Categoría: Música

  • nusar3000 | «Para mí, la música es el sentido de la vida» «

    nusar3000 | «Para mí, la música es el sentido de la vida» «

    En Clave De Gë | PRINT EDITION

    Los inicios de nusar3000

    ¿Cuándo empezaste a producir?

    En mi caso fue a los 12 o 13 años. Escribía letras de canciones y en ese momento no había type beats. Me daba un montón de palo ponerme a cantar encima de las instrumentales de los artistas que ya habían sacado los temas, porque era muy complicado que fuese mejor. Entonces empecé a trastear y a samplear movidas de jazz, de funk, de no sé qué… A hacerme mis ritmos. A medida que fue avanzando, me empecé a sentir cada vez más cómodo hasta que ya la producción se terminó convirtiendo en el centro de mis canciones. Al principio, siempre había sido autoproduciéndome.

    La enciclopedia musical hecha persona

    Me dijeron que eras una enciclopedia de la música, que no hay tío que escuche más música que tú. Sabes de música para dar y regalar.

    A cada ritmo, su contexto.

    ¿Crees que hoy en día los productores cuidan el dar contexto a sus producciones?

    No sé hasta qué punto es un movimiento unificado eso de que los productores intenten contextualizar. Cada vez la música es más un mercado que un arte, más que nada por la forma en la que se comercializa la música y los fines que hay detrás a la hora de hacer música; ahora, cuando alguien empieza a hacer música, normalmente tiene unas expectativas económicas de poder vivir de ello. No sé hasta qué punto los productores, como movimiento global, lo están priorizando, pero sí creo que estamos en un momento en el que las personas de mi generación estamos empezando a abrazar nuestro legado cultural. En vez de intentar hacer lo que hacen en Estados Unidos, estamos intentando abrazar nuestra lengua y nuestras raíces. Para mí, ya que no soy un productor con una formación técnica, me guío de forma intuitiva. La producción tiene que ser el soporte de la voz y, para que la voz tenga contexto, tiene que ser la instrumental la que hable para que no tenga que contar una historia la voz. Con ‘3000’ intento que no haga falta hablar textualmente del mar Mediterráneo y mis raíces, sino que sea la propia música la que te transporte ahí, independientemente de lo que diga la letra.

    Un trabajo de lo más personal,

    ¿Crees que los productores cuidan que los discos en los que trabajan estén bien curados?

    Creo que la putada es que, hoy en día, los artistas grandes no trabajan con uno o dos productores, sino con un gran elenco de productores. Si no tienes realmente la inquietud como artista, más allá del productor, de intentar hacer un álbum que tenga sentido entre los temas, es difícil coordinar a 10 personas que viven en lugares diferentes para que construyan un sonido en conjunto sin que haya habido una sesión de estudio de por medio.

    Tú eres de trabajar con pocos artistas, ¿verdad?

    Desde el principio, yo he trabajado haciendo remixes en mi casa. Pero cuando hago una producción con un artista, lo que me mola es meterme en el estudio con él, fumarnos un cigarro, dar un paseo, compartir música, que me enseñe las cosas que le molan, cómo es el sonido que se imagina, qué quiere transmitir, en qué etapa de su vida está… Es un trabajo de colega. Un productor tiene que ser alguien que te conozca, no alguien que te imponga una movida o replique el trabajo de otro productor anterior. Si tengo una sesión con un artista, dedico una hora y media o dos horas… A veces me ha pasado que tenía una sesión de 6 horas y no hemos hecho un tema porque hemos estado compartiendo música y hablando de nuestra vida… Cuando yo estoy produciendo para un artista, intento comprender cuál es el imaginario y las cosas que le inspiran. Intento así unificarlo con mis referencias, mis influencias y el momento en el que estoy. También la bendición que tengo es que los que vienen a producir conmigo conocen mi sonido. Suele salir todo a la primera, a falta de un par de arreglos.

    Los objetivos subyacentes a la hora de hacer música.

    Si ves la música como una fuente de dinero, estás cometiendo un error, ¿no?

    Para mí, ganar dinero con la música tiene que ser una consecuencia, no la intención. Cuando amas lo que haces y tienes cariño por… Es lo mismo que ser zapatero o trabajar en cualquier oficio relacionado con la artesanía. Aunque haya un fin de poder no tener que trabajar en otra cosa para hacer lo que te gusta, creo que es necesario amar lo que haces. Y puede que, a la larga, eso te haga ganar dinero.

    Quieres decir que la meta no debería de ser el objetivo principal, más bien el camino que recorres hacia ella.

    Total. Además, en el camino es donde te conoces. Si yo tuviera el mismo objetivo que tenía cuando tenía 14 años, ahora mismo no estaría cumpliendo mi objetivo; estaría cumpliendo el objetivo de un niño. Entonces, como por el camino me voy descubriendo y me voy conociendo, el objetivo va cambiando. Por el camino descubro, aprendo, cambio… Al menos yo soy una persona que está en un continuo proceso de cambio.

    Y además te dota de personalidad, algo que siento que es importante en cuanto a la producción. Aquí cada vez hay productores más originales.

    Total. En España hay muy buenos productores como Nadddot, JAMBO o Nico Barán… Muy buenos productores que tienen reconocimiento internacional y que en España no han recibido el reconocimiento que merecen. Y luego también están todos los chavales que se autoproducen en España, como los de RusiaIDK, que son artistas.

    El caballero detrás de la malla de acero.

    Cuidas mucho el misterio, tanto musicalmente como físicamente, hasta el punto de hacerlo único.

    Qué guay. No sé, intento que mi música sea el centro de atención. La estética acompaña a la música. Por eso también está el tema de currar un traje carísimo o grabar un videoclip en Marruecos; la idea es que todo se centre en el arte. El anonimato es la forma en la que puedo mantener el arte más puro, sincero y leal a mí mismo. Es mejor hacer tu movida, hacer el arte de la mejor forma que puedas y sudar un poco de la fama, del ego que la rodea y del reconocimiento público.

    Muy cierto. Además, la fama corrompe mucho, siendo la música donde más.

    Sobre todo, a nivel de persona. Al final hasta el artista más artista es una persona vulnerable, sensible en cierta manera y con preocupaciones e inquietudes. Además, tienes la presión de tener que cumplir las expectativas de la gente.

    La música para nusar3000

    Y, por último, ¿qué es para ti la música?


    La entrevista en versión digital ya está disponible en nuestra web. La versión íntegra con fotos inéditas está en el print #001 de Calle52, disponible en el link en bio.

    Créditos

    Agradecimientos especiales

    @yabang.bcn · @wowconcept_ · @antoniobarroso9440

    Vestuario — Marcas presentes

    ONRUSH · JIL SANDER x PUMA · YABANG · JEAN PAUL GAULTIER · WOW CONCEPT · NIKE · ADIDAS · DOLCE & GABBANA · DSQUARED2 · KARLO MÓDENES · SENDRA · BOLTAD

  • María José Llergo: «Mi religión es cantar»

    María José Llergo: «Mi religión es cantar»

    Con Ultrabelleza, María José Llergo ha consolidado una voz única que atraviesa géneros y fronteras. En esta conversación con Calle52, hablamos de raíces, prensa, flamenco, Tiny Desk y su forma de entender el arte como puente entre amor y música.

    Raíces y naturaleza

    ¿Qué serías si no hubieses cantado nunca?

    Estaría en el campo. Podría ser guarda forestal, pastora o tener un refugio de animales. La música me encanta, pero lo que siento cuando ayudo a un animal no lo siento jamás. Aprendí a cantar con mi abuelo mientras sembraba el huerto; él me decía: “ahora cántalo a tu forma, como los pájaros”.

    Industria y prensa

    ¿La música te ha acercado a algún vacío?

    La música no tiene nada malo, lo que lo tiene es la industria: la presión, los titulares que no te representan. Con el tiempo aprendí que un titular no me define. Mi relación con la música es pura, ahí no se mete ni Dios.

    ¿Cómo gestionas la relación con la prensa?

    En los comienzos fue duro. Un medio dijo que “me quedaba grande la prensa”. Luego gané un Goya y el mismo medio aplaudió. Es cuestión de perseverar: no eres un momento, eres la vida entera. La música nunca te abandona.

    Tiny Desk y el mensaje universal

    Eres la quinta persona española en tener tu propio Tiny Desk. ¿Cómo lo viviste?

    Fue una oportunidad inmensa. Yo veía todos los Tiny Desk, para mí eran una enciclopedia musical. Cuando acabé me eché a llorar de la emoción. La gente me dice “no he entendido una palabra, pero he sentido todo”. No hay barrera del idioma, la emoción lo traspasa todo.

    Córdoba y el flamenco

    ¿Cómo llevas la relación con tu tierra?

    Maravillosa. Soy lo que soy gracias a mi tierra. Es mi raíz, y todo lo demás son mis alas. La dignidad de la gente de campo me guía: quizá no tengan dinero, pero tienen libertad.

    ¿Y la situación del flamenco en Córdoba?

    El flamenco es un tesoro, un diamante que hay que pulir. Córdoba es mágica, con artistas como El Pele, Lin Cortés o Nani Cortés. Falta industria inclusiva que cuide a los artistas y permita que nuestro legado cultural no se pierda.

    Arte, poesía y legado

    ¿Qué papel tiene la escritura en tu vida?

    Escribo todos los días poesía, aunque no la canto. Respeto la esencia de cada cosa: sé lo que es un poema y lo que es una canción. También me inspira el legado de Gata Cattana; la tengo muy presente en mi obra, le pregunto muchas cosas.

    Lo sagrado y la creación

    ¿Qué es lo sagrado para ti?

    El amor. Todo lo demás son fuerzas que intentan controlarlo. Mi religión es cantar, mi forma de rezar es cantar, mi forma de vivir es amar y mi forma de amar es hacer música.

    ¿Qué necesitas para crear?

    Dormir bien, comer bien y que mi familia esté bien. Se puede hacer arte desde la felicidad, no es necesario romantizar el sufrimiento. Mi filosofía es simple: aprovechar el presente y sembrar cosas bonitas para que florezcan mañana.

    El consejo de los mayores

    “Canta, cobra, pero no te vendas”, me dijo mi abuelo. Ese consejo lo llevo siempre conmigo. Más allá de mi voz, me importa que la gente recuerde mi persona y que mi existencia haya servido para que nos queramos más y mejor.


    La entrevista íntegra, con todo el proceso creativo y su visión completa, está disponible en el print #001 de Calle52 junto con material fotográfico exclusivo.

    Créditos

    Agradecimientos

    Barro Lucas (@barrolucas) · Anel Yanos (@anelyanos) · M de Paulet (@mdepaulet) · Singularu (@singularu) · Simorra (@simorra)

  • Barry B: «Nunca he actuado por el fan service»

    Barry B: «Nunca he actuado por el fan service»

    Tras el éxito de CHATO, su LP de 12 cortes, Barry B se ha consolidado como una de las voces más auténticas de la nueva música española. En Calle52 hablamos con él sobre crisis creativas, autenticidad frente al fan service, el papel del rap y su manera de entender la industria.

    Después de “CHATO”

    El recibimiento del disco ha sido masivo, con artistas y público volcados en tu música. ¿Cómo se enfrenta la carrera de un artista después de un éxito así?

    Mucho mejor de lo que me esperaba. No sabía que iba a tener este recibimiento y contar con el aval tanto del público como de la industria te da una tranquilidad enorme para hacer lo que quieras.

    ¿Sentiste algún vacío después de culminar una obra así?

    La primera semana tuve unas buenas crisis después de estar todo el año a piñón con el disco. Acabas y te quedas sin nada, solo te quedan las opiniones de la gente. Luego me envalentoné gracias al recibimiento y salí de esas crisis. No tengo palabras para describir lo que supone que alguien me diga que el disco le ayuda en sus momentos bajos.

    Autenticidad por encima de todo

    Tu línea siempre ha sido hacer lo que quieres, sin seguir lo normativo.

    Me gusta hacer lo que sale de los mismísimos. Si le rebota a la gente, que le rebote; si le mola, que le mole. Pero al menos quiero sentir que he hecho lo que he querido. Ya estaba muy harto de pensar en lo que la gente pudiera interpretar o querer.

    «Nunca he actuado por el fan service. Por lo menos quiero sentir que he hecho lo que he querido.» — Barry B

    El valor del rap

    ¿Cómo entiendes el papel del rap hoy en España?

    Las personas de a pie se identifican más con las letras de un rapero porque realmente viven lo que cuentan. La gran parte de la población son trabajadores de negocios pequeños, que viven el día a día de manera ultra apurada, y eso quién mejor lo describe es un rapero o una rapera.

    Industria y equilibrio personal

    Tras el éxito, ¿te sientes más obligado a entrar en la dinámica de la industria?

    Hay dos o tres eventos a los que no puedes faltar, el resto mejor evitarlos porque son parte de que te coma la industria. Lo más importante es volver a casa y estar tranquilo. Veo a mogollón de artistas que no faltan a nada y luego no proliferan: está muy bien ir de barra libre en barra libre, pero tienes que centrarte en crecer como artista y en que tu material sea lo suficientemente bueno.

    El futuro

    ¿Qué viene después de “CHATO”?

    Siempre estoy trabajando en nuevas ideas. Después del disco llegaron El BB de la luz e Infancia Mal Calibrada (ya disponible), y con lo que tenemos se podrá armar un EP. Es la evolución natural de “CHATO”, un camino creado para hacer canciones gritables en directo.


    La entrevista íntegra, con todo el proceso creativo y su visión completa, está disponible en el print #001 de Calle52 junto con un material fotográfico exclusivo.

    Créditos

    Marcas

    Mans Concept Menswear, Unode50, Scrtco, DAME APRES PARIS, Düa Düa, DSas3 Studio, John Galliano, Dolce & Gabbana, Prada, New Rock, No Faith Studios, TwoJeys, Dior.

    Agradecimientos

    Polemo Madrid, Postproducción, Pelonio, Optik Archive.


  • Dano clausura su era “Nuevos Trapos” con una oda al hip-hop en La Riviera

    Dano clausura su era “Nuevos Trapos” con una oda al hip-hop en La Riviera

    La Riviera, templo de la música en la aorta de la capital, acoge por segunda vez a uno de los
    artistas más notorios del rap en español. Laureado por grandes compañeros de oficio y
    respetado por miles de “hiphop-heads”, Dano ha logrado tejer un vínculo generacional entre
    adultos y jóvenes.

    Su repertorio de referencias aborda desde Gil Scott-Heron hasta TikTok, lo que ha acercado su música a gente muy distinta, solo hacía falta pasearse por la puerta de la sala. De chavales con la equipación del Inter de Milán a padres con sus hijos llevando merchandising de RapSolo. El ambiente era variado pero se sentía como una pequeña comuna de fanáticos del MPC y la ropa de Nautica.

    El escenario se sentía sobrio, sin ornamentos ni escenografía muy notoria. En lo personal no me preocupó; ya he visto varias veces a Dano y no ha necesitado visuales impactantes o llenar el escenario con cartón piedra para remarcar su actuación. Borirock, el rapero de Boston, sorprendió sabiendo afianzarse en un escenario muy extenso con un público desconocido para él.

    El papel del telonero es complicado, pero también es un foco de exposición que puede abrirte a un público que no te habría descubierto de otra manera. Por suerte, el bueno de Bori supo poner sus cartas en la mesa y encandilar a un público que no dudaba en tenderle la mano. Me hizo buscar su perfil en Youtube para escucharle en un futuro, y considero que no hay mejor desenlace que ese para un telonero.

    Fotografía @gtripodo

    La llegada del argentino era inminente, ya se palpaba en el ambiente (escribir sobre Dano me fuerza a crear pareados, pido disculpas).

    Con la llegada del inmortal Dj Swet y el contacto de la aguja con el vinilo se dio el pistoletazo de salida al concierto.

    Sonaba Magic Vac, el tema con el que abre su último disco Nuevos Trapos. El “drumless” que ya se siente uno de los hitos de la carrera del rapero resultó ser la manera perfecta de abrir el bolo. Fue con la salida de Dano que recordé por qué la gente viene a verle una y otra vez: vestido como siempre (esa camisa de Casino atemporal y su gorra habitual) pero con ese caminar y actitud de alguien que ya ha pisado decenas de escenarios. Entiende perfectamente cuándo interactuar con el público, qué descansos tomar y cómo reconocer a todos los artistas que pasaron por el escenario.

    Fotografía @gtripodo

    Y es que aquello fue una fiesta del rap y un recordatorio para todos de que es un género que nunca desaparecerá. Desde artistas ya asentados como Johnny Doc con su Vividor  hasta cantantes emergentes que están comenzando a despegar como Lua De Santana, quien salió para deleitarnos con su verso en Notorio. A destacar entre las colaboraciones la aparición del estelar Escandaloso Expósito, quien ya se siente un cameo necesario en todos los conciertos de Dano. Con su saxofón pintó la sala de sensualidad y elegancia como solo él puede. La presencia de DJ Swet siempre acentúa el concierto y te hace sentir dentro de una fiesta de rap en Queens. Su maestría sobre los platos y el talento para transicionar entre canciones hizo que me quedase embobado mirando al fondo del escenario.

    En el concierto hubieron “nuevos trapos”, pero no faltaron sus greatest hits: desde joyas de Istmo como Lenguaje Roto de la mano de Israel B o De la Mano, quizás el momento más especial de la noche en el que Dano desempolvó la MPC de Lex Luthorz y logró que el público participase como si fuese un botón más de la máquina. De su última mixtape, El Hombre Hace Planes Dios se Ríe, cantó la que considero que es de sus canciones más célebres, Con Billetes. Fue uno de los momentos del bolo en el que más cercano sentí al público.

    Fotografía @gtripodo

    El final fue algo agridulce (así me lo describió un chico a la salida de la sala), debido a un parón algo anticlimático en los últimos minutos. Cuando volvieron a lo que parecía un último tema (el público llevaba un largo rato coreando “otra, otra”), Dano sorprendió a toda La Riviera con un acto final con instrumentos en directo (Hoss Benítez a la batería y Dj Swet a los platos), una versión más movida de Gold Chains y la presencia del inigualable Escandaloso Expósito para cerrar con Gaviotas.

    Dano sigue abriendo nuevos frentes, jugando con la música y peleando contra el paso del tiempo y la brecha generacional en el rap, cada vez más presente. Sus conciertos y su discografía son el ejemplo más vivo de que el hip-hop es una herramienta, un sello cultural que sigue latente en los corazones de jubilados y niños, la música que lleva acompañándonos a muchos desde que nacimos. Esperemos que, en un futuro no muy lejano, podamos volver a verle pasearse por tarimas como solo él sabe.

    Fotografía @gtripodo

  • RIVERLAND 2025

    RIVERLAND 2025

    Postureo, Peleas y muchos Pogos en Arriondas

    Llega finales de agosto y otro año más, el valle de la música de Asturias ha llevado a cabo una de las mayores convenciones de mullets, aritos, jeans baggy y de música urbana del país.  Recibiendo a más de 50.000 hombres performativos, raxetas, chonis, canis y pijos “del rollo” de todas partes de España, con un line up que precisamente refleja esa audiencia ecléctica en su curación, el Riverland ha vuelto a apostar tanto por el talento emergente como cabezas de cartel ya consolidados, despidiendo el verano con otra edición inolvidable. Con un finde repleto de más de 70 artistas, DJ sets hasta el amanecer, alguna que otra pelea, caídas, mucho cachopo, sidra y baños en el río bajo el sol asturiano, os traemos un repaso de lo ocurrido. 

    Empezar el primer día ya con media hora de retraso no desanimó en absoluto a los asistentes, quienes corrieron para pillar buen sitio tan pronto como se levantaron esas vallas, entrando en tromba para ver a G la Sosita, acompañada por Gloosito, quien dio el pistoletazo de salida al festival en el escenario principal. Desde entonces no nos sacamos “this is a certified hood classic puta” de la cabeza. El primer día prometió actuaciones inolvidables y cumplió, con los shows de Judeline y Ralphie Choo, barras de la mano de La Blackie y L0rna, y una plétora de apuestas diferentes por parte de Mushka, Xiyo y Fernandezz, Rojuu, Guxo, R8venge y otros.

    Xiyo y Fernandezz fueron una de las sorpresas más gratas de todo el festival y es que en tan poco tiempo han conseguido atraer la atención de absolutamente toda la industria, hasta tal punto que apenas se podía dar un paso alrededor del escenario. Allí presenciamos uno de los mejores conciertos de reggaeton del Riverland y uno que podrían haber perfectamente llevado al escenario principal. “Do you remember” sin duda fue una de las canciones que caracterizó esta edición. 

    A pesar del increíble coro y equipo que llevaba, quizás el setlist de Mushka no fue el más acertado para esta ocasión en comparación con su actuación del año pasado, el cual fue bastante más dinámico. Sin embargo, siguió siendo un show digno de ver, y simplemente se puso el listón demasiado alto. 

    Entre alguna lágrima que otra, el show de Judeline nos dejó en igual partes boquiabiertos, con ganas de perrear y aterrados por las expresiones faciales viscerales de sus bailarines. El de Ralphie Choo bajo un poco más el tono y teatralidad y se enfocó en su dominio con los instrumentos y la nueva línea estética que pretende seguir como artista, repasando hits como “BBY ROMEO”, “GATA” Y su último single “D’amor traficante”, bajándose del escenario para acercarse a su público bajo una ligera lluvia. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Ya de madrugada volvimos al fronteo de la mano de la Blackie, la cual antes estuvo por el camping regalando camisetas promocionando su último single “PU$$Y HOE” y también fue una de las actuaciones sorpresas del escenario de Gallery. Ella dio la talla como era de esperar, con una producción minimalista, mucha actitud y habilidad de soltar barra tras barra sin trabarse. Por desgracia, su show solapaba con el comienzo del de L0rna, uno de los peores solapes del festival, y esto de poner a dos iconos a la vez, esperemos que no vuelva a pasar.

    A diferencia del bolo improvisado de días antes que dio Lorena en la edición anterior, este año ha logrado hacer una prueba de sus capacidades como artista con un repaso de hits como “IMAGINA COMO SOY” y “FP DE PELUQUERÍA”, desbordando humor y carisma. También contando con invitados, entre ellos Metrika, GlorysixVain, Vampi y Yeidos, se coronó como una de las mejores del día. 

    Poco antes de descender a la selección exquisita de DJs para bailar toda la noche, entre ellos Lucía Reina, Selecta, Virtual Flavor y el Wiwi, Rojuu tuvo uno de los shows con más energía del Riverland como es de esperar. Pogos, botes y la caída de su amigo Akira mantuvo a su público de otakus a sus pies, bailando, gritando, saltando y disfrutando del show.

    El segundo día no iba a ser para menos y todo apuntaba a que sería otro día de espectáculos inolvidables y buena música, con algo muy peculiar para Riverland… buen tiempo. Fue un día igual de ecléctico y diverso que el primero, reuniendo a promesas como ladiferencia2006 y Brocki con Juicy BAE, BB Trickz, MVRK, un showcase secreto de los Swaggerboyz, Teo Lucadamo, Metrika, Rusowsky, Albany, Raly y muchos más. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Al igual que Xiyo y Fernandezz, Ladiferencia2006 en poco tiempo se ha convertido en una de las mayores promesas del urbano, cosa que fue respaldado por la multitud de gente también presente en su show cantando cada canción desde “tussicólogo” a “dime”. 

    Luego llegó la hora de una de las veteranas más respetadas y shows más esperados del Riverland, el de Juicy BAE. La sevillana dio un repaso (casi) completo de su último disco “El Secreto”, pero nos dejó con ganas de algún tema de sus proyectos anteriores como el de “PTSD”. En un set bastante más acústico e instrumental y con menos autotune en comparación con lo que ha traído al escenario anteriormente, mostró su evolución artística.

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Después tocó intentar dividirnos en dos para llegar a (volver a) ver a los Swaggerboyz en el escenario principal y a Teo Lucadamo en el bosque, otra de las promesas y nombres que más han destacado este año, el quién con unos visuales del Mario Kart y un público entregado firmó una actuación más que entretenida. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Poco después, pasamos brevemente por los pogos de El Virtual, justo a tiempo de ver a Metrika cantar “Special K” junto a él y ya nos acercamos a ojear que hacía la más mala de España, BB Trickz. Que se hable más de los dramas que montó en un concierto ajeno en sí habla bastante de la calidad de espectáculo que trajo al escenario principal y es que tener a un público que hace pogos hasta por las canciones más tristes del mundo completamente estático es algo difícil de conseguir. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Partiendo la carpa por la mitad, como Moisés el mar rojo con 30 guardaespaldas, emergió la Madre Fundadora y sus bailarinas mientras de fondo había voces de niño en turco mezclado con hardstyle y “O Fortuna” de Carl Orff. Puro cine y la mejor entrada del Riverland de este año. Solo con eso habría bastado para convertirse en uno de los shows más comentados, pero luego pasó nuestra versión del altercado de los VMAs de Kanye West y Taylor Swift.  

    El concierto tardó un minuto en convertirse en la velada, con BB Trickz y su equipo intentando increpar a Metrika, subiéndose al escenario y quitándole el micrófono lanzando una frase (en respuesta a algo que dijo la de Castellón hace más de un año en el Infierno festival): “¿Tú no me dijiste que me ibas a robar los racks?”. Entre empujones, gritos y una copa tirada a Metrika por parte del manager de BB Trickz, el cual recibió un puñetazo en la boca bastante merecido, ambos equipos se bajaron del escenario. Tras el transcurso de una media hora, volvieron para continuar con el show con el ánimo del público por el cielo, dejando claro que el beef no era nada pactado. Con su fiel escudero D.Basto de fondo y sacando a Main Costa, Euskoprincess, L0rna y Glorysixvain, Metrika firmó un show profesional, trabajado e inolvidable. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Algo raro había en el aire de la Carpa de Jagermeister, ya que la alteración entre Metrika y Trickz ocurrió poco después de que MDA tuviese que parar su actuación en el mismo escenario debido a prácticamente abrirse la cabeza, retomando los 20 minutos de show que le quedaban el día siguiente. 

    Volviendo al escenario principal, vimos a Rusowsky, otro artista que ha estado en boca de todos con su último disco, “Daisy”. Nos deleitó con líricas sentidas y un mood melancólico, también dejando espacio para momentos más energéticos como “SukkKK!!” con la Zowi y la aparición de Ralphie Choo. Un show bastante dinámico y bonito, con besito con Ralphie incluido.

    Adentrándonos aún más a la madrugada, el Riverland se convirtió en una macrofiesta, con actuaciones de Albany (acompañada de un Eevee gigante), El Bugg, Raly, Sita y un cierre de día de la mano de DJ sets de Casa Pepa, Sneaky WH y Naddot b2b Bexnil. Por desgracia, éramos pocos y parió Kabasaki y el artista tuvo que cancelar su aparición debido a que literalmente se había convertido en padre, algo que figurativamente ya lo era para muchos. Sintiendo su ausencia, lo dimos todo, cerrando otro día más acompañados de hits clásicos de ayer y hoy. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    En un abrir y cerrar de ojos, el tercer y último día de desenfreno llegó. Yung Beef, Sticky M.A., Disobey, Barry B, L’Haine, Lua de Santana, Bon Calso, Euskoprincess y Çantamarta entre otros, dieron el toque final para cerrar otro año de experiencias inolvidables. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    La tarde del final del Riverland comenzó con todo el swag dosmilero de TK MAMI, una de las artistas que también han dado un boom en poco tiempo. La Barcelonesa tomó el escenario del Bosque donde, acompañada de visuales bastante camp, consiguió animar bastante a un público que llevaba varias noches sin dormir bien y días de festival con sus hits virales como “KXONDA”, “Rata de internet” y una inédita con Main Costa donde tuvieron a todo el público saltando y moviendo las cabezas de principio a fin.

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Çantamarta aterrizó en el festival con una propuesta bastante diferente al resto del cartel, algo con lo que el vocalista medio venezolano y colombiano Luislo bromeó durante el set. Acompañado de sus compañeros andaluces Omar y Beni y una banda impresionante, presentaron su versión de música urbana, cantando temas de su último disco “PASARELA”. Super entregados, humildes, graciosos y talentosos. Nada de autotune por aquí. 

    L’Haine, a pesar de no haber sacado mucha música durante el año, dio un show bastante puntual y bien hecho, revisitando hits como “7 vidas”,  “Connie Nikas”, “DE LA FORMA EN QUE YO QUIERO” y también temas de su último EP “CONCRETO” como “HOT!”. Pablo Chill E llegó desde Chile a Asturias para tener al público cantando sus éxitos “Resentia” o su colaboración “Exótica” con La Zowi, bajo la Carpa de Jagermeister. 

    Uno de los más esperados por el público fue Disobey quienes ya actuaron el año pasado pero bastante más temprano. Con la mejor entrada del día y uno de los mejores del festival, con montañas de racks, chalecos antibalas, y caretas como si viniesen directos de un atraco del GTA, tuvieron  el escenario principal abarrotado de miles de fans que estuvieron saltando y pegándose pogo tras pogo. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    En El Bosque, dando su primera actuación en el festival, fue Lua De Santana acompañada de dos bailarines. Simplemente inmaculado. Coreografía, vocales, actitud, outfit y un repaso de temazos tanto ya sacados como “MENINA” y “PiRi PiRi” o algunos inéditos, entre ellos “PUXA – SACO” producido por el mismísimo Safety Trance. Un show digno del escenario principal. La brasileña de Vigo demostró lo que ya sabíamos: se va a comer el mundo, está en su mejor momento y hay mucho por venir.

    Finalmente, llegó la hora de dos de los pesos más pesados de la industria, Sticky M.A y Yung Beef. Con una puesta en escena llamativa, Sticky M.A. se encargó de formar una cantidad de pogos incontables y mantener la energía por el cielo, cantando clásicos del urbano como “Piensa en Mí”. También hubo otros de pura buena vibra con el público bailando y disfrutando, entre ellos “Tus Ojos” para luego finalizar de manera emotiva con “Ending (mágico)”.

    El rey del trap en España, Yung Beef salió al escenario acompañado de bailarinas enmascaradas y su más fiel Hakim para traer su “Día de la bestia” a Asturias, demonio que escupía sangre y burla de la situación vivida por Metrika el día anterior para introducir “Nike Tiburón” incluido. Sacando a los nuevos fichajes de La Vendición como 8belial, Xiyo y Fernandezz y Glorysixvain, demostró por qué se le considera el padre de esta industria. Temas como “Diablo – Remix”, “METALLICA” y “Ready pa Morir” no podían faltar tampoco. El concierto fue sin duda uno de los más energéticos y agresivos, y seguro que dejó a la gente con ganas de escuchar el siguiente trabajo de Yung Beef.

    Dos de las grandes actuaciones finales fueron Bon Calso y Euskoprincess que dieron dos conciertos un tanto distintos, pero igual de increíbles, llenos de fuerza y de los que más disfrutaron los asistentes del Riverland. Bon Calso en el escenario principal con una pistola hinchable enorme, bailarinas y de las mejores puestas en escena del festival y Euskoprincess (la primera artista abiertamente trans del festival) con un cuerpo de bailarines, discurso reivindicativo e invitados para cantar bendecir el “TOTOSAKI”. 

    Para cerrar la edición 2025 del Riverland tuvimos los DJ sets de Parkineos, Amygdala y Skinyz quienes entre todos nos pincharon las mejores producciones electrónicas y mezclas de géneros como el rap, hardstyle, jerk y más, dejando la pista caliente para el cierre definitivo de Cencii, donde el gaditano lo dejó por todo lo alto con sus producciones y clásicos de la escena española.

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam

    Estos tres días, además de los dos escenarios de siempre “El valle” “El bosque”, pudimos disfrutar de dos espacios nuevos como el escenario de la Carpa de Jagermeister y el Gallery en colaboración con Footlocker con artistas emergentes como Eflexx o CMarí sorpresas de invitados, mostrando un aumento de nivel para el festival. Esto no fue lo único aumentado sin embargo ya que el abono general del festival subió de precio casi un 40%. Desde aquí también aprovechamos para decir que esperamos que la gestión de servicios de autobuses de ida y vuelta a se lleve a cabo con mejor organización y no con 4 horas de atraso como pasó con los autobuses de vuelta a la capital. 

    Eso dicho, este Riverland 2025 ha sido otra edición inolvidable con un buen tiempo en un lugar maravilloso donde disfrutamos de nuestra música favorita, desvirtualizamos a gente con la que discutimos por Twitter (X) e hicimos amigos con gustos parecidos. Estaremos esperando con ansias para que llegue finales de agosto de nuevo. 

    Fotos by Andrea Delgado @Rea.digicam
  •  MAGNA: nostalgia, Medellín y pop experimental

     MAGNA: nostalgia, Medellín y pop experimental

    Desde Medellín hacia el mundo, MAGNA ha construido un universo sonoro que mezcla pop experimental, raíces afro y una fuerte carga de nostalgia. En esta conversación, el artista nos abre la puerta a sus influencias, su carácter y el rumbo de su carrera.

    Los orígenes

    MAGNA viene de Medellín, Colombia. ¿Qué escuchaste ahí para años más tarde formar un sonido que tira tanto hacia el pop experimental?

    Realmente yo crecí escuchando demasiado urbano y hip hop de Medellín. Fue luego de unos años que me empezaron a gustar mucho las fusiones de sonido, ver artistas que les gustaba experimentar en su música. A los 21 años también me encantaba la escena española y argentina, como lo hacía C. Tangana, Nathy Peluso, Rels B y muchos más artistas que fanaticaba.

    A nivel personal, ¿qué huella ha tenido venir de allí en tu carácter?

    Creo que todo Medellín forjó mi carácter, me hizo quien soy, la cultura acá es una cultura de valores.

    Pregunta cortita y al pie: ¿Cómo surge el AKA?

    Así me decían porque era la marca de la bicicleta que tenía cuando era un niño.

    El sonido de MAGNA

    ¿Qué proyecto recomendarías a alguien que no te conoce para descubrirte mejor? ¿Por qué?

    Les recomendaría TODO PUEDE SUCEDER, es un pedazo de mí en un álbum de diez canciones. Literalmente podrían encontrar ahí todos los espacios en los que me gusta experimentar.

    En gran parte de tus piezas hay algo de afro. ¿A cuáles consumes tú?

    Me encantan artistas como Tyla, Rema, Burna Boy, entre otros.

    También hay mucho sentimiento de nostalgia, ¿cómo lo definirías y qué lugar ocupa en tu vida?

    Amo hacer música nostálgica. Realmente crea un sentimiento en las personas y las conecta a situaciones que hemos sentido pero que no son capaces de decir. Por eso me gusta ser la voz de cosas que la gente que me escucha no puede expresar.

    He estado bicheando la procedencia de tus oyentes: de las cinco ciudades que más te escuchan, solo una es de Colombia. ¿Qué sientes al saber que triunfas más fuera de casa?

    Siento que el sonido que hago todavía no es muy fuerte en Colombia, es un sonido que quiero consolidar. E igual, por otro lado, es muy lindo saber que en países como México les encanta mi música. Siento que tengo una segunda casa.

    Colaboraciones y futuro

    Sueles colaborar con los artistas justos en tus discos, ¿quién te queda por invitar?

    Me falta por invitar a demasiados artistas. A mí me encanta colaborar, ver cómo el arte de otra persona mezclado con el mío crea piezas tan únicas. Espero seguir colaborando con muchos más artistas y poder trabajar con los más grandes.

    Después de varios proyectos, sencillos y colaboraciones, ¿qué rumbo toma tu carrera?

    Seguir trabajando demasiado para llevar la carrera a otro nivel. Siempre mi meta ha sido ser un referente global y trabajo para llegar a eso.

    Cruz, entre la música y lo visual

    En Cruz exploras ese vacío que queda después de un momento importante. ¿Fue una experiencia personal la que inspiró esta canción o nació más de observar lo que pasa alrededor?

    Cruz es una canción que compongo pensando en quién estará cuando yo no tenga nada, quiénes son los que realmente te aman sin importar qué. Nace más del pensar en el futuro y de quién realmente está con uno porque lo quiere de verdad.

    El videoclip de Cruz cuenta con un equipo creativo de primer nivel, desde Mau Morgó en la dirección hasta Paty Abrahamson en el estilismo. ¿Cómo influyó esta colaboración en la forma final del proyecto y qué querías transmitir visualmente que la canción sola no contara?

    La colaboración influyó demasiado. Junto con ellos lo llevamos a otro nivel, desde la forma de vestirme a todo lo visual. Creo que la canción por sí sola tiene demasiado poder, pero este video realmente deja un statement artístico: que se viera que MAGNA es un 360, y cuida cada detalle de su proyecto.

  • Kendrick Lamar y SZA: una histórica cita a bordo de un Buick.

    Kendrick Lamar y SZA: una histórica cita a bordo de un Buick.

    El Buick Regal Grand National es un coche de la marca General Motors protagonista de algunos de los momentos más históricos de la historia estadounidense. El nombre de este automóvil se debe a Darrel Waltrip, bicampeón del campeonato Grand National de la NASCAR. También es el nombre de la histórica gira de Kendrick Lamar y SZA, que ha sido catalogada como la más taquillera de la historia. Cómo no, nosotros estuvimos ahí para contároslo.

    El pasado 30 de julio, Barcelona se preparaba para vivir una cita histórica, pues Kendrick Lamar y SZA tenían preparados una noche inolvidable para las más de 48.000 personas que albergaría el Estadio Olímpico Lluís Companys, ubicado en Montjuic.

    En nuestra subida al estadio, que nos tomaría unos 30 minutos desde Plaza de España, una odisea de fanes con entrada en pista corrían para poder convertirse en alguno de afortunados en ver a K.Dot y a SZA lo más cerca posible, pues las posiciones más adelantadas se cotizaban caras, y es que a falta de 3 horas para la apertura de puertas, la cola casi envolvía el estadio.

    5:00 PM. Tras unas cuantas horas de calor sofocante y un par de botellas de agua entre pecho y espalda, las puertas abrían. Una marabunta de fanes corrían a adjudicarse una plaza óptima para presenciar historia en directo. Obviamente, yo no iba a ser menos, pues logré posicionarme a dos pasitos del escenario. Unas cuantas horas más tarde comenzaría el calentamiento.

    A las 7:15 PM, Mustard se encargaría de poner el ambiente a tono. Con «Pure Water», daba comienzo a un DJ Set más que sobresaliente, que lograba hacer saltar, gritar y bailar a la muchedumbre con temas como «Get It Sexyy» de Sexyy Red, «Titi Me Preguntó» de Bad Bunny o «Don’t Like.1» de Pusha T, Ye y Chief Keef. Tampoco faltaron temas icónicos del californiano como «I Don’t Fuck With You» de Big Sean o «Show Me» de Kid Ink y Chris Brown.

    Ya puestos a puntos, llegaba la hora del verdadero show. Una cinemática que mostraba un Buick Grand National Regal GNX del 1987 con las revoluciones altísimas. Se hizo el silencio, pero este no dura mucho pues, como si de una voz se tratara, todo el estadio cantaba la introducción de «wacced out murals», interpretada por Deyra Barrera. El coche de la cinemática hacía presencia en el escenario en medio del humo, alterando el corazón de más de uno. A la que rompe la canción, Kendrick sale por la puerta del conductor, haciendo que el estadio se caiga abajo. Tras los aplausos del público y la desaparición del Buick, le seguirían temas como «squabble up», «King Kunta», «ELEMENT.» y «tv off», este último sin contar con la segunda parte del tema.

    Una vez finalizada esta introducción de infarto, se nos muestra una cinemática que daría introducción al segundo acto, donde volvería a aparecer el coche, esta vez cubierto de hojas y con SZA sentada sobre el capó. Tras cantar «30 for 30», SZA interpretó tres temazos como son «Love Galore», «Broken Clocks» y «The Weekend».

    Tras estos dos actos, SZA y Kendrick se turnarían hasta siete veces más para completar un set de 52 canciones.

    En el tercer acto, Kendrick decidió tomar la vía de la adrenalina. «Backseat Freestyle», «HUMBLE», «euphoria» o «Alright» pondrían a todo el estadio a saltar como si de un parque de trampolines se tratara, aunque el momento clave fue cuando sonó «family ties», el tema junto a Baby Keem. El estadio se convirtió en un autentico tsunami en el que olas de fanes azotaban la valla de seguridad a los gritos del verso de Baby Keem, formando imágenes que se han vuelto súper virales.

    «man at the garden» daba cierre a esta enérgica parte de Kendrick y nos sumergía de nuevo en la fauna y flora que envuelve a SZA. Con temas como «Scorsese Baby Daddy», «F2F» o «Low» conseguía cautivar al público mientras la artista vivía un proceso de metamorfosis en directo, acompañada por unas visuales de lo más inmersivas.

    De nuevo, ambos artistas coexistían en el escenario para ejecutar una de las más bonitas escenas de la noche. Dos enormes plataformas acercaban a los americanos a las estrellas para interpretar «All The Stars», consiguiendo que los flashes de los teléfonos del público se convirtieran en una constelación que nada tiene que envidiar a la Vía Lactea.

    Pasado el ecuador, Kendrick volvería a tomar el control del escenario en la que, para mí, fue una de las mejores partes del concierto; tanto que hasta me quedé sin voz. «Like That» encendió el estadio, «DNA» levantó a la gente de las gradas de sus asientos, «GOOD CREDIT» abrió las puertas del mismísimo manicomio y «Count Me Out» hizo que a más de uno se le saltara una lagrimilla; una montaña rusa de emociones. Además, «Good Kid Maad City» daba cierre al acto con «Bitch, Don’t Kill My Vibe», «Money Trees» y «Poetic Justice».

    Nos dirigimos a la parte final de esta velada histórica. Para este séptimo acto, SZA realizaría su última aparición en solitario de la noche con sus temas más conocidos. Con «Snooze», «Kill Bill», «Good Days», «Open Arms» y «Nobody Gets Me», el corazón de más de uno se ablandaba y los sentimientos salían a flor de piel, yendo en consonancia con la florida escenografía escogida por la cantante de Missouri. Con «Kiss Me More» y «Rich Baby Daddy», SZA cerraba su acto poniendo a mover el culo a todo el allí presente, siendo así un broche bestial para su actuación en solitario.

    Para el octavo acto, llegaba el momento que más de uno estaba esperando. Como si de un ejercito de espartanos se tratara, con cuchillo en boca y sed de sangre en las venas, 48.001 personas se disponían a vociferar el himno de una batalla que cierto canadiense no querría volver a vivir. «Not Like Us», el diss track que cuenta con un billón y medio de reproducciones en Spotify, hacía retumbar la capital catalana, haciendo papeletas para que el canadiense se reafirme más en no pisar España.

    Y tras la tormenta, llega la calma. «luther» y «gloria» reuniría por última vez sobre el escenario del Lluís Companys a ambos artistas, que recibirían una enorme ovación por parte de un público más que entregado. Con un «te amo» de SZA en un casi perfecto español, los artistas se montaban en el coche y desaparecían del escenario, poniendo rumbo a su próxima fecha sobre el continente europeo.

    Nada más salir del concierto tuve dos cosas claras: que lo que había vivido aquella tarde era una cita irrepetible que quedará para siempre guardada en mi retina y que, junto al concierto de Travis Scott, era de los mejores conciertos a los que he asistido; no solo por los artistas que daban el concierto, sino por la energía transmitida tanto por parte del público como por parte de elementos externos a la propia figura de los artistas. Y esa energía no solo la sentí yo, pues no fueron necesarias muchas horas para que esta se transmitiera a demás países.

    Creo que siempre volvemos al mismo dilema, pero creo que esta cita ha sido un golpe sobre la mesa a nivel internacional. La energía que entregaba el público de España era sobrenatural, muy cercana a la de cualquier show celebrado en Estados Unidos, y esta era intercambiada sin pérdida alguna por parte de ambos artistas. Este concierto es esa señal de humo que necesitan los artistas extranjeros para dar conciertos de tal magnitud sobre suelo español. Kendrick y SZA no solo han venido a España a escribir un capítulo histórico en el libro de artistas que han pasado por nuestro país, han venido a dar a conocer al mundo que los españoles estamos ansiosos por más eventos de este tipo. Es el acelerón que necesitábamos, y no hay mejor acelerón que el que está en manos de pilotos experimentados.

  • BLACK BRITISH MUSIC: MADE IN BRITAIN, PAID IN BRITAIN

    BLACK BRITISH MUSIC: MADE IN BRITAIN, PAID IN BRITAIN

    Londres: ciudad de ruido, estímulos y dopamina, básicamente una jungla de asfalto como la definimos los foráneos. Si nos vamos un poquito más al sur llegamos al mitificado South London. Ahí hace muchos años que pasan cosas, quizás más de las que deberían. De ahí viene Jim Legxacy, un distinto que lejos de mantenerse en la ola normativa de rap británico con deliveries crudos y pesados usa la sensibilidad como arma principal. Un Big Picture Thinker de manual.

    Nos encontramos en 2022. Lewisham es uno de los distritos más pobres del sur de Londres y dicha ola de pobreza acaba con James Olaloye viviendo en la calle. Es una experiencia que te cambia. Esa ausencia de un sitio cómodo dónde dormir le obligó a rotar de salón en salón de sus amigos dónde a duras penas conseguía ir creando su nuevo proyecto. Homeless N*** Pop Music supuso un antes y un después en la vida de una persona que pasó de no tener techo a ver como poco a poco todo estaba cogiendo forma. 

    Black British Music no solo es una mixtape. Es un antes y un después del nuevo underground británico donde Jim Legxacy sigue la estela de Dave (que colabora en 3x) como cabecilla de una generación de raperos, con nombres como EsDeeKid, Fimiguerrero (presente en el track Sun) o YT entre muchos otros. Dichos paralelismos con Dave tienen sentido teniendo en cuenta dos cosas: cómo se ha volcado la escena al completo con su nuevo proyecto y lo diferente que es de sus contemporáneos. Ambos son artistas que siempre se han caracterizado por la calidad de sus composiciones, que contaban la vida en las calles como sus contemporáneos pero de una manera mucho más profunda y desde una perspectiva de debilidad y no de fortaleza. 

    Alrededor de esta estela de hip hop experimental -si se puede calificar de esa manera- las guitarras vuelven a aparecer como elemento que justifica la esencia de Jim una mixtape más. En tracks como issues of trust, que funciona casi como interludio, son el elemento principal apoyando un storytelling donde Jim se abre en canal sobre un suceso traumático (el fallecimiento de su hermana) y como ese dolor ha derivado en un miedo interno hacia sí mismo y cómo afronta las situaciones de dolor. La composición una vez más como punto fuerte de sus proyectos. 

    También es importante destacar la presencia del afro y la importancia que le da a dicha cultura en Black British Music, que hace referencia a la música desarrollada en Gran Bretaña fruto de la diáspora africana y caribeña que llegó al país en una de las grandes crisis que atravesó tras la segunda guerra mundial. “We’ve been makin’ asses shake since the Windrush” reza uno de los tags del disco. El Windrush fue uno de los barcos provenientes de Jamaica y otras naciones caribeñas con alrededor de 500 migrantes que contribuyeron a la diversificación de la cultura del país.

    Solo son 3 los acompañantes de Jim en el trayecto que supone BBM que consiguen estar completamente cohesionados en el proyecto. Dave y Fimiguerrero (que sorprende en el registro afro de sun) son colaboraciones potentes pero el descubrimiento de Dexter in the newsagent nos presenta una de las voces más armónicas y bonitas del under británico, una digna heredera de Jorja Smith que brilla por encima de todos en dexters phone call

    Hilando el track anterior, es de recalcar lo curioso de los títulos. Suenan a archivo de obra maestra que guardas así en el FL porque no sabes que nombre ponerle. i just banged a snus in canada water como estilo de vida, que por cierto prueba a Jim en un registro más atrevido y agresivo lejos de su característica meloidicidad. Uno de los más potentes de la mixtape sin duda.

    El verdadero valor de Black British Music y la propuesta de Jim en general reside en la facilidad para hacernos sentir cosas aunque no entendamos su complejo acento británico. Su voz como melodía principal, las guitarras presentes en más de la mitad del disco, los coros y samples que elevan la vibra a otro nivel desarrollan una mixtape cuidada hasta el último stem más innecesario e irrelevante.

    Estamos ante el nacimiento de una estrella a la que cada vez se le da más reconocimiento y que devuelve en cierta parte la fe de que puede haber artistas dignos en el mainstream. El perfil público de Jim se basa solo en su música y no en polémicas, apariciones innecesarias o disputas con otros raperos. Sólo un chico que escuchaba Mitski en el barrio mientras intentaba salir de él. Finalmente puede decir con orgullo que lo ha conseguido por mérito propio. Sin el apoyo de artistas enormes ni grandes sellos detrás. «Made in Britain, Paid in Britain».

    Fotografía vía XL Recordings.

  • BLAIR: Bar Scorpios

    BLAIR: Bar Scorpios

    Tras meses de alimentar el hype con adelantos, visuals de otro planeta y una narrativa que se mueve entre el costumbrismo pop y el thriller existencial, Blair irrumpe en la escena con Bar Scorpios: un disco que no solo confirma el giro oscuro y conceptual de su música, sino que la instala como una de las narradoras más inquietantes y lúcidas de su generación. Aquí no hay espacio para la indiferencia: cada tema es un guiño a la cultura digital, a la obsesión por la estética y a ese arte de convertir la vulnerabilidad en su mayor fortaleza.

    Blair es de esas artistas que no temen ensuciarse las manos -ni el vestuario- en busca de una identidad propia. Lo suyo es mezclar referencias de culto, sangre (literal y metafórica) y una honestidad brutal que la vuelve imposible de encasillar. Charlamos en remoto, ella desde Buenos Aires y yo desde Madrid, pero la distancia se desdibuja cuando la conversación fluye y el entusiasmo es mutuo. Sin filtros, nos sumergimos en el universo de Teresa, la protagonista de su nuevo disco, y en todo lo que convierte a Blair en una artista única.

    Bar Scorpios no es solo un disco: es una invitación a perderse en nuevas historias, abrazar la sensibilidad y descubrir la belleza en los matices más inesperados.

    Tu último disco, Bar Scorpios, marca un giro hacia una narrativa más oscura y conceptual, con un personaje principal. ¿Cómo surgió la idea de contar una historia a través de un álbum y qué te inspiro a crear a Teresa como eje central?

    Cuando uno saca un disco, surgen muchas teorías y me gusta dejar que la gente imagine. Teresa, en realidad, iba a la iglesia porque no le gustaba su casa y no tenía amigos; era su refugio. Me divierte que las fans hayan pensado que era aspirante a monja, incluso mi prensa lo puso así. La idea de hacer un álbum conceptual nació porque sentía que mis canciones de desamor se repetían mucho. Quise inventar algo distinto, y así surgió la historia de Teresa: una chica inocente cuya pureza se va corrompiendo, inspirada en personajes como Laura Palmer de Twin Peaks. Me interesaba explorar esa transformación y llevarla al extremo.

    ¿Qué rol tiene la ficción y la dramatización en tus letras y shows? ¿Te sientes más cómoda narrando historias propias o creando personajes y universos alternativos?

    Siempre busco llevar todo al extremo, aunque a veces no se puede por presupuesto o logística. Por ejemplo, una vez me bañé en sangre en un show y, sin querer, terminé rompiendo un micrófono carísimo –no fue algo planeado, simplemente pasó en medio del impacto visual-. La sangre empezó como una metáfora de arrancarse el corazón por amor y terminó siendo un recurso recurrente. La ficción y la dramatización me permiten explorar fantasías y emociones que no podría vivir en la realidad. Es mi gran excusa creativa.

    En tus trabajos, por lo que he visto, la estética visual y la puesta en escena parecen tan importantes como la música. ¿Cómo concibes la relación entre imagen y sonido en tu proyecto?

    Para mí, es impensable una canción sin su videoclip. Crecí con MTV y YouTube, y siento que el video complementa la canción, permite mostrar el universo que tengo en la cabeza. En este disco, la historia es casi cinematográfica: necesito que el público vea al personaje, no solo lo imagine. Los detalles visuales, como por ejemplo, las monjas ayudando a limpiar sangre, son parte de la narrativa que no siempre está en la letra.

    Vienes de experimentar con el trap, pero tu sonido actual mezcla pop, rock alternativo y referencias a otras décadas. ¿Qué artistas o movimientos crees que más influyeron en tu búsqueda de un estilo propio?

    Empecé en el trap porque me daba vergüenza cantar y el autotune ayudaba a disimular. Pero después me di cuenta de que disfrutaba más componer otro tipo de música, influenciada por The Cure, el pop de los 2000, y artistas como Lady Gaga. También me inspiro mucho en libros y películas, como Twin Peaks o poetas argentinas como Alejandra Pizarnik y Silvina Ocampo. En este disco, la narrativa visual y literaria fue tan importante como la musical.

    ¿Cómo viviste el salto de la escena under al mainstream, tocando en festivales como Lollapalooza o en el The Eras Tour en River?

    Fue una validación enorme, tanto externa como interna. Me demostró que se puede soñar en grande y que los sueños, a veces, se cumplen. También fue un cambio de mentalidad: pasé de pensar en pequeño a permitirme soñar con escenarios enormes. No fue fácil, hubo críticas y hasta amenazas, pero estar ahí fue como el final de una película: ganó lo bueno.

    Tus canciones suelen hablar de la tristeza, la soledad y el no encajar. ¿Por qué crees que tu público se identifica tan fuerte con estas emociones?

    Creo que la gente conecta porque mis letras reflejan mi edad y experiencias. Cuando estaba triste, escuchaba música triste, pero me gusta equilibrar melodías alegres con letras melancólicas. Así, quienes me escuchan pueden canalizar su dolor bailando o cantando, sin caer en la tristeza absoluta.

    ¿Qué lugar ocupa la vulnerabilidad en tu propuesta artística? ¿Sientes que hoy en día mucha gente no se muestra “real”?

    Para mí, no mostrarse real es cavar tu propia tumba. Es importante que la gente que me sigue me quiera por lo que soy. Comparto mucho de mi vida en redes y creo que eso genera una conexión genuina. Me gusta ser fan, compartir lo que me apasiona, y creo que eso también se refleja en mi música.

    En esta revista se pone mucho foco en la moda y la estética. ¿Cómo piensas tus looks y la dirección de arte en tus videos y shows? 

    Me fascina el cine antiguo, el old Hollywood, las divas como Audrey Hepburn y Marlene Dietrich. Todo lo guío hacia ese lado, pero sin forzar una estética. Me gusta experimentar, cambiar de personalidad y no limitarme a un solo estilo. Lo importante es tener una identidad visual coherente con el proyecto, pero también permitirse jugar.

    Si tuvieras que definir tu universo visual en tres palabras, ¿Cuáles serían y por qué?

    Atemporal, porque me gusta lo vintage pero también lo actual; cinematográfico, por todas las referencias a películas; y bipolar, porque el disco tiene dos polaridades muy marcadas.

    Ahora que tu música y tu estética están en constante cambio, ¿hacia dónde te gustaría llevar tu próximo proyecto? ¿Hay algún género o formato artístico que te interese explorar?

    Quiero seguir explorando letras más divertidas y melodías pop, pero siempre manteniendo esa esencia retro y de diva. Me gustaría que cada disco tenga su propio universo visual, que sean diferentes entre sí, como capítulos de una misma película.

    ¿Qué sueños o metas te quedan por cumplir, tanto en la música como en otras ramas del arte o la cultura pop?

    Lo más valioso para mí es conocer y hacerme amiga de artistas que admiro. Me encantaría algún día hablar con Rosalía, por ejemplo. También sueño con tocar en grandes arenas y, por qué no, ganar algún premio. Pero lo más importante es seguir viajando y creciendo gracias a la música.

    ¿Qué te emociona más: mirar para atrás y ver todo lo que lograste o pensar en lo que todavía te falta por descubrir?

    Definitivamente, mirar para atrás. El futuro me ilusiona, pero disfruto mucho ver todo lo que he conseguido hasta ahora.

    Y así, entre melodías radiantes y letras que duelen, Blair demuestra que la sensibilidad también puede ser revolución. Para quienes buscan algo auténtico y diferente, su música se convierte en un refugio y una inspiración.

  • Bad Bunny: El arte como mensaje político

    Bad Bunny: El arte como mensaje político

    Benito Antonio Martínez Ocasio, mejor conocido como Bad Bunny, hace historia en la industria musical con su último álbum Debí Tirar Más Fotos (DTMF). Más allá de entretener a la audiencia con su ritmo y sazón caribeño, ofrece un manifiesto político y cultural que resuena desde los barrios más locales de Puerto Rico hasta escenarios europeos, y que próximamente resonará en el Estadio Riyadh Air Metropolitano de Madrid.

    DTMF: Estrategia, arte y protesta

    Este álbum es una carta de amor y de reclamo. Con un alto nivel de coherencia, desde sus letras hasta sus decisiones estratégicas, Bad Bunny plantea un mensaje claro: Puerto Rico no es un souvenir. Es una colonia.

    Cover Álbum Debí Tirar Más Fotos, Bad Bunny
    Cover del álbum DTMF, Bad Bunny.

    Una de las piezas clave para entender este discurso es el cortometraje promocional, también titulado Debí Tirar Más Fotos. Escrito y dirigido por Bad Bunny junto al cineasta puertorriqueño Arí  Maniel  Cruz Suárez, y protagonizado Jacobo Morales (quien representa al artista en el futuro), creando una obra multidisciplinaria, combinando arte, historia, activismo y ficción. Por medio del lamento de no haber tomado más fotos del pasado, invitando a abrazar el legado, valorar las raíces y proteger la memoria colectiva.

    Además, cada canción del álbum viene acompañada de un visualizer tipo diapositiva, con textos elaborados junto al historiador Jorell Meléndez Badillo. En estos se introducen datos esenciales sobre la historia puertorriqueña: desde la colonización española, la anexión a EE. UU. y el Grito de Lares, hasta la fauna en peligro de extinción. 

    Una estrategia innovadora y muy interesante que convierte la música en una experiencia educativa y artística a la vez.

    Cuando el ritmo educa

    En canciones como NUEVAYoL donde el ritmo, energía y el piquete son esencia, una mezcla muy encantadora de reggaeton y dembow. La letra es una expresión de autoconfianza de su cultura en la diversidad de la Ciudad de Nueva York, dando honor a la música latina y a la gente. Aborda temas de emigración y de un nostálgico verano en la gran ciudad. 

    Otro gran ejemplo es LO QUE LE PASÓ A HAWAii, donde aborda temas de gentrificación y la pérdida de identidad cultural, comparando la situación de su isla natal con la de Hawái, ambas afectadas por la colonización y el turismo desmedido.

    Mientras CAFé CON RON exalta el valor de la comunidad y la tradición musical, LA MuDANZA aborda con claridad la lucha por la identidad puertorriqueña. En ambas, Bad Bunny refuerza su compromiso con una narrativa que no solo entretiene, sino que educa y reivindica.

    Video oficial de LA MuDANZA de Bad Bunny (2025).
    Video oficial de LA MuDANZA de Bad Bunny (2025).

    Una gira mundial sin Estados Unidos

    Una de las decisiones más simbólicas del artista ha sido excluir a Estados Unidos en el tour mundial Debí Tirar Más Fotos, que se extenderá entre finales de este año hasta el verano de 2026 por América Latina, Europa, Asia y Oceanía.

    Bad Bunny ha sido claro en su posición hacia la política actual estadounidense y sobre el sistema de explotación histórico de Puerto Rico y Latinoamérica. Rechazar sus escenarios es una declaración de principios ideológicos. Y aunque no ha hecho explicaciones públicas, la coherencia entre sus letras y esta decisión es evidente. Su silencio es también parte del discurso, y eso lo convierte en un artista político, aunque no lo aparente. 

    LOS ANGELES, CALIFORNIA - FEBRUARY 05: Bad Bunny performs onstage during the 65th GRAMMY Awards at Crypto.com Arena on February 05, 2023 in Los Angeles, California. (Photo by Emma McIntyre/Getty Images for The Recording Academy)
    LOS ANGELES, CALIFORNIA – FEBRUARY 05: Bad Bunny performs onstage during the 65th GRAMMY Awards at Crypto.com Arena on February 05, 2023 in Los Angeles, California. (Photo by Emma McIntyre/Getty Images for The Recording Academy)

    El regreso a España

    Después de años sin presentarse en España, Bad Bunny regresa con fuerza. Madrid y Barcelona serán testigos de la enérgica fiesta puertorriqueña. Madrid será la única ciudad europea con doble cita. Esto tendrá un impacto artístico y económico significativo para ambas ciudades.

    El legado del conejo malo 

    Bad Bunny nunca ha sido solo un cantante. Desde el inicio expresaba que venía a romper esquemas. Con DTMF, confirma esto: sin colaboraciones con estrellas globales, con boleros, una crítica social, sonidos caribeños crudos y resistencia cultural. 

    NEW YORK, USA - MAY 05: Bad Bunny MG25 (Mike Coppola/Getty Images)
    NEW YORK, USA – MAY 05: Bad Bunny Met Gala 2025 (Mike Coppola/MG25/Getty Images)

    Su influencia ha llegado a convertirse en objeto de estudio académico en las universidades más prestigiosas del mundo. A partir del otoño 2025, Yale, ofrecerá el curso Bad Bunny: Musical Aesthetics and Politics. Otras instituciones como Princeton, Wellesley College y Loyola Marymount University, ya lo han analizado como prodigio musical y su influencia en temas de raza, género y política.

    DTMF es una muestra de su evolución como artista y activista. Es Bad Bunny volviendo a la raíz, usando el arte como herramienta de memoria, denuncia política y transformación.