Categoría: Música

  • Azuleja y el Arte de DAR CRINGE

    Azuleja y el Arte de DAR CRINGE

    Cantante, Bailarina, Coreógrafa y Filóloga son solamente algunas de las palabras que señalan la plenitud de talento que define a una, por no decir la mayor, promesa musical del año en España. Pero si hay una que lo hace a la perfección más que cualquier otra cosa, esa es CRINGE (y REINA, por supuesto). Estoy hablando, por supuesto, de Azuleja: la artista que ha venido a revolucionar el Show Business dando la vuelta al concepto de la vergüenza.

    Fotografía de Azuleja Publicada en su Instagram (@azulejathecringequeen)

    LA LIBERACIÓN DEL CRINGE: El Primer Paso del Camino del Arte.

    El Cringe, aunque siendo una palabra relativamente nueva, es un sentimiento que se ha experimentado desde tiempos inmemoriales, aunque no hubiera forma exacta de definirlo. Lo más cercano era algo así como «vergüenza ajena». Ya sabéis, esa especie de mecanismo de defensa en forma de cosquilleo, calor y muchas ganas de esconderse, que, como seres humanos, todos hemos experimentado alguna vez cuando alguien hacía algo que fuera «demasiado». Demasiado intenso, demasiado atrevido, demasiado… Diferente.

    Y es que, al igual que otra clase de ser vivo que adopta comportamientos para salvarse de ser devoradas por sus presas (en el sentido literal), nosotros nos hemos visto obligados a hacer algo similar acorde a nuestra convivencia en sociedad. Desde pequeños nos enseñan que adaptarse, es sobrevivir. «Si no haces lo que hace todo el mundo, se reirán de ti». Y sí, puede que sea cierto. Pero, ¿hasta qué punto debería importarnos realmente? Y aún más importante, ¿hasta qué punto acaba siendo algo negativo?

    Meme (Algo Camp) de Bear Grylls sobre la Adaptación para Sobrevivir

    Te respondo rápido: NADA. Por suerte, y en parte, gracias a nuestra generación, el concepto de ser un considerado «sinvergüenza» está cobrando un nuevo sentido. Ahora, está empezando a molar salirte de la norma y ser un «friki». Y creo que, mayoritariamente, esto se ha debido a la gran subida exponencial de visibilidad y conexión que nos ha aportado Internet y las redes sociales (alguna cosa buena tenían que tener).

    A día de hoy, encontrar a gente, compañeros e incluso referentes, que compartan tus gustos de nicho, tu ambición o tu forma de ser, está a distancia de un click. Esto, por supuesto, ha hecho que una gran parte de talentos, hayan reunido ese empujoncito que necesitaban para liberarse de ciertas ataduras, desembocando en un gran impacto en la posibilidad, y sobre todo, la forma, no solo de consumir, sino de hacer arte.

    Fotograma de la película de Pedro Almodóvar ‘Volver’, referente en el Kitsch Cinematográfico.

    EL CRINGE EN EL ARTE: La Aparición de Kitsch y el Camp.

    De esta forma, el Cringe ha trascendido a un plano superior, en el que ya no es solo un obstáculo al que hay que tratar de sobrevivir para lograr un objetivo mayor de perfección. Y es que, si algo nos ha demostrado la cultura más reciente, a través de ideas y estilos como el Kitsch y su caracterización llevada al extremo a través Camp, es que el propio Cringe también puede ser parte de ese arte.

    El Kitsch representa eso que popularmente se ve como «cursi», «hortera», y que, en muchas ocasiones, ha nacido fruto del consumismo puro sin necesidad que provocar una respuesta artística. Kitsch son por ejemplo las camisetas de souvenir con un texto colorido y desordenado con frases como «Alguien que te quiere te ha traído esta camiseta de Torremolinos», las fotos de Piolín con frases esperanzadoras que te envía tu abuela, el cine de explotación con actuaciones y efectos especiales cutres, y las historias FanFic de Wattpad. Esas pequeñas y sencillas cosas, que en algún momento, fueron víctima del ansia de rectitud y seriedad de la sociedad, y algunas, de la efimeridad de las modas, y que ahora, tienen una nueva oportunidad gracias al Camp. Y, no es sorpresa si digo, que nos encanta.

    El Camp consiste en traer de vuelta esas viejas modas sin profundidad aparente y darles una, a través de un nuevo enfoque centrado en el atractivo del humor, la ironía, la nostalgia, y la exageración de la Performance. De esta forma, la línea temporal sería algo tal que así:

    Nos Gusta —> Nos damos cuenta de que da Cringe y nos deja de gustar —> Nos Gusta porque nos hace gracia que de Cringe.

    Pero, esto no queda aquí. Y es que, este auge del Camp ha logrado que muchos grandes artistas apasionados de este, se adentren en la dinámica, dando forma a proyectos, que inspirados por el absurdo más absurdo, nacido del aborrecimiento de las apariencias y estándares de perfección de las redes sociales con las que nadie se siente identificado, gozan de una inigualable calidad, trasfondo y conexión con el público, lo cual dota al Cringe de una naturaleza contradictoria que me parece preciosa y digna de admiración.

    En cuanto a lo que nos concierne hoy aquí, hemos podido ver esta ola de pasión por lo Camp en la música y la imagen a través artistas de la talla de Rosalía, Amaia y Ralphie Choo y Rusowsky, junto a su colectivo RUSIAIDK. Pero este 2025, nos ha dejado a la que para mí, es la mayor referente actual del panorama, no solo en el arte de la dominancia de la vergüenza, sino de la nueva ola de promesas musicales Estoy hablando, como no, de Azuleja.

    Fotografía de Azuleja Publicada en su Instagram (@azulejathecringequeen)

    AZULEJA, HENAR Y ROBERTA: El Nacimiento de las Cringe Queens.

    Azuleja comenzó su carrera musical en 2022, pero no fue hasta 2024 cuando entró en el radar de algunos de nosotros con canciones como SHEFTEK en el álbum de Nusar3000, y BIGFOOT y Cachonda, que posteriormente descubrimos que eran Singles de un futuro álbum debut, que al fin ha visto la luz hace un par de semanas. Y es PERFECTO. Pero antes de entrar en materia con él, vamos a hablar un poco de Azuleja, de ese imaginario artístico y peculiar presencia en redes que logró captar nuestra atención desde el Minuto 1.

    Mi puerta de entrada al imaginario conceptual de Azuleja al descubrir su música, que ya me hizo enamorarme de su propuesta, fue descubrir junto a ella, su contenido de Tiktok y Reels, y estoy seguro de que lo será el de muchísima más gente. Y es que, no cabe duda de que esa es la carta de presentación más efectiva que tiene un artista hoy en día, aunque no todo el mundo sabe sacarle provecho. Y de los pocos, desde luego, nadie como ella.

    @azulejathecringequeen

    Entrar a su cuenta se siente como un multiaventura, o como adentrarse en un catálogo de streaming cuyas posibilidades se mueven desde ver películas del amor más sobreactuado, seguir coreografías dignas de Videostar y explorar las típicas revistas de cotilleos de Disney Channel de los 2000’s, todo ello protagonizado por una única persona. La única persona con el carisma, actitud y sinvergonzonería suficiente como para cargar con el peso de semejante estrellato y pasión por el Kistch, el Camp, el Cringe o lo que sea que se le ponga delante. The One and Only: Azuleja.

    Pero, si todavía esto no te convence (aunque debería), el siguiente paso para ti es entrar a YouTube y comenzar a ver sus Videoclips para dejarte atrapar al completo por la maravillosa dirección creativa, tanto a cargo de Azuleja, como de por supuesto, sus dos Partners in Crime y artistas como la copa de un pino: Henar Olmos y Roberta Benítez, encargadas de management, dirección, estilismo, edición y todo lo que se te pueda ocurrir que te haya fascinado de esta propuesta artística. Mi más profunda admiración por las 3.

    Entre ellos, no puedo dejar sin destacar el de PIVONACCI. Videoclip al que me atrevería a llamar película, contando no solo con la música y toda la creatividad y originalidad mencionada en el párrafo anterior, sino también con un reparto estelar que no tiene nada que envidiar al de High School Musical, entre los que encontramos a grandes talentos interpretando a los personajes más rocambolescos posibles, como Amore as Sexy Boxer, Kappah as AD Sincro Retiro, Teo Planell y Tristán! as Twink Tennis Players y nuestro multitalentoso compañero Kozma as The Pivonacchiest Nerd. (Nota: Mi nueva meta vital es aparecer un Videoclip de Azuleja. Just Saying).

    C.R.I.N.G.E: El Caliente, Revoltoso, Inteligente, Novedoso, Gráfico y Espectacular Álbum Debut.

    Bueno, si seguís leyendo (que quizás no, porque hablo mucho, pero lo hago porque me entusiasma este tema y la ocasión lo merece), es porque de verdad os interesa ser parte de ese selecto club de gente que ya formamos parte del barco de Azuleja. Así que, llegados aquí, habiendo echado un vistazo a todo lo visual y conceptual, hablemos de la música. Permítanme que os presente la guinda del pastel: C.R.I.N.G.E. ESPERA. Si no has escuchado el álbum, hazlo, y luego vuelve.

    Portada del Álbum Debut de Azuleja ‘C.R.I.N.G.E’

    Ahora, sigamos. Quería dejar el apartado sonoro de su música, y en concreto, del álbum, para el final, porque para mí fue la mayor de las sorpresas. C.R.I.N.G.E cuenta con 14 pistas en la que ninguna se parecerá ni a la anterior del disco, ni, posiblemente, a nada anterior, en general.

    Este disco, como podrían serlo muchos otros, establece su temática en el amor. Pero uno de los pilares que lo diferencia del resto, es la forma visceral, incondicional e intensa de vivirlo y retratarlo. Es decir, de la forma más «boba», más Cringe, pero sobre todo, más realista de lo que verdaderamente representa el amor.

    De esta manera, establece toda su estructura y puesta en escena de una forma increíblemente teatral, exponiendo cada sentimiento a flor de piel a través de multitud de sonidos experimentales a cargo de Roy Borland, tales como el Jazz, el Rock Experimental, el Country y la electrónica más revoltosa, acompañados de un inteligente storytelling acompañado de monólogos representativos y un espléndido dote actoral por parte Azuleja, para que tú, desde tus cascos, puedas experimentar su historia en todos tus sentidos.

    Y la vas a experimentar. Porque sí, esta historia es tanto suya, como nuestra. Y es que, todos alguna vez hemos dado CRINGE por el acto de aventurarse al atrevimiento. Posiblemente por amor, también posiblemente por cualquier otra cosa. Pero, ¿acaso no es esa emoción lo bonito de la experiencia que es vivir?

    CONCLUSIÓN: Da Cringe, Da Igual.

    Para finalizar, quiero decir, a todo el que esté leyendo esto, que si estás pensando en dar un paso adelante, ya sea en el amor, en la música, en la creación de contenido y redacción, o en cualquier cosa que pueda hacer un bien mayor tanto a tu propia vida, como a la contribución de un mundo más especial y disfrutable, HAZLO. No dudes por el miedo al CRINGE, a las risas, al que dirán. Porque, es cuando te desprendes de esa carga, cuando todo con lo que has soñado, comienza a dar sus frutos. Atrévete, te irá bien. Te lo aseguro.

  • Kora nos invita a la Reflexión Electrónica con ‘002’

    Kora nos invita a la Reflexión Electrónica con ‘002’

    Kora, la artista catalana que está revolucionando el campo del Indie Pop Español con su toque House Progresivo, ha lanzado su segundo proyecto de larga duración, titulado ‘002’, invitando al oyente a la reflexión más profunda, a través de los conceptos de la nostalgia y el paso del tiempo, en su narración sobre el desamor.

    Portada Oficial de ‘002’ de Kora

    No os voy a mentir, 002 ha sido mi primer acercamiento a la música de Kora. Hasta unas semanas atrás, nunca había escuchado de su figura, y por ende, sobre ninguna de sus aclamadas piezas previas, pero lo bonito de la música, es que siempre llega en el momento más correcto.

    Ahora, mientras escuchaba este nuevo proyecto y me adentraba progresivamente en el imaginario artístico de Kora, me preguntaba como había sido esto posible, y buscando información sobre su carrera artística para complementar esta reseña, parecí llegar a una respuesta. Y es que, me di cuenta de que el aura que rodea a Kora es, ciertamente misteriosa, en relación a la exposición mediática, e incluso a la contextualización de su música.

    Kora, aún teniendo una gran presencia en redes y plataformas digitales, es una de esas artistas que opta por poner todo su foco, al completo, sobre el propio arte, más que en la información que la rodea, posicionando al oyente en un libre albedrío lejos de las preconcepciones, idealizaciones o prejuicios y entregándole una completa labor personal de interpretación, que será única para cada uno.

    Esto, en el momento actual, en el que la constante presencia digital llega a cobrar más relevancia en la posición de un artista que la propia música, es un Modus Operandi que, en la industria, cada vez se da menos, y que yo, como disfrutón del análisis musical, valoro mucho, ya que me propone un desafío de escucha más activo e interesante. Así qué, vamos a ello.

    El TÍTULO (002): Sencillo NO es lo mismo que Simple.

    Esta premisa de abrazar la filosofía del No-Spoilers tan sagrada en el cine y adaptarla al arte musical, es algo que ya podemos observar desde el propio título. Y es que, ‘002’ no da ninguna pista más allá de que este es su segundo disco, dejándonos aún más expectantes de lo que podremos encontrar en él una vez comience su escucha.

    Esto, aún funcionando sorprendentemente como tal, no nace de ser una estrategia de retención de audiencia, ni mucho menos. Y es que, Kora, en anteriores ocasiones, ha señalado que le cuesta elegir los títulos de sus álbumes, ya que considera complicado que, una sola palabra o frase, logre simplificar o representar todo un proyecto con mucho tiempo, trabajo y sentimientos detrás. De esta manera, esta sencillez por un lado, remarca, por otro, la focalización de la estética, el mensaje y el sonido como las verdaderas piezas centrales de su música.

    LA ESTÉTICA y el MENSAJE: La Onírica de la Nostalgia y La Espiritualidad del (Des)Amor.

    Si me preguntas a mí, y posiblemente a cualquier aficionado a la música, acerca de qué es lo primario y más esencial que me invita a escuchar a un artista o un proyecto por primera vez, respondería, sin dudar, la portada. Y en el caso de ‘002’, no ha sido menos.

    Recordándome, en gran medida, al diseño de fotografía de la película de ‘El Árbol de la Vida’ de Terrence Malick, en esta llamativa imagen, llena de colores y estímulos, que ya, desde un primer vistazo rápido, nos invita a entrar, nos encontramos el instante de dos niños disfrutando de lo que, posiblemente, será un momento icónico de su infancia que les marcará lo suficiente para llegar a ser un recuerdo nostálgico en un futuro más próximo que lejano.

    Fotograma de la Película ‘El Árbol de la Vida’ (Terrence Malick, 2011)

    De esta manera, acentuando la sensación nostálgica, el desenfoque de los bordes y los reflejos luminosos, si bien nos introducen en esta especie de «pillapilla» a través de una sensación de movimiento y velocidad, situándonos dentro de la acción y convirtiéndonos en uno más de los protagonistas, también refleja la propia marcha de la vida: el paso del tiempo.

    Todas estas ideas, relacionadas con conceptos tan reflexivos como los recuerdos y el tiempo, que se pueden interpretar a través de la fotografía, son algo que cobrará bastante importancia para desarrollar el mensaje y lírica del álbum, relacionándose a través de un único factor común: el amor, o mejor dicho, el final de él. Y es que, si, ‘002’, no deja de ser un álbum que explora, en su mayoría, la temática del desamor a través de una relación que ya terminó, y cuyo único motivo por la que sigue viva, es por el recuerdo de que algún día, en algún marco de esa concepción lineal de lo que llamamos tiempo, existió.

    EL SONIDO: Si hay que Llorar, que por lo menos, sea Vibrando (o al menos Reflexionando).

    Por último, y no menos importante, (de hecho lo que más), hablemos del sonido. Uno de los aspectos más interesantes y llamativos de la música de Kora, es que ella escribe, compone y produce todo lo que hace, y en este álbum, también es así, y mola bastante.

    El fundamento sonoro de ‘002’ se establece en un Pop Electrónico que trata de lograr un sonido etéreo y espiritual que funcione acorde a la temática que trata, antes mencionada.

    De esta manera, encontramos principalmente una gran influencia del House Progresivo que dota de una fuerza esperanzadora a la vibra melancólica de, por momentos, un R&B con ecos de Jazz y Garage al más puro estilo británico, y otros, un estilo Indie que maravillará a los seguidores de artistas como Jimena Amarillo o Irenegarry, haciendo de este proyecto un álbum sobre el que dejarse llevar, y sobre todo, que, aún adentrándose en el sentimiento del pesar, invita a la introspección y la búsqueda del ánimo.

    LA CONCLUSIÓN: Escucha a Kora.

    En conclusión, solamente me queda decir, que la música de Kora, ha sido un descubrimiento interesante para mí, y que sí tú aún, no la conoces, y te ha parecido mínimamente atractiva alguna parte de este análisis, también podría serlo para ti. Así que, te animo a escucharla, ya que siempre mola descubrir artistas nuevas, y más si son de esta calidad.

  • Milo J: tumbando el estadio

    Milo J: tumbando el estadio

    “Muy antes de los veinte, no sé cómo va a afectarme” dice el chaval que con 18 años acaba de llenar un Movistar Arena a 10.000 kilómetros de su casa. Con una mano en el bolsillo y la otra en el micro, Milo J encandiló con sus baladas y “pudrió el estadio” con sus traps, todo esto con un acompañamiento acústico que artistas consolidados solo sueñan con tener. Lo que está claro es que Camilo no dejó insatisfecha a ninguna de las más de 10.000 personas que le acompañaron en una noche que ya es historia de su carrera.

    Incluso mucho antes de abrir las puertas de nuestro palacio madrileño, ya habían fanáticos en los alrededores nerviosos; muchos con móviles al oído recordando letras de temas, haciendo un repaso final del catálogo antes de enfrentarse al examen final de Milo. Lo que se respiraba era una atmósfera jovial, chavales de 16 años que venían en grupo, muchos probablemente en el primer gran concierto de su vida; y es que no es de extrañar que Camilo, quien escribió algunos de sus grandes temas a los 17, logre conectar tanto con esos adolescentes, novatos en temas vitales como el amor. Nervios, miradas cómplices y la enésima comprobación de que tienes la entrada bien guardada en el móvil. Quién pudiera volver a esa sensación al entrar en un concierto. 

    Ya en nuestros sitios me encuentro esperando impacientemente que salga esa figura idolatrada que tanto ha dado de qué hablar en la escena latina. Está claro que si ha llenado el mismo escenario por el que pasó Travis Scott es que algo tiene. Y no podía estar más en lo cierto. Comenzó con la intro de su nuevo disco, llamado 116. Un estruendo rebota en las paredes y el techo del Movistar Arena. En cuanto entró Camilo al son de ‘3 PECADOS DESPUÉS…’ entendí todo sobre él. Tranquilo, con la mirada distante, concentrado en su música; por mucho que esté en la cresta de la ola, sigue siendo un chaval de 18 años. Desde ahí, no paró entre tema y tema. En cuanto me quise dar cuenta llevaba cinco canciones con la boca abierta.

    ‘3 Pecados Después…’, primera canción del nuevo disco de Milo J, 116

    Después de cantar ‘Vida de Rock’, su tema en el último disco de Duki, el estadio se vio envuelto en un silencio sepulcral, y es ahí cuando Milo J se acercó al micrófono y dijo: «gracias Madrid, os quiero». La gente enloqueció, y fue ahí que caí en que no le hace falta mucha parafernalia en el escenario ni aspavientos enérgicos para entender a su público. Su puesta en escena era su música en estado puro: honesta, sin necesidad de aparentar.

    Después de varios hits, paró el concierto para anunciar la llegada de una invitada, Tini. Pocas veces había oído en el Movistar Arena tal estruendo. Anunciaron un nuevo tema, una balada llamada ‘Lo que me causa’. Cuando Tini abandonó el escenario dejando atrás aplausos y gritos desesperados, Milo anunció que el show estaba llegando a su desenlace, aunque todavía quedaban sus canciones más sonadas. Desde su Bizarrap Session hasta su tema más conocido, ‘M.A.I.’, fueron cantados en su totalidad por el público. Hasta el propio Milo, quien había intercambiado dos frases con el público a lo largo de la perfomance, comentó en medio de una canción su sorpresa ante que la gente se supiese bien un tema de su catálogo antiguo. Si os preguntáis cuál fue el comentario, aquí os lo dejo: “os quiero”. Así es Milo, no es una persona de muchas palabras, deja que su música hable por él.

    ‘Lo que me causa’, de Milo J y Tini

    Para finalizar cantó ‘NO HAGO TRAP’, uno de sus temas más duros, para cerrar con un buen sabor de boca. Abandonó rápidamente el escenario, sin hacer mucha declaración. Desde que se encendieron las luces hasta que salí del recinto, fantaseaba con ver por un agujerito lo que debió de hacer al llegar al backstage. Mi apuesta es que se sentó en un sofá y se bebió un vaso de agua, me gusta pensar que es exactamente igual a como se muestra en el escenario. Lo que está claro es que tenemos Milo para rato, porque se le ve capaz de abordar varios géneros y aportar una vuelta de tuerca a ese trap argento tan saturado hoy día. 

  • Julieta: The Catalan Dream

    Julieta: The Catalan Dream

    El pasado sábado se celebró en Madrid el final del JURU LA JU TOUR de Julieta, la ya considerada estrella y diva del Pop Español que ha logrado traspasar la barrera del idioma, logrando reunir miles de seguidores a lo largo de todo el país, haciendo música casi exclusivamente en catalán, y tuve el placer de poder asistir a él y comprender este fenómeno en su esplendor.

    Fotografía del Concierto de Julieta en Sala But (Madrid) por Renata Parada (@reniparadar)

    Julieta y el Mantra del The Catalan Dream – ROMPIENDO LA BARRERA DEL IDIOMA.

    Para Julieta, esta recta inicial de 2025 ha significado una fecha bastante importante en su carrera musical, y en cierto modo, para la industria, una revolución, si me preguntan. Y es que, esta semana, la artista ha logrado lo que muchos no se hubieran creído cuando comenzó en la música hace varios años: tener a una sala llena de madrileños (entre los que me encuentro) cantando canciones en catalán, a pleno pulmón y sin (aparentemente) saber catalán. Y previamente a esto, a decenas de festivales del calibre del Riverland, Arenal Sound y Festival B, abarrotados hasta arriba de público de todas partes del país, ansioso de ver su actuación.

    Pero, ¿Cómo ha sido posible este suceso? ¿Qué tipo de magia posee Julieta que, al empezar a sonar una de sus canciones, automáticamente nos convertimos en una especie de Duolingo Peninsular? Para comprenderlo, considero útil asemejar este, al claro ejemplo del papel del Inglés en la cultura popular.

    Es bien sabido, que el mercado norteamericano, y en general, angloparlante, es el más potente en lo que al consumo y mainstream de entretenimiento se refiere, a nivel mundial. Entre el que se encuentra, obviamente, la música Pop. Preguntes en el país que preguntes, (casi) todo el mundo conoce a Taylor Swift, o Ariana Grande, o Beyoncé, por poner ejemplos, pero, no todos, por no decir, una gran parte, comprenden el idioma. Y ahí, es donde entra el poder del artista.

    Fotografía del Concierto de Julieta en Sala But (Madrid) por Renata Parada (@reniparadar)

    Y sí, puede soñar muy ñoño e hippie eso de: «El arte es el lenguaje universal, bla bla bla». Pero, es que, es real. Y es que, es bajo estas circunstancias, cuando el arte trasciende a ser solamente un puñado de palabras, que aunque de gran importancia, no conforman un todo, y entra en juego la cualidad del artista de transmitir su mensaje empleando todas sus armas.

    Esos instrumentos que logran decir tanto con solo una melodía. Ese sonido identificativo, que no encuentras en ninguna otra canción, y que te hace querer volver cada vez que la escuchas. Ese recurso vocal que empuja más de una lágrima hacia fuera. Esa imagen y estética que hace que te veas representado en tu cantante favorito. Eso que te hace amar a un artista, y comprender todo su mensaje, aunque no entiendas ni una palabra de lo que dice.

    Fotografía del Concierto de Julieta en Sala But (Madrid) por Renata Parada (@reniparadar)

    Eso es lo que hace a una buena Pop Star. Y, como buena Pop Star, Julieta, indudablemente, también lo ha logrado. Y así lo ha demostrado llegando a los oídos de miles de seguidores y logrando cumplir ese sueño de todo artista, de que su reflexión sea escuchada, más allá de los límites que se nos imponen. This is The Catalan Dream. O, ya entrados en materia, más propiamente dicho, el Somni Català.

    La Importancia de que Exista un Pop Catalán y sea Mainstream – MÚSICA EDUCATIVA Y REIVINDICACIÓN DE LA CULTURA.

    Todo esto, obviamente, mola un montón. Pero vayamos un paso más allá. Y es, ¿por qué Julieta decidiría embarcarse en la música a través de un idioma minoritario, no solo en el país, sino en la industria musical, que apuntaría a poner más trabas en un camino al estrellato ya complicado en su ámbito, y por qué esta acción es importante para la cultura y puede resultar hasta educativa?

    Para responder a la primera parte de esta cuestión, quiero hacer alusión a otro ejemplo, muy reciente y del que todo el mundo está hablando ahora mismo, que me viene como anillo al dedo. Y es que, hace cosa de una semana, salió al aire el nuevo y aclamado proyecto de Bad Bunny, titulado ‘deBí Tirar más Fotos’, el cual ha llegado a los corazones de mucha gente por su emotiva y reivindicativa propuesta.

    Este, trata el tema de la Gentrificación y la consecuente amenaza a la preservación de memoria histórica y cultural de una comunidad, por el desarrollo e imposición de un supuesto proceso de renovación (lo cual no debería ser excluyente, pero desgraciadamente, lo está siendo). Una de las canciones que más fielmente retrata esta situación, y que se relaciona con la motivación de este artículo, es ‘LO QUE LE PASÓ A HAWAii’. En esta, Bad Bunny relata como Hawái, al igual que está pasando ahora mismo en Puerto Rico, fue anexado por Estados Unidos y tratado de despojar de gran parte de sus costumbres, de sus espacios naturales, y lo que nos concierne hoy, de su idioma.

    De igual manera, en lo referente a la música, esto también afecta y funciona de forma similar. A ver, es lógico, que la música que más va a sonar y reventar los Charts va a ser la que se relacione con los sucesos, historia, y estilos de vida lugares más masificados, explore los sonidos más asentados, y, por supuesto, se cante en los idiomas más hablados. Pero, este propio funcionamiento de la industria es el que se encarga, indirecta o directamente (por que es bien sabido que existen ciertos factores intencionados que lo determinan, como la brecha de pago por visita entre distintos países e idiomas, o el posicionamiento en ciertas listas y medios dependiendo de los factores mencionados), de eclipsar el resto, y mucha gente opte por renunciar a cierta parte del lenguaje, para poder tener una oportunidad.

    Y realmente, no les culpo, y sé que hay muchas otras formas de llevar la cultura al arte. Pero sabiendo esto, es digno de mención, y tarea del público, destacar el gran valor que posee la existencia de figuras en España como Julieta, y como otros artistas que la precedieron en el Pop y la música urbana, como lo fueron grupos como P.A.W.N Gang o Bad Gyal y ROSALÍA en sus inicios, y los que lo seguirán haciendo como sus compañeros de estudio Mushkaa, The Tyets y Figa Flawas, que optaron por lanzar sus carreras desafiando al algoritmo y a las posibles barreras impuestas, para impedir que esa parte de una cultura, como es el idioma, se pierda y llegue a desaparecer, dejando una fotografía a las generaciones futuras a través de la forma de mensajería a través del tiempo mejor conservada: el arte.

    Y esto, me lleva, a la última parte de la cuestión: el valor educativo de la música. Y es que, más allá de congelar una entidad en el tiempo, el arte también tiene el poder de encender la llama del interés hacia ella, en un nuevo público que continuará el legado de mantenerla. De esta manera, hablando de lo referente al idioma, os dejo un último ejemplo, en forma de cuestión, con un suceso que todos hemos experimentado alguna vez.

    ¿Qué porcentaje de Inglés has aprendido estudiando el verbo To Be en bucle en el instituto, y cuanto viendo una serie de televisión o escuchando tu canción favorita? La respuesta es clara. Y es que, ver, escuchar o hacer una actividad de disfrutas, es la forma más efectiva de aprender un idioma, e incluso, abrirte a un gran nuevo abanico de posibilidades dentro del entretenimiento, que te perderías si no te atrevieras a romper el prejuicio del lenguaje. Y Julieta, es el claro ejemplo de ello.

    Fotografía del Concierto de Julieta en Sala But (Madrid) por Renata Parada (@reniparadar)

    Yo, al igual que muchos de sus seguidores, hemos obtenido un conocimiento que antes no teníamos. Y es que, quizás, no todos seamos expertos del catalán (aún, jeje) pero sabernos algunas de sus letras de memoria, y que estas nos motiven a indagar más, es un primer paso. Y sí eso, no es un avance bestial para la música y la cultura del país, nada más puede serlo.

    Fotografía del Concierto de Julieta en Sala But (Madrid) por Renata Parada (@reniparadar)

    El Examen Final – FIN DE GIRA EN MADRID.

    Así, con toda esta reflexión, llego a la Sala But de Madrid, donde Julieta propone su recital final de gira. Bajando las escaleras, me siento como si estuviera entrando a ese examen final que tanto tiempo llevas esperando a que llegue. He atendido a todas las clases, y nada me preocupa, porque sé que me se el temario bien. Y al igual que yo, toda una fila que da una vuelta, sino dos, a la manzana. Una vez estamos todos dentro, se apagan las luces. Oscuridad, todo el mundo grita, eufórico de emoción. El Show comienza, y suena ‘LOKURA’. Lo que viene, después, es historia (Bueno, ya paro con este intento de detective de novela gráfica).

    Fotografía del Concierto de Julieta en Sala But (Madrid) por Renata Parada (@reniparadar)

    Pero es que, lo que pude ver y escuchar no merece menos epicidad que esta. Absolutamente, toda (y cuando digo toda, es toda) la sala gritó la letra, sin un solo fallo, de principio a fin. Yo, aún habiendo llegado a toda esta reflexión, estaba atónito ante los hechos. Y es que, por mucho que hubiera aprendido sobre el fenómeno, era sorprendente verlo en directo. Me atrevería a decir, que hasta la propia Julieta se sorprendió.

    Julieta – LOKURA

    De esta manera, dio comienzo la velada, que prosiguió al ritmo de canciones como ‘Full Romance’, ‘Jean Blau’, ‘T’enxules’ y las colaboraciones con Mushkaa ‘No m’estima +’ y ‘Vaya Liada’, que eran introducidas por Julieta al más puro estilo Pop Star Americana con una descripción que intercalaba el catalán y el castellano, y que nos animaba a continuar aprendiendo a la par que disfrutábamos entre coreografías increíblemente detalladas y una presencia escénica que hipnotizaba como un cuadro.

    Mushkaa & Julieta – No m’estima +

    Además, este fin de gira contó con la aparición estelar de Belén Aguilera para dar forma a la actuación en directo de uno de los mayores éxitos de la tarde: ‘Thelma & Louise’, y el que yo y muchos de los presentes, más disfrutamos. Por último, al ritmo de baladas llenas de emoción como ‘haiku’ y una vuelta a la acción final como un cierre cíclico al ritmo de ‘LOKURA’, el Show, como todo lo bueno, llegó a su fin.

    Belen Aguilera & Julieta – Thelma & Louise

    Y como uno de esos vaqueros de las películas del oeste, me dirigí hacía el horizonte (la boca del metro), para partir hacia ese destino (la Renfe), donde poder reflexionar y tomar las primeras notas que componen este documento que ahora estás leyendo, acerca de la experiencia que acababa de vivir. FIN.

    Escucha a Julieta, por una cultura mejor – EPÍLOGO.

    En conclusión, me queda decir, que si te ha gustado o parecido interesante algo de este artículo, te introduzcas en el resto de maravillosos textos que tenemos en esta revista. Y aún más importante, que como parte de público, le des voz y oportunidad a todos esos artistas que luchan por defender su historia y patrimonio, y nos entregan productos de tan alta calidad, como lo hace Julieta. Escucha a Julieta, por una cultura mejor.

    (Esto último parece un eslogan publicitario, pero es que me pongo muy emotivo cuando escribo. Nadie me ha pagado para decir nada. Lo juro. Bueno, ya me callo. Adiós. Gràcies per llegir).

    Fotografía Promocional del Tu Juru La Ju Tour de Julieta.

  • Spotlight 2024 | «dog eat dog food world» – Niko B

    Spotlight 2024 | «dog eat dog food world» – Niko B

    De vez en cuando encuentras a un artista que encaja contigo y en el momento que estás en tu vida de una forma especial. Así me pasó cuando descubrí a Teezo Touchdown, y lo mismo me ha ocurrido este año con Niko B. Su álbum, dog eat dog food world, es un recorrido impredecible, cargado de sorpresas y matices que te envuelven en su universo único, dejándote con la sensación de haber encontrado algo que no sabías que necesitabas. Con este álbum Niko consolida su lugar como una de las voces más singulares del panorama actual.

    El debut de Niko B es tan único como él mismo. Desde que apareció con sus éxitos virales, Mary Berry y Who’s That What’s That, el nativo de Milton Keynes, UK, ha sido difícil de clasificar en una sola categoría. Con este álbum, confirma que su ascenso no es casualidad. Mezcla Rap, Alt-R&B, Lofi-House e incluso Jersey Club y a pesar de su aparente caos, encuentra cohesión en su sentido del humor y su sensibilidad indie. Esto también se refleja en sus excelentes visuales, en los que recientemente ha colaborado el filmmaker británico del momento Lauzza.

    Canciones como trespass coat, junto a dexter in the newsagent, son temas cargados de honestidad y desenfado, como si alguien estuviera contándote sus historias más absurdas mientras ríe contigo. Y es precisamente ese equilibrio entre lo humorístico y lo sincero lo que hace que Niko B destaque. Temas como i’ve smoked weed 9 times and have had one good experience transforman letras que, en otro contexto, parecerían absurdas —como mencionar ceniceros del tamaño de coches— en reflexiones sorprendentes que rozan lo filosófico. 

    Niko subvierte el típico alarde del rap, apostando por una actitud que, aunque llena de bromas, resulta profundamente genuina, apostando por una autenticidad que no necesita alardes. Con un delivery monótono, los beats llevan en gran parte del peso de la canción. Las letras, llenas de referencias de la cultura de internet, memes, humor autoreferencial y anécdotas juveniles, consiguen que sientas todo el proyecto cercano y actual. El álbum cierra con canciones como what counts as fine? y whos in designer, que vuelven a sus raíces en el Lofi-House, ofreciendo un final tranquilo pero lleno de significado.

    Estos años no han sido fáciles para nadie, pero la música de Niko me ha recordado algo importante: no todo tiene que ser tan serio. En un mundo que a veces parece robarnos la capacidad de asombrarnos o disfrutar las cosas simples, artistas como él traen de vuelta esa chispa. Su energía ligera, optimista e incluso inocente me ha acompañado en los momentos felices y en los difíciles. Esa actitud, de vivir sin tomárselo todo tan en serio, es justo lo que quiero llevar conmigo al 2025.

  • Spotlight 2024 | «Leather Park Vol 1.» – Leather Park & Odunsi

    Spotlight 2024 | «Leather Park Vol 1.» – Leather Park & Odunsi

    2024 ha sido un año de muchas tendencias y descubrimientos. La música ha estado ultra gentrificada, llena de diversas propuestas que, entre tanto ruido, a veces han pasado desapercibidas. Sin embargo, entre todo ese caos, para mí han destacado proyectos que han sabido brillar con fuerza. The Help con su álbum LL ha sido una revelación, mientras que el joven Icy Vedo surfea con estilo la ola que seguramente inundará 2025. Joyas como Babyxsosa han sido descubrimientos muy gratos, y artistas como Akrilla, Fimiguerrero o Barry B se han consolidado con proyectos potentes que están traspasando fronteras.

    Pero este año me quedo con un álbum que me ha ilusionado de verdad, uno que me ha hecho volver a sentir la música en la piel, emocionándome con cada mezcla de ritmos y vibras, todo ello presentado con una gran cohesión. Esto es algo que tiene aún más mérito si consideramos la cantidad de colaboradores que participan en Leather Park (Vol. 1). Todo ello está magistralmente encauzado por Odunsi (The Engine), un artista que no solo ha entregado un gran proyecto, sino que también ha reafirmado su posición como una figura clave en la escena alté.

    El género alté, del que Odunsi es pionero, es un movimiento musical y cultural que surgió en Nigeria a mediados de la década de 2010. Se caracteriza por su enfoque experimental y ecléctico, fusionando afrobeat, R&B, hip-hop, electrónica y otros géneros globales. Nacido como una alternativa al afrobeat comercial, el alté ha sido liderado por jóvenes artistas que buscan autenticidad y creatividad fuera de las convenciones mainstream. Figuras como Cruel Santino, Lady Donli y Tems han contribuido a redefinir los límites de la música africana contemporánea, consolidando un espacio que combina vanguardia y expresión cultural.

    Desde su irrupción en la escena musical nigeriana en 2016, Odunsi se ha consolidado como un creador prolífico que combina a la perfección rap y R&B. Este talentoso músico ha lanzado una serie de sencillos y EPs que han cautivado al público con su sonido único. En 2024, nos regaló cuatro sencillos: Mind Reader, Crown Bounce, Resurrect y Therapy. Tres de estas canciones ocupan un lugar destacado en su último álbum, Leather Park (Vol. 1), un trabajo que me atrevería a decir que es su obra más ambiciosa hasta la fecha.

    Como una figura esencial en la escena alternativa nigeriana, el proyecto debut de Odunsi, Time of Our Lives, marcó un antes y un después. Inspiró a una generación de creativos a explorar el género alté, validando y representando a una nueva ola de artistas. Aunque su música no siempre se apodera de las listas mainstream, el impacto de su visión y la calidad de su arte son innegables. 

    Leather Park (Vol. 1) es mucho más que un álbum; es una declaración de intenciones. Con 15 temas que exploran a fondo el alté, Odunsi nos ofrece una experiencia sonora diversa y fascinante. La lista de colaboradores es impresionante, desde el fenómeno del street pop Bella Shmurda hasta el pionero del alté Cruel Santino, pasando por talentos emergentes como Minz y Elias Slay6rr. Cada artista aporta algo único, enriqueciendo un álbum ya de por sí cargado de texturas y matices.

    En cuanto a la producción, cada tema tiene su propia identidad, gracias a que Odunsi confía en un productor diferente para cada pista, aunque lidera personalmente gran parte del proceso. Esto da como resultado un disco variado que mantiene al oyente enganchado de principio a fin. Para quienes aman el alté, Leather Park (Vol. 1) es como abrir un cofre del tesoro musical. Cada canción es una nueva joya, una sorpresa que demuestra cómo el género puede seguir evolucionando.

  • Spotlight 2024 | «Benifornia» – Sami Deluxe

    Spotlight 2024 | «Benifornia» – Sami Deluxe

    Benifornia, cómo puede intuirse por su título, trae a España esa vibra paradisiaca y veraniega que siempre ha caracterizado a la cultura californiana para demostrar que aquí somos más disfrutones que nadie, dando forma a un proyecto que podría funcionar como banda sonora de una potencial nueva entrega del GTA Vice City ambientada en la Comunidad Valenciana.

    Así como lo oyes. Sami Deluxe, armado únicamente con una Talk-Box y la compañía de sus talentosos colegas, se adentra en el sonido noventero más Funk y Disco, que carga al proyecto de ese aura retrofuturista del Pharrell Williams de Los Neptunes, y que cada vez que lo escuches, te hará ver el mundo como Phineas y Ferb: Sintiendo que el verano nunca acaba.

    Pero si aún te quedas con ganas de más, y no quieres que pare la fiesta, te recomiendo escuchar su EP ‘Stereo Madness’, donde, formando equipo junto a Flako NKO, nos muestra un adelanto de un prometedor futuro proyecto que, como mínimo, promete ponernos a B.A.I.L.A.R SIN PARAR.

    En un fin, el motivo de seleccionar ‘Benifornia’ como mi Pick de Álbum Nacional para el Spotlight, además de por tener un enfoque distintivo y adentrarse en la exploración de un sonido único que no se encuentra en casi ningún otro proyecto español, es posible que nazca de un sentimiento de nostalgia, que me ha hecho conectar con ese niño interior que tantas buenas experiencias ha ido recolectando, a lo largo de los años, a través de la mejor época del año: el Verano.

  • Spotlight 2024 | «boy» – 2hollis

    Spotlight 2024 | «boy» – 2hollis

    Boy, cual apodo genérico que le da nombre, podría ser la historia del Coming-Of-Age del adolescente promedio. Ya sabéis: Ese momento en el que todo llega de golpe, y debes lidiar con temas tan vitales como la propia búsqueda de la identidad, o hablar a tu Crush. Y sí, al final, lo que nos cuenta 2hollis es esto. 

    Pero, si algo nos deja claro desde el Minuto 1, es que su forma de visualizar sus emociones dista a años luz de lo genérico, y que, de hecho, es excepcional. Y es que, pocos álbumes dibujan y se hacen sentir, tan minuciosamente a través del sonido, la Senda Arcoíris de estímulos y sensaciones que supone ser un chaval de la Generación Z, cómo lo hace este. 

    El álbum funciona como un DJ SET totalmente cohesionado, que, como la misma rueda emocional y social de la pubertad, no da chance ni a tomar un último respiro una vez adentrado en él, creando un ambiente super veloz y cargado en el que, en cuestión de segundos, el R&B es Metal, el Metal es Dubstep, el Dubstep es House, y nada es lo que parece, dando comienzo a una aventura, que cuanto menos, será desafiante y sorprendente, pero sobre todo, reveladora.

    De esta manera, como vengo destacando, el motivo de seleccionar ‘boy’ como mi Pick de Álbum Internacional para el Spotlight nace de esa completa carga dramática que transporta su sonido, haciendo que este sea un álbum, que aunque no conectes con las vivencias del autor o incluso no comprendas el idioma, te provoque toda una amalgama de emociones a flor de piel con cada efecto, o como mínimo te haga sentir algún que otro escalofrío, como lo ha hecho conmigo.

  • Spotlight 2024 | «#gigi» – Skaiwater

    Spotlight 2024 | «#gigi» – Skaiwater

    Colores intensos, bajos distorsionados y una baby voice como ninguna que hayas escuchado antes. Así se presenta uno de los trabajos más laureados de este año en el underground estadounidense a manos de una renovada Skaiwater, gracias a la que se han logrado romper barreras de género que parecían imposibles de superar hace años. En un nicho tan masculino como el underground, el hecho de que una chica no binaria haya logrado posicionarse como una de las promesas más respetadas de la nueva ola es un hito pocas veces visto.

    Desde que escuchas real feel, el primer bocado de este proyecto, sientes un magnetismo inexplicable; quizás es la voz de Skai, cálida y sentida (“¿es Playboi Carti o Young Thug?” dije la primera vez que la escuché), o ese piano que suena de fondo que rompe todos los esquemas y prejuicios con los que entrabas. Cuando experimenté esta primera escucha, decidí dejarme sorprender sin ninguna pretensión. Y menudo disco, del que no he podido desapegarme por mucho que hayan pasado los meses.

    Hay letras, flows y beats de #gigi en los que pienso día sí y día también. El proyecto es una montaña rusa de emociones, hablando desde desamores y vulnerabilidad hasta incertidumbre con su orientación sexual. Skaiwater nos promete un relato que pocos artistas nos pueden brindar, hablando abiertamente sobre prejuicios sociales con su música y cómo se extrapolan a su vida personal y sus relaciones. #gigi es uno de estos proyectos que suenan bien en la superficie y que calan más conforme te adentras en él tratando de entenderlo.

    Dicen que el arte no solo te marca por el mero hecho de serlo, sino que a esto se le añaden las experiencias que hayas tenido junto a él. #gigi fue una de los pocos proyectos que escuché una y otra vez durante un viaje con amigos, y siempre que suenan los primeros acordes de temas como rain o richest girl alive, me transporto a un momento donde fui feliz imitando la voz de Skaiwater o acercando el dedo al altavoz para sentir los graves de box.

    Me he emocionado con heavy metal y he saltado con bleach, y siempre que lo escucho pienso “es el álbum de la década”. ¿Una exageración? Probablemente, pero el hecho de que un disco te haga sentir así no tiene precio, y es por eso que #gigi tiene un hueco especial en mi lista de discos favoritos de 2024. Deseoso de ver lo que le depara el futuro a su sonido y el mensaje que trate de reflejar. Mientras tanto, seguiré agradeciendo y recordando una y otra vez las experiencias que he atesorado con #gigi.

  • Spotlight 2024 | «es que acaso no me oyes?» – Rebe

    Spotlight 2024 | «es que acaso no me oyes?» – Rebe

    Acaba 2024 y nunca está de más celebrar a una de las artistas más especiales de nuestro país: Rebe. Fue de los primeros estrenos interesantes del año y la culminación de su inexplicable universo. Con “Y es que acaso no me oyes??”, Rebe presenta un sonido valiente y único (de verdad, es imposible que algo de ahora suene parecido) y a la vez hace un guiño a sus referencias de siempre. Un poco de Las Grecas, Chicago, Grimes, Pimpinela, Marisol y listo. De hecho hay un guiño a esta en “Marisol”, un primer single con el que te entrarán ganas de rescatar palabras como “guateque” o “bailongo”.

    Y es que Rebe pone en valor algo que siempre se quiere esquivar: lo rancio. Mientras muchos artistas apuestan por “limpiar” y estandarizar la canción española, Rebe prefiere potenciar su verdadera magia usando campanas, mosquitos, coros desafinados, efectos que suenan a Word Art 2003, y otros recursos que te harán sacar una sonrisa. En “lejos del mundo y del dolor”, Rebe parece una caja de música rota con una bailarina llena de polvo y “duelo de amor” te transportará a esa función de infantil donde te quedabas en el sitio moviéndote de izquierda a derecha. 

    A pesar de todos estos adornos, este disco no es una bizarrada gratuita imposible. Son canciones pop con melodías muy pegadizas y sorprendentes que acompañan a unas letras ultra dramáticas. No sobra ni falta ningún elemento. “yo te llevo conmigo al cielo” combina su voz inconfundible con miles de microinstrumentos y hasta toques de reggaeton? En fin, se nota que estas canciones se han tejido con la única ilusión de construir un mundo tan concreto y tan mágico que sea inevitable sentir curiosidad por él. En una época donde los estrenos se nos escurren entre los dedos, se agradece contar con proyectos así de mágicos y humanos. Viva lo rancio, viva lo cutre y viva Rebe.