Acaba de salir el primer proyecto como dúo de Nino Rucci y Jujiskii, miembros de Holics. Rucciskii trae a la palestra un sonido que no se suele ver en España y logra atraparnos en su romántico relato. Hemos podido hablar con los artistas y tenemos unas primeras impresiones del disco.
“Para hacer música primero hay que calentar el ambiente”. Esta frase dicha por Nino Rucci define a la perfección la esencia del disco y del trabajo que tiene detrás. “Rucciskii” es el resultado de la química entre los dos miembros del colectivo Holics, Nino Rucci y Jujiskii. El nuevo disco es una joyita del plugg en español, un proyecto en el que se nota que se ha puesto el mismo empeño y cariño que hay que poner para hacer un bebé y que curiosamente también ha tardado nueve meses en gestarse.
¿Cómo es para vosotros soltaros de la mano del colectivo y montar esto por vuestra cuenta?
N: es algo muy natural, Juji y yo conectamos que flipas. Muchas veces quedábamos él y yo para hacer temas para Holics, simplemente nos llevamos bien y nos ponemos a currar.
J: Somos muchos y todos no compartimos campo, pero Rucci y yo nos complementamos bastante bien. Después de grabar con todos te das cuenta de con quién funcionas mejor. Además vivimos cerca y es fácil quedar.
Jujiskii, Nino Rucci, Adrián Vilanova, 2023
¿En qué momento os dais cuenta de vuestra química juntos?
N: Creo que a partir de grabar “Obsesión”.
J: Mucha gente a partir de ahí nos ha dicho que nuestras voces quedan muy bien juntas, pero todo parte de la amistad que tenemos. Además ambos estamos mucho más cómodos haciendo plugnb que montándonos en algún rage.
El disco coge mucha influencia del plug y el cloud rap francés. Ellos mismos mencionan referentes del sello francés Prise musique, con nombres como Serane o Milanezie. De hecho estos dos artistas tienen un proyecto juntos del mismo estilo llamado “Seranezie” e incluso Milanezie ha participado en el tercer track de “Rucciskii”. Se nota que Rucci y Juji han tratado de implementar estas influencias como potenciadores del disco y lo cierto es que consiguen traer algo fresco e innovador a la escena española, en la que no se está haciendo nada de este estilo. El proyecto es en palabras de Nino Rucci, aquello que les hubiera gustado escuchar con 17 años.
Jujiskii, Nino Rucci, Adrián Vilanova, 2023
La identidad artística y estética del álbum es otro de sus puntos fuertes. Irene (@930blurberrie), es la artista detrás de las portadas de los singles y del disco. Un estilo muy definido que narra una pequeña historia a través de las portadas que aporta algo más de cohesión al proyecto. En la portada de Tiffany’s se puede ver como Rucci y Juji intentan enamorar a una chica con un collar mágico de Tiffanys, pero en “A C L R” podemos ver cómo este se rompe y sale mal y se vuelve malvada. En “BANDZ” podemos ver a la chica rompiendo billetes con esa sonrisa maligna y ya por último en la portada del álbum vemos A Rucci y Jujiskii en un jet ski huyendo de la chica.
En el aspecto sonoro hay varios logros a destacar, Jujiskii tiene claro que han hecho algo histórico metiendo a Enry-K en un beat de Milanezie, o contando con Hwii en el track 4. Han logrado unir el plug de España, Francia y Latinoamérica en un proyecto, han tendido puentes a través del único idioma que hablan todos, la música.
¿Cómo ha sido la tarea de coordinaros con las colaboraciones?
N: Hemos querido buscar un sonido parecido al nuestro, y si hay que buscarlo fuera se busca fuera. Para mí meter a Milanezie en el álbum es muy importante porque es el productor referencia. Luego ha sido más sencillo colaborar con Uglywhiite o Faxu porque son miembros del colectivo.
J: Cuando trabajas con gente que no es tan cercana a ti, pese a que todo suele ser orgánico a veces hay que insistir para tener las vocales, letras y demás a tiempo.
Jujiskii, Nino Rucci, Adrián Vilanova, 2023
¿Qué sacáis el uno del otro de este proyecto?
J: Espero poder mirar a este proyecto dentro de unos años y estar orgulloso de lo que hemos hecho. Rucci para mí es más tranquilo, pero creo que nos hemos entendido muy bien. Yo suelo ser muy cabezón, pero siempre hemos llegado a un acuerdo.
N: He tenido mucha suerte porque he descubierto facetas de Juji que no conocía, yo no sabía que era tan trabajador. Es más perfeccionista que yo y me ha sorprendido lo serio que ha sido y el empeño que ha puesto.
No sabemos si Rucciskii continuará como dúo, pero tenemos claro que acaban de sacar una joya de disco que brilla tanto como cualquier accesorio de Tiffany’s. Un disco dulce, meloso y que logra engatusarte a través de las mágicas voces de Rucci y Juji. Cuenta con sonidos nuevos en los que se aventuran sin miedo y logran dar la talla, como el último track en el que también cuentan con Tarchi a su lado. Si la intención inicial era calentar el ambiente y ponernos a tono, “Rucciskii” sobresale, se resume en 10 temas de sexo auditivo, así que si vais a darle una oportunidad sed precavidos y usad protección.
Tras sacar su nuevo ep, “Resaca Emocional”, hablamos con Yung Voidy, productor y DJ residente en Vigo y artificiero detrás de una escena cada vez más creciente en Vigo. Lleva en sus espaldas otros dos eps uno con deluxe incluido y muchos dj set en diferentes fiestas por España. Ahondamos en su inspiración, métodos de trabajo y nuevos proyectos que irán saliendo a lo largo de este año.
Yung Voidy, Juan Rodríguez Gómez, 2023
Pregunta: El hecho de crear una prodtape es algo diferente a lo que estamos acostumbrados ya que no es un solo cantante que saca temas en una mixtape, si no que eres productor y cuentas con gente diferente en tus temas, ¿como dirias que es el proceso creativo para hacer una prodtape?
Yung Voidy: Trato de llevar al completo la dirección creativa del proyecto. Todo surge de una idea base. Un concepto. A partir de ahí, busco lo que quiero expresar en forma de instrumentales, género un beat pack y me pongo a pensar con quién podría encajar mejor.
Por ejemplo en el EP que he sacado ahora con Adan, «Resaca Emocional”, he intentado expresar como te puedes llegar a sentir mentalmente en una mañana cualquiera después de una noche de fiesta. “Resaca emocional” ha sido un proyecto que hemos tardado muy poco tiempo en terminar ya que nos sale todo muy natural, nada es forzado.
Por otra parte, también se pueden hacer beat tapes como podría ser “5Stars”, escogiendo instrumentales que tengo sin usar en el PC, pero que encajan entre sí y que nos han gustado, las hemos grabado, se ha juntado todo y el resultado está ahí.
P: Después de haber sacado “Plaza Portugal, the mixtape” y ahora “5Stars” y su respectivo deluxe, ¿cuál ha sido tu aprendizaje para estos nuevos trabajos?
Yung Voidy: Plaza Portu es mi primer EP, tiene apenas un año y me parece increíble el salto de calidad que hay entre ese álbum y la música que estamos haciendo ahora. No hay color. Realmente es un álbum que no me gusta, que antes o después acabaré eliminando, pero son mis inicios en la música, con mis amigos, y le guardo muchísimo cariño.
Después de ese álbum estuve un año sin sacar música, no me veía a la altura y la mejoría ha sido notoria. Estuve todo ese tiempo encerrado haciendo música día sí y día también. Apenas me tomo días libres, no me pillo vacaciones, y gracias a las horas que le he echado a día de hoy puedo decir que me siento orgulloso y muy realizado de lo que hacemos.
Yung Voidy, Juan Rodríguez Gómez, 2023
P: Después de haber grabado con tanta gente, ¿cómo es para un productor trabajar así, entiendo que cada cantante con diferentes métodos de grabación?
Yung Voidy: hay de todo, algunos vienen con la letra escrita de casa, hay otros que vienen escogen el beat y se lo tiran a freestyle, a otros les pongo el beat en bucle y se lo van escribiendo… No hay un método que funcione mejor que otro, cada uno tiene el suyo y al final a mi todo esto me nutre. Puede venir cualquier artista y trabaje como trabaje sé que vamos a hacerlo bien por mi forma de trabajar y porque estoy adaptado a muchas formas de trabajo.
P: Estamos en un momento donde cada vez salen más productores y artistas ¿que crees que hay que tener para distinguirse de la escena que se está creando?
Yung Voidy: Tener un sonido propio. Aunque a día de hoy, la música le entra al público más por el ojo que por el oído… Una buena imagen es fundamental. Respecto al sonido, todos tenemos nuestros referentes y nuestras influencias, pero cada artista desprende un brillo diferente.
Si te quieres desmarcar no puedes copiar, no hagas un type beat, o no busques sonar como. Personalmente, cuando abro el daw me dejo fluir, si sale algo que me gusta perfecto, si no se borra y vuelves a empezar , al final busco estar cómodo con lo que hago.
P: Estamos viendo también una tendencia, la del productor asociado a un cantante. ¿Cuáles son para ti los pros y contras de esta tendencia?
Yung Voidy: Los pros básicamente es que si al artista le va bien a ti también, si al artista le salen bolos a ti indirectamente también, tienes más oportunidades de trabajo…Las contras, que te conozcan como ser el productor de X y no realmente por tu trabajo. Personalmente creo que cualquier productor no debería ser conocido por ser el productor de. Todos tenemos muchísimo más que ofrecer, pero en España la figura del productor está muy infravalorada.
Yung Voidy, Juan Rodríguez Gómez, 2023
P: Toda la moda del hyperpop ha acabado para muchos ¿que crees que va ser lo nuevo?
Yung Voidy: Hay mucha confusión. A todo se le llama hyperpop. Al eurobeat, al scenecore, a algún tema de edm o prácticamente cualquier beat con 4 bombos y 3 synthes. Personalmente no creo que el hyperpop haya muerto, pero sí que es cierto que hay sobrecarga. Como en cualquier ámbito de la vida, hay gente que trata de imitar o copiar lo que funciona y si ven que algo funciona… Es normal, ves que hay chavales con muy buenos números grabando en su casa y tu también quieres intentarlo.
¿Por dónde pueden ir los tiros en un futuro cercano? El virtual rage parece que cada vez está sonando más en España, así como el jersey, o la regalia, el plugg parece que está sonando bastante últimamente… Pero personalmente a mí todas estas etiquetas no me gustan, ni busco que se me etiquete, no me considero productor de un solo género. Pero respecto a la pregunta, creo que el hyperpop va a seguir evolucionando, como cualquier estilo, y van a seguir surgiendo nuevos artistas y nuevos estilos derivados de, ya que es una corriente muy explotada en España, pero que a su vez funciona.
P: Para terminar, ¿Qué podemos esperar de Yung Voidy este año?
Yung Voidy: Mucha música. En el ámbito profesional estoy muy contento. No tengo una hoja de ruta marcada, pero me paso todos los días en el estudio y este año me apetece inundar internet. También estoy preparando un pequeño tour, mi primer tour como DJ, The Vision, que ya ha empezado. En las primeras fechas me voy a ciudades como Madrid, Santiago, Pontevedra… Tengo muchas ganas de seguir.
En marzo tuvo lugar el estreno de “Eterna”, un documental que hace un repaso de la trayectoria de la fallecida artista cordobesa Gata Cattana y aprovecha para hablar de su legado y lo que supuso su figura.
Hay algo en los poetas muertos que da escalofríos y aprieta con fuerza cada vez que aparecen en nuestra cabeza, sobre todo en aquellos que se fueron cuando no tocaba. Pensamos sin ir muy lejos en Federico García Lorca, una leyenda de la poesía, el teatro y en general el arte de nuestro país. El poeta granadino fue asesinado por parte del bando fascista durante la guerra civil por los ideales que defendía en su obra.
También se nos encoge el corazón cuando pensamos en ciertos raperos muertos. Figuras como las de Notorious B.I.G o 2pac alcanzaron el estatus de leyenda que tienen hoy en día en el recuerdo de todos tras morir ambos asesinados por la tensión generada a mediados de los noventa entre las costas Este y Oeste.
Cuando un artista de cualquier disciplina muere en estas circunstancias la pérdida es de todos, su arte, capaz de llegar a tanta gente, frena en seco en ese momento, ya nunca va a haber más, y entonces apreciamos más lo que tenemos. Ana Isabel García Llorente, más conocida como Gata Cattana, era poetisa y rapera, y el 2 de marzo de 2017, día de su fallecimiento, perdimos por partida doble.
6 años después, se ha estrenado el documental “Eterna”, dirigido por Juanma Sayalonga y David Sainz (Malviviendo). Esta película hace un repaso de la vida de Gata desde sus inicios en su pueblo, Adamuz (Córdoba) hasta llegar a Madrid y empezar su carrera como artista no sin antes haber pasado por Granada como universitaria.
En este proceso Gata llegó a convertirse en una de las figuras más destacables y prometedoras de la poesía contemporánea y del rap en España gracias a su sensibilidad, su delivery tan peculiar tanto a la hora de recitar como a la de rapear y su absoluta carencia de pelos en la lengua.
Los temas que trataba en su obra la llevaron incluso a ser una de las figuras más influyentes del feminismo en España, y a día de hoy es inevitable ver frases suyas en pancartas de manifestaciones, en graffitis por las calles de toda España e incluso en las letras de otros artistas.
El documental empieza en su pueblo, con su madre y su hermano hablando de ella. Lo cierto es que llegar al visionado con conocimiento de la obra de Gata es muy gratificante, ya que desde el principio nos aportan contexto y datos sobre sus poemas y canciones.
Aquel mítico “Mami, me voy pa la mani”, resuena con fuerza cuando oímos a su madre hablar del miedo que sentía cuando su hija le decía que se iba a una manifestación mientras que vivía sola en Granada. Su hermano, por su parte, nos da una visión sensible sobre “Hermano Inventor”, el segundo tema del disco “Banzai”, que va dedicado a él. Sus colegas también tienen hueco en este relato conjunto, y nos dicen lo que ya dejó claro ella en “Papeles”, y es que si todas las ciudades se le quedan chicas, su pueblo no iba a ser una excepción.
Pasamos así a la época de Granada, ciudad donde escogió estudiar la carrera de ciencias políticas. Conocer esto arroja un poco de luz sobre el porqué de la implicación social de Gata Cattana en sus temas. Según cuentan los entrevistados, esta ciudad le cambió y le acogió hasta tal punto que para ella es como si hubiese nacido allí.
En esta ciudad fue en la que ganó el Slam Poetry que la llevaría a la fama a nivel nacional dentro del gremio de poetas. En esta parte nos acompañan las voces de sus amigos, su compañero de piso y productor por aquel entonces, y de su gran amiga “Hojita de Menta”, con la que creó el colectivo Cattana que al final acabó usando para su apellido artístico.
La cinta es puramente testimonial, pero el interés de aquello que se cuenta acompañado de la magnitud que sabemos que cogería más tarde logra mantener la atención del espectador. La historia se narra entre fotos de archivo, vídeos grabados con proto-smartphones y los relatos nostálgicos de sus amigos.
Llegamos a la que puede ser tal vez la parte más importante de su historia y esta es cuando se muda a Madrid. Gata tenía que ir a la ciudad más grande de España para ver si esta podía contener e impulsar su talento, y aquí su carrera explota. La misma ciudad a la que le dedica el poema que abre “La escala de Mohs”, esa misma ciudad a la que acusa de querer parecerse a ella.
Madrid le acogió y 2016 fue un año decisivo, en esta parte tenemos testimonios de artistas de talla nacional como Mala Rodríguez o incluso Juancho Marqués, que le acompañó en su último concierto en la sala Sol en Madrid. También tiene su espacio para hablar Sara Socas, destacando de esta forma su influencia en las nuevas generaciones de artistas, especialmente en las mujeres. Gata estaba a punto de alcanzar el anhelado éxito, pero ni siquiera Madrid pudo contenerla, y aquel 2 de marzo, hace ya seis años, el azar escogió llevársela.
Ya en Banzai, su disco póstumo, Gata suena como si supiera que se iba a ir, como si estuviese dejando todo preparado. Este documental consigue retratar y transmitir el aura que irradiaba esta artista. Convertida en un símbolo y una mártir y con un escaso pero contundente legado a sus espaldas, Gata Cattana nos recuerda por qué amamos la música, lo importante que es luchar por aquello que te importa y la fugacidad de todo en esta vida. Esta película no hace más que consagrarla en el imaginario popular con la mejor definición posible para alguien tan holística y atemporal como ella, y es que Gata fue, es y será eterna.
Como cada viernes, presentamos nuestra selección de las novedades musicales de la semana más interesantes, en el cual abordamos lanzamientos recientes, colaboraciones destacadas y temas emergentes.
DELLAFUENTE – Lágrimas pa otro día
El granadino regresa después de dos años con su octavo álbum. En un viaje músical que abarca bolero, corridos tumbados o salsa, sigue ampliando su rango y demostrando su versatilidad.
Jack Harlow – Jackman.
El artista responsable de hits como WHATS POPPIN o First Class presenta su álbum más introspectivo, haciendo un repaso a su trayectoria y los efectos de la fama.
Fran Laoren – EL AGUA BRILLA MÁS
Producida por CHEF C, el single con influencia techno es un adelanto de su nuevo proyecto «SOLO HAY UN CAMINO» que saldrá el 12 de mayo.
Juicy BAE – SOLOS
Junto a uno de sus productores habituales, PMP, Juicy vuelve con un temazo intoxicante que sirve como antesala a su nuevo proyecto «ADC»
Steve Lean, Rojuu – stunna islandd
El dúo sigue ampliando su catalogo impoluto esta vez transportándonos a una isla paradisiaca.
ODDLIQUOR – CURSIII
Es el capítulo 3 de un largo viaje hacía su próximo álbum que cada vez tiene mejor pinta.
Teezo Touchdown – 5 O’Clock
Una de las voces más prometedoras del panorama internacional sigue tan impredecible e incategorizable como siempre.
Fresh Air F.M by Calle 52
Puedes escuchar estas novedades y muchas más en la playlist oficial de Calle 52, disponible en Spotify.
Como cada viernes, presentamos nuestra selección de las novedades musicales de la semana más interesantes, en el cual abordamos lanzamientos recientes, colaboraciones destacadas y temas emergentes.
The Weeknd, Future – Double Fantasy
El canadiense lanza su primer single de la banda sonora original de la nueva serie «The Idol» en la que actuará junto a Lilly-Rose Depp. La esperada serie de los creadores de Euphoria, se estrenará el 4 de junio en HBO.
Jay Z, Gil Scott-Heron – NEW YORK (CONCEPT THE PARIS)
Para presentar la exposición Basquiat – Warholl en Paris, Jay Z interpreto versiones acústicas de sus mayores hits. A la espera del álbum completo del concierto, lanza una reinterpretación de la icónica «Empire State of Mind» junto a Alicia Keys.
Mac deMarco – One Wayne G
Presenta un álbum de 199 canciones y 9 horas y nedia de duración. Siguiendo la dinámica de sus últimos trabajos, dominan las demos poco trabajas, con guitarra acústica y melodías simples. Por lo que podemos ver en los títulos, esta colección de canciones data desde mediados de 2018 hasta principios de este mismo año.
Cruz Cafuné – Ja Morant
El canario sigue su rollout perfecto con su segundo single de su anticipado álbum «Me Muevo Con Dios». El título hace referencia al jugador de baloncesto de los Memphis Grizzlies, conocido por sus actitudes conflictivas.
Feid, Sean Paul – Niña Bonita
El reggaetonero más pegado del momento y un clásico de nuestra infancia se juntan para lo que promete ser un himno de este verano.
Midas Alonso, Zamoranobeatz – Mariví Bilbao
El madrileño continua demostrando que es mucho más que un meme de moda, en su segundo single después de «Bankinter».
Fresh Air F.M by Calle 52
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La actuación de Frank Ocean en Coachella es inminente y en los últimos días ha estado en los titulares por una rumoreada colaboración con BMW y un nuevo look viral. Será su primera actuación en directo en los últimos 6 años. Al reflexionar sobre sumúsica, es innegable el impacto emocional que su obra ha tenido en tanta gente. De alguna forma es un punto de conexión entre una generación entera.
Desde los comienzos de su carrera hasta el emblemático álbum «Blonde», la música de Frank Ocean ha sido una fuerza poderosa en la vida de innumerables fans. Sus canciones etéreas, melancólicas y profundamente personales han resonado con nosotros y se han entrelazado con nuestros recuerdos y experiencias.
Sin embargo, desde «Blonde», Frank Ocean ha permanecido esquivo. Con un puñado de sencillos y colaboraciones publicados en los años siguientes, los fans se han quedado esperando y preguntándose qué será lo próximo del enigmático artista. Han pasado siete años desde aquel álbum rompedor, y aunque hemos visto destellos de su continua creatividad y crecimiento, seguimos preguntándonos: «¿Dónde está Frank Ocean?».
DHL, Cover
La ausencia de Frank del mundo de la música ha estado marcada por luchas personales, incluida la devastadora pérdida de su hermano menor en 2020. Tales tragedias pueden dejar impactos duraderos, y es comprensible que un artista tan introspectivo y privado como Frank Ocean pueda necesitar tiempo alejado del ojo público para sanar y procesar sus emociones.
Aunque en pocos días volverá a los escenarios como cabeza de cartel de Coachella, no podemos evitar preguntarnos si su nueva música resonará en nosotros de la misma manera que su obra anterior. El mundo ha cambiado y nosotros, sus fans, hemos crecido y evolucionado. Como fan de Frank Ocean desde hace mucho tiempo, que ha pasado de tener 16 años a tener 22 me pregunto ¿seguirá teniendo su música el mismo poder e influencia sobre nosotros que cuando éramos más jóvenes?
Frank Ocean en la Met Gala
La música de Frank Ocean es una meditación sobre la aceptación y la impermanencia de la vida. Sus canciones nos recuerdan que debemos apreciar los momentos fugaces de belleza, amor y dolor que definen nuestra existencia. A medida que envejecemos y nuestras vidas cambian, su música nos sirve de ventana agridulce a un mundo que ya no existe. No se trata sólo de la música en sí, sino de la forma en que nos conecta con nuestro pasado y nos ayuda a dar sentido a nuestro presente.
Independientemente de que la nueva música de Frank Ocean tenga o no el mismo impacto que su obra anterior, una cosa es cierta: su influencia en una generación de amantes de la música es innegable. Mientras seguimos buscando respuestas y esperando nuevos lanzamientos, podemos consolarnos con el hecho de que la música de Frank Ocean siempre estará con nosotros, recordándonos la belleza y la complejidad del paisaje siempre cambiante de la vida.
La actuación se podrá ver en streaming a través del canal de Youtube de Coachella a las 7 de la mañana del lunes 17 de abril.
El primer año de Avast Boys en la red nos ha encantado, y aunque Bruno (BR1) y Simón (Danisan47) ya llevan mucha carrera por solitario detrás, nos juntamos con ellos para hablar de este nuevo proyecto, “Avast Boys”, un pequeño colectivo donde el antiguo y profundo internet es protagonista.
P: ¿Cómo y porqué habéis decidido, después de tanto tiempo haciendo música y siendo hermanos, crear Avast Boys ahora?
Bruno: Pues nosotros siempre quisimos pertenecer a algo más que solo nosotros en solitario, porque cuando empiezas en esto te juntas con otra gente que siempre acabáis sonando un poco parecido entre todos pero cuando avanzas te vas diferenciando en cuanto a estilo pero mi hermano y yo íbamos avanzando en paralelo y evolucionando juntos.
Yo siempre tuve en la cabeza hacer algo con “Avast”, porque teníamos también el tag de “se ha detectado una amenaza” y se lo comenté así, y me dijo de hacer un grupo los dos juntos y fuera, porque yo estaba pensando en hacer algo mayoritario con mucha más gente y multidisciplinar, un colectivo básicamente y al final llegamos a la conclusión de que cuanta más gente habría menos control y al final somos hermanos y nos entendemos muy bien.
Simon: Claro menos identidad también, al final eso somos hermanos nos entendemos y ya está, al final nivel referencias e ideas siempre tenemos las mismas y yo creo que Avast Boys es un poco una visión retrospectiva de nuestra infancia y adolescencia y si hubiéramos abierto más el círculo sería más difícil ir de la mano.
Bruno: Si además a mi me pasa que yo no suelo encajar guay en grupos grandes y se que mi hermano tampoco así que fue eso, nosotros dos y ya. Pero bueno yo envidio bastante a gente que se consigue llevar y entender en colectivos grandes pero es que yo no soy así.
Avast Boys, Tomás Casado, 2023
P: En vuestras canciones nunca habláis de los tópicos de la música urbana, ¿cual es para vosotros el sentido de “ser real” en la música?
Simon: Yo creo que esos tópicos viene al final de hacer algo calcado de los yankees entonces ni Bruno y yo somos así para nada.
Bruno: A ver yo creo que sí hay gente así también pero a mi me chirría mucho hacer una canción y que diga eso, es otra manera de entender la música que al final es como la vida, es como la entiendas básicamente.
Simón: También supongo que por la madurez. No es porque no podamos transmitir la música de esa forma, si no porque yo creo que con los años también maduras y cargarte tanto de ego no sirve de nada.
Bruno: Es como si dibujas un cuadro y dibujas una polla (risas). Para mí aunque parezca muy tópico la mítica frase de “Se tu mismo” pero es que es verdad para todo no solo para la música también.
Simon: Exacto al final Bruno y yo somos unos frikones entonces no vamos a mentir sobre nosotros mismos y buscarte el papelón de “gangster” o otra cosa
Bruno: A parte nuestra madre escucha nuestras canciones (risas)
P: Stiffy tiene una tag de “Murió la música nació la música 2.0” cómo veis todas las modas de estilos que duran tan poco y siempre se está renovando y también con el hyperpop que tanta controversia trae definirlo siempre.
Simón: Me encanta como Agus (Agusfortnite2008) y Stiffy tienen esa visión tan divertida de la música y tan propia, está muy guay como ensucian las canciones llenas de tags y distorsión. Con el tema del hyperpop estamos viendo un montón de nuevos horizontes y al final yo últimamente estoy produciendo cosas que nunca habíamos tocado antes, como un rap mezclado con hyperpop o hasta música tradicional china (risas)
Bruno: Desde mi opinión como oyente también es un poco lo que le pasó al trap en su momento, una amalgama de clichés muy bastos, es como su estado más puro y luego cojes eso y lo vas refinando y se va sacando cada vez más. Cada uno como que parte de lo mismo y se ramifica. A nosotros sí que nos moló el rollo, antes de crear Avast Boys, y mis canciones antes si que eran más clichés, pero ahora cada vez vamos refinando más.
Simón: Claro si literalmente es eso, yo creo que tampoco nada es definitivo y todo evoluciona, por ejemplo ahora creo que Bruno y yo volvimos bastante a escuchar rap y a intentar hacer una especie de rap alternativo…
Bruno: Sí como un rap 2.0 (risas). No se, hay que sacar música de todo y se descubre un montón de música muy fácilmente. De hecho el otro día estaba descargando un programa, de manera un poco… piratilla, y me saltó en el crack un tema que me pareció muy guapo y dije bua voy a probar a rapear por encima con la voz super aguda que puede quedar guay.
P: Bruno tú a parte también eres diseñador y habéis hecho merch, vosotros lleváis una estética muy marcada, ¿creeis que es importante distinguirlos de esa manera?
Bruno: Sí totalmente, lo hablamos hace poco, es muy importante tener esa imagen para que no solo te quedes en la cabeza de la gente por lo que escuchan si no por lo que ven también y creo que mi evolución este año ha ido derivando a este estilo y creo que mi música y mi diseño va de la mano también. Cuando diseño, yo escucho música en mis diseños y lo mismo veo imágenes cuando hago música, es raro, pero intento plasmar mi música en mi arte digital.
Simón: Yo creo que, así en moda en general, ahora hay mucha “titulitis” pero con las marcas, todos teniendo el Ed Hardy, el Dolce Gabbana… que hay cosas muy guapas pero al tener a Bruno que es muy creativo a la hora de dibujar y crear el diseño de algo siempre va a estar guapo.
P: Es muy clara vuestra inspiración en el internet antiguo, ¿cómo definiríaiscuales han sido vuestros referentes de la infancia?
Bruno: Fua es lo mítico que a lo mejor te podemos decir algo ahora pero igual mañana estoy hablando con Simón y nos acordamos de otras cosas (risas) Pero si, nosotros de chavales éramos mucho de fuchicar en el ordenador y nos dejaron indagar mucho en el tema de internet y queríamos ser como ese referente que escuchas una canción y dices “fuaa que cabron esto tambien lo vivi yo”
Simon: Claro pero para un chaval no tan standart, porque nosotros profundizamos mucho en cosas más “nicho” como la época boom de Youtube, el mítico Black Ops 2, Minecraft,… Yo creo que nuestro estilo es como deconstruir internet a su forma más primitiva, hasta el punto que empezó, y preguntarnos ¿qué era para nosotros? y sobre videojuegos y referencias a la transición analógica-digital que eso fue lo que vivimos.
Bruno: También creamos así una relación muy bonita con nuestros oyentes que han tenido una infancia muy parecida a la nuestra y unos gustos muy en paralelo.
P: Estamos en una escena muy creciente donde cada vez sale gente de ciudades más pequeñas, pero al final Madrid y Barcelona son las ciudades referentes, ¿Que creeis que falta para que ciudades pequeñas, pero con mucha escena underground, ganen más notoriedad?
Bruno: Yo creo que lo que falta es tiempo, yo la verdad soy de los que piensa que si que tengo una dicotomía en el sentido de si me gustaría irme a Madrid en algún momento para publicitar, pero por otro lado veo gente de a lo mejor Málaga y sólo desde allí ya hace lo suyo, como los chicos de Cold Malaga, que dentro de poco creemos que lo van a petar, y gracias a la hiperconectividad que tenemos ahora podemos hacer cualquier cosa y también noto que estamos avanzando un montón. Por ejemplo aquí en Vigo ya ha venido un montón de artistas y hay una gran escena.
Simón: Yo creo simplemente que es por un tema de población y la diferencia cultural entre ciudades por ejemplo en Vigo; yo ahora mismo estoy estudiando en Santiago y el ratio que hay allí comparado a aquí en Vigo es muy diferente, aquí te mueves un poco y ya hay gente que hace cosas artísticas y allí no hay nada. Yo estoy muy contento de que se nota que aquí en Vigo hay cierta sensibilidad cultural y no solo en nuestra generación, también en anteriores siempre hubo movida.
Bruno: Si, tal cual aquí en Vigo hay mucha cosa para apoyar la cultura, pero al final ahora puedes pegar un tema desde donde sea y me encanta. Yo creo eso, tú dale un poco de tiempo y creo que la música local va a estar mucho más establecida. También veo que aquí hay mucha gente que apoya y se pone a investigar gente nueva y tal y joe eso se agradece un montón.
Simón: Justo estas tres semanas pasadas fue muy loco, tres conciertos en sitios diferentes y ver a toda la gente junta y que vinieron de sitios más lejanos es súper reconfortante.
P. En Mujer Anestesia decís: “Avast Boys primer año en el internet” ¿Que podemos esperar del segundo año?
Bruno: Yo creo que un poco si antes nos estábamos moviendo en tres dimensiones yo creo que ahora vamos a movernos en cuatro, estamos intentando analizar hasta nuestras propias canciones y hacer cosas con otro estilo
Simon: Yo creo que el primer año fué probar los controles ahora ya sabemos cómo se juega y aprendimos las mecánicas y vamos a ir a romper el videojuego (risas)
Bruno: Sí, a sacarnos una no hit (risas) Pero si queremos hacer muchas cosas en el sentido de hacer varios videoclips y enseñar todo lo que hemos mejorado en diseño y sonido, mi hermano que es el que se encarga más del sonido y los beats pues ha mejorado un montón.
Simón: Yo creo que va a ser como explorar un montón nuestra identidad, probar cosas que se hayan hecho nunca, si que igual seguimos un poco con el glitchcore como ahora pero también probando cosas, por ejemplo ahora estoy haciendo cosas sin drums, mazo temas orchestral como soundtracks de videojuegos o algo así
Bruno: Avast Boys al ser proyecto personal también nos involucra a nosotros y nuestro estado anímico y trabajar en nuestra salud mental, que es como la parte que no se vé y que ayuda bastante a que estos proyectos salgan adelante, si estuviéramos muy mal estas cosas no saldrían
Simón: Influye un montón el tema de cuidarse mucho y tu salud mental es muy importante
Bruno: Eso es este año vamos a cuidarnos mucho y lógicamente también seguir con la música y los diseños y merch, pero el hecho de que hagamos música nueva y seamos mejores no quiere decir que a la gente le vaya a gustar. Eso tampoco lo esperamos porque estamos haciendo cosas que nos gustan, si la gente mira y le gusta pues de puta madre pero nosotros vamos a seguir fuchicando y haciendo nuestras cosas.
Simón: Hay que agradecer pasarlo bien haciendo estas cosas, el otro día estuvimos grabando un tema y yo me lo estaba pasando genial y por eso creo que va a estar guapo porque se nota que lo estábamos pasando guay y podemos contagiar ese sentimiento. Yo creo que es lo que más tenemos que valorar antes de que nos escuche mucha gente o no.
Bruno: Sí, para nosotros disfrutar del proceso es lo más importante y es lo que vamos a seguir haciendo este año.
“Yum”, primera canción, primera frase: “eres grande, eres bueno, eres rey, eres reina, eres un genio” suena acompañado de una base industrial amenazante, seguido de “me falta motivación, necesito una intervención”. Ruido, gritos y respiración fuerte, completan este arranque que conceptualiza perfectamente lo que slowthai quiere expresar en este disco. Un debate constante entre las tendencias impulsivas que parece no poder controlar versus un intento, a veces fallido, de amarse a sí mismo.
El tercer álbum de Tyron Kaymone (slowthai), es una exploración en lo más profundo de su psique. Slowthai muestra sus complicados sentimientos en tu cara, con rabia, porque de alguna forma, le enfada tenerlos. Te cuenta cómo no puede pararse a sí mismo en sus excesos, en su ansiedad, incluso cuando su vida profesional y personal va aparentemente bien. Intentando llenar un vacío que parece insaciable, se culpa a él mismo por su comportamiento. “Tenemos lo que nos merecemos. De alguna manera, nunca aprendemos. Desperdiciando vidas en la acera. Mientras todos buscamos algo” dice en “Selfish”. Una canción que introduce la producción de rock y punk con elementos distorsionados que veremos en todo el LP.
Uno de los singles “Feel Good”, irónicamente nos muestra lo que la sociedad espera de él, lo que se dice a sí mismo constantemente para convencerse de que todo está bien. Habla de que cada vez que llora, son “lágrimas de payaso”. Esta expresión se hizo famosa por la canción de Smokey Robinson & The Miracles de 1967 del mismo título.
Robinson cantaba sobre un personaje que «sonriendo entre la multitud, lo intenta, pero en una habitación solitaria, llora». Robinson se comparaba a sí mismo con un personaje de la ópera italiana Pagliacci, un payaso llamado Canio, que hacía reír al público, pero lloraba detrás de su maquillaje porque su mujer le había traicionado. Desde el inicio de su carrera, Tyron se ha presentado a él mismo como una persona alegre, bromista, energético, y aunque alguna vez ha dejado ver su lado más oscuro, normalmente solo mostraba su parte animada, lo que añade al conflicto interno.
A partir de la canción 5, no solo habla de síntomas, si no de sus causas. En “Never Again”, cuenta una historia de sus raíces, de la dura realidad de donde él viene, de drogas y muerte, y cómo podría haber acabado él de no haber conseguido salir de ahí. El mundo que le rodea es feo, oscuro y difícil. Bombardeados por anuncios, por estereotipos de belleza, con una cultura que te presiona para triunfar a toda costa. “Pantalla blanca, lavado de cerebro a un régimen, atascados persiguiendo una ventaja, somos perros fuera de la perrera. Todo este trauma en nombre de una medalla”, dice en la canción “Ugly”.
En “Wotz Funny” sigue con el mismo tema, describiendo la difícil situación en la que te pone la sociedad que te lleva a sobrevivir como sea. En una entrevista con Apple Music explica: “aquí expongo todas las cosas que no tienen gracia y de las que la gente tiende a reírse: el profesor yonqui que se queda sin casa en la calle, la madre soltera que trabaja duro, el viejo borracho que intimida a todos sus compañeros. Yo no tuve una familia, mamá y papá juntos, no fui criado de esa manera, así que mi normalidad es diferente a la de la gente que tuvo eso y que fue protegida y protegida. Algunas personas no pueden entender estas situaciones y somos juzgados por ello….”
El final del álbum, “25% club” funciona como una explicación del comienzo del disco, “Yum”. Es su contrapunto lírico pero también sonoro, con guitarras acústicas y angelicales voces de fondo. Explica el porqué de los excesos, del comportamiento autodestructivo. “Siempre hay un 25% que falta, y buscas a la persona, la cosa o lo que sea que tiene ese 25% y que te hace estar al 100%, que te hace estar completo. Creo que en un mundo en el que anhelamos estar completos, es un mito, un delirio de grandeza pensar que vas a conseguir esa pieza que te falta y que te va a hacer sentir completo. Es querer y anhelar, y no creo que nunca encuentras esa pieza que te falta”.
Con está realización, viene cierto grado de paz. Una aceptación de que aunque sea una persona incompleta y con muchos problemas, hay una posibilidad de mejora. Se rinde ante la búsqueda infinita de algo que llene su vacío, que solo le autodestruirá. Es un cierre optimista pero realista, no se van a solucionar todos mis problemas, pero puedo estar mejor de lo que estoy y no dejarme arrastrar por mi pasado y el mundo negativo que me rodea.
La vulnerabilidad de este álbum es digna de admirar. Slowthai te muestra sus sombras de la manera más visceral posible en un acto de limpieza, de aceptación, de catarsis. Conecta crítica social, sus pensamientos más profundos y sus conflictos para hacer un retrato de un hombre roto que encuentra una manera de amarse a sí mismo, o al menos intentarlo. No glorifica sus problemas de salud mental, su objetivo es superarlos. Como dice en la última frase del disco: “tenemos que rompernos como platos de porcelana, pero tengo pegamento para que podamos reconstruirnos”.
El colectivo barcelonés volvió a Madrid por segunda vez más fuerte que nunca para presentar la Holics Tape 2 en la capital, en una abarrotada y enérgica sala Independance.Hablamos con ellos para conocer sus impresiones de esta noche mágica.
Faxu, Concierto de Holics, Madrid, Alberto Noriega
Sobre las ocho y media de la tarde se abrían las puertas de la mítica sala Independance. La larga cola en la calle se vaciaba mientras los primeros ya cogían sitio dentro. Tarchi abrió la velada con mucha versatilidad y energía. El público pudo disfrutar de canciones como “gabri sun” o “1:50”, en las que Tarchi mostraba su abanico de registros. También pudo presentar su último proyecto “POST U” y dejó la sala a punto para el siguiente show.
Tras el breve descanso y la clásica pausa para fumar, abrió el show Henny’O con su ultra potente “Rick” producida por Shyne. Después se volvió la sala oscura y salió Wonkaflako a interpretar “Caronte” junto a Faxu para comenzar el show más grande del colectivo hasta la fecha.
Nino Rucci, Concierto de Holics, Madrid, Alberto Noriega
Entre canción y canción, entraban y salían los integrantes de Holics para interpretar temas como “Barbie y Ken” con el dúo de escándalo de Nino Rucci y Jujiskii producida por Santo Romeo y Prodd.Nico o el sonido intergaláctico de XTomyC con “Poledance” junto a Wonkaflako.
Se notó la ausencia de Uglywhiite que faltó por problemas de salud pero aún así salió Eflexx a cantar “Mala mía” y cantó las partes de Uglywhiite junto al público como también lo hizo con “Dolce & Gabanna”.
Henny´O, Concierto de Holics, Madrid, Alberto Noriega
Uno de los highlights de la noche fue el ya clásico himno “New Barcelona remix ” de Henny’O producida por Forrealnow y Albert Rei en el que pudimos ver a toda la sala vibrar y botar en los masivos pogos acompañados con los gritos y energía de Henny’O.
La noche continuó con sorpresas como la aparición sorpresa de Nevo Angel para interpretar “Madrid” producida por Chef C mano a mano con Faxu y subir los decibelios de la capital.
Jujiskii, Concierto de Holics, Madrid, Alberto Noriega
El momento más emotivo de la noche fue cuando empezó a sonar “Destiny” y toda la sala se llenó de flashes para los quince integrantes de Holics que cantaban en hermandad emocionados por lo que están logrando con su música, la moda y la pasión que le ponen a todo lo que tocan.
Al final el concierto, un público exhausto y rojo de bailar, gritar y disfrutar de lo mejor de Barcelona, aplaudió al gran concierto que dio Holics y dio por finiquitada una noche para el recuerdo de todo aquel que asistiera.
Eflexx, Concierto de Holics, Madrid, Alberto Noriega
El colectivo barcelonés demostró que su propuesta es buena y cuaja con una nueva generación de música en espalda. Cuando se presentan las cosas con honestidad y naturalidad, el público lo siente y responde dándolo todo, y eso fue exactamente lo que pasó.
Pudimos hablar con todos ellos después del concierto para conocer sus sensaciones y mensajes para el público.
P: Ha sido un conciertazo, ¿Qué tal la segunda vez en Madrid?
Santo Romeo: «Siempre es un placer volver a madrid, siempre nos reciben con los brazos abiertos el público y los promotores y nos flipa ver cómo nos apoya la gente desde tan lejos de casa. Quiero agradecer a todo el que vino, a Onfire por el post party y a todos los que nos apoyan para poder seguir viviendo este sueño. Y añadir que Santiago Medina es muy guapo.»
P: Tú como productor y alguien que está más atento al público e incluso bajas a disfrutarlo como uno más, que sensaciones te ha dejado hoy en la sala independance?
Forrealnow: «Este concierto ha sido el más tocho, en el que más enchinchada estaba la peña y en el que más hemos disfrutado. *Entre risas* Rucci debería aprender a apuntar al micro para que no se acople pero por lo demás, inmejorable.»
P: ¿Hola Rei, que tal ha sido volver a la capital, faltaban algunos pero como ha sido este retorno por lo grande a Madrid?
Albert Rei: “Sonará típico pero fue increíble, todos notamos el mismo o incluso más apoyo que en casa y siendo una ciudad lejana a la nuestra y a la que nos gustaría ir más a menudo pero nunca sabes que vas a recibir del público, pero recibimos mucho calor de la gente.
Era la primera vez que cantábamos la Holics Tape 2 y ha sido increíble ver cómo todos se la sabían y ver cómo lo trabajado da sus frutos. Hemos tenido algunas dificultades para reunirnos todos, ha sido un finde accidentado, otros estaban enfermos pero al final siempre lo sacamos adelante.»
P: Bueno Wonka, hazme una pequeña review de esta noche.
«Todo fue complementado por nuestros fans de Madrid que estaban entregados hasta el punto que de lo que cantaban no escuchábamos bien los monitores. Nos hicieron sentir muy cómodos, el público transmitió muchísima energía que a la misma vez nosotros tratábamos de devolverla pero todo la sala estuvo impecable. Ha sido el mejor show hasta la fecha.»
Wonkaflako: «Ha sido una mezcla de emociones por que tenia muchas ganas de poder estar con todos juntos en los escenarios y presentar la Holics Tape 2, que es uno de los proyectos que hemos planteado con mucha más seriedad y más seguridad en el directo. ¿Un mensaje para el mundo? Esto es sólo el comienzo, en breves se el apoyo se verá aún más recompensado para que la gente no pierda las ganas de seguirnos, escucharnos y venir a disfrutar los shows.»
P:Okeyjosep, creativo, productor y estilista barcelonés, es el nuevo Integrante de Holics. ¿Cómo fue tu inclusión y en que afecta a Holics?
Josep: «Mi entrada a Holics ha sucedido de forma muy orgánica, la verdad. Al fin y al cabo somos del mismo grupo de amigos y nos conocemos de sobra. Por mi parte llevo más de un año trabajando con Faxu y eso ha generado que en momentos puntuales haya trabajado con Holics. Creo que el punto de inflexión fue el desfile para la presentación de la Holics Tape 2, donde trabajé la producción, dirección creativa y el estilismo. Fue a partir de eso que nos gustó trabajar juntos y fueron surgiendo esas sinergias, como lo que ha acabado siendo Yabang, con Tomy, Forreal y Kero.
A raíz de ahí empezamos a hablar de Holics y cómo expandirlo a no solo hacer música, sino también cuidar la comunicación y el contenido, o incluso empezar en el mundo de los eventos y fiestas, y ahí fue donde se planteó que entrase al colectivo para dar un toque de meno en esta nueva faceta que queremos explorar.»
Este viernes 17 en Barcelona estará @holicsnetwork en @fuegorazzmataz junto a @luvtarchi, y presentarán por primera vez la Holics Tape 2 en casa, no os los perdáis!!
XTomyC, Concierto de Holics, Madrid, Alberto Noriega
Escena, la nueva serie documental de Amazon Music de la mano de White Horse, que radiografía las nuevas tendencias musicales, las influencias, historias y códigos de los artistas de esta nueva generación en España. Con cada capítulo acercarán al público los movimientos innovadores y rompedores de la actualidad a través un formato de episodios de una duración de 20 minutos aproximadamente.
Los Monsterz en la serie documental Escena
En este primer episodio nos presentan el mundo del género musical hyperpop, un género caracterizado por un pop electrónico, melódico pero distorsionado, voces robóticas y sonidos artificiales que se ve nutrido por otros géneros como el breakdance, EDM, techno entre otros muchos y que pretende acelerar y exagerar la música pop como fruto de una generación sobre-estimulada, marcada por la constante evolución efímera que vivimos en la actualidad, es una conexión intergeneracional.
LVL1en la serie documental Escena
A nivel internacional encontramos referentes como Sophie, Charlix XCX, Caroline Polcheck que han hecho de este género lo que es hoy en día y como influencian muchos de ellos en nuestra escena con sus sonidos, estéticas y trayectorias.
Los protagonistas en esta primera entrega son Rakky Piper, LVL1, Orslok, MDA e integrantes de los colectivos Holics y Monsterz, de los que vemos sus visiones y opiniones sobre el hyperpop.
Hablamos con Faxu, uno de los protagonistas del capítulo e integrante del colectivo barcelonés Holics, para que nos de sus impresiones en que le atrae y cómo cree que evolucionará el género.
“De aquí a dos o tres años el sonido se acabará de consolidar un poco más y llegará al mainstream, la gente se sentirá más cómoda dentro del género pero creo que queda mucho por explorar”
-Faxu
Él opina que lo que más le atrae es la accesibilidad del hyperpop, la capacidad que cada uno tiene de poder producirlo desde su casa y poner su toque personal en ello.
Por último le preguntamos a Faxu que tal fue la experiencia de estar en el primer capítulo de Escena. “Para mí fue una motivación que me tengan en cuenta ya no solo el público sino gente que quiere informar a otra sobre lo que ocurre en la actualidad”. Agradece haber sido incluido por el equipo de White Horse y a Genís Pena por la gran oportunidad de participar en Escena y poder ser uno de los referentes de esta generación.
Podéis disfrutar y compartir el capitulo entero en Amazon Music y en el canal de Youtube de Amazon Music y estar atentos a los siguientes que saldrán durante los próximos meses.
