Categoría: Album Review

Tras “to hell with it”, una mixtape que recogía las microcanciones de drum & bass que reventaron TikTok en 2021, la vida de PinkPantheress ha dado un giro de 180 grados. De saltarse clase haciendo beats en su residencia universitaria a trabajar con los mejores creativos del mundo y subirse al podium del Billboard Hot 100 de la mano de Ice Spice con “Boy’s a liar P. 2”. Ahora vuelve con «Heaven knows», un disco que se aleja del drum & bass para adentrarse en otros territorios. 

Pink propone un sonido optimista y luminoso para introducir temas tan oscuros como la muerte. Aunque la mayoría de las demos estaban en Youtube desde hace meses, las versiones finales te envuelven y te sorprenden como el primer día. “Ophelia” (producida junto a Danny L Harle), empieza con un arpa insinuante a la que pronto se unen unas baterías secas y todo recuerda un drama de Disney Channel en el mejor de los sentidos. Encima, en la letra encarna a la protagonista de la famosa novela de Shakespeare aunque aquí cuenta cómo su pareja le ahoga en la bañera mientras observa su vida pasar por delante de sus ojos. 

El sampling sigue siendo su hábitat natural. Se atreve a trastear con hits de K-Pop como “Ice Cream” de F(x) en “Another Life” y hasta clásicos del pop británico como “Gold” de Spandau Ballet en “Nice to meet you”. Este último es candidato a ser el single más pegado del disco. Una producción voraz y explosiva, un videoclip sacado del “student book” de 2009 y la aparición de Central Cee, uno de los artistas británicos que lideran la ola del drill a nivel global. Quizás las rimas de Cench sean algo vagas – “I might risk it for a biscuit… sweet and I can’t resist it”  pero su voz empasta muy bien con el beat y aporta la energía del drill inglés que el tema necesitaba. 

En los créditos de “Mosquito”, el primer adelanto del disco, sorprende encontrarse a Greg Kurstin, conocido colaborador de Adele y Sia. Esta vez usan una percusión mucho más clásica y amena con partes silbadas que recuerdan a los hits veraniegos de Corinne Bailey o Lily Allen. Su estribillo: “Acabo de soñar que estaba muerta y solo me importaba porque me separaba de ti” puede parecer la declaración de amor más bonita que has escuchado en tu vida pero en realidad Pink está hablando del dinero y su miedo a perderlo. 

Algo a destacar es su obsesión por el detalle. Hay temas como “Capable Of Love” (el más largo de su carrera con 3:43 minutos) o Blue (producido junto a Sam Gellaitry), que están repletos de perlitas. Un sintetizador sumergido, unas llaves de coche, unas guitarras eléctricas adolescentes al más puro estilo “Paramore”, dos segundos de violines en medio de la canción… Y es ahí donde yace la magia de PinkPantheress. Presenta algo simple y aparentemente inofensivo con un enfoque misterioso y sugerente. Ya no es “la de TikTok que hace temas de jungle”. Es una compositora y productora que quiere demostrar todo lo que es capaz de hacer.

Si algo se echa en falta es progresión dinámica. La mayoría de los temas rondan los dos minutos y medio y las ideas se desarrollan muy rápido. Si además añades invitados como Rema en “Another Life” o Kelela en “Bury Me”, acaban siendo cortes esporádicos que se escurren un poco entre los dedos. De todas formas, el verdadero pegamento del disco es la voz de Pink. Un tono ligero y agradable, un poco de autotune y un aplastante acento de Canterbury que tira por tierra la tendencia de los cantantes ingleses a suavizar o “americanizar” su acento al cantar.

En esta nueva oleada de artistas nacidos a partir del año 2000, es fácil encontrar letras algorítmicas y fórmulas refritas, y es difícil encontrar melodías evocadoras, samples ingeniosos y voces distinguibles, pero “Heaven knows” demuestra que sí se puede. En definitiva, PinkPantheress es una figura necesaria, sorprendente y emocionante que siempre apuesta por empujar el pop hacia nuevos horizontes.

Tras el éxito que cosecharon en Noviembre con la “Holics Tape 2”, los chavales de Rubí vuelven a la carga con su proyecto más ambicioso hasta la fecha, «SS23», en un festival de luces de neón y ropa de marca.

La función de los proyectos que lanzan como colectivo los chicos de Holics es servir de escaparate de aquello en lo que están trabajando. Los sonidos con los que cada uno está probando y en definitiva lo que les interesa y les apasiona en ese momento. Casi todos los integrantes han lanzado proyectos en solitario en los últimos meses, lo que nos ha dejado regalitos como “222” de Uglyywhite, “Rucciskii” de Nino Rucci y Jujiskii o “Spiritual Warfare” de Henny’o. Como ya conocemos tanto las flaquezas como los puntos fuertes de cada uno de ellos por separado, veníamos con ganas de ver que iban a hacer con la “SS23”, y la verdad es que han venido a romper con todo.

Conocíamos este formato puesto que el año pasado ya lanzaron la “SS22”, un EP que sonaba a verano y playita. Con este nuevo proyecto han jugado un poco al despiste y han optado por un sonido más comercial y maduro. No hay aparente relación entre estos dos proyectos, sino que parece un favor del colectivo que se acabará haciendo tradición para que no tengamos que esperar mucho tiempo entre cada tape.

Para montar este escaparate que es la “SS23” tenían muchas cosas que colocar, y han necesitado ayuda. Concretamente se han aliado con la sala Razzmatazz y con Terrier Films. La sala puso la ubicación y la gente de Terrier Films las cámaras y la creatividad. Esto les ha servido para tener la friolera de diez vídeos para acompañar las diez canciones que conforman este disco. Todos vídeos verticales (excepto uno de ellos) cada uno con su estilo y enfoque único.

Los vídeos que grabaron en el intervalo de una semana sirven para expandir el universo y el imaginario de colectivo. También servirán a muchos para ponerles cara y ubicarles, que no son pocos. Los juegos de luces y sombras se mezclan con el carisma de los integrantes y conviven con referencias visuales a Gaspar Noé, Wong Kar-Wai, Arca, Yves Tumor o Rosalía, por poner algunos ejemplos. Todos ellos están rodados con suma maestría por el equipo de Terrier, incluso los que cumplen una función más de visualizer que de videoclip al uso. Hay algunos más graciosos como los de “MoMA” o “DAQAAR” e incluso una segunda versión del Runway que hicieron para el anterior disco en “EVOQUE”.

Lo que sí está claro es que hay un obvio focus track en este sentido, y estoy hablando de “MIDNIGHT CLUB”. Este tema es el único que tiene videoclip en horizontal, y es que es una película. Razzmatazz hace de escenario para contar una historia con tintes de cine francés y de carreras callejeras de coches japoneses. Hablo muy en serio cuando digo que ya quisieran muchos de los artistas del panorama actual llegar al nivel de calidad visual que ha alcanzado el colectivo en este tema. Nos quitamos el sombrero ante Holics y Terrier Films.

Es un proyecto en el que se nota el paso del tiempo y los cambios que ha habido dentro del colectivo. Para empezar tienen un nuevo miembro, OkeyJosey, que ha ayudado a enfocar la visión creativa del colectivo y ha aumentado sus filas a 15 integrantes (o un leviatán de treinta brazos que diría XTomyC). Por otra parte hay cierto relevo casi poético en la participación. Si recordamos la “Holics Tape 2”, gran parte de las producciones corrían a cargo de Shyne, que hizo un trabajo excelente.

Aquí sin embargo encontramos que tanto Chef C como Santo Romeo en su faceta de productor también han tenido su espacio para brillar. Del mismo modo hay un cambio en el sonido, y es que en este disco da la sensación de que ha habido una intención de apertura al público en todos los sentidos. Con temas que suenan a electrónica, rage e incluso pop. Esto hace que se diluya el sonido tan personal y oscuro que tenían en la primera “Holics Tape”. Y esto me pone nostálgico.

Si el colectivo se ganó un hueco tanto en la industria como en nuestros corazones en 2021 es porque traían algo nuevo y fresco. Aquí el nivel sube, por supuesto, la evolución es natural y negarla o rechazarla sería una estupidez, pero creo que se han subido a otros estilos que ya se han trabajado en otros sitios y por otros artistas en vez de curar y depurar su propio sonido.

Echo de menos algún “Freixenet” o “Conoisseur”, pero por otra parte agradezco temas como “NICOTINE”, “KILIMANJARO” o “DAQAAR”. Es la sensación que me da, sé que todavía tienen muchos que enseñarnos y muchos palos que tocar, igual que muchas ideas que recuperarán con el paso del tiempo.

Guste más o guste menos, la variedad de géneros de la “SS23” es innegable. No hay dos canciones iguales. Tenemos EDM en “ESPINAS”, New Jazz en “MoMA” o incluso toques de amapiano en “KILIMANJARO”. Todos están probando cosas, y les lleva a encontrar matices que no me hubiera esperado de ellos.

Solo el tiempo dirá si el disco acaba cogiendo ese estatus de clásico que ya tiene la primera tape. Lo que sí puedo asegurar que este disco es un gran paso en el camino de profesionalización del colectivo, que como he dicho antes, no tienen nada que envidiar al resto del panorama. Hay más trabajo que nunca y ya se quitan de encima esa etiqueta de new wave, como dice Wonka en “EVOQUE”. Es un proyecto en el que todos dan lo mejor de sí mismos para sacar el mejor producto posible, y creo que lo vamos a disfrutar durante mucho tiempo. Ya tenemos algo que escuchar mientras contamos los días para la Holics Tape 3…

No esperaba que me sorprendiera tanto el nuevo trabajo de Johnny Doc y Allan Parrish. Supongo que a veces hay que esperar lo inesperado, y “Expectedly Unexpected” es exactamente eso, una sorpresa que de alguna forma se veía venir. Y es que “Guap” el segundo track del disco ya llevaba fuera unos meses, pero el resultado final de la colaboración de estos dos artistas es una delicatessen.

Ambos artistas vienen de currar bastante últimamente. Pudimos ver a Allan Parrish en varios tracks del último disco de Nico Miseria a principios de año, pero antes veníamos de verle producir íntegramente su disco “S.O.D.A” junto a SD Kong. Dos proyectos sobresalientes. Johnny Doc, por su parte, está haciendo una run en 2023 que con este EP asciende a cuatro discos. Nada mal para el rapero valenciano. 

Entiendo que pueden ser nombres desconocidos para muchos, pero Allan Parrish es responsable de una parte importante del sonido de Nico Miseria desde hace un tiempo,  y ya ha demostrado de sobra su talento acompañado por numerosos artistas. Si no os suena Johnny Doc seguramente lo habréis escuchado en un temazo que tiene junto a Cruz Cafuné llamado “Party Tonight”, pero es un veterano que lleva años en el juego.

De hecho es el mismísimo Cruzzi Cafu el que abre este EP con un audio que marca el tono para dejar paso a un sample angelical de Allan Parrish. La producción a lo largo de todo el proyecto es una bendita locura. Veníamos de ver a Allan más experimental (aunque calmado) en “S.O.D.A” y aquí saca otra vez la artillería y se pone a hacer lo que mejor se le da. Por encima de estas bases surfea un Johnny Doc cargado de códigos y repartiéndolos a través de este rap bilingüe tan suyo.

Nos movemos entre referencias futbolísticas, shoutouts a clásicos del rap y códigos yankees.  En una entrevista de Johnny Doc con DJ Nead de hace un par de años el rapero dijo que en ese momento le preocupaba hacer que cada tema sonase distinto porque la gente te encasilla muy rápido. Aquí es donde entra Allan Parrish, que insisto que está en estado de gracia en este proyecto, llenándolo todo de detalles y sorpresas; sonidos traídos del espacio exterior, violines directos de las puertas del cielo y estratagemas como rematar un beat por su propia cuenta cuando ya pensabas que había terminado, como hace en “Juju”.

Es justo después de este tema cuando entran las colaboraciones, que se funden con el dúo protagonista para añadirle a este proyecto algo más de buen gusto, como si no hubiese suficiente con el que ya había. Los nombres aquí son SD Kong, Wase, Àngel y Rapp Gotti. Cada uno encuentra su espacio mientras que Johnny prepara el terreno y Allan les deja su hueco. Cada uno saca lo mejor de sí mismo y ninguno se siente fuera de lugar, incluso la base se adapta para algunos de ellos, destacando aún más su intervención.

Rescatando las palabras del propio Johnny, esto es música de cabaret con flows de la Golden era. Los códigos de aquel Brooklyn noventero se entremezclan con las experiencias del valenciano y pasan por el filtro de Alan, que les añade sus nuevos trucos para que todo suene fresco y renovado. Expectedly Unexpected es un proyecto que se acaba haciendo corto pero que se disfruta desde el principio al final. Abre con mucha y fuerza y cierra con mucha solemnidad. Este disco con complejo de VHS ha sido un regalo para la vuelta al cole. Seguiremos pendientes de lo que vayan haciendo estos dos. Os dejamos aquí el proyecto para que le echéis un ojo.

Con ‘How Do You Sleep At Night?’, Teezo Touchdown cumple las expectativas del hype y se posiciona como una figura única y prometedora en la música contemporánea, ofreciendo una mezcla de carisma, autenticidad y narrativa que resuena profundamente en la audiencia joven creativa.

Los Orígenes de Teezo Touchdown

Conocí a Teezo el 9 de julio de 2021, cuando se juntó con Kenny Beats en su programa de freestyles “The Cave”. Cuando vi a un chaval con clavos en el pelo, vestido con un traje impoluto, cantando ópera rock con un micrófono dentro de un ramo de flores, no acababa de procesarlo, pero supe reconocer que había algo ahí.

Inmediatamente después busqué su nombre en YouTube, y un video tras otro me adentré en el mundo que había creado. En unas puertas de garaje grafiteadas, unos cuantos disfraces y un carisma en cámara brutal, el joven Teezo había conseguido un trabajo más conciso, definido e interesante que muchos artistas con presupuestos ilimitados.

Cada vez que quedaba con un amigo y salía el tema de nueva música le enseñaba el video de “Technically”, y acabamos viendo los de “Strong Friend”, “Mid”, “Social Cues”, “Bad Enough” y “Careful”. Yo esperaba con ansias un disco que expandiera en ese universo, esas canciones y esos videos, pero nunca llegó. 

Pasó bastante tiempo después de escuchar noticias de él. Se fue de gira con Tyler The Creator, tuvo un feature en el álbum de Don Toliver y más recientemente el de Travis Scott, “Utopia”, consiguiendo llamar la atención de todos. Era obvio que se estaban cociendo cosas.

El Álbum: How Do You Sleep At Night?

Llegamos al anuncio de su primer álbum “How Do You Sleep At Night?”, con un rollout que contó con el apoyo de gran parte de la industria. Se sentía como si uno de los grandes fuera a lanzar un nuevo disco después de años de éxito. Pocas veces alguien como Drake anuncia un álbum en el que no tiene nada que ver y dice que es “some of the best music ever”.

El disco ya está fuera. La pregunta es ¿estuvo a la altura del hype?, ¿es Teezo Touchdown la próxima estrella de la música?. La respuesta es SÍ. El disco es buenisimo. Tiene una mezcla de actualidad y atemporalidad, de seriedad y levedad, de vulnerabilidad y confianza que hace este trabajo una de las propuestas más atractivas en mucho tiempo.

Lo que tiene de sobra este disco es carisma y actitud. Cuando Teezo canta en inflexiones extrañas o rapea totalmente a destiempo, compras la idea, te convence. Las letras costumbristas, directas, poéticas, divertidas, son un soplo de aire fresco a la falta de originalidad al escribir que se ha impuesto en el mainstream. 

Son capaces de contar una historia. La historia de un joven incomprendido que nunca ha encajado con lo que le rodeaba, que quería ser artista mientras su familia y amigos le desanimaban, y que contra todo pronóstico ha podido conseguir sus sueños siguiendo su propio camino. Es una historia con la que todo joven creativo empatiza, y que de alguna forma me recuerda a ese primer Kanye West en “The College Dropout”. 

En cuanto a géneros, hay una diversidad increíble. Es un disco difícil de categorizar, pero el rock es el sonido predominante. Está lleno de guitarras y baterías del más alto nivel. Pero también hay funk, R&B, rap, indie. Teezo está cómodo en todo, es el único pegamento de este collage en lo mantiene unido casi sin esfuerzo.

El Futuro de Teezo

Teezo Touchdown se consolida con una propuesta única y fresca en la escena musical contemporánea con “How Do You Sleep At Night”. Ha logrado destacar en un panorama musical saturado, gracias a su estilo único, letras impactantes y su capacidad para contar historias auténticas y personales. 

Ha nacido una promesa indiscutible de la música, y su historia de superación y originalidad lo posiciona como una figura que podría dejar una huella duradera en la industria. Al igual que otros artistas innovadores que han desafiado las normas establecidas, Teezo Touchdown representa la fuerza de la creatividad y la autenticidad en la música contemporánea, recordándonos que el arte sigue siendo un medio poderoso para expresar la individualidad y conectarse con un público ávido de originalidad.

Tras un retiro temporal marcado por la sombra de una tragedia en uno de sus conciertos, en el Astroworld Fest, Travis Scott, figura prominente del hip-hop contemporáneo, regresa con su nuevo álbum «Utopia». El álbum prometía ser el comeback triunfal del artista, sin embargo, el resultado ha demostrado ser una oportunidad perdida, que deja entrever la falta de fondo y de un sentido claro de dirección. En este análisis, exploraremos cómo la esperada reaparición de Scott ha sido una historia de luces y sombras.

El viaje a Utopia

Ya han pasado 5 años de Astroworld, uno de los mayores éxitos comerciales en la música de los últimos años. El merch de ese disco fue una tendencia por si sola, que llevó hasta las famosas colaboraciones con McDonnalds y Fornite. En 2020, Travis todavía seguía haciendo dinero con «Atroworld», todo parecía listo para su próximo paso, «Utopia», para el que ya habían salido un par de singles. Scott estaba en la cresta de la ola y no parecía que nada pudiera salir mal, hasta que salió mal.

Todos recordamos la tragedia de ese Astroworld Fest. Todos los planes se descarrilaron y el mundo se puso en su contra. 3 años después de estar desaparecido vuelve con el álbum que tenía que haber salido antes de todo esto, “Utopía”. Sin más promoción que algunos post y los maletines con diversos en Instagram con portadas alternativas Scott lanza lo que es realmente su comeback album, su reclamo al trono, una vuelta de las cenizas y para mí, lo que es “Utopía” es una oportunidad perdida.

La realidad de Utopia: Ausencia de sustancia

En cualquier obra artística se puede diferenciar entre forma y fondo. La forma es la manera de hacer tu producto, el estilo, el envoltorio; mientras el fondo es que dices, es la esencia de lo que quieres retransmitir, una temática trabajada y el toque personal. Las obras maestras son excelentes en ambas.

En este caso, el verdadero riesgo Travis hubiera sido explorar el fondo, no la forma. Las letras nunca han sido el fuerte del artista de Houston, siempre ha destacado por sus melodías, sus flows y su producción oscura y psicodélica, pero en este álbum llama la atención, por la historia que le rodea, la absoluta falta de fondo.

Es realmente llamativo que la única mención en todo el álbum de una de las mayores tragedias en el mundo del espectáculo sean un par de frases metidas casi con calzador. Pero el problema no es que no hable del evento, es que no habla de nada.

Con las experiencias vividas estos años, la introspección que seguro ha llevado a cabo, el crecimiento como persona, resulta increíble que nada acabe en el álbum. «Utopia» podría haber salido en 2016, en 2020 o en 2025. Ese es su falló más grave y para mí, imperdonable.

Si hablamos de la forma, todo suena grande, cinemático y si hay cambios importantes en algunas canciones de lo que Travis nos tiene acostumbrados. Pero si hay algo que objetar es la falta aparente de dirección. Para mi es su disco que menos claro tiene lo que quiere ser.

Influencias y colaboraciones

Las influencias descaradas de “Yeezus” (en el que él tuvo una mano fundamental) no consiguen sorprender ni tienen el impacto que consiguieron en 2013. Abundan las canciones excesivamente largas, sin estructura, sin un estribillo memorable, ni un beat switch que realmente funcione. Parece una especie de “Days After Rodeo” con descartes de “Yeezus” y “Donda” que sirve como antesala al álbum de verdad.

Las colaboraciones que en «Astroworld» eran el highlight del disco, en este caso tampoco acaban de aportar excesivamente la tracklist. Con la cantidad de artistas talentosos que podemos ver en los créditos, pocos realmente elevan la canción en la que están.

En resumen, «Utopia» supone una oportunidad perdida para Travis Scott. La ausencia de introspección, la carencia de un mensaje profundo y la falta de dirección hacen de este álbum un producto que se queda a medio camino entre las expectativas creadas y lo que realmente ofrece.

Travis ha demostrado ser un maestro de la forma, de la creación de un sonido que le caracteriza y le distingue, pero en este caso, lo demás se queda corto. No es un mal disco, sónicamente es disfrutable y sin duda hay buenas canciones a las que volveré, pero no vive a su potencial ni está a la altura del momento transcendental que era este disco en la carrera de Travis.

El género musical de los Corridos Tumbados se ha convertido en el sonido del momento, conquistando los charts a nivel global. Vatocholo, su referente en España, acaba de lanzar ‘Hecho en México’, un EP que fusiona tradición y actualidad.

El auge de los Corridos Tumbados

Si hay que señalar un hito musical que esté definiendo este último año por completo batiendo todos los récords posibles, es imposible no hablar de los Corridos Tumbados. Este novedoso estilo musical establece su reciente origen en México y se define como una variante de la música regional mexicana que se adapta fielmente a los tiempos actuales, incorporando algunos elementos musicales del Hip-Hop y proporcionando un carácter explícito de sus letras, donde los artistas tratan principalmente temas como la violencia, el sexo y el consumo de drogas. Todo ello sin dejar de lado las historias de desamor.

Innegablemente, los Corridos Tumbados han traído una propuesta musical muy original y eficaz, la cual ha conseguido llevar al género al Mainstream por todo el planeta en muy poco tiempo. Pero obviamente, este es un estilo de música que ya venía funcionando realmente bien en México desde hace unos años, ya que consiguió conectar a la perfección con las nuevas generaciones del país. Esto se debe principalmente a que sus representantes le han proporcionado un nuevo enfoque generacional a la música tradicional que se venía escuchando desde siempre en México, hablando de sus propias vivencias y de la cultura en los tiempos actuales, con las que los jóvenes pueden sentir un mayor acercamiento.

Vatocholo: emergiendo en España

Estos últimos meses hemos podido observar este gran subidón internacional que ha vivido el género con grandes referentes del mismo como Peso Pluma o Natanael Cano, pero en España los Corridos Tumbados no nos han pillado por sorpresa. Desde finales de 2021, viene pisando muy fuerte el nombre de un muchacho mexicano residente en Madrid que ha sido calificado como uno de los artistas más talentosos de la escena, siendo el referente principal de los Corridos Tumbados en España y llegando a colaborar con artistas como Dellafuente y Judeline en sus canciones. Su nombre es Vatocholo, y este pasado viernes lanzó su primer proyecto de duración extendida: ‘hecho en México’.

Un detalle simple pero a su vez muy elegante que me encanta de la música de Vatocholo es la transparencia a la hora de escoger los títulos para las canciones, y en este caso, para el proyecto. Y es que, ‘hecho en México’ es, efectivamente, un EP realizado en su última visita al país, donde ha tenido la oportunidad de colaborar con algunos artistas locales como Juanchito en los dos primeros Tracks y con Yorking HB y Moiza en el tercero.

‘Un loquerón’ y ‘Nuestra última rola’: Historia de desamor en dos actos

El EP comienza con ‘un loquerón’, que se ha establecido como el Focus Track del proyecto, siendo la única canción del mismo que cuenta con Videoclip, en el cual podemos observar a Vatocholo y Juanchito poniéndose un loquerón en toda regla, ahogando las penas en alcohol mientras que cantan y bailan para hacerle frente al desolador sentimiento provocado por la historia de desamor relatada en la canción. Tras esta, conectamos directamente con la segunda colaboración entre ellos llamada ‘nuestra última rola’, donde el sentimiento ha cambiado por completo, mostrando al protagonista de la historia mucho más despreocupado al haber superado la ruptura de la relación, dedicándole a su pasado amor esta última canción.

Estas canciones pueden unirse mostrando una historia de superación de una ruptura en dos partes, donde la compañía de las personas que te importan juega un papel muy importante. Esto es algo que se hace notar en cierta manera en el apartado instrumental, donde Vatocholo ya no se encuentra sólo haciendo frente a la melancólica situación con su guitarra. Según avanza la historia, podemos encontrar una aparición y progresivamente una mayor presencia de algunos instrumentos de viento que le hacen compañía hasta llegar al final, donde el protagonista ha conseguido superar la ruptura por completo.

‘La de Alzada’: fortaleza en la unión

Tras estas dos primeras canciones en colaboración con Juanchito, llegamos a ‘la de alzada’, y como bien indica el título, esta canción se trata de una colaboración con dos artistas miembros del sello discográfico mexicáno ALZADA: Yorking HB y Moiza. En esta canción, los artistas siguen remarcando, con la lírica, la importancia de no descuidar la relación con las personas que siempre están a tu lado por la aparición de un nuevo amor, ya que son esas personas las que te apoyarán siempre, sobre todo en los momentos difíciles si la relación amorosa no termina bien. En el apartado vocal podemos encontrar un carácter más suave y melódico que proporciona a la canción un estilo llamativo y pegadizo combinando varios estilos musicales originarios de México, como son los Corridos y las Baladas Románticas.

‘La del 2020’: adelanto personal y motivacional

Para finalizar el proyecto, nos encontramos con la única canción del proyecto con Vatocholo en solitario, titulada «la del 2020». Además, fue el único adelanto del EP, el cual tuvo su lanzamiento un mes antes de la salida del proyecto. Esta canción es, sin duda, la más personal y motivacional del proyecto, donde Vatocholo habla de sus comienzos de su carrera musical en 2020 y de cómo la ambición y su amor por la música le han guiado continuamente en el camino y le seguirán llevando por el mismo hasta llegar a lo más alto. Y es que si algo está claro, es que Vatocholo tiene un potencial y determinación únicos, y seguirá aprovechándolo al máximo, así que es obligatorio no perderle la pista si queremos estar al día con la BSO del momento.

Hace más de un año, una noticia sacudió el mundo del Hip Hop y recorrió la gran mayoría de los medios de comunicación convencionales a nivel global. Las autoridades habían detenido a Young Thug, uno de los raperos más influyentes de los últimos años, y a otras 27 personas pertenecientes a su sello discográfico ‘YSL’. Entre los detenidos se encontraba el también reconocido rapero ‘Gunna’. Los acusaban de cofundar una banda criminal, responsable de múltiples delitos graves, entre ellos asesinato, posesión de armas y extorsión.

Desde entonces, Young Thug ha permanecido en prisión y ha enfrentado juicio por estos presuntos delitos. Por esta razón, no teníamos mucha información y mucho menos, actividad de su parte, pero esto cambió hace pocos días. Young Thug volvió a hacer titulares en todo el mundo el pasado jueves cuando hizo una aparición sorpresa en las redes sociales para anunciar y lanzar su nuevo proyecto titulado ‘BUSINESS IS BUSINESS’. A pesar de estar cumpliendo su condena en prisión y con la posible previsión de su extensión, Young Thug y su equipo decidieron no dejar a sus oyentes sin nueva música.

La portada

La noticia del lanzamiento del álbum llegó con la publicación previa de la portada de la misma, donde podemos encontrar al propio Young Thug sentado en un tribunal de justicia situado simétricamente entre otras ocho personas, siendo el único de ellos que rompe la cuarta pared para mirar directamente a la cámara girándose hacia atrás, lo que genera una sensación de soledad aun estando rodeado de gente.

Bajo mi propia interpretación de la imagen, se podría señalar que Young Thug intenta decir que se encuentra solo en esto y que esas personas que consideraba amigos le han traicionado y no le han apoyado en los momentos difíciles, dotándoles de un corazón impuro. Esto es algo que se intensifica con el anuncio del Tracklist, donde la portada del álbum posee algunos elementos dibujados por encima. En esta, podemos encontrar un cuadrado sobre cada una de las personas de la imagen, los cuales se encuentran unidos entre sí hasta llegar a Young Thug, el cual posee el único cuadrado solitario entre los demás.

Además de esto, este cuadrado posee una diferencia, es el único que contiene algo en su interior: un dibujo de un corazón rojo, destacando sobre el resto de la imagen en blanco y negro. Esto podría simbolizar su presunta inocencia y la esperanza de encontrar algo de luz en un momento tan oscuro, es decir, la libertad. Por esto mismo, Young Thug se encuentra mirando hacia la parte de atrás del juzgado, donde se encuentra la salida del mismo y su entrada a la libertad, a la que por el momento no consigue llegar aún teniendo la puerta abierta.

Colaboraciones y producción

Hablando del Tracklist, podemos observar como una gran cantidad de artistas de gran calibre se han volcado con la situación del artista y se han unido a Young Thug para dar vida a este proyecto, encontrando colaboraciones con raperos como Drake, Travis Scott, 21 Savage y Lil Uzi Vert. Y por supuesto, es importante destacar que Metro Boomin, conocido por ser uno de los productores más talentosos y aclamados a nivel mundial, se encarga principalmente de la producción instrumental y ejecutiva.

Tres días después del lanzamiento del proyecto, se ha estrenado la ‘Metro’s Version’ a modo de corte de director, donde Metro Boomin le proporciona una nueva estructura al proyecto, alterando el orden de las canciones y añadiendo dos más: ‘Money’ en colaboración Juice WRLD & Nicki Minaj y ‘Sake of my kids’ a modo de Outro con Young Thug en solitario.

Análisis de las canciones

En términos de música, es decir, el análisis de las canciones, ‘BUSINESS IS BUSINESS’ conserva el estilo característico de los proyectos anteriores de Young Thug sin grandes variaciones en la lírica. Aunque podemos encontrar algunas referencias a la situación actual del artista, como en los comentarios sobre la portada del proyecto y el extracto de la llamada telefónica de Young Thug desde la prisión de Cobb en ‘Parade on Cleveland’, Young Thug grabó la mayor parte del material antes de su encarcelamiento.

En dicha llamada, podemos encontrar lo que parece una sutil pulla a su ex-amigo Gunna por revelar información en el caso y declararse culpable de los cargos, el cual se encuentra en libertad condicional por ello y que también ha sacado un nuevo álbum titulado ‘a Gift & a Curse’, una semana antes del lanzamiento de ‘BUSINESS IS BUSINESS’.

Recepción del álbum

Existen opiniones divididas respecto al álbum en esta primera semana tras el lanzamiento, ya que algunas personas buscaban un estilo más innovador respecto a anteriores proyectos o una lírica relacionada con la situación actual del artista. Pero una cosa está clara, aunque ‘BUSINESS IS BUSINESS’ no se considera el mejor álbum de Young Thug, sigue siendo un proyecto muy disfrutable para sus seguidores mientras esperan el veredicto de la sentencia que decidirá si seguirán escuchando nuevas historias de él.