Si hay un lugar donde los amantes del underground en español pueden congregarse es sin duda en el Riverland Fest, que se posiciona una vez más como uno de los festivales a seguir este verano.
Del 23 al 25 de agosto Asturias volverá a recibir una vez más a alrededor de 50.000 amantes del rap en español. Nombres como Abhir, Ébano, Hoke y L´Haine endulzan la boca de todos aquellos que ya han reservado su abono para asistir a uno de los festivales más potentes de este año.
Profundizando aún más en el line-up del evento, encontramos artistas para todos los públicos y gustos. El reggaeton vendrá de la mano de artistas como Raul Clyde o OMGisNEFF, el r&b pegará fuerte con voces como Aleesha o Juicy Bae, aunque si te gusta más el boom-bap no podemos olvidarnos de Ill Pekeño & Ergo Pro. Si te gusta hacer pogos estate tranquilo, después de los shows de LaBlackie o Bon Calso tendrás que pedir tiempo muerto. En resumen, un cartel que cubre perfectamente diferentes públicos.
De los rookies pasamos a los veteranos, ya que el festival cuenta con artistas ya consolidados en el under español como Kaydy Cain, Hoke, Pimp Flaco, Sticky M.A o La Zowi. Los DJ sets tampoco se quedan cortos y a las naves de las noches del festival estarán nombres de la talla de Steve Lean, Selecta y Baby Pantera.
L´Haine en el Riverland Fest por Raul Tenreiro (2023)
La gran novedad del festival este año es su nueva sección de Rookies. Superreservao, Raly, Lucigarci, la Holy Youth, Disobey y Cuadecuato se estrenarán en el Riverland y enseñaran su propuesta directamente a los asistentes. Otro que no es Rookie pero debuta también es Mvrk, que se pasó de frenada y en vez de entrar en la lista entró directamente como uno de los artistas principales del festival. La lista de artistas emergentes no acaba aquí porque también debutarán promesas a seguir del under como AgusFornite2008 & Stiffy directamente desde Argentina o la Holics.
Posteriormente a la publicación del cartel, se achacó al festival utilizar artistas emergentes para rellenarlo y se criticó duramente en redes algunas ausencias. La esencia del Riverland siempre ha residido en dar lugar a todos esos artistas que no gozan de protagonismo en los diferentes macrofestivales que se celebran en nuestro país, y así ha hecho una vez más, creando una nueva iniciativa que nos mostrará a artistas que quizás en un futuro sean cabezas de cartel en el festival.
Showcase de Ill Pekeño & Ergo Pro en el Riverland por Elena Zeng (2023)
La dinámica del festival seguirá la misma línea que en años anteriores. Una zona de ocio que contará con diferentes stands y puestos de comida que como aditivo estrella tendrá un acceso a las diferentes playas fluviales que rodean el recinto del evento. Como en todo festival de la magnitud del Riverland, no faltará una zona de descanso que permitirá a sus ocupantes gozar de espacio para montar sus tiendas de campaña y pasar de la manera más cómoda estos tres intensos días de festival, teniendo la opción de subir de nivel y contratar el servicio glamping que otorgara a sus usuarios tiendas de campaña ya ubicadas sin necesidad de que estos las adquieran.
En cuanto al transporte, en la página oficial del festival ya están disponibles las diferentes rutas que la organización ha contratado para los asistentes que necesiten trasladarse desde diferentes localidades de la península, contando con un total de 38 expediciones que recogerán a los pasajeros en un punto de encuentro para llevarles al festival y devolverles a este cuando finalice el evento.
Un año cosechando éxitos festival tras festival. Un fin de gira en la capital. La expectación por su visita era palpable, y Twitter estaba ardiendo con gente buscando entradas. No había ninguna duda de que esa noche sería mágica. Por eso, no me sorprendió en absoluto que, dos horas antes del concierto, al abrir las puertas, la cola que rodeaba la sala 8 y medio diera la vuelta al edificio.
L’haine, el artista de La Rioja, cerró la etapa de su disco ‘De la Forma que yo Quiero’ de la forma en que él quería: en una sala llena, rodeado de sus amigos y colaboradores (entre los asistentes se asomaba de vez en cuando la cabecita de Ralphie desde la puerta del VIP), y con un público entregado.
Con este álbum, L’haine se ha asentado en el panorama musical urbano, mostrando una madurez y un estilo propio que ya había insinuado en sus trabajos anteriores: la mixtape ‘Autobús Noctámbulo’ y el álbum ‘Patagonia’. Desde su mudanza a Madrid, el riojano no ha dejado de crecer y evolucionar, hasta el punto de que el Trap y el R&R parecen quedarse cortos para todas las ideas que quiere expresar.
Pero este no ha sido un trabajo en solitario. Durante toda la gira, y especialmente en el cierre, su colega y productor Norman Bate$ lo ha acompañado, manejando los beats y el ritmo. La actuación de ambos fue increíble, y aunque no presentó ninguna canción nueva (recordemos que recientemente lanzó los sencillos ‘Lebron en Cleveland’ y ‘MARLO’), no fue necesario para volver loco al público. Este se entregó completamente, pasando de los pogos con ‘De la forma en que yo quiero’ (en los que casi hubo accidentes) a las canciones más calmadas como ‘Looooong lashes’.
Un toque perfecto al concierto fue la cantidad de colaboraciones que pudimos disfrutar. Algunas eran esperadas, como Natalia Lacunza cantando ‘Connie Nikas’ y Juicy Bae recordándonos el temazo ‘Buena y mala’ y también cantando ‘7 vidas’. Aunque hubo un «oooh» de decepción cuando Diego 900 no pudo salir a cantar ‘Baby Jose’, el público se quedó mudo cuando Abhir, el elefante, salió al escenario a cantar ‘Viridiana’. La sala se caía.
L’haine con Juicy BAEL’haine con Natalia Lacunza
L’haine convirtió el concierto en una auténtica fiesta. El público no podía pasárselo mejor cuando sonaron ‘Habanera’ y ‘Laberinto de pasiones’ (una de las mejores bases de Bate$, en mi opinión). Cuando todos estábamos saliendo de la sala, intentando asimilar lo que habíamos vivido, L’haine y Bate$ volvieron al escenario con una versión tecno de ‘Baby Jose’ que provocó una avalancha de vuelta a la pista, acompañados de todas sus colaboraciones y amigos. El broche final perfecto para el concierto. Y el concierto como broche final perfecto de la gira. 2×1.
Tener éxito en reproducciones y festivales es una cosa, pero subirse al escenario, hacer ‘sold out’ y tener a gente matándose en redes por conseguir una entrada es otra cosa totalmente diferente y mucho más difícil. Al salir de la sala, la sensación era unánime: L’haine nos había conquistado a todos con su música. Este concierto se quedará grabado en nuestra memoria para siempre. La energía y la pasión con la que actuó prometen un futuro brillante, y no cabe duda de que este joven artista seguirá subiendo peldaños en la industria musical. Nos dejó con ganas de más, y la próxima vez que pise la capital, estoy seguro de que la expectación será aún mayor.
Llegados a un punto donde el Hip-Hop era blanco o negro, o mejor dicho rojo y azul, y la rivalidad entre la West Coast y la East Coast estaba en su pico, dos jóvenes de Georgia hicieron historia casi sin saberlo. En los Source Awards de 1995, ganaron el premio a ‘Mejor Artista Nuevo’, sembrando el caos entre el público. En ese momento, André 3000 pronunció una frase que cambiaría el Hip-Hop para siempre e iniciaría una era dorada de creatividad, de propuestas audaces sin miedo al qué dirán, y de la expansión total del rap: «El Sur tiene algo que decir».
La historia, contada así, suena muy bonita, pero el verdadero inicio se remonta varios años antes de que Outkast, la dupla de Big Boi y André 3000, tuviera siquiera una oportunidad. En 1989, a varios kilómetros de distancia, en Houston, Texas, los Geto Boys lanzaban su segundo álbum de estudio, “Grip It on That Other Level”, el primero con el legendario Scarface como miembro del grupo. La agrupación había nacido en 1986, haciendo poco ruido pero sentando los cimientos para la siguiente generación del rap.
El sonido del disco no era revolucionario en su totalidad; seguía las bases de los bajos de funk y los scratches, añadiendo un punto más de crudeza y agresividad con la jerga local. Sin embargo, lo realmente especial fue la sensación de pertenencia que generó en la zona. En ese tiempo, era inimaginable encontrar en una tienda de música algo hecho en el Sur de los Estados Unidos que fuera rap. Este álbum sirvió de inspiración para todos los jóvenes de Houston y otras ciudades, quienes desde ese momento supieron que lo que se hacía en Nueva York o Los Ángeles también lo podían hacer ellos con sus propias palabras y vivencias.
Gracias a proyectos pioneros como el de los Geto Boys, surgieron otras propuestas innovadoras como la del legendario DJ Screw y su estilo chopped and screwed en 1990. Esta técnica única, que consiste en manipular canciones bajando el tempo y enfatizando la figura del DJ, es considerada una de las pocas revoluciones totales del hip hop, siendo el padre del sonido predominante en casi todo el mundo, como es el trap y sus derivados. Lo que comenzó como una translación de los efectos ralentizadores del lean, la droga más popular de Houston en aquella época, a la música, se convirtió en un ícono de sus calles, dando una identidad bien definida al rap sureño. Lamentablemente, DJ Screw murió prematuramente en el 2000 por una sobredosis, pero su legado aún permanece intacto hasta hoy. Aunque no haya sido tan mediático como otros, si le preguntas a cualquier rapero del Sur, te dirá que es su mayor inspiración.
Con las primeras raíces ya echadas, comenzaron a surgir los protagonistas de esta historia: Outkast. En el sótano de la casa de la madre del productor Rico Wade, nació en 1991 la Dungeon Family, un grupo privilegiado de raperos y productores que intentaban hacerse un hueco en la escena desde la nada. De aquí destacan los tres pilares del ‘dirty south’ que confeccionarían “Southernplayalisticadillacmuzik”: los propios Outkast (André 3000 y Big Boi), los productores Organized Noise (Rico Wade, Sleepy Brown y Ray Murray) y el grupo Goodie Mob (CeeLo Green, T-Mo, Big Gipp y Khujo). El entorno era inmejorable y la implicación en el proyecto era total, llegando a pasar semanas durmiendo en ese sótano por el bien del álbum. La herencia de estos grupos llevó a crear una segunda generación de la Dungeon Family pasados los 2000, en la que también sobraba el talento. En esta secuela se unieron raperos como Killer Mike, cantantes como Janelle Monáe y Meathead, que quizás no te suene de primeras, pero es el nombre original del rapero Future.
Con este pretexto, el 26 de abril de 1994, salió el anticipado álbum debut de Outkast, “Southernplayalisticadillacmuzik”. André dijo en una entrevista:
“Southernplayalistic es la forma en la que vivimos, lo que hemos vivido, por lo que hemos pasado”
André 3000
y no se equivocaba. Lo costumbrista de este disco era algo que no se había visto en el rap de aquella época. No eran gangsters y no podían ajustarse a las temáticas crudas de criminalidad que primaban en el rap, pero tampoco eran eruditos; las frases poéticas contra la discriminación racial y las reflexiones complejas también les quedaban lejos. Sin embargo, André y Big Boi se aferraban a su singularidad con descripciones de la vida en Atlanta, reivindicando la jerga local y una distinción sónica que hacía que escuchar este disco por primera vez fuera una puerta a un mundo completamente nuevo. Definitivamente, este disco fue precursor de muchas cosas y ellos eran conscientes de lo que estaban creando. Términos como crunk, que proceden del argot denominado ‘dirty south slang’, fueron usados por primera vez en canciones de este disco como “Hootie Hoo”, y ahora no se puede pensar en una fiesta de los 2000 sin alguna canción de las mixtapes de Lil Jon que reivindicaban este nuevo género nacido en este disco.
El sonido funky también sufrió una renovación tras este proyecto, en gran parte debido a la visión que André tenía sobre este género y el uso de los bajos en el rap. La mezcla del sonido desafinado, casero y juguetón que se encuentra en muchos de los clásicos actuales y las líneas de bajos pesadas deriva de aquí, de una interpretación que a muchos no les convencía pero que se convirtió en una de las señas de identidad más fuertes de esta era. Y si hablamos del sonido juguetón, no se puede dejar de lado la capa humorística del disco. Puede que no lo hayan inventado ellos, porque ya había proyectos que lo implementaban, pero entre las letras de las canciones y los sketches de los interludios era otro factor destacable que completaba la experiencia “Southernplayalisticadillacmuzik”.
Esta obra cumbre de la identidad sureña fue la que ganó el premio a ‘Mejor Artista Nuevo’ en los Source Awards del año siguiente, y con mucha razón. Personalmente, te puede gustar más o menos el disco, pero la trascendencia que tendría ya se notaba desde el lanzamiento del primer sencillo.
Outkast en los Source Awards de 1995
A partir de aquí, la ola del Sur tendría un largo y complejo proceso de emersión hasta impregnar las calles de todo Estados Unidos con un sonido único. La música se escucharía en todo el país, pero serían cinco las ciudades con más implicación en el género, la llamada red sureña: Nueva Orleans, Memphis, Miami, Atlanta y Houston. Con estos cinco pilares sólidos ya formados, se crearon las infraestructuras para los artistas. Pocas discográficas operaban en la zona en ese tiempo, siendo LaFace Records la única realmente reconocida, pero con la intervención y esfuerzo de raperos, DJs, estaciones de radio, productores y demás, se crearon las tres que reinarían a finales de los 90: Disturbing Tha Peace en Atlanta, No Limit Records en Nueva Orleans y Hypnotize Minds en Memphis. Aun así, cabe mencionar que el proceso no era fácil; el rechazo hacia las propuestas del Sur aún estaba muy presente en ambas costas de USA y pocos se atrevían a promocionar estos proyectos. Esta discriminación existía, pero no evitaba que surgieran artistas que iban a reinar el género a corto y largo plazo como el DJ y luego rapero Ludacris (Atlanta), el legendario grupo Three 6 Mafia (Memphis), Slim Jim (Houston), Lil Wayne (Nueva Orleans) o Trick Daddy (Miami).
En este momento de escalada y máxima exposición, cada una de las cinco grandes ciudades ya podía identificarse por su sonido propio, pero en Atlanta ya se venía gestando algo muy grande desde principios de los 90. La Roland TR-808 cayó en manos de varios productores de la urbe, y con ella, la capacidad de generar un bajo distorsionado muy característico. Esto, acompañado de otros sonidos pertenecientes a la máquina, conforma la base del trap tal y como lo conocemos. Para cuando Cool Breeze lanzó «East Point’s Greatest Hit», considerado el primer álbum de trap moderno, en 1999, grupos como UGK o productores como Lil Jon ya habían utilizado este sonido, pero ninguno caló tanto como el que se puede escuchar en canciones de ese disco como “Cre-A-Tine”. Si escuchamos una canción de “Barter 6” de Young Thug y luego “Cre-A-Tine”, la diferencia es ínfima para los más de 15 años de distancia entre ambas, algo que solo géneros como el trap han podido conseguir.
Estos diez años comentados, de 1989 a 1999, son probablemente los más importantes en la historia del hip hop, los que definieron el rap tal y como lo conocemos. Una bola de nieve que aún hoy sigue creciendo, completamente imparable. Travis Scott, Playboi Carti, Migos… ninguno de estos artistas ni los mencionados anteriormente se habrían abierto paso si esto no hubiera ocurrido. Pero gracias a Dios que lo hicieron, porque todo lo que tenemos hoy se lo debemos a unos pocos osados que reivindicaron su cultura e impusieron su sonido a una industria opresiva. Creo que ni el propio André 3000 se lo creía del todo al decirlo, pero hoy podemos confirmar que no se equivocaba cuando, ante toda la industria musical urbana, afirmó: “El Sur tiene algo que decir”.
Yo también pensaba que la misa era los domingos, pero aquel viernes en las puertas de la Riviera llegué a dudar sobre si habíamos ido a un concierto o una iglesia. Centenas de fieles y feligreses del rap se acumulaban al lado del puente de Segovia esperando con ansias el sermón. En nuestro caso el plan era llegar a tiempo pero ya sabéis lo que pasa cuando el hombre hace planes. Aun así Dios esta vez se aguantó la carcajada y justo al entrar empezó a sonar el coro de ángeles que abre Skip Intro. El aire secular se mantenía, un silencio sepulcral inundaba la sala ante esta bajada de los cielos que estábamos presenciando y solo se rompió cuando lo decidió Dano junto al beat de Dj Swet. Menos mal que íbamos con los salmos preparados, porque aquello se presentó como una prueba de fe.
No había tenido oportunidad de ver a Dano en ninguna de las fechas de la gira pese a lo mucho que disfruté su último disco, y cuando vi que anunciaban esta fecha como el colofón definitivo a esta etapa supe que tenía que acudir de cualquier manera. Fue un acierto rotundo, y es que Dano se las apañó para montar una especie de festival alrededor de su figura. Vinieron casi todas las colaboraciones recurrentes de sus discos y junto a ellos hizo un repaso por su trayectoria que no solo revisitaba El Hombre Hace Planes, Dios se Ríe, sino también Istmo e incluso Braille entre otros proyectos.
La lista de nombres de apariciones estelares es larga: Ill Pekeño y Ergo Pro, Israel B, Gloosito, Juicy Bae, Cruz Cafuné, Bejo, Kuma… Cada uno aportó su granito de arena para dibujar entre todos un retrato de lo que ha sido la carrera de Danilo hasta ahora. Aquí no quiero contaros el orden de las canciones porque ya sabéis cuales son y no me parece lo interesante de todo esto. El concierto para mí fue algo simbólico. Dano es sin mucho debate una de las figuras más relevantes e influyentes a la hora de crear este movimiento del Hip Hop en España que ahora estamos viviendo en su pleno apogeo. Lleva más de diez años componiendo y escribiendo y ahora por fin es cuando está viendo los frutos que debería llevar años recogiendo. Cuando Dano luchaba por poner en valor la música que nos apasiona esta todavía no estaba en una posición ventajosa. Ha sido gracias a la unión de muchos artistas que hemos podido ver crecer esta movida hasta ser lo que es ahora, eso fue el concierto de Dano, una celebración del camino recorrido.
Dano con Elio Toffana
Dano también es conocido por su incansable capacidad de conversación. Por eso entre canción y canción compartía sus pensamientos con nosotros. Desde el principio se le pudo ver asombrado ante el recibimiento que estaba teniendo el show, y quiso recordar un bolo al que fue en esa misma sala en el que estuvieron Jota Mayúscula y Mala Rodríguez. Veinte años después le toca a él estar subido en ese escenario. Y no todo fue música, a veces es inevitable que afloren ciertos comentarios sociales pero aquí Dano no se cortó un pelo:
“¿Sabéis que me han desahuciado de mi piso en Lavapiés? ¡Fuck fondos buitre!”
Los problemas relacionados con la gentrificación y el precio de la vivienda llevan un tiempo asolando Madrid y aquí Dano quiso hacer visible que no es algo que pase solo con gente pobre y desafortunada, sino que incluso a un artista conocido como a él le afectan estos problemas. Nos recuerda que lo que pasa a nuestro alrededor nunca es ajeno, siempre es de todos. De la misma forma la dupla de Madrid Sur formada por Peke y Ergo quiso tomarse su momento de recordar la lucha palestina, que tampoco se debe olvidar.
Pero esto tampoco es un taller de concienciación, así que acto seguido cantaron Picapollo y El Manual. Entre todas las colaboraciones esperadas como Susurrar con Juicy BAE o 2 Segundos con Cruz Cafuné y su abrumadora presencia también hubo alguna sorpresa. Sobre todo quiero destacar la inesperada Aleluya, un tema de Dj Swet con Dano y Ébano (que tocaron en directo pese a la ausencia de Ébano). La base de fans del rapero ha crecido mucho desde Istmo, pero hay joyitas previas que merece la pena rescatar para que los nuevos fans se pongan también al día. El ejemplo definitivo de esto es el anteriormente mencionado Braille, el EP que lanzó en 2017 junto con $kyhook. Entre los seis temas que conforman este proyecto destaca especialmente Collabo con Nas, el tema escogido por Dano para cerrar su show por todo lo alto. Todos los invitados se unieron a Danilo en este último sprint y el escenario de repente se convirtió en el coro de una iglesia protestante. Todo el mundo se preguntaba a pleno pulmón dónde está aquella colabo con Nas, y yo después de presenciar esto solo puedo decir que cada vez más cerca.
Llevo desde los dieciocho años escuchando la música de El Virtual, y tenerle delante por primera vez impone. Es una figura con mucha presencia y con cara de que le va a tocar un control “aleatorio” cada vez que se suba a un avión. Pero lo cierto es que cuando nos sentamos en el sofá es como si estuviese con un amigo de toda la vida. Aquella mañana en la que le entrevisté no tardé en darme cuenta de que delante no tenía a El Virtual que lleva más de tres años sonando en mis cascos, sino que estaba teniendo la oportunidad de conocer a Guille. En media hora de conversación hablamos de sus inspiraciones, inseguridades y sueños. He visto de primera mano el viaje de redención del virtual, y vuelvo para contároslo con pelos y señales. Dentro entrevista.
P: ¡Buenas Virtual! Primero que nada, ¿Qué tal va todo?
R: Pues muy bien, gracias a Dios con trabajo todo el rato, sin parar de hacer música como a mí me gusta, que no puedo parar, y mientras eso esté así todo está bien.
Vuelta a Empezar es el primer proyecto que lanzas este año. ¿Cómo lo presentas al mundo y qué es lo que lo diferencia de tu trabajo previo?
Pues lo que lo diferencia es que ha habido un salto de madurez. El proceso personal que he vivido con este disco no lo he vivido con otros porque yo vinculo mucho mi trayectoria con mi proyecto. Esta vez ha sido más serio, más pies en la tierra y choques de realidad y menos pajaritos en la cabeza.
«La música ha ido poco a poco sustituyendo a la droga»
El primer tema es la secuela espiritual de Oda a la obsesión. ¿Dónde queda para ti la frontera entre reciclaje y homenaje?
Uf, curiosa pregunta, me mola. No lo veo un reciclaje para nada y tampoco un homenaje. En mi paranoia mental yo no tenía en mente hacer una nueva “oda”, simplemente llegó. Ahí me autorreferencio y tiene más de homenaje, pero lo que te digo, es una paranoia y ya está.
Te lo pregunto porque tú acostumbras mucho a hacer secuelas de tus propios temas, ahí tenemos de ejemplo El 3 pt. II: El Camino.
Para eso siempre he bebido mucho de Los Simpsons, que en un capítulo referencian a otro aunque no tenga nada que ver y sean completamente inconexos. Sobre todo con la saga de El 3 me gusta mucho hacerlo.
¿No te preocupa que afecte la cantidad de trabajo que lanzas a la calidad del mismo?
No me preocupa, la verdad. Yo estoy acostumbrado a hacer música así desde que empecé a hacerla. Hacer un tema al día, dos temas al día, cinco temas a la semana… Como desde el minuto uno he hecho eso siento que el nivel de calidad siempre va a más porque voy puliendo mis métodos, es calidad y cantidad.
¿Y no te agobian los ritmos de producción que establece la industria?
Sí me agobia porque me limita. Es cierto que ya estoy metido en el circuito de la industria pero yo no me siento así, me siento como el día uno. Intento no ponerme encima tantos agobios, cumplo las cosas porque esto es un trabajo pero sigo haciendo música aunque no la saque, la voy dosificando. El año que viene sacaré lo del año pasado (risas).
«El Virtual es Guillermo pero sin trabas en la cabeza, el Guillermo sano»
Eso te iba a preguntar, ¿Cuánto tiempo llevas haciendo este disco?
Ha sido poco, normalmente suelo tardar par de años y este ha sido uno o menos. Hacerlo lo hago en una semana, luego ya tiene los procesos de mezcla y demás que es lo que más lo retrasa.
Van a hacer tres años de El Disco Que No Quería Dedicarte y alguna vez te he escuchado decir que has tenido un relación tortuosa con ese proyecto. ¿En qué punto está tu relación con ese disco actualmente?
Considero que es de lo mejor que he hecho y a nivel repercusión y números eso se ve representado. Hace poco me lo volví a escuchar por primera vez desde que lo saqué. Con el resto de mi música si la escucho con más frecuencia, pero este disco no, porque duele. Con el tiempo se asentó todo eso y lo puedo ver como un espectador sin recordar los traumas. Hice la gira en 2021 y nunca más lo he vuelto a cantar, pero a veces pienso en hacerlo. He conseguido separar esa obra de mí.
En tus proyectos más recientes noto una vibra más alegre. ¿Ves más complicado encontrar inspiración en la felicidad que en la tristeza?
Antes si me pasaba, pero ahora si estoy triste no puedo escribir, necesito estar equilibrado. La inspiración la cojo de donde sea pero necesito ese equilibrio, y por eso creo que he logrado tener esa madurez. Ahora consigo calmar mis aguas y no dejarme llevar por las emociones. Antes si no estaba hecho una mierda no podía crear y eso tampoco es sano.
«Toda mi lista de colaboraciones soñadas prácticamente está hecha»
Te he visto meter siempre muchas referencias a cine y videojuegos. ¿Logras sacar tiempo para estas cosas?
Precisamente con los videojuegos he conseguido encontrar hueco. Me he obligado a encontrar hueco para el ocio porque desde que abro los ojos estoy pensando en trabajo. Cuando encontraba huecos vacíos en mi vida normalmente me quedaba dormido, pero sin embargo los videojuegos ya los tengo casi como algo terapéutico, y me parece un método de evasión sano, sin abusar en exceso. Saco tiempo, me mola un montonazo y me inspira un montón también. Ahora me estoy jugando por ejemplo el Baldur’s Gate 3.
Viendo el aire punk que siempre te ha caracterizado te quería preguntar: ¿es algo que haces de manera intencional o te sale solo?
Sale solo bro. Pocas cosas puedo hacer de forma intencional porque soy muy inseguro a la hora de crear un personaje. Nunca he podido creerme nada de lo que hago y he tenido mucho síndrome del impostor, son cosas malas pero también me ha ayudado a mantener el ego a raya. Hace no mucho en una de las últimas sesiones que tuve con mi psicóloga me preguntó si yo distinguía entre Guillermo y El Virtual, y yo no los distingo. En cualquier caso El Virtual es Guillermo pero sin trabas en la cabeza, el Guillermo sano. Voy deambulando en eso pero manteniéndome como yo mismo todo el rato.
Este rollo más despreocupado y punk lo llevan muchos artistas, ¿tú crees que se lo puede permitir todo el mundo o te lo crees más en unos que en otros?
Creo que hay que tener la actitud para poder hacerlo sin quedar de tonto e irrespetuoso. La gente tiene que entender que eres así. Si no estás impostando nada adelante, me parece que hay que jugar. Estaba justo pensando en Cecilo G.
A mí me encantó el videoclip pero porque es muy Cecilo (risas).
«El proceso personal que he vivido con este disco no lo he vivido con otros»
Además eso fue increíble, el me propuso hacer el vídeo a distancia. Pasaron los días y el tema iba a salir esa noche y yo ya dije “nada, este ha pasado”, y cuando quedaban diez minutos para que saliese me habla y me dice: “bro, he conseguido el kimono” (risas). Me mandó los vídeos y me pareció increíble así que me puse a grabar mis vídeos. Admiro esa despreocupación y ese amor al arte, que aun teniendo una vida caótica sacas tiempo para buscarte una escenografía y ahí es donde ganas, porque demuestras el amor que le tienes al arte.
Cambiando de tema, ¿en qué punto estás ahora en tu relación con las drogas?
El punto de inflexión fue cuando saqué El Disco Que No Quería Dedicarte. Siempre ha habido música y droga en mi vida, pero la música ha ido poco a poco sustituyendo a la droga. Desde ahí quedó muy atrás pese a no eliminarse, y creo que mi relación actual es muy madura. Teniendo en mente que todo en exceso es malo considero que todo va guay. A mí las drogas me gustan, es un mundo que me fascina. Hablando claro, yo fumo porros a diario, esporádicamente algo de jarabe y si eso de fiesta algo de M, pero de ahí no paso. Tampoco es que me hinche de fumar. Mi vida no gira en torno a eso y tampoco me quita tiempo. Está la parte buena de que me inspira y me da creatividad pero también la parte mala de que me da más ansiedad de la cuenta.
Volviendo a las colabos, ¿hay alguna reciente que hayas disfrutado especialmente?
Lo estuve hablando con mi colega el Yerman el otro día. Toda mi lista de colaboraciones soñadas prácticamente está hecha. Papi Trujillo, Cecilio G, Erik Urano… La de Erik Urano me hace mucha ilusión y hasta ahora era secreta pero ya saldrá, y lo mismo a nivel producción con Gese Da O.
Como conclusión, ¿esta “Vuelta a Empezar” que pone título al disco se refiere a un reinicio de tu faceta de artista con los oyentes o es algo más interno contigo mismo?
Es todo tío, me vinculo directamente con mi obra y me considero una avanzadilla emocional de la misma. Yo voy a vivir las cosas y vuelvo para contarlas y que la gente sepa lo que hay allí. Lo bonito es que le puedes dar el enfoque que tu quieras. Luego mágicamente la gente suele pasar por etapas similares, y cuando la gente me dice “bro estás diciendo lo que pienso” caigo en que realmente todo es muy cíclico.
¿Sabías que uno de los cítricos más populares en al-Andalus allá por el siglo décimo fue el naranjo? Ya no solo por sus diferentes utilidades gastronómicas, también a nivel estético. Entre sus preciosas flores y su fresco aroma, te convertían un patio serio, frío y sin nada que contar en un rincón alegre y colorido. Diez siglos después, Enry-K y el color naranja convirtieron la pista de Granada 10 en un patio andalusí. Como si fuera un naranjo.
Fotografía: Paula Casado López
El pasado 15 de marzo tuvo lugar la segunda fecha del «Tangerine Tour» en la sala Granada 10. Entre la gente, que portaba algún detalle del característico color del último proyecto de Enry-K, y la propia sala, el naranja se convirtió en el color principal de la noche. Además, algunos temas previos a la salida de Enry-K y compañía nos hacían spoiler de la energía que traían a la espalda: masiva. Y es que la vibra que se sintió en la pista con su salida al escenario era inigualable. Se sentía como si hubiera salido el mismísimo Sol.
Desde el primer tema ya sabías que iba a ser muy complicado cortar el buenrollismo. Bajarlo era imposible porque Enry y su equipo venían con todo. Traían consigo además una completa paleta de colores: desde el suave y sentimental color rosa de su primera cinta hasta la magnética y enérgica vibra del verde de «Magnetismo», junto a Abhir Hathi, sin olvidarnos del relajante tono azul de «Parezco Tonto», junto a Delaossa.
Fotografía: Paula Casado López
A mitad de concierto, cuando creías que la vibra no podía estar más arriba, Enry-K junto a Mishii, su «día uno», interpretaron «Bonsai & Power Ranger» y «SURF EN SUANCES». Una de cal y otra de arena para adentrarse en la recta final del concierto.
El público andaba rendido a Enry. Lo sabía más que nada porque cuando sonó «TURISTA», el tema con Recycled J, convirtió la sala en un patio andaluz en plenas cruces de mayo. Eso sí, para posteriormente convertirlo en un terremoto gracias a «MIS 12». Y con «Hajime Sorayama» y el canto unísono del público, Enry parecía despedirse de nosotros. Aunque bueno, no sin antes recordarnos que nunca perdemos, porque perder en nuestro diccionario está claro que no existe.
Fotografía: Paula Casado López
Hay un dato que he querido dejar pasar hasta ahora y es que, aunque en esa sala fuéramos pocos, Enry y su equipo dieron absolutamente todo por nosotros. A la salida pude hablar con él un rato y dijo algo que me llegó muy profundo: «Somos pocos, pero somos suficientes. Yo esto lo hago por vosotros. Con que estéis aquí me es suficiente.»
Y con esto, la expedición naranja tomaba rumbo a otra sala, dispuesta a llenarla de alegría y buen rollo, fueran los que fueran. Porque después de este concierto me quedó claro que, si el naranjo es bueno, da igual donde lo plantes, siempre va a dar frutos. Y sin lugar a dudas, muy buenos.
El pasado mes de marzo, España recibió a la estrella argentina Nicki Nicole en su paso por el WiZink Center de Madrid y el Palau Sant Jordi de Barcelona durante la gira de su último álbum «Alma», donde encontramos éxitos como “qué le pasa conmigo?” junto al artista mallorquín Rels B, “8 Am” en colaboración de la gran Young Miko o “Dispara ***” con uno de los artistas sensación, Milo J. Después de uno de los grandes éxitos de lo que llevamos de año “Una Foto Remix”, sentimos a una Nicki rebosante de energía en un tour que comprende fechas entre Latinoamérica y Europa.
Dale Play Records
Durante un comienzo bien cargado de sensaciones, la artista de Rosario consiguió conectar rápidamente con sus fans interpretando alguno de sus temas más íntimos como “Entre Nosotros”, recogiendo flores del público y bajando a recibir el cariño de los mismos.
Aún estábamos entrando en calor cuando nos sorprendió la entrada de su amigo Delaossa, cantando el éxito “Me Has Dejado” y mostrándole todo su respeto y estima al artista malagueño, regalándole el momento de interpretar uno de los grandes hits nacionales que definieron el pasado año, “El Patio” en colaboración con Pepe : Vizio y producido por Kiddo.
Siguiendo con su catálogo de éxitos colaborativos, Nicki cantó uno de sus temas más especiales, “Mamichula” feat Trueno, donde lanzó ciertos guiños a los asistentes madrileños. Se pudo palpar la fuerza con la que su público la acompañaba en el sentimiento que representa este track por sus episodios amorosos pasados junto al mismo Trueno o Peso Pluma.
Dale Play Records
La artista argentina interpretó con un carisma digno de su trayectoria el cover del mítico “Tuyo” (también disponible en su último álbum), tema que sería introducción de la aclamada serie “Narcos”, marcando un importante break durante el show donde volvió a aparecer con otro look completamente dosmilero, en traje de cuero y gafas de sol, recordándonos a la gran Anastacia y siendo éste el momento que aprovecharía Nicki para convertir el WiZink en una completa fiesta.
Sería en esta etapa del concierto donde saldrían a relucir otros de los grandes hits que comparte con artistas como Bad Gyal, Aitana o Chris MJ entre otros, y donde daría paso a uno de los éxitos en lo que va de año, “Una Foto Remix” Feat Mesita, Emilia y Tiago PZK.
Con una Nicki Nicole titánica y dominando el terreno más reggaetonero, completó una curiosa performance junto a sus bailarines con una imponente estética inspirada en el hip-hop.
Dale Play Records
Llegando al último ciclo del concierto, la artista regaló a su fanbase uno de los momentos cumbre del show, apareciendo Rels B en escena y demostrando la gran complicidad que tienen cantando «qué le pasa conmigo?» en una actuación sensacional.
Estamos deseosos de ver cuál será el siguiente paso en el amplio repertorio musical de Nicki. Aunque siempre ha estado en el top de artistas de la escena urbana internacional y se ha ganado el cariño por donde quiera que pase, apoyamos y celebramos el momento dulce que está viviendo, siendo una artista que siempre demuestra no acomodarse ni encasillarse en un sonido concreto, innovando y apostando por su versatilidad. Arma que simplemente la hace única. ¿Dónde está tu techo Nicki? <3
Alrededor de 12.000 personas de toda España se congregaron en el Recinto Ferial de Tenerife para ver a Cruz Cafuné. El canario cerró la gira de su álbum “Me Muevo con Dios” en casa y por todo lo alto.
Cruz Cafuné en su concierto en el Recinto Ferial (2024). Vía Malpaís Productions.
Cuando pensamos en un concierto de un rapero solemos imaginarnos el típico bolo, en una sala pequeña de 300 o 400 personas, a 30 grados, haciendo pogos y arrollándose entre sí. Pero en esta ocasión, Cruz Cafuné juega en casa, y en casa le quieren mucho. Considerado uno de los padres del movimiento canario, Cruzzi fue capaz de hacer acampar a la gente 3 días antes de su esperado concierto el día 6 en el Recinto Ferial de Santa Cruz de Tenerife. Tras el éxito y sold out absoluto de toda su gira, no había mejor manera de cerrar el tour que en su isla, Tenerife, donde miles de personas hacían cola desde hace días para conseguir el mejor lugar en la pista, donde pudieran ver desde cerca al referente canario.
La organización del evento fue inmejorable, regalando pizzas a las personas que llevaban días haciendo cola, teniendo el gesto de abrir horas antes de lo previsto el recinto para acoger al público que esperaba a la apertura de puertas bajo el cielo gris que lucía Santa Cruz el sábado. Cientos de personas se congregaron en colas ya dentro del lugar para adquirir el merch del artista, que contaba con 2 camisetas exclusivas del evento, una bootleg y un llavero.
Cruz Cafuné en su concierto en el Recinto Ferial (2024). Vía Malpaís Productions.
El concierto comenzó puntual, saliendo Dawaira a telonear durante aproximadamente 20 minutos en un show que sirvió de calentamiento donde el artista tinerfeño avivó la llama del público para preparar las piernas de los asistentes para lo que se venía unos minutos después. Destacar el bonito momento que vivió Dawa al marcharse del escenario anunciando que iba a ser padre junto a su pareja, que también había subido al escenario.
Unos minutos después de la salida de Dawaira, comenzaba a sonar una música con sintetizadores que acabaría transicionando en “Turbo”. En un instante, el enorme telón negro que cubría el escenario cayó y un Cruz Cafuné vestido con un conjunto de tiburones y las Nocta Hot Step 2 aparecía con hambre de comerse el escenario cual tiburón que ve un banco de peces. En este caso el banco de peces fue nuestro cardio, ya que con canciones como “s3_e07_theboondocks_dvdrip.mpeg” o “Practice” la noche comenzaba intensa.
Cruz Cafuné en su concierto en el Recinto Ferial (2024). Vía Malpaís Productions.
Con un setlist lleno de estrellas, Cruzzi contó con La Pantera, Maikel Delacalle, Dawaira y Sholo Truth como invitados para la suerte de los asistentes. Pero sin duda la colaboración que menos se esperaba en el Recinto Ferial fue la que más enloqueció a los asistentes. Con “LUISAVIAROMA” La Blackie hizo temblar los cimientos del lugar con una entrada icónica que masificó los pogos y fue la más gritada de la noche. Bejo y Abhir también hicieron temblar el recinto, gracias al carisma que rodea a estos dos artistas y a “RAPIÑA | Barracudas #3” y “HOTTEST.YUNG.MEN.in.BIZNESS”, que no son temas para sacar la linterna del móvil y dejar que las emociones afloren.
Sabemos que a Cruzzi le encantan los speechs, y esta vez desde el corazón y su patriotismo por las islas habló sobre la situación actual en la que se encuentran. Mencionó el orgullo que siente por las islas y que debe defenderlas aunque ya no viva ellas, impulsando a los jóvenes locales a que reclamen lo que es suyo, aludiendo indirectamente a la masiva manifestación que se dará este 20 de Abril en las Islas para protestar contra problemáticas como el turismo masivo.
Cruz Cafuné en su concierto en el Recinto Ferial (2024). Vía Irien Domínguez.
Llegando al tramo final del concierto, Cruz Cafuné subió a Escandaloso Xpósito para interpretar “Fabiola”. La mirada de los asistentes estaba dividida entre el escenario y la tribuna VIP, a la que el público cantaba la emotiva canción directamente a la hermana de Cruz Cafuné, musa del tinerfeño en la canción.
Para acabar, Cruzzi cerró con “Cangrinaje” y “Issey Miyake”. Finalmente comenzó a sonar la instrumental de “Me Muevo Con Dios” cuando el rapero dedicó unas palabras a su público y marchó, pero la guinda del pastel aún no estaba servida.
La masiva pantalla del Recinto Ferial narraba “Nuevo Álbum 2025”. La reacción de los asistentes al concierto fue tan estruendosa que hasta los propios tiburones del Océano Atlántico que baña las islas deben haberse percatado.
Cruz Cafuné anuncia nuevo álbum en 2025 (2024). Vía X.
Todo lo ocurrido el pasado fin de semana en Tenerife no es más que una confirmación del masivo crecimiento que experimenta la escena canaria estos últimos años. Las K-Narias sentaron las bases, Cruz Cafuné las solidificó e influenció a una generación entera de la que están saliendo exponentes como Quevedo y otros que todavía no han explotado como Galindo, Dailos MB o IBRA. Pero Cruzzi tiene aún guerra para “fleje“ años y no hace más que demostrarlo.
Mago, del latín magus y del griego mágos. Viene definido en la RAE como una persona que practica magia,una persona singularmente capacitada para el éxito en una actividad determinada o, en la religión zoroástrica, persona de la clase sacerdotal. Para algunos productores como Érebo o Enry-K lo definen como una persona leal, real y seria cuando hay que trabajar. Si me preguntas a mí, la música en su máxima expresión. Para todo el mundo, el productor malagueño Jay-Cas.
Primero de todo, ¿qué tal estás?
Guay tío, la verdad. Un poco cansado porque anoche me acosté super tarde mezclando. He dormido poquito, pero estoy bien la verdad.
He visto que estás liadillo con muchas cosas.
Sí, siento que me está sobrepasando un poco. Además, desde julio estoy aprendiendo a mezclar y a masterizar, lo que supone un esfuerzo más.
Trabajo duro parece. Para entrar un poco en contexto, ¿cuándo empezaste a producir?
Fue algo totalmente aleatorio en mi vida, nada planeado. Ni mis padres ni nadie de mi familia se dedican a la música. Desde pequeño he sido muy friki que la música, sobre todo del rap americano. Escuchaba a Waka Flocka o Gucci Mane y veía vídeos en Youtube en los que los productores rollo Lex Luger o Mike WiLL Made-It, usaban un programa que hacía que me preguntara “¿esto qué es? ¿La música que yo escucho se hace en ese programa?” Total, me lo bajé en la versión demo, ya que no sabía ni piratearlo. Eso sería con trece para catorce años o así. Bueno, tú eres de Andalucía, ¿no? ¿Te acuerdas cuando la Junta nos dio los ordenadores verdes en primaria?
Buah, eso es mítico. Esos ordenadores eran pochísimos.
Pues bro, aquí tengo las primeras bases que me hice.
Pero macho, ¡si eso no tiraba nada! (Risas).
Que va tío, sí que tiraba. Lo que pasa es que venía con Linux, pero el padre de un colega mío del futbol le puso el Windows 7 y yo le dije “dile a tu padre que me lo ponga a mí también”. Me lo puso, me bajé el FL y ahí empecé. Pero vamos, a mí siempre me ha gustado la música muchísimo. Me gustaba mucho el Guitar Hero o los juegos típicos del móvil que iban sobre música. Pero eso, me descargué la demo del FL y ya más tarde aprendí a piratearlo. Y de ahí, para adelante. Dos años desde 2013 me tiré en el ordenador de la Junta aprendiendo como iba la movida. Un shout out para ellos.
Hablando del FL, hay una cosa curiosa sobre ti y es que usas el FL 11. ¿Cómo es eso?
Porque no he encontrado el 10 bro, que si no lo tendría (risas). Yo realmente tengo dos FL’s; el 11 y el 20. Para producir con melodías de otros productores o colaboraciones me gusta el 11 porque, al utilizar las melodías y los audios, consume menos recursos. Además, me gusta como suena. Tiene unos armónicos raros en los exportes que me gustan muchísimo. Y mira que lo he comprobado con el FL 20, pero te aseguro que hay diferencia.
Me parece curiosísimo, nunca había visto a alguien usar esa versión del FL.
Yo en España no he conocido a nadie que use el 11. En Estados Unidos muchos productores de los que me gustan suben fotos al Instagram usando el FL 11. Si lo usan es por algo (risas).
«Ya no es solo que haga música con él, es que es una joya de museo»
Jay Cas sobre el FL Studio 11.
Ya que hablamos de las aplicaciones que usas para producir, tuve la oportunidad de que dos productores con los que has trabajado me sugirieran una pregunta para hacerte. El primero fue Érebo, que te pregunta, en el siguiente orden, cuál es tu drum kit, tu sintetizador y tu plugin favorito.
Con sinte supongo que te refieres a uno físico, ¿no?
Venga, eso me vale.
Mi sinte físico favorito es uno de Yamaha. El CS80. Es super grande, parece un órgano eléctrico raro. Ahí se han hecho joyas como “Thriller” de Michael Jackson. Tiene un sonido ochentero que me encanta. De plugins te diría que mi favorito es Omnisphere, sin duda. Aunque consuma como su madre de recursos lo tiene todo y de muy buena calidad. Está también el Zenology, que consume menos, pero me quedo con el Omnisphere. Y de drum kits uso muchísimos, si vieras mi disco duro hay como un tera de drum kits. Pero en cuanto a calidad y abanico de lo que hay, hay un chaval de 808 Mafia, ONLY XNE, que es un máquina. Hace drum kits con muchísima calidad, textura y buenas percusiones. Ese chaval es un duro. Si ahora mismo tuviera que hacer un beat iría ahí seguro.
La siguiente viene de alguien con quien has colaborado hace poco, con Enry-K. La pregunta que propone es tu top cinco VST’s que utilizas.
Pues bueno, ya te he dicho dos: el Omnisphere y el Zenology. Bueno, ¿entran también efectos?
Sí, de una.
Venga, el tercero el Serum, que me parece flipante. Si sabes encontrar buenas librerías ese va genial. De efectos te diría el Fabfilter. Todo lo que tiene en general esta guapísimo, pero ahora que estoy empezando a mezclar tanto el ecualizador como el compresor son buenísimos. Luego todo lo que es el paquete de Soundtoys también me flipa.
Has estado rápido, se nota que lo tienes claro.
Claro, ya son muchos años. Se lo que me mola. Obviamente estoy atento a lo que sale, pero siempre acabo recurriendo a eso.
Hablando de lo que va saliendo, ¿ahora mismo que escuchas? ¿Qué es lo que más te inspira?
Mira, estoy ahora mucho en todo lo que saca 0PIUM. También Don Toliver, los dos últimos sencillos que han sacado son increíbles. Lo de Ye, el volumen dos de Vultures, a ver si lo saca. Estoy escuchando Ken Carson, Homixide Gang, Playboi Carti… Estoy mucho en esa onda, vistiendo de negro, de cuero y motero (risas).
Lo de Carti a mi me parece una burrada. ¿Tu crees que en algún momento llegará a España algo parecido a lo suyo?
Yo creo que sí, al menos en cuanto a mezcla. Es un sonido sencillo, pero a la vez con sentido. Tanto percusiones como voz interactúan, los bajos están por abajo todo el rato ahí… Está muy guapo. Yo pienso que debería de pegarse algo.
¿Sientes que los productores pueden tener miedo a experimentar con este tipo de sonidos?
No creo que sea miedo. Tú puedes experimentar, dejarlo en el ordenador y que nadie se de cuenta. Yo creo que o no escuchan ese tipo de música, y si la usan no es su prioridad a la hora de hacer música, o simplemente no les llama, no creen que lo vayan a hacer igual. Creo que es más culpa del tiempo, en España siempre llega todo más tarde. Ahora por ejemplo han llegado el new jazz o el supertrap, cuando este último lleva haciéndolo D.Dot desde 2015 o por ahí. No sé, a ver cómo va evolucionando la cosa. Habría que tener mente abierta, sobre todo por el público, no los productores. Creo que se debería educar más el oído del público.
Ya que hablas del público, ¿crees que esa falta de educación se debe al consumo desmedido de música?
Totalmente. Esto tiene que parar. Lo de poner la cinta de correr al máximo e intentar mantenerse tiene que parar en algún momento. Ya no escucho casi música, y mira que me gusta mucho. Antes tenía mis playlists y ahora no tengo ni tiempo para ellas. Lo he hablado mucho con Asier (Érebo) y los dos coincidíamos. Que bueno, a nivel artista, si tu no estás todo el rato que se te vea la cara, haciendo cosas chulas en Instagram o sacando música por un tubo, la gente se olvida de ti. Es agobiante. Este ritmo de vida que, creo yo, se nos ha inculcado desde el COVID, nos está haciendo a los creadores no tener tiempo extra (que deberíamos tener todo el tiempo del mundo) para crear cosas con las que estemos contentos, ¿sabes lo que te quiero decir?
«Pienso que no podemos permitirnos ese tiempo que por derecho tenemos como creadores»
Jay Cas sobre el ritmo de consumo musical y como afecta a los artistas.
Totalmente, al final es como cuando tienes hambre y vas directamente a un restaurante de comida rápida.
Claro, tu vas a la calle y sobre todo ves restaurantes de comida rápida. La música es más o menos lo mismo. En las playlists ves esos “restaurantes” y de vez en cuando te encuentras un “bar de comida casera super buena”. De vez en cuando chequeo las playlists y veo que todo es más o menos lo mismo.
Sin duda, no te da lugar a descubrir cosas nuevas. Es como a los productores, no da pie a que os la den.
De cara al público los productores no existimos. Yo hablo con colegas míos que no tienen nada que ver con la música y no se conocen a ningún productor. De cara al público todavía no somos nadie. En todo caso Bizarrap, pero vamos. Eso sí, dentro de nuestro mundillo si es verdad que cada vez nos la dan más. Te diría que fue desde que $kyhook sacó “Moonchies”. Es como si fuera una playlist de temas nuevos de muchos artistas bajo un mismo productor. Musicalmente a la cultura aporta muchísimo, y que cada vez se esté haciendo mas a mí como productor me llena muchísimo. El siguiente paso es el llegar a la gente de a pie.
Ya que mencionas este tipo de discos, el año pasado sacaste “El Mago” y, una cosa que me parece curiosa, con el lanzaste las instrumentales del disco sin las vocales. ¿A qué se debe?
Pues mira, básicamente lo hice porque Metro Boomin lo hizo con “Not All Heroes Wear Capes”. Yo quise hacer lo mismo, sobre todo para que los productores que me sigan puedan utilizar los beats para tener ideas nuevas sin tener la voz. Está muy guay, aunque no creo que lo vuelva a hacer. Ahora estoy trabajando en un disco instrumental, temas que no han tenido antes una voz encima de ellos. De eso sí tengo muchas ganas. Es un disco más personal, con un determinado sentido y una estética concreta.
Algo a lo Cookin Soul, ¿no?
Exacto. Él por ejemplo cada cierto tiempo saca un disco con seis o siete instrumentales para que la gente se las goce. Ese rollo me mola que flipas porque, a fin de cuentas, depende solo de ti. Para hacer “El Mago”, lo tuve que hacer sin ayuda de A&R ni nada del estilo y la verdad que es un trabajo muy duro, sobre todo mentalmente.
Claro, al final el ser productor es un proceso bastante largo. Creo que mucha gente piensa que es pasar un beat y ya, pero va más allá.
Sí tío. Abarca desde enviar el beat y ya hasta tirarte dos años haciendo un tema porque estas cambiándole todo el rato cosas o porque no te convence del todo. Cada canción te pide un proceso en cuanto a su desarrollo. Pienso que hay dos tipos de artistas: los que son como yo y los que son como Ralphie Choo o Rosalía, de coger una guitarra y empezar de cero. Eso lo valoro muchísimo. Son procesos mucho más largos. Lo mismo escuchas la primera demo de un tema de Rosalía y es ella con la guitarra tarareando. Y luego es un temazo que flipas que ha ganado un Grammy. Luego con temas más raperos si que es en plan el beat, una idea, un rapero encima y cuando está el tema un par de arreglos, pero sin distorsionar mucho el tema principal. Para mi hay dos tipos de creadores: los lentos y los rápidos. Yo me considero de los rápidos.
Oye, ya que has mencionado a Ralphie o Rosalía, ¿tú te animarías a escribir además de producir?
Nah tío, yo no valgo para escribir. Yo no soy poeta, yo soy músico hermano. Valoro muchísimo a los productores, como Enry o Gese, que se meten a cantar o a rapear porque lo sienten y no necesitan nada más porque ellos mismos se pueden proveer las bases. Tiene que ser algo super bonito y de lo que sentirse orgulloso. Por ejemplo, seguramente Enry tiene que sentirse orgulloso del disco que se ha sacado, producido por él y con sus ideas. Eso me parece brutal y enriquece muchísimo la cultura. Espero que se reconozca más. Desde aquí invito a todos los productores que tenga curiosidad y que se les dé bien escribir a que le echen huevos. Lo mismo tu voz es la próxima voz de moda.
Además, los productores que se animan a cantar cuentan con un “doble filo”. Es bestial.
Claro, un ejemplo es Pharrell Williams. Un tío que podría coger a tu prima, decirle “vamos al estudio”, le escribiría un tema, se lo produciría y lo convertiría en un hit porque es Pharrell y tiene eso dentro. Yo en un futuro no sé, pero ahora mismo me veo más como ingeniero y productor.
Hay una frase que has dicho que me ha gustado muchísimo, la de “yo no soy poeta, soy músico”. A partir de eso te pregunto, ¿qué es la música para ti?
La música es la energía que nos hace transformarnos. Todo es vibración, átomos que están vibrando. También son ondas, que entran por tu oído y provocan sentimientos en ti. Para mí la música es lo más cercano a la magia. De ahí el nombre de “El Mago”. Toda la gente que hacemos música somos magos porque, en parte, estamos influenciando en los sentimientos de otras personas, de manera vibracional. Es muy heavy. Para mi haber dado con la música, poder considerarla mi pasión y mi vida me parece una fortuna. Es algo muy bonito que no se puede explicar con palabras. La música es algo que no puedes tocar o verbalizar. La música es música y está para disfrutarla.
Me encanta esa forma tan cariñosa y respetuosa que tienes de ver la música. Se nota que la disfrutas totalmente. Cambiando de tema, he visto que has estado trabajando junto a Imperio Nita y One Path.
Con Imperio justo hoy he terminado de exportar todos los masters del disco que tengo con él. Cero colabos. El siguiente que tenemos planeado ya es otra cosa. Pero este os va a gustar mucho, está muy guay. Y lo de One Path va a estar durísimo. Creo que es lo más profesional que he hecho, sobre todo visualmente. Estoy muy orgulloso de lo que he hecho con Javi. He aprendido muchísimo en el poco tiempo que he estado con él. Espero que a la gente le guste y que llegue, porque es muy bonito.
Ahí estaremos seguro, por lo que hemos visto tienen pintón. Por último, ¿algo que quieras decir a nuestros lectores?
Escuchad música. Muchísima y de muchos estilos. Si os gusta la música escuchadla. Y desinstalaros Tik Tok, o al menos aprended a domar el algoritmo. Y bueno, sobre todo sed felices. Buscad dentro de vosotros mismos, que ahí está la respuesta.
Durante el pasado 6 de marzo, la sala Siroco acogió uno de los directos más especiales del artista bilbaíno Suave, en compañía de su productor Thalamas y uno de los grandes artífices de su último proyecto “Artificial”, así como de su primer EP “El Diccionario de las Flores”. Pudimos disfrutar de una profunda inmersión en el universo Artificial, planteando un escenario con fuerte carácter etéreo y nostálgico.
A través de un comienzo místico cargado de aura, Suave nos presentaba temas como “Nada malo en ello” o “Y Ahora Qué”, partiendo de temas drumless que coqueteaban con ritmos más minimal house, cuidando las transiciones entre tracks y generando una gran expectación en una sala donde prácticamente se completó el aforo.
Durante la mitad del show, el artista sacó a relucir una faceta más orientada hacia el clubhouse en las interpretaciones de uno de sus singles previos al último proyecto “Si tú te vieras (Como yo te veo)” producido por Thalamas o “La otra punta del mundo” producido por D3llano, consiguiendo una gran conexión con el público y convirtiendo la sala en una completa pista de baile.
Suave invitó al público a escuchar parte de la obra de Thalamas, quien nos sorprendió con uno de sus últimos lanzamientos “Amigos?”, track que enamoró a los asistentes y nos invitaba a sentir un constante in crescendo durante el transcurso del concierto.
El artista aprovechó un pequeño break para presentarnos lo que podría ser uno de sus siguientes lanzamientos, tema que el público recibiría con gran agrado… Suave, ¿terminarás lanzándolo? No pararon las sorpresas, Suave y Thalamas salieron con una reinterpretación de “Euforia”, hit del artista gallego Sen Senra, sumergiéndolo en el sonido característico de Artificial y creando un espacio muy especial durante la actuación.
En la recta final, Suave sacó a relucir la magia de algunos de los temas que mejor pueden definir el mencionado sonido de Artificial, como fueron “Te juro que todo iba bien!”, el propio “Artificial” y finalizando con una emotiva interpretación de “Autoboicot”, sintiendo el calor y la gratitud de su público, momento donde los artistas terminarían celebrando fundiéndose en un cariñoso abrazo.
Estamos convencidos de que Suave dará mucho de qué hablar en el futuro, pisando cada vez más fuerte en la escena con su propuesta y mostrando gran solidez y amor a su obra, así como nos lo hizo sentir también en su performance.
