo se hacía y demás. Además, mi primo Truman me metió bastante en la movida del hip hop. Él hacía beats en una MPC 2000 XL creo que era, ahora no me acuerdo, pero ahí es cuando empecé a hacer mis primeras historias y demás. Ahí ya dije “buah, yo quiero empezar a hacer beats”. Me acuerdo de que empecé con el Fruity Loops a hacer loops, que curiosamente es como he acabado, haciendo loops igual (risas). De ahí ya me pillé una MPC y empecé a hacer cosas.

Lo de la música en tu casa me parece curioso. Si no me equivoco, en una entrevista junto a Padri decías que tu padre es un melómano y eso te había hecho escuchar mucha música desde pequeño. Además, hay cosas chulas que dices en ese episodio como lo de que algún día a tu abuela tu música le pueda parecer guay. ¿Lo sigues manteniendo? ¿Crees que lo has conseguido?

Lo mantengo (risas). No creo que se haya cumplido, pero lo mantengo. Lo que quiero decir es que me parece guay hacer de este género musical una cosa menos restrictiva al oído, sobre todo en cuanto a temáticas o sonidos. De alguna manera quiero pensar que lo estamos consiguiendo. Por ejemplo, algunas cosas que hemos hecho con Nico, que alguien incluso podría considerar muy cercanas a la literatura, la forma de relatar las cosas, de empaquetar los discos… Creo que estamos acercando posiciones y que hacemos que se un poco más accesible la música a la gente mayor. Yo tengo ya 31 años y no tengo ganas de fingir que me quiero hacer el malo, que la vida es una mierda y tal. Creo que este tipo de música puede ser el vehículo para contar otro tipo de cosas y acercarse a otro tipo de público. El objetivo final sería que mi abuela acabara escuchando algo y dijera “ojo”. Le he puesto cosas a mis dos abuelas y algún tema les ha hecho gracia, pero bueno, aún queda un poco.

Aparte de inspirarte tu padre, ¿quién te inspira para hacer música?

Ahora mismo mis dos productores favoritos son EVILGIANE y BNYX. EVILGIANE es este productor de Surf Gang que hace un rollo así drill… Es el que produjo “The Hillbillies” de Kendrick y Baby Keem. Había oído hablar de él, pero a partir de ese tema investigué un poco y encontré a la Surf Gang y tal. Luego BNYX me gusta mucho ahora porque es un sonido muy duro pero el tío tiene elementos característicos que, enseguida que oyes un beat suyo, sabes que es de él. Eso me gusta mucho, que los beats tengan cosas características. Aun así, de toda la vida he convivido con influencias variadas. Me ha gustado mucho el rap de los noventa y he tenido mi época de escuchar DJ Premier, Havoc, Pete Rock y tal; y luego también he tenido mi época más del sur, cosas de Atlanta, con el sonido de 808 Mafia, los inicios de Metro Boomin… Siempre he ido a la par con los dos rollos. También he tenido mi época de ser un loco de J Dilla y demás. Aun así, ahora mismo dentro del hip hop, los que más me vuelven locos son esos dos.

¿Fuera del hip hop quien te inspira?

Pues, aunque hace muchas cosas con gente del hip hop, Jame Blake me parece un tío bastante guay. Además, me gusta porque cuando hace hip hop aporta cosas muy distintas. Por ejemplo, el beat de “LOST FOREVER” para el disco de Travis es un approach muy interesante a ese tipo de ritmos. Hay mucha gente, pero el que se me viene a la cabeza ahora mismo es ese.

Bueno, ya que has hablado de cosas características, ¿qué hace que tu música sea tu música?

Es buena pregunta porque es algo que ni yo se. Eso es una cosa que me gustaría que me dijera la gente a veces. Yo creo que una cosa que me caracteriza mucho es el uso de samples. Yo siempre he sido muy sample based, me gusta mucho samplear. Aunque también compongo y hago mis pinitos, samplear es lo que más me gusta y lo que mejor se me da. Creo que lo más característico mío es la selección de samples, pero aun así creo que sería más fácil que me lo dijeran desde el otro lado. Ahora estoy haciendo rollos muy distintos y no sé si eso hace que pierda un poco la identidad como productor, pero creo que lo que me caracteriza en cualquier forma de hacer beats es los samples que uso.

Totalmente. El otro día volví a escuchar tanto “S.O.D.A.” como “Expectedly Unexpected” y es muy cierto lo que has dicho. Tanto el aura que creas con los beats como los samples hacen que sea muy chulo. Muy misterioso.

Nunca había pensado lo del tema del aura, puede ser. Pero sí, en la selección de samples, sobre todo en “S.O.D.A.”, tuvimos mucho cuidado, lo hicimos a fuego lento. En el de Johnny fue más rápido e improvisado, aunque no fue coger cualquier sample y funcionar. Es muy raro que coja un sample y diga “esto me vale”. Detrás del proceso de selección del sample hay un proceso de reflexión.

Bueno, ahora te voy a hacer dos preguntas las cuales han sido hechas por dos productores. La primera viene de parte de Nico, que me dijo que con esta pregunta te ibas a picar. ¿Por qué usas el Fruity MPC?

Sabía que me iba a decir eso (risas). Lo sigo usando aún. El Fruity MPC es, dentro del Fruity Loops, un layout tipo MPC donde puedes cargar sonidos que se mapean a teclas del ordenador. Yo lo uso y creo que no he visto a nadie usarlo. Creo que soy el único pringado que lo usa. Pero es porque gran parte de mi periodo de aprendizaje fue con un MPC, y hubo un día que me cansé de montar beats ahí y me pasé a Fruity Loops. Necesitaba algo familiar y di con el Fruity MPC, empecé a trabajar con él y no he dejado de usarlo. Es verdad que es un poco limitante y hay otras formas de hacerlo, pero es donde más cómodo estoy. Lo que le molesta a Nico es que, si uso eso y tengo que pitchear para arriba o para abajo el sample, uso el Gross Beat, que cuando tocas el pitch queda horroroso. Al principio no me daba cuenta, pero gracias a sus tirones de orejas me di cuenta de que eso sonaba como el orto. Estoy dejando de pitchear con eso, pero sigo usando el Fruity MPC. La respuesta a su pregunta es que me siento como en casa, aunque no sea lo mejor, es lo más familiar y cómodo para mí. Seguramente tendrá que venir otro Nico enfadado a decirme que no lo use para plantearme dejar de usarlo, pero de momento lo voy a usar (risas).

La siguiente la formula Jay Cas. Hay una cosa que me gusta y es que, en España, tú eres de los pocos que hacen drumless. Hablando con Jay Cas, la pregunta que me dijo que te hiciera es si, cuando usas un sample, le metes drums o si usas en el tema los drums nativos del mismo.

Pues no hay una respuesta correcta a eso. El caso es que, al final toda esta movida que llaman drumless al final no es del todo drumless. Muchos de los samples que usan los productores tienen elementos de precusión ligeritos. Antiguamente a todos lo beatmakers nos ha pasado que, cuando encontrabas un loop, si tenía drums, generalmente no se loopeaba porque te sentías más y sentías que tenías que aportar algo encima del sample. Sentías que tenías que hacer tú los drums encima porque si no parecía que no habías hecho nada. A raíz de que la gente empezara a hacer loops de cualquier manera, incluso sin drums, las reglas cambiaron y la gente comenzó a utilizar cualquier sample, que no hay unas reglas establecidas para usarlos. Entonces yo pues depende, a veces encuentro un sample sin drums y me parece que funciona bien así, tal cual; otras veces creo que con una ligera percusión basta e incluso a veces siento que le necesita unos drums fuertes, es un poco igual. También te digo, estoy dejando un poco el drumless. Ahora si me encuentro un sample le pongo drums.

Claro, ahora lo que haces es samplear “Mi Gran Noche” y mandarle un beat a Gloosito.

Tal cual, tal cual (risas).

Tío, en Twitter he visto que te gustaría currar con Gloo. ¿Alguna vez te ha respondido?

Mira, generalmente no me gusta mandar DM’s fríos a la gente para intentar hacer música con ellos. No me siento bien, además ya veo mi música reconocida con la gente que yo trabajo. Aun así, a la única persona que le daría la brasa y con la que me gustaría hacer cosas es con Gloosito, más que nada porque realmente creo que tengo beats que a él le irían muy guay. Antes hablábamos de cosas que me vuelven loco y, la wave esta de detroit me ha encantado desde que la descubrí. Además, hago muchos beats de detroit a los que no le doy salida, entonces creo que a la única persona a la que no me importaría darle la brasa es a Gloosito.

Ya que hablas de la new wave y tal, el movimiento de los chavales de Disobey y tal, ¿qué te parece?

Tengo opiniones mixtas. Me parece que los chavales lo hacen muy guay y que han montado una movida que llama la atención a la gente, eso es innegable. El problema es que hay gente diciendo que vuelve 2014 y que este sonido es lo que va a pegar ahora. Sinceramente, la gente no sé si se acuerda, pero la P.A.W.N. Gang lleva haciendo esos desde hace mucho tiempo. Incluso en Boticarios temas tipo Chicago y tal. Yo la verdad no se si todo el mundo va a querer hacer ese sonido 10 años después. Está gracioso y muy guay, pero me extrañaría que la gente se pusiera a hacer ese sonido ahora. Aun así, todo el respeto. Me gusta el sonido que hace esta peña. Pero que la gente no se equivoque, hay muchos artistas que han hecho temas de este rollo, lo que pasa es que esta gente lo ha hecho bien y han conseguido que la gente atienda a lo que hacen. De hecho, tengo un disco con Chicoes3 cuando firmaba como Sportman y en ese disco había temas con sonido muy Chicago.

Bueno, Chicoes3 firmaba como Sportman y, si no me equivoco, tu firmabas como Keith Dramn. ¿A qué se debe ese nombre?

Ese nombre nunca me gustó. Era un anagrama de Mad Thinker, un villano de Marvel. Me hacía gracia tanto Marvel como el cambiar las palabras y me puse ese nombre. Aun así, a lo largo de los años dejó de gustarme, lo que pasa es que empecé a hacer cosas con Natural Spittaz, la gente me conocía y me daba pereza cambiarlo. En 2014, empecé a hacer beats de trap y, como había muerto Robin Williams, decidí, con ayuda de un colega, cambiarme el nombre a Alan Parrish, el nombre del protagonista de Jumanji. Pensé al principio en hacer como dos vertientes con dos sonidos distintos, pero como el anterior nombre no me gustaba, al final me quedé con el nombre de Allan Parrish.

Buscando en SoundCloud “Allan Parrish”, encontré dos cuentas: una con todo junto y la otra, la que usas ahora, con el nombre separado.

Sí, tengo dos (risas). No sabía volver a mi cuenta anterior porque no sé con qué correo la tengo registrada. Me quería hacer un SounCloud para publicar beats que no están usados y dije “uf, paso de buscar la otra”, entonces me cree una nueva (risas).

Te has marcado un Tyler, the Creator en toda regla (risas).

Totalmente, pero es básicamente porque soy un desastre (risas).

Bueno, he visto que has estudiado “teleco”. ¿Te ha ayudado en algo la carrera?

En cuanto a producción no, pero si me ha ayudado a tener independencia económica para poder hacer música y no tener que hacer música por ganar dinero, que para mí eso siempre ha sido importante. Creo que la carrera me ha ayudado a tener un trabajo que me permite poner dinero para hacer proyectos musicales y, además, poder hacer música sin estar preocupado en si funciona o no. Lo que se de producción lo aprendí por mi cuenta.

En cuanto a la independencia económica, ¿sientes que hacer música hoy en día es más barato y accesible?

Más que nunca. Te compras una Focusrite, un micrófono y un portátil medio decente y con eso puedes hasta ganar un Grammy si tienes buenas ideas. La música nunca ha sido tan accesible al público. Que también te digo, tiene su parte buena y su parte mala. Hace años el tener que conseguir un estudio, equipo y alguien que controlara de software de audio era muy difícil. Ahora está todo regalado.

Al ser más fácil, quiero entender que es más exigente el mercado, sobre todo el público. No sé si tú lo ves así.

No sé si directamente, pero indirectamente desde luego. Creo que, desde la perspectiva del que escucha música, hay tantas cosas que al final saturas mucho antes y, si tú escuchas música de continuo y realmente te preocupa escuchar cosas diferentes y demás, como que ya estamos muy cansados de escuchar las mismas cosas y te vuelves un poco más selectivo. El hecho de que la música sea más accesible y fácil de hacer nos ha hecho un poco más reacios a muchas cosas y más selectivos.

Ya que hablas de música fácil y accesible, ¿crees que esto afecta a la sociedad y los ritmos de consumo de música?

Creo que se consume todo mucho más rápido y que eso hace que las cosas pasen mucho más rápidas. Aun así, no creo que lo que tú hagas no pueda trascender de la misma manera que cuando la música no era tan accesible. Simplemente creo que el mensaje está mucho más difuminado ahora. Es más difícil retener la atención de la gente por la cantidad de oferta que hay, pero al final como hay tanta gente escuchando música, creo que esas dos cosas se compensan.

¿Tú crees que, al haber tanta música, el trabajo de los vocalistas queda más reconocido que el de los productores?

Sí, pero creo que no depende de las circunstancias, depende más del rol que quiera asumir cada uno. Yo creo que ahí influye un poco el cómo actúas tú. Como productor te puedes desentender de muchas movidas, hacer beats para la gente y olvidarte, que te dará una posición más secundaria. Si en cambio quieres asumir un rol más importante y demostrar que puedes estar a la altura de importancia de la persona que canta, puedes hacer muchas cosas. Por ejemplo, puedes hacer discos de productor con concepto. Para mí creo que es importante que, si quieres tener ese tipo de papel, demostrando que no solo apuntas temas un papel y ya, que quieres aportar algo y quieres que sea coherente, te puedes implicar en más cosas aparte de hacer beats, como en el arte o los visuales, de tal manera que la gente las asocie a tu figura cuando escuche la música que tú produces. Por ejemplo, creo que $kyhook es un tío que ahí lo ha hecho muy bien.

Cambiando de tema, te he visto hablar por Twitter acerca de los reaccionadores. Estoy bastante de acuerdo con bastantes cosas de las que dices, pero ¿qué es lo que te chirría de ellos?

A ver, a mí lo que me chirría del tema reacciones es que creo que hay gente que sabe hacer una review en directo, que es en lo que consiste una reacción, y realmente son sinceros sobre lo que escuchan y cuál es su opinión. Por ejemplo, Topu me parece un tío bastante honesto y, de hecho, me vi su review de “El Periplo” y dijo algo como “este sonido no me gusta tanto”, fue sincero. Me pareció honesto y me acuerdo de que le comenté “respect porque estás siendo honesto”. Además, está aportando algo. La gente ve tus reacciones porque quieren saber qué piensas sobre lo que estás escuchando. Entonces, mi problema es que creo que para que a un reaccionador le funcione, tiene que ser una cosa demasiado endulzada. La exageración de ciertas reacciones creo que hacen daño al artista y a la música. Al final la gente percibe la música de esa manera, haciendo que al final perciban la música de forma muy endulzada. Ves en Twitter que salen temas, la gente los escucha y es como “buah, que locura, madre mía”. Está muy polarizado y creo que las reacciones no ayudan a frenar esto. No creo que no haya que haber reacciones, pero deberían hacerse de forma honesta. Mira a Anthony Fantano, reacciona a discos de forma muy honesta.

Totalmente cierto. Además, el ejemplo de Fantano es muy claro. La gente suele echársele encima por decir lo que piensa acerca de determinada música.

También hay una cosa que no me gusta nada y es que la gente siempre se esconde detrás del “yo no soy periodista” o “yo no soy musicólogo” como escudo para que las opiniones que se expresen no se tengan en cuenta. Si tú estás opinando sobre música y sueltas conceptos o “facts” que luego no son verdad o que no te has informado bien, pues me parece que también haces daño. No puedes decir cualquier burrada sobre cualquier tema y luego decir “bueno, es que a mí no me vengas a pedir explicaciones que de eso no sé”. Pues entonces no divulgues sobre música, que eso es otra cosa que tampoco me gusta. Yo no necesito que la gente sepa en qué hospital nació J. Dilla, pero tampoco propaguemos la ignorancia y, sobre todo, no nos hagamos cargo de nuestra ignorancia. Si tú has dicho una cosa y no está bien, reconócelo. Eres un reaccionador y estás ganando dinero de opinar sobre música, por lo tanto, tienes una responsabilidad.

Muy cierto. Creo que esto conlleva un problema de “borreguismo”, al final la gente sigue este tipo de opiniones.

Sí, total. Las opiniones que tienes y compartes por Internet influyen a la gente. Hay que tener cuidado con las cosas que se dicen porque tienen un impacto. Que tu opinión no tenga un fundamento, no tengas ni idea y acabes diciendo tonterías no va a hacer que todo el mundo se desinforme, pero tu huella no está siendo positiva. No estás aportando. Si vas a opinar sobre música, trata las cosas con respeto, distancia y mesura. No te plantes delante de una cámara y sobrerreacciones. Somos bastantes los que opinamos esto.

Cambiando de tema, quería rescatar la polémica que hubo cuando Ye y James Blake se quejaban de Spotify, una plataforma que ayuda poco a los artistas. ¿Tú estás de acuerdo?

A ver, yo estoy de acuerdo. Lo que paga Spotify por stream me parece injusto. La cosa es que, si Spotify ha montado un imperio del streming, el mérito es suyo y al final ellos pueden hacer lo que quieran. No sé si alguien va a cambiar eso. Yo quería pensar que Ye y James Blake iban a cambiarlo, pero visto lo que hizo este último siento que eso no va a ser lo que cambie el modelo de forma de consumo. Es un tema muy complejo, yo no sé qué se puede hacer para cambiarlo. Lo único que a veces se pasa por mi cabeza es que, en algún momento, la gente compre a mansalva el formato físico y volvamos a eso.

Yo estuve pensando el otro día y ¿no crees que SoundCloud podría ser una buena plataforma para los artistas?

No tengo ni idea de cómo monetiza SoundCloud, lo único que sé es que tiene menos restricciones. Además, no sé si la gente consumirá mucho SoundCloud.

De vez en cuando me meto a escuchar temas filtrados y cosas del estilo.

Yo creo que la época de SoundCloud ya fue, dudo mucho que vuelva. Tampoco tengo ni idea de qué modelo será el siguiente. Es más, no sé qué quiero que pase.

Y por último, ¿qué es para ti la música?

Ostia, es una pregunta muy amplia. Bueno, primero de todo es un producto de entretenimiento, no nos equivoquemos porque debe tener esa parte; y luego, es un arte. Seguramente dirás “es una obviedad”, pero muchas veces eso la gente lo olvida. Al ser un arte, todo lo que está relacionado con tu música ha de tener sentido y esa premisa en mente.

Mago, del latín magus y del griego mágos. Viene definido en la RAE como una persona que practica magia, una persona singularmente capacitada para el éxito en una actividad determinada o, en la religión zoroástrica, persona de la clase sacerdotal. Para algunos productores como Érebo o Enry-K lo definen como una persona leal, real y seria cuando hay que trabajar. Si me preguntas a mí, la música en su máxima expresión. Para todo el mundo, el productor malagueño Jay-Cas.

Primero de todo, ¿qué tal estás?

Guay tío, la verdad. Un poco cansado porque anoche me acosté super tarde mezclando. He dormido poquito, pero estoy bien la verdad.

He visto que estás liadillo con muchas cosas.

Sí, siento que me está sobrepasando un poco. Además, desde julio estoy aprendiendo a mezclar y a masterizar, lo que supone un esfuerzo más.

Trabajo duro parece. Para entrar un poco en contexto, ¿cuándo empezaste a producir?

Fue algo totalmente aleatorio en mi vida, nada planeado. Ni mis padres ni nadie de mi familia se dedican a la música. Desde pequeño he sido muy friki que la música, sobre todo del rap americano. Escuchaba a Waka Flocka o Gucci Mane y veía vídeos en Youtube en los que los productores rollo Lex Luger o Mike WiLL Made-It, usaban un programa que hacía que me preguntara “¿esto qué es? ¿La música que yo escucho se hace en ese programa?” Total, me lo bajé en la versión demo, ya que no sabía ni piratearlo. Eso sería con trece para catorce años o así. Bueno, tú eres de Andalucía, ¿no? ¿Te acuerdas cuando la Junta nos dio los ordenadores verdes en primaria?

Buah, eso es mítico. Esos ordenadores eran pochísimos.

Pues bro, aquí tengo las primeras bases que me hice.

Pero macho, ¡si eso no tiraba nada! (Risas).

Que va tío, sí que tiraba. Lo que pasa es que venía con Linux, pero el padre de un colega mío del futbol le puso el Windows 7 y yo le dije “dile a tu padre que me lo ponga a mí también”. Me lo puso, me bajé el FL y ahí empecé. Pero vamos, a mí siempre me ha gustado la música muchísimo. Me gustaba mucho el Guitar Hero o los juegos típicos del móvil que iban sobre música. Pero eso, me descargué la demo del FL y ya más tarde aprendí a piratearlo. Y de ahí, para adelante. Dos años desde 2013 me tiré en el ordenador de la Junta aprendiendo como iba la movida. Un shout out para ellos.

Hablando del FL, hay una cosa curiosa sobre ti y es que usas el FL 11. ¿Cómo es eso?

Porque no he encontrado el 10 bro, que si no lo tendría (risas). Yo realmente tengo dos FL’s; el 11 y el 20. Para producir con melodías de otros productores o colaboraciones me gusta el 11 porque, al utilizar las melodías y los audios, consume menos recursos. Además, me gusta como suena. Tiene unos armónicos raros en los exportes que me gustan muchísimo. Y mira que lo he comprobado con el FL 20, pero te aseguro que hay diferencia.

Me parece curiosísimo, nunca había visto a alguien usar esa versión del FL.

Yo en España no he conocido a nadie que use el 11. En Estados Unidos muchos productores de los que me gustan suben fotos al Instagram usando el FL 11. Si lo usan es por algo (risas).

Ya que hablamos de las aplicaciones que usas para producir, tuve la oportunidad de que dos productores con los que has trabajado me sugirieran una pregunta para hacerte. El primero fue Érebo, que te pregunta, en el siguiente orden, cuál es tu drum kit, tu sintetizador y tu plugin favorito.

Con sinte supongo que te refieres a uno físico, ¿no?

Venga, eso me vale.

Mi sinte físico favorito es uno de Yamaha. El CS80. Es super grande, parece un órgano eléctrico raro. Ahí se han hecho joyas como “Thriller” de Michael Jackson. Tiene un sonido ochentero que me encanta. De plugins te diría que mi favorito es Omnisphere, sin duda. Aunque consuma como su madre de recursos lo tiene todo y de muy buena calidad. Está también el Zenology, que consume menos, pero me quedo con el Omnisphere. Y de drum kits uso muchísimos, si vieras mi disco duro hay como un tera de drum kits. Pero en cuanto a calidad y abanico de lo que hay, hay un chaval de 808 Mafia, ONLY XNE, que es un máquina. Hace drum kits con muchísima calidad, textura y buenas percusiones. Ese chaval es un duro. Si ahora mismo tuviera que hacer un beat iría ahí seguro.

La siguiente viene de alguien con quien has colaborado hace poco, con Enry-K. La pregunta que propone es tu top cinco VST’s que utilizas.

Pues bueno, ya te he dicho dos: el Omnisphere y el Zenology. Bueno, ¿entran también efectos?

Sí, de una.

Venga, el tercero el Serum, que me parece flipante. Si sabes encontrar buenas librerías ese va genial. De efectos te diría el Fabfilter. Todo lo que tiene en general esta guapísimo, pero ahora que estoy empezando a mezclar tanto el ecualizador como el compresor son buenísimos. Luego todo lo que es el paquete de Soundtoys también me flipa.

Has estado rápido, se nota que lo tienes claro.

Claro, ya son muchos años. Se lo que me mola. Obviamente estoy atento a lo que sale, pero siempre acabo recurriendo a eso.

Hablando de lo que va saliendo, ¿ahora mismo que escuchas? ¿Qué es lo que más te inspira?

Mira, estoy ahora mucho en todo lo que saca 0PIUM. También Don Toliver, los dos últimos sencillos que han sacado son increíbles. Lo de Ye, el volumen dos de Vultures, a ver si lo saca. Estoy escuchando Ken Carson, Homixide Gang, Playboi Carti… Estoy mucho en esa onda, vistiendo de negro, de cuero y motero (risas).

Lo de Carti a mi me parece una burrada. ¿Tu crees que en algún momento llegará a España algo parecido a lo suyo?

Yo creo que sí, al menos en cuanto a mezcla. Es un sonido sencillo, pero a la vez con sentido. Tanto percusiones como voz interactúan, los bajos están por abajo todo el rato ahí… Está muy guapo. Yo pienso que debería de pegarse algo.

¿Sientes que los productores pueden tener miedo a experimentar con este tipo de sonidos?

No creo que sea miedo. Tú puedes experimentar, dejarlo en el ordenador y que nadie se de cuenta. Yo creo que o no escuchan ese tipo de música, y si la usan no es su prioridad a la hora de hacer música, o simplemente no les llama, no creen que lo vayan a hacer igual. Creo que es más culpa del tiempo, en España siempre llega todo más tarde. Ahora por ejemplo han llegado el new jazz o el supertrap, cuando este último lleva haciéndolo D.Dot desde 2015 o por ahí. No sé, a ver cómo va evolucionando la cosa. Habría que tener mente abierta, sobre todo por el público, no los productores. Creo que se debería educar más el oído del público.

Ya que hablas del público, ¿crees que esa falta de educación se debe al consumo desmedido de música?

Totalmente. Esto tiene que parar. Lo de poner la cinta de correr al máximo e intentar mantenerse tiene que parar en algún momento. Ya no escucho casi música, y mira que me gusta mucho. Antes tenía mis playlists y ahora no tengo ni tiempo para ellas. Lo he hablado mucho con Asier (Érebo) y los dos coincidíamos. Que bueno, a nivel artista, si tu no estás todo el rato que se te vea la cara, haciendo cosas chulas en Instagram o sacando música por un tubo, la gente se olvida de ti. Es agobiante. Este ritmo de vida que, creo yo, se nos ha inculcado desde el COVID, nos está haciendo a los creadores no tener tiempo extra (que deberíamos tener todo el tiempo del mundo) para crear cosas con las que estemos contentos, ¿sabes lo que te quiero decir?

Totalmente, al final es como cuando tienes hambre y vas directamente a un restaurante de comida rápida.

Claro, tu vas a la calle y sobre todo ves restaurantes de comida rápida. La música es más o menos lo mismo. En las playlists ves esos “restaurantes” y de vez en cuando te encuentras un “bar de comida casera super buena”. De vez en cuando chequeo las playlists y veo que todo es más o menos lo mismo.

Sin duda, no te da lugar a descubrir cosas nuevas. Es como a los productores, no da pie a que os la den.

De cara al público los productores no existimos. Yo hablo con colegas míos que no tienen nada que ver con la música y no se conocen a ningún productor. De cara al público todavía no somos nadie. En todo caso Bizarrap, pero vamos. Eso sí, dentro de nuestro mundillo si es verdad que cada vez nos la dan más. Te diría que fue desde que $kyhook sacó “Moonchies”. Es como si fuera una playlist de temas nuevos de muchos artistas bajo un mismo productor. Musicalmente a la cultura aporta muchísimo, y que cada vez se esté haciendo mas a mí como productor me llena muchísimo. El siguiente paso es el llegar a la gente de a pie.

Ya que mencionas este tipo de discos, el año pasado sacaste “El Mago” y, una cosa que me parece curiosa, con el lanzaste las instrumentales del disco sin las vocales. ¿A qué se debe?

Pues mira, básicamente lo hice porque Metro Boomin lo hizo con “Not All Heroes Wear Capes”. Yo quise hacer lo mismo, sobre todo para que los productores que me sigan puedan utilizar los beats para tener ideas nuevas sin tener la voz. Está muy guay, aunque no creo que lo vuelva a hacer. Ahora estoy trabajando en un disco instrumental, temas que no han tenido antes una voz encima de ellos. De eso sí tengo muchas ganas. Es un disco más personal, con un determinado sentido y una estética concreta.

Algo a lo Cookin Soul, ¿no?

Exacto. Él por ejemplo cada cierto tiempo saca un disco con seis o siete instrumentales para que la gente se las goce. Ese rollo me mola que flipas porque, a fin de cuentas, depende solo de ti. Para hacer “El Mago”, lo tuve que hacer sin ayuda de A&R ni nada del estilo y la verdad que es un trabajo muy duro, sobre todo mentalmente.

Claro, al final el ser productor es un proceso bastante largo. Creo que mucha gente piensa que es pasar un beat y ya, pero va más allá.

Sí tío. Abarca desde enviar el beat y ya hasta tirarte dos años haciendo un tema porque estas cambiándole todo el rato cosas o porque no te convence del todo. Cada canción te pide un proceso en cuanto a su desarrollo. Pienso que hay dos tipos de artistas: los que son como yo y los que son como Ralphie Choo o Rosalía, de coger una guitarra y empezar de cero. Eso lo valoro muchísimo. Son procesos mucho más largos. Lo mismo escuchas la primera demo de un tema de Rosalía y es ella con la guitarra tarareando. Y luego es un temazo que flipas que ha ganado un Grammy. Luego con temas más raperos si que es en plan el beat, una idea, un rapero encima y cuando está el tema un par de arreglos, pero sin distorsionar mucho el tema principal. Para mi hay dos tipos de creadores: los lentos y los rápidos. Yo me considero de los rápidos.

Oye, ya que has mencionado a Ralphie o Rosalía, ¿tú te animarías a escribir además de producir?

Nah tío, yo no valgo para escribir. Yo no soy poeta, yo soy músico hermano. Valoro muchísimo a los productores, como Enry o Gese, que se meten a cantar o a rapear porque lo sienten y no necesitan nada más porque ellos mismos se pueden proveer las bases. Tiene que ser algo super bonito y de lo que sentirse orgulloso. Por ejemplo, seguramente Enry tiene que sentirse orgulloso del disco que se ha sacado, producido por él y con sus ideas. Eso me parece brutal y enriquece muchísimo la cultura. Espero que se reconozca más. Desde aquí invito a todos los productores que tenga curiosidad y que se les dé bien escribir a que le echen huevos. Lo mismo tu voz es la próxima voz de moda.

Además, los productores que se animan a cantar cuentan con un “doble filo”. Es bestial.

Claro, un ejemplo es Pharrell Williams. Un tío que podría coger a tu prima, decirle “vamos al estudio”, le escribiría un tema, se lo produciría y lo convertiría en un hit porque es Pharrell y tiene eso dentro. Yo en un futuro no sé, pero ahora mismo me veo más como ingeniero y productor.

Hay una frase que has dicho que me ha gustado muchísimo, la de “yo no soy poeta, soy músico”. A partir de eso te pregunto, ¿qué es la música para ti?

La música es la energía que nos hace transformarnos. Todo es vibración, átomos que están vibrando. También son ondas, que entran por tu oído y provocan sentimientos en ti. Para mí la música es lo más cercano a la magia. De ahí el nombre de “El Mago”. Toda la gente que hacemos música somos magos porque, en parte, estamos influenciando en los sentimientos de otras personas, de manera vibracional. Es muy heavy. Para mi haber dado con la música, poder considerarla mi pasión y mi vida me parece una fortuna. Es algo muy bonito que no se puede explicar con palabras. La música es algo que no puedes tocar o verbalizar. La música es música y está para disfrutarla.

Me encanta esa forma tan cariñosa y respetuosa que tienes de ver la música. Se nota que la disfrutas totalmente. Cambiando de tema, he visto que has estado trabajando junto a Imperio Nita y One Path.

Con Imperio justo hoy he terminado de exportar todos los masters del disco que tengo con él. Cero colabos. El siguiente que tenemos planeado ya es otra cosa. Pero este os va a gustar mucho, está muy guay. Y lo de One Path va a estar durísimo. Creo que es lo más profesional que he hecho, sobre todo visualmente. Estoy muy orgulloso de lo que he hecho con Javi. He aprendido muchísimo en el poco tiempo que he estado con él. Espero que a la gente le guste y que llegue, porque es muy bonito.

Ahí estaremos seguro, por lo que hemos visto tienen pintón. Por último, ¿algo que quieras decir a nuestros lectores?

Escuchad música. Muchísima y de muchos estilos. Si os gusta la música escuchadla. Y desinstalaros Tik Tok, o al menos aprended a domar el algoritmo. Y bueno, sobre todo sed felices. Buscad dentro de vosotros mismos, que ahí está la respuesta.

El pasado sábado 27 de enero tuve la oportunidad de charlar un poco con Ben Yart a la salida de su concierto en Granada. Tan solo le hice una pregunta: «¿cómo es trabajar con Érebo?». Como buen artista me dijo que era como pintar un cuadro, pero no cada uno su mitad, si no que los dos daban color al mismo al unísono. En la charla que pude tener con Asier Cortés, mejor conocido como Érebo, tuve la oportunidad de corroborar no solo su gran valor como artista y productor, también el enorme valor como persona del artista de Bilbao.

Bueno Asier, ¿cuándo empezaste a producir?

Empecé a producir lo que son beats hace un par de años, pero lo que es música bueno, yo siempre he sido un friki del sonido. Empecé con dieciséis con la gente de LaJoyería, al principio grabándonos a nosotros mismos. Dio la casualidad que fui el que dio al REC y, desde entonces, me enfriqué. Siempre hemos sido raperos hasta que los type beats no daban para más. Si queremos llevar la música hasta el punto que hemos fijado tenemos que autococinarnos.

Lo que buscas es un sonido más propio, ¿no?

Claro, en 2015 un “Drake type beat” estaba bien, pero si quieres hacer algo más único o un sello personal te tienes que juntar con un productor. Se nota mucho la diferencia entre cuando alguien se sube a un tema y cuando alguien crea un tema.

Bueno, ¿quién o quiénes son tus referentes en términos de producción?

Siempre me ha pasado, y me parece una cagada que, para mezclas, producciones y demás, no es que no me inspire pero no consigo encontrar un cuadro al que asemejarme, un santo grial en mezcla y master. Voy probando, un poco ensayo y error. Eso sí, escucho producciones y me quedo con el corazón de cada tema y las cojo como señales. Por ejemplo Ralphie Choo o Drummie son de los que más me inspiran últimamente. Me gusta cuando no sabes por donde va a ir el tema o cuando hay cambios bruscos. Es cuando me sorprende. Cuando esta todo tan trillado y sabes que va a haber copypaste el siguiente minuto me desengancha el tema.

Una cosa que veo curiosa de Ralphie es que él mismo es su propio productor, al igual que tú.

A eso quiero llegar. Se nota cuando un artista coge el mail, se pone a descargar ritmos y hace un tema, y cuando el tema nace de, por ejemplo, unos golpes en la mesa. Vas construyendo, mezclando, tocando cosas y tienes más manejo de cada segundo del tema. Se nota mucho cuando alguien se autoproduce o cuando están mano a mano productor y artista.

Quiero recordar que dijiste algo sobre la autoproducción en «La Oficina», de Grindin’. ¿Qué ventajas ves sobre ello?

Vas a saber hablar mejor el idioma. Y no te hace falta en sí saber autoproducirte como tal, vas a poder dar forma a ideas codo a codo con los demás que están en el estudio. Cuando más te retroalimentas con la otra persona y cuanto mejor sepa hablar él ese idioma, mejor lo voy a saber hablar yo. Cuando más empiezas a jugar con la producción es cuando más desarrollas tu identidad. Mira a Cruz Cafuné o Rosalia. Se nota que han frikeado muchísimo y saben hablar el idioma. Estoy seguro que se pone con su gente y sabe como decirle las cosas, sabe que puede molestar, que hay que quitar y demás. Creo que ir más allá de escribir un tema es algo muy necesario para crear un producto con cuerpo. Con toda la ola de que cada vez hay más productores, el autotune y que ya mucha más gente puede cantar, se va a demandar mucho más el «artista 360», ese que ve el 100% del campo, no solo el 50%.

¿Podrías desarrollar un poco ese concepto? Me parece bastante interesante.

Mira, hay dos cosas bien distintas que aquí en España no se diferencia mucho. Hay mucha equivocación entre el concepto de productor y beatmaker. Mucha gente llama productor a un beatmaker y viceversa cuando son dos tipos de personas completamente distintas. Un productor ve un tema y lo lleva desde la raíz hasta el último punto. Por ejemplo, yo grabo, ayudo con la letra, al haber grabado bastantes temas sé códigos, se hacer la mezcla y el máster… Estoy desde el proceso cero hasta el último paso. Y de eso estoy muy orgulloso, ahí es donde digo «me la saco». Como beatmaker llevo relativamente poco y sigo aprendiendo.

Y los productores como tú, que tanto producís como os tiráis unos versos, ¿cómo veis el panorama para vosotros?

Lo hablé con One Path el otro día. Es verdad que a los productores que tiran a cantar, por más que hayan cantado antes, si tienen la etiqueta de productor cuesta creérselos, generalmente porque los productores somos más frikis. Yo creo que juega en contra en el sentido de cara a fuera. En el sentido obra juega a favor, pero a nivel publico se tiene el “tú eres el de la silla, tú eres el que está detrás”. Yo creo que eso irá cambiando. Mira al Gese, ahora se la están dando.

Aun así, ¿no crees que es dificil destacar?

Si te fijas, aunque no sé si es algo que pueda jugar a mi favor o a mi contra, para el proyecto de Ben Yart yo no puse el nombre de Érebo para las producciones. Puse el de LaJoyería para que no se me pisara un proyecto con el otro. Si hubiera puesto mi nombre como tal seguramente sería muy difícil que en mis cinco temas más escuchados estuviera alguno mío como cantante. Aunque eso también juega en mi contra, al final mi nombre nunca está en las papeletas.

También puede ser por la exigencia, ¿no?

Y por la comedura de cabeza. Yo me escucho cada tema sin exagerarte mínimo 500 veces antes de salir. Luego ya no los escucho, veo el cuadro desde fuera y digo “joder que guapo”. Pero soy muy rayado. Estoy en el estudio, salgo y me pongo los cascos. A la mañana siguiente igual. Al tener una visión periférica también me vuelvo loco porque me fijo en el kick, en la mezcla, en las eses, en el concepto, en la estructura… Y hay veces que me abruma, soy un esquizo de eso.

Yo también soy de los que piensan que está mejor ser más analista en ese sentido que sacar cosas a locas.

Yo luego me arrepiento, me gusta dar pasos firmes en el sentido de que, si saco una cosa y al tiempo escucho un error que digo “podría haberlo solucionado” y no lo hice por esto, me entra un TOC que no puedo escuchar ese tema. Es como si estás haciendo un cuadro y tú en el fondo sabes que ese rojo no es, pero te autoconvences que sí y de repente lo sacas. Lo ves a los dos meses y dices “era puto naranja”.

Ya que hablamos de exigencias, ¿qué tan exigente eres con los juntes en el estudio?

También soy muy rayado, necesito que sean orgánicos. Sonaré demasiado purista pero creo que en el arte se nota todo. Se nota cuándo un tema es orgánico o forzado, cuándo una colaboración es a distancia o cuándo cada uno se ha escrito su cacho. Pero también al contrario, se nota si ha habido buena vibra en el estudio o si la química es buena. Para eso soy muy rayado. No haría lo de “junto mi marca con tu marca”. Creo que juega en mi contra por la industria de hoy en día pero no sé, le tengo mucho respeto al arte. Es mi sitio sagrado. Cuando menos lo manche, mejor.

Eso de la química es super cierto, con la gente de LaJoyería se nota que es fortísima.

Sí, hay una magia del horror con ellos. Tenemos mucha química porque lo hemos hecho siempre. No tengo miedo a decirle «hermano, esto es una puta mierda, tenemos que cambiar la letra entera» porque no le va a sentar mal. Lo mismo me lo rebate y me dice «hazme caso, esto está guapo». Si él cree, yo confío. Y eso es impagable, la química de llevar trece años juntos es algo que pocos pueden experimentar.

Sin duda, creo que el no juntarte con cualquiera es uno de tus puntos más fuertes.

De verdad, yo soy un rayado. Siempre lo digo, hacer un tema es como tener relaciones con alguien. No me gusta hacerlo ni pagando o con una tía que, aunque esté buenísima, el polvo es una mierda. Soy muy reservado en ese sentido, no hago temas con cualquiera si no veo que hay un feeling previo y me voy a llevar bien con él. No me voy a desnudar delante de cualquiera. También creo que puede ser miedo a salir de mi zona de confort, quizás al final todo va genial. Pero no se, necesito primero unos pasos previos. Una cita o yo que sé, ¡invítame a algo! Con Dellachaouen por ejemplo tuve química a la hora de hablar con él. Le dije que viniera a Bilbao y estuvimos un año grabando su disco y bueno, fue de puta madre. Con Ben Yart, Jay Cas o Vazkez, que es como mi hermano, con todos los que he hecho música es porque me llevo bien con ellos. Es lo que te he dicho, me gusta que los juntes sean orgánicos.

Sobre el protagonismo del productor, ¿dónde crees que radica el problema de la leve importancia que se os da?

Creo que es un poco culpa de las fiebres, igual que cuando hubo la fiebre de las bandas. Hace poco leí un tweet muy interesante que criticaba esa falsa realidad de estar el artista solo. Las marcas personales hoy en día son lo que más triunfa. Te voy a comprar más fácil el producto si es un nombre y una cara a si es dos. Cuantos mas elementos, menos identificas la foto. Hoy en día renta mucho más tapar al resto de peña y poner delante a una persona, aunque cada vez está cambiando más.

¿Dirías que la velocidad de consumo musical también es un factor clave, llegando incluso a devaluar el sonido?

Sin duda, vivimos en «x2» todo el rato. ¡Nos vamos a quedar malitos! El ritmo de consumo que llevamos es bestial y por supuesto que devalúa el sonido. Es más, devalúa todo. Hay cosas que llevan su tiempo, y se reducen mucho esos tiempos porque parece que el mercado te lo exige. También te digo, hace tres años se premiaba mucho el sacar un tema cada semana, pero como hay tanta gente haciéndolo se premia lo contrario. Ahora estamos en una época que parece exponencial, tanto para arriba como para abajo. A mi como consumidor me apabulla, pierdo mucho interés. No me da tiempo a hypearme para el siguiente proyecto. Hoy en día se quema todo tan rápido que es hasta frustrante. El estar currándote algo durante tanto tiempo para que a la semana lo sientas como algo viejo es jodido. Hasta yo mismo siento que si a la semana de lanzar algo le doy un poco de promo, estoy dando la chapa. Pero aún así es que lo entiendo. O sacas algo muy trascendental o el fuego se apaga muy rápido.

Me llegó a pasar con varios discos de mi biblioteca, al mes ya estaba saturado de escucharlos.

Es que tenemos un consumo super obsesivo. Mira con las series, si sacan la temporada de una serie que te encanta te la fumas en un día y luego es como “saca otra, sácala”. Y ahora tienes que esperar dos años a que la saquen. Tenemos un consumo super obsesivo.

Creo que también es un poco culpa de la sociedad en la que vivimos. Estamos un tanto mal educados.

Sí, sobre todo culpa del formato. Mira Tik Tok, ha acostumbrado a la gente a lo instantáneo. A tener la atención al momento. Esto va a traer muchísimas consecuencias. ¿A ti no te pasa que necesitas constantemente estímulos? Somos la generación que ha matado al aburrimiento, no somos capaces de aburrirnos. Estás con tu madre y, como no hay conversación, sacas el móvil y tomas atención a otra cosa. Vivimos en un constante «x2». Llega a ser hasta distópico.

Lo de la atención es muy real, me recuerda a la gente que subía sus tropecientos mil minutos escuchados en un año del «Wrapped» de Spotify.

Esa gente seguramente tenga eso por tener el post de Twitter. Por conseguir diez mil «me gusta» y que te digan «buah, estás puto loco». Esa gente está falta de atención, no son fanáticos. Nadie se consume tanta vaina de nadie. Me parecería incluso enfermizo. Imagina que te cruzas a ese artista, lo has escuchado más que a la voz que tu padre. Eso es para mirárselo.

Totalmente, has dado en el punto. Esto se lo dices a un chaval y le rompes los esquemas. Aún así, ¿quién te salió a ti?

Pues no me acuerdo. Creo que me salió Don Toliver, me salí a mi mismo y no se, diría que los de aquí de LaJoyería. ¿Sabes también qué me pasa? Cada vez me cuesta más investigar música. Cada vez los algoritmos son más cíclicos. Antes podías llegar a cosas totalmente aleatorias, como a un vídeo de un chileno cayéndose por no se donde. Ahora se crean fanatismos extremos de todo porque no te dejan descubrir. Hay tantas luces que no se puede ver. Antes era mucho más fácil tirar del hilo para llegar a nuevas cosas, pero ahora siempre acabo dando vueltas en círculo. Y tiene sentido, al final lo que quieren es que te quedes en su plataforma. Pero de verdad, no ayudan, más que nada porque no les interesa.

Lo de los fanatismos es una verdad como una catedral. Ahora se puede ser fan de todo.

Claro, salen famosos de nichos pero nichísimos. Mira a Llados, te dice cuatro frases con gags, se hace la coña y se hacen famosos.

Me recuerda al caso de Íñigo Quintero. Un tema lo hace completamente famoso por no sé si la coña o qué, pero es totalmente aleatorio.

Vi una entrevista de D3llano y me hizo pensar mucho. Sería muy jodido saber que has hecho algo que no puedes superar. Físicamente podrías igualarlo, pero en cuanto a la superación personal has tocado techo. Si yo fuera él, ¡dejo la música!

Aparte, con todo eso de las labels y tal, creo que estos artistas son los que más rápido se exprimen. Me viene a la cabeza esa discusión de C. Tangana y Yung Beef en el Primavera Sound de 2018. Cuando haces las cosas sin tirar de un sello creo que tienen mucha más personalidad.

Claro, pero estás usando palos de madera contra tanques. Yo estoy jugando en el juego de ajedrez que es Spotify y estoy con Distrokid, que no tiene los hackeos de las grandes distribuidoras de, por ejemplo, entrar en determinada playlist. De todas formas, hacemos cosas tan guapas que creo que pueden romper ese hilo. No me gusta jugar con trucos. Imagina pasarte el GTA con trucos, no lo vives igual. Si te haces el truco del helicóptero y te lo pones de primeras está guay porque puedes pasártela por ahí dando vueltas; pero cuando te lo ganas después de diez misiones es como «mira lo que he ganado». Si te ponen la línea de meta en la cara pues mira, ahí está; pero lo importante no es llegar a la meta, es el camino hasta ella.

Coincido muchísimo contigo macho. Llegas a bajar a Graná’ y te invito a un tercio en una terraza pa’ hacer la entrevista.

Pues tengo pensado bajar pronto. Vazkez está haciendo un disco que se va llamar «La Calor Del Norte», inspirado en la etapa que estuvo viviendo en Granada y la actual en el norte. Va a estar muy guapo, creo que va a ser de lo mejor que hemos hecho. Tiene una esencia muy potente. Granada y Bilbao tienen un algo que las une, no se que será pero veo un nexo en común.

Y como última pregunta, ¿qué es para ti la música?

Para mi la música son recuerdos, si llega el dinero está bien, pero yo me quedo con los momentos. Es como si sacas un videoclip y sientes que no ha habido química con los actores. Por más que haya quedado un videoclipazo voy a tener la espina clavada de sentir que es plástico. Cuando siento que algo es plástico me la pela, así tenga diez mil reproducciones. Prefiero un tema malo y que ese día lo hayamos pasado de la ostia a un buen tema. Premio más eso. Es más, salen mejores temas cuando premias eso porque los involucrados se vuelcan mucho más.