Categoría: Moda

Cuando hablamos de Tyler, The Creator, hablamos de uno de los raperos, productores y referentes de la moda más influyentes en los últimos años. Ahora el dos veces ganador del Grammy se une a Pharrel Williams y Louis Vuitton para la nueva colección masculina de primavera del 2024.

Tyler, The Creator siempre ha estado muy ligado al mundo de la moda. No hay más que ver sus marcas, tanto Golf Wang como Golf Le Fleur tienen un éxito enorme, es decir, el californiano no es un rapero más. Juntándose con una de sus mayores influencias, Tyler nos deja una cápsula que le define como persona. Con toques desenfadados y despreocupados, el rapero reimagina el clásico monograma de Louis Vuitton dibujándolo el mismo y con los clásicos tonos apastelados que tanto nos había dejado ver en sus colecciones con sus marcas.

Tyler citó en un comunicado que en esta colección se centró en hacer cosas que se puedan llevar en el día a día, y así es. En una cápsula que tiene desde las clásicas LV Trainer hasta el clásico chaleco de punto que caracteriza a Tyler, la gran parte de las prendas siguen la línea que planteaba el californiano y no están enfocadas en su mayoría a desfiles de pasarela. Se busca la comodidad y la normalidad sin perder ese punto de lujo y alta costura de Louis Vuitton ni el tono desenfadado de Tyler.

En cuanto a accesorios, Louis Vuitton nunca decepciona y nos trae los clásicos maletines de la marca parisina, además de llaveros, carteras y un estuche para guardar los palos de golf. Tyler deja su esencia en mayor parte en la sección de la colección enfocada al golf. Con tonalidades verdes que nos recuerdan a Golf Le Fleur, predomina un estampado verde a cuadros en muchas de las prendas, como la bolsa de viaje o las pequeñas carteras.

Una de las piezas más curiosas del drop es el tablero de ajedrez. En palabras de Tyler, es uno de los mayores logros de su carrera. El tablero y las fichas fueron dibujadas a mano, lo que le da el toque personal y cercano que rompe con la estética fría y vanguardista de la marca francesa.

La colección se encuentra ya disponible en la web de Louis Vuitton, pero aquí puedes echarle un ojo a alguna de las prendas.

MSCHF, los autores de las míticas “Big Red Boots” que tanto ruido hicieron el año pasado, vuelven a pisar con fuerza con un nuevo rediseño de las clásicas “6-Inch” de Timberland.

Si hay algo que caracteriza a la marca estadounidense MSCHF es sin duda la extravagancia y la alteración de siluetas icónicas como las “Satan Shoes” en colaboración con el rapero Lil Nas X, que reimagina las Air Max 97, y las “Birkinstock” que, como bien indica su nombre, combinan la suela de las Birkenstock con la piel del exclusivo «Hermès» de Birkin. Tras reimaginar las «Vans Old School» y las «Air Force One», el próximo target de MSCHF fueron las “6-Inch” de Timberland.

MSCHF anunció mediante stories del diseñador Don C el rediseño de las “6-Inch”, que ya se encuentran disponibles en la web de la marca bajo el nombre “2×4”. En la web podemos ver claramente que la bota sigue la estética de exageración que tanto caracteriza MSCHF. La suela se apodera de toda la «2×4», recubriendo el tobillo hasta las primeras costuras que dan paso a la caña y, una vez llegada a la puntera se extiende por toda la parte delantera.  Una vez llegado al centro del empeine vemos un patrón discontinuo de las clásicas estrellas de la suela de las “6-Inch”, que a diferencia de las originales contienen un círculo en el centro, pareciéndose sospechosamente a la flor que conforma el monograma de Louis Vuitton. Este patrón se mantiene de manera continuada por toda la lengüeta, siendo solo interrumpido a la mitad de esta por el logo de MSCHF. Estas mismas estrellas están también presentes en los ojales de la bota. 

Quizás la característica más curiosa de la “2×4” es que la bota tanto desde arriba como desde abajo sigue el mismo patrón, y es que como describe la marca en su web: “The 2x4s are all sole”. 

MSCHF lanzó la campaña de release de la «2×4» este 7 de marzo de la mano del mismísimo director Spike Lee en un post de Instagram de la cuenta oficial de la marca que incluía un carrousel de fotos del director posando con el nuevo modelo de la marca. Dirigida por Satchel Lee, hija del director, la campaña se basó en una serie de fotos de Spike en un parque con un paisaje bastante otoñal, en el que la luminosidad y composición de colores hacían a la bota destacar por encima de todo gracias a la selección de colores cálidos que contienen tanto la imagen como la ubicación. Además en la bio del post se anuncia que finalmente las botas estarán disponibles para comprar el 19 de este mismo mes al precio de 400 euros.

La fórmula del éxito de MSCHF se consuma una vez más. Estrategias de marketing virales que les diferencian del resto de marcas del mercado gracias a su creatividad, acaban causando un fenómeno viral por cada drop. Y es cuanto menos curioso que una marca que tenga la capacidad de hacer releases tan creativos y diferenciales base sus productos en otros ya existentes de los que ni siquiera tienen licencia de uso. Ser creativos copiando, como si de un trabajo de instituto se tratase.

“Me daba igual lo que la gente pensase sobre mí, o lo que yo pensase de mí mismo, así que iba hasta el fondo de mi lado más oscuro, sacaba del interior de mi alma esas cosas horribles y las ponía sobre la pasarela.”

Desde sus inicios la carrera de McQueen ya era muy diferente a lo que pudieras esperar de cualquier estudiante de la prestigiosa escuela de arte, Central Saint Martens. Mcqueen no venía de una familia acomodada ni era muy bueno en sus estudios, a sus propias palabras se pasaba las clases dibujando ropa. Cuando acabó la escuela no sabía qué hacer y se fue a trabajar a un taller de trajes como costurero, donde destacó por sus ganas de aprender. Después de unos años de aprendizaje en diferentes talleres, se plantó en la puerta de la tutora del curso de moda de la Central St Martins para trabajar para ella, pero le acabó convenciendo de estudiar allí. Así empieza el legado de Lee Alexander McQueen.

Jack the Ripper Stalks His Victims

Esta es la primera colección de McQueen producida como trabajo de fin de máster en la Central St Martins en 1992. Pasó por la escuela como un increíble alumno y muy aplicado, corrigiendo incluso a los propios docentes y donde conoció a sus mejores amigos que más tarde serían parte de su proyecto de marca. Para final de curso había que presentar una colección en la semana de la moda en Londres, así nació Jack the Ripper Stalks His Victims. Una colección basada en la oscuridad, en la historia del East End y como no Jack el Destripador.

La historia del asesino en serie del East End (zona donde vivía McQueen) es conocida por todo el mundo,  un asesino en serie que acechaba sus víctimas, todas mujeres, en la oscuridad, para luego arrebatarles la vida de la manera más grotesca posible.

En esta colección vemos referencias directas al asesino destripador con vestidos con imágenes de mujeres, que se relacionan con una obsesión por las víctimas femeninas o incluso una chaqueta con trozos de pelo humano forrado, con seda roja en su interior representando la carne abierta de las víctimas y la sangre.

La colección se destaca por sus figuras ceñidas al cuerpo de las modelos y la combinación de tonos negros y rojos, haciendo una increíble relación entre la belleza y violencia., temas muy recurrentes en la década de los 90s.

En este desfile estaba una de las figuras más icónicas en la vida de McQueen, Isabella Blow. Ella era la periodista de moda británica por excelencia, con una red de contactos que llegaban a Anna Wintour en Estados Unidos. Isabella se quedó alucinada con la capacidad de McQueen de combinar tanta belleza con un trasfondo tan oscuro y le compró la colección completa por 350 libras. Así empezó una gran amistad, aunque con altibajos, entre el diseñador y la periodista.

“Le dije a su madre que había tenido a un genio, es el Saint Laurent del año 2000”

Tras este genial comienzo McQueen siguió trabajando en colecciones con el poco dinero que ganaba del paro y ganando cada vez más renombre en la industria pero con muy poco dinero, hasta que se le ofreció en 1997 entrar a Givenchy, diseñar la colección de verano de Haute Couture y ser el nuevo director creativo de la marca francesa.

The Golden Fleece

“¿Por qué fuiste a Givenchy? Pagaban muy bien. El dinero que gano en Givenchy lo invierto en McQueen”

La entrada de McQueen a la casa francesa fue caótica. En menos de 3 meses tenía que crear 55 looks para el desfile de verano de Haute Couture con el listón tan alto que había dejado John Galliano. 

Además para el joven McQueen todo era muy diferente a su taller en Londres, allí todo era clásico, limpio y cuidado y su metodología era mucho más “bruta” con las tijeras en las manos recortando por todos los lados y con el hándicap de que en el taller se hablaba exclusivamente francés y McQueen solo sabía hablar inglés. 

Llegó con la idea para el desfile muy tarde pero encontró la inspiración en la etiqueta de Givenchy, blanca y dorada. La idea central del diseñador era crear guerreras mezcladas con diosas y tomó como referencia el mito del carnero (o la cabra) de la antigua mitología, añadiendo cuernos en los peinados de las modelos.

Así el 19 de enero de 1997 se desfiló en París la primera colección de Alexander Mcqueen como director creativo de Givenchy, The Golden Fleece.

La colección fue un cambio total para el estilo de Mcqueen, en el que veíamos telas cuidadas al detalle, con figuras más clásicas y alejándose totalmente de la oscuridad que veíamos antes, trayendo un mundo y un imaginario limpio y radiante, aunque conservando ese lado “dark” con los cuernos en las modelos, cosa que a la crítica no le gustó nada.

La crítica se ensañó con McQueen. Dijeron que era una falta de respeto hacia la marca francesa e incluso criticaron su look al salir a la pasarela a saludar. 

Una semana después McQueen tenía el desfile de su colección propia en Londres y fue uno cargado de rabia, miedo y sentimiento, donde incluso ardió el atrezzo sin querer pero el desfile no cesó.

Tras varias colecciones y trabajando conjuntamente en su marca y para Givenchy en el año 2000 recibe una oferta de parte de Gucci para comprarle un 50% de McQueen, cosa que acepta consiguiendo así desvincularse de la firma francesa y pudiendo centrar en su marca propia con la que tuvo sus años de oro creando colecciones como The Voss o No.13.

Plato’s Atlantis

En 2007 empieza lo que se podría decir la época más dura de McQueen. En este año muere la persona que le dió todo en su carrera, Isabella Blow, que aunque tras el contrato de Gucci su relación estaba muy fría por problemas personales, resultó ser un palo muy duro para el diseñador inglés. El 6 de Octubre de 2007 presenta junto a Philip Treacy, diseñador de sombreros y también descubierto por Isabella, “La Dame Bleue”, una colección inspirada en su amiga y mentora fallecida. 

“No estoy enfadado conmigo si no con el mundo”

Para estos años McQueen se sentía defraudado y enfadado con el mundo de la moda del que piensa que es un mundo lleno de basura y dobles caras. Presenta así una de sus colecciones más personales “The Horn of Plenty” en un desfile con un montón de basura en medio. Esta colección refleja muy bien la locura que estaba sufriendo McQueen en su cabeza y hace que sus antiguos amigos se preocupen por él y vuelvan a tener contacto.

En 2009 McQueen empieza a trabajar en lo que en sus propias palabras será su última colección, Plato`s Atlantis.

La depresión del diseñador estaba en su punto más alto y tonteaba con el suicidio. La presión que tenía por el contrato con Gucci no ayudaba ya que tenía que hacer las colecciones de hombre, de mujer y la línea McQ, llegando al mismo nivel de trabajo que tenía cuando estaba en Givenchy.

Él quería que la invitación al desfile fuera su propia cara en una calavera y admitió que al terminar el desfile quería que saliera una caja transparente del suelo con el dentro y se pegaría un tiro delante de todos.

La idea de Plato`s Atlantis es el regreso desde la tierra al mar, siendo McQueen un gran amante del mundo marino, donde encontraba la calma en todo su caos. Trataba temas de evolución de cómo un ser humano se adaptaría a la vida en el mar. Era como ver un set en su cabeza con todas las cosas que más admiraba: los estampados que eran como escamas de peces pero cortados y vueltos a coser, el patronaje experimental con figuras voluminosas pero ceñidas al cuerpo, los robots a los lados con cámaras que retransmiten el desfile… Fue como coger todo el recorrido de McQueen y plasmarlo en un desfile.

Un año después la vida de McQueen tuvo un desastroso giro con la muerte de su madre con la que tenía un vínculo especial y un día antes de su entierro acabó desgraciadamente acabando con su propia vida.

Lee Alexander McQueen fué uno de los grandes diseñadores de esta época. Captaba y reflejaba con una técnica increíble las historias en sus colecciones, como si de un creador de historias se tratase. Con una vida muy corta pero gran admirado por el mundo de la moda e incluso por el público general gracias a su personalidad única e irremplazable, puso la moda en el ojo aún más público y se convirtió en uno de los diseñadores con más renombre de la historia. 

“Cuando esté muerto y me haya ido, la gente sabrá que el siglo XXI fue iniciado por Alexander McQueen”.

Para esta próxima edición de la pasarela de la moda emergente Allianz EGO. Jóvenes talentos de la moda española presentan en la pasarela nuevas propuestas que estamos seguros/as que nos sorprenderán. Desde Calle 52 pondremos los puntos sobre las ies y os contaremos un poco más sobre las letras capitales que conforman esta edición que tendrá lugar el 18 de febrero en Ifema, Madrid.

_{^{Fotografía de Tania Mendoza @iconxspic del desfile de Binya febrero 2023 @binya.co}}

Con la A. ADRIÀ EGEA.

De Badalona, comenzó su pasión por la moda en su ciudad. Es gracias a su abuela Micaela, que transformaba prendas usadas en nuevas confecciones originales y les daba una segunda vida a estas.

Con el tiempo Adrià realizó sus estudios en moda en Barcelona, y este próximo 18 de febrero presentará su nueva colección, usando la misma técnica que su abuela y continuando con esa bonita herencia que le dejó. La coleccion estará formada por la que ya es su sello personal, con piezas uniformadas y amplias en tonos negros que expresan lo que para Adrià es la existencia del hombre en estos tiempos y será presentada bajo el nombre “Error Series 3.0”

Con la A. ANYSTUDIO.

Marca que es el resultado de la unión de dos almas creativas. Fue en 2020, en la ciudad de Barcelona, cuando Lorenzo Binard y Elizabeth Vallecillo, los directores creativos de Anystudio se conocieron. Desde entonces unieron sus inquietudes para materializar su marca, que abandera que la moda no tiene género y trae de vuelta la importancia del proceso creativo a la hora de elaborar nuevas colecciones. Esta fusión perfecta mezcla la artesanía con los valores de las nuevas generaciones.

Con la C. COCONUTSCANKILL. 

Nace en 2018 en Santiago de Compostela de la mano de la diseñadora Amara, que tras varios años de creación, en la anterior edición de Allianz Ego, se coronó como la ganadora de la 5º edición de este prestigioso concurso.  

En su última colección “Sommet” , usa elementos poco comunes para crear una singularidad única en el panorama nacional, cerrando así tendencia, con elementos como: El vidrio, piel vegana o lanas, que en la confección evocan formas presentes en la naturaleza, a través de una técnica que reinterpreta la sastrería y que nos ofrece prendas únicas con caídas de punto, estructuras e incluso transparencias que generan así el balance perfecto entre la innovación y las materias primas.

Con la E. EVA DE HOUSE.

Desde su origen en el 2021 con la colección “Traveling Blind” tras graduarse en el London College of Fashion. La esencia de Evangelina se palpa mediante la interpretación teatral a través de la música y el vídeo que hace de sus colecciones una obra completa.  La marca ha sido numerosas veces galardonada y ha aparecido en grandes medios, donde a simple vista sin leer los créditos sabemos a quién pertenecen estas características prendas, dotadas de  expectación y que aparentan haber sido “devoradas”. Lo próximo que nos espera de Eva de House “Colección 006” únicamente sabemos que irá de la mano de la investigación de generar prendas comestibles que provienen de materiales de frutas y verduras. Será todo un espectáculo comestible. 

Con la J. JUAN VG.

Mediante el upcycling y la moda genderless, este diseñador emergente ha estado presentando colecciones que nos cautivan por su expresión de color, muy animadas pero que tienen cierto toque disruptivo. Esta inspiración es fruto del pasado de su ciudad natal, Valladolid y su experiencia cómo ha podido contar, en un colegio concertado en el cual la expresión se ve condicionada por el uniforme. Juan, genera técnicas para sus prendas a través del patchwork, prendas pintadas a mano y el uso notable del denim. Todo ondeado siempre, mediante el uso predominante del color, en su colección “Gamberrxs”

Con la O. ORIOL CLAVELL.

Se encuentra actualmente cursando un máster en la célebre escuela Central Saint Martins, Londres. Fue también en esa ciudad donde se pudo graduar y gracias a su colección final de carrera pudo desfilar así en  Shenzhen, China. Captando de esta manera, el interés de la prensa y de diversos artistas. Para esta nueva colección que dará lugar el 18 de febrero en la Mercedes Benz Fashion Week. El diseñador apostará por imaginar un reinado queer, fuera de lo normativo y con inspiraciones principales de la escena nocturna queer actual mezclada a través de siluetas más históricas. A nivel técnico las prendas seguirán en la línea anterior, de mezclar artesanía con la nueva tecnología como bien puede ser la impresión 3D.

Hace un par de años nos encontramos un vídeo en YouTube donde se veía a una persona tapada con una túnica de pies a cabeza, dentro de una bañera y hablando sobre moda. Ese señor era el diseñador Miguel Adrover.  Su discurso sobre la industria de la moda y su experiencia formando parte de ella nos interesó mucho. Y es que Miguel, al que podríamos haber descubierto solo por ser un gran amigo de Alexander McQueen, nos fascinó por sí sólo, por su trabajo y  por su visión de la moda. Así que no hay necesidad de reconocerlo por “amiguismos”.

Que fuese la primera vez que oíamos hablar de este diseñador de moda autodidacta nos sorprendió muchísimo: como creador de unas colecciones fantásticas en los años 2000, por obtener un premio CFDA “Best New Designer of the Year” y, sobre todo, por tener un discurso politizado, transformador y reivindicativo sobre la industria. Y es precisamente por esto último, que Miguel Adrover es el eterno olvidado en la industria de la moda. Y no para nosotros claro, porque hoy venimos a contaros su maravillosa historia.

“The power of clothing”, de Mallorca a Nueva York

Nacido en los sesenta en Calonge (Mallorca), Miguel Adrover dejó la escuela a los once años para trabajar con su familia en el campo. Cuenta que fue durante su infancia donde empezó a interesarse, a través del juego, por la ropa. Cogía prendas de su familia, se las ponía y jugaba con ellas. En una conferencia en Nueva York para el IAC en 2013, explica que él desde pequeño había sido muy excéntrico, que los niños no querían jugar con él porque para ellos era un “freak” y que nadie de su pueblo lo entendía. Es allí, en su pueblo,  donde por primera vez para Miguel se hace evidente “the power of clothing”, sintiendo el rechazo de los otros hacia él por su forma de vestir. Adrover añade en una entrevista cuando habla sobre esto: “celebrities jump into the industry without knowing how powerful the clothes are”, que él sí lo sabía.

En los años 90, Adrover se muda a Nueva York y empieza a trabajar como conserje. Es allí donde conoce a su socio Douglas Hobbs, con quien empieza a hacer camisetas y a venderlas. Más adelante abrirían la tienda Horn, en el East Village. Horn se convirtió en un punto de encuentro para jóvenes diseñadores que buscaban algún sitio para enseñar sus prendas, como Alexander McQueen.

A raíz de conocer a Lee McQueen y establecer una relación de amistad, descubren tener “backgrounds” muy parecidos. Ambos venían de familias humildes y compartían una visión nítida de la realidad y de la crudeza del mundo. Es en ese momento, junto a McQueen, cuando Miguel se dió cuenta de que no hacía falta ser rico para formar parte de la industria de la moda, y  de que podía crear algo para representar a esas personas y realidades que  no estaban representadas.

Éxito, “bad timing” y bancarrota

Su primera colección, presentada en 1999, recibe el nombre de “Manaus-Chiapas-NYC”. Cuenta la historia de una mujer que llega de una tribu amazónica a “La gran manzana”. Su propuesta no dejó indiferente a nadie, ya que se trataba de una colección arriesgada y original para esos años. En ella, presenta por primera vez su reconocido diseño de la camiseta de “I love NY”. Entre las prendas que creó también se encuentra una falda hecha a partir de un bolso Louis Vuitton, cuya deconstrucción le daba un giro a este símbolo de ostentación y riqueza. 

Su primera colección fue un triunfo comercial y generó 5 millones de dólares en ventas “retail”. Este éxito atrajo al grupo Pegasus Apparel, que más tarde apostaría por apoyar económicamente al diseñador.

En las siguientes colecciones, Adrover siguió usando logos de marcas como Coca-Cola, Marlboro, Ralph Lauren o el logo de las Naciones Unidas, como forma de cuestionar la presencia de estas marcas, su poder y así generar un poco de crítica y caos. Llegó, con esto, hasta el punto de recibir una demanda por parte de Burberry por usar el patrón de su famosa “trench coat”.

En 2001, saca una colección inspirada en la cultura árabe y el Oriente Medio tras pasar seis semanas en Egipto. La colección se presentó dos días antes del atentado a las Torres Gemelas en Nueva York y con este suceso empezó su declive. Tal y como explica Lauren Sharkey para Dazed, “las referencias étnicas de Adrover fueron acusadas de romantizar la cultura talibán, e incluso lo llevaron a una investigación de la CIA. Por supuesto, Adrover no iba a saber la atrocidad que ocurriría dos días después de su espectáculo.” Miguel Adrover describió la situación como “bad timing” y asegura que sufrió mucho por la mala interpretación de la gente respecto a su trabajo.

Este suceso llevó al grupo Pegasus Apparel a la bancarrota y a su misma vez a abandonar a Adrover. Los pedidos de las tiendas de “retail” se cancelaron en ese mismo momento. Adrover no hizo ninguna colección nueva hasta 2004, de la que no pudo pagar ni los envíos a las tiendas, perdiendo así su presencia en “retail”. 

Adrover anunció que abandonaba Nueva York en diciembre de 2004 para volver a Calonge, su pueblo natal. La situación económica y social en la que se encontraba en USA, lo llevó a tomar esta decisión. Pensó que podría encontrar un nuevo mercado en Europa que sería capaz de entender mejor su trabajo. En el año 2012, presenta su última colección titulada “Out of my mind”, creada a partir de prendas de su armario y de su familia.

Actualmente, Miguel Adrover afirma no haber vendido ninguna prenda desde 2005 y se dedica a la fotografía y a otras disciplinas artísticas, y continúa con su discurso activista.

“Que sea bonito no es suficiente”, las grandes casas de moda ya no sirven para nada

Miguel Adrover, que se mostró como un diseñador “politizado” durante sus años de trabajo, siempre ha defendido que la moda tiene que ir atada a la realidad y que tiene que ser consciente y social. En una entrevista dice: “que sea bonito no es suficiente”. Explica, en la conferencia del IAC, que las grandes casas de moda como Chanel o YSL hacían un buen trabajo cuando sus fundadores estaban vivos porque intentaban cambiar la sociedad con sus prendas. Ahora, ya no sirven para nada: están atrapadas en la involución.

En una entrevista para The New York Times en 2004 comenta: “We’re not going to show pink flower dresses on the catwalk if people are in the world throwing bombs.” Su compromiso con la transformación social, la reivindicación política y la sostenibilidad a través de la moda y el arte, es lo que  se le ha criticado siempre.

Si algo podemos asegurar, es que Miguel Adrover es un referente, tanto por su trabajo como diseñador como por su voluntad de cambiar la industria y el mundo. Aunque para muchos sea un desconocido y el eterno olvidado, está claro que no lo es para todos aquellos que comparten su visión. “Miguel should be held at the same level as mcqueen, as margiela, as galliano, he is one of the greatest minds to ever touch fabric, a gift to the art.” (@genevievejuly9363), «this guy is so underated» (@vandolmatzis8146), encontramos escrito en los comentarios del video de YouTube que mencionamos al principio.

Muchas gracias Miguel!

Maria Prieto Aparici, A55 STUDIO