Allá por el 31 a.C, el emperador Lucio Tarquino Prisco mandó a construir el mayor espacio de entretenimiento de la conocida como Ciudad Eterna. Casi 2000 años después, uno de los artistas más grandes del globo terráqueo actualmente revivirá la leyenda de este emblemático lugar para traernos un espectáculo digno de admirar por el mismísimo Julio Cesar. Damas y caballeros, bienvenidos al Circus Maximus Tour.
Travis Scott en su concierto en Madrid
Desde bien temprano la gente hacía cola para no perderse una importante cita con Travis Scott, el más que conocido rapero de Houston que está arrasando en Europa con su gira. Fue a las 18:30 cuando el 30 de julio las puertas del Wizink Center de Madrid se abrían para ofrecernos la primera de las dos noches mágicas que iban a hacer temblar la capital a niveles terroríficos.
Nada más entrar podías ver una pantalla kilométrica al fondo del estadio a la que se anexionaba un escenario completamente distópico que se prolongaba hasta la mitad de la pista. Mientras la gente entraba y se ponía cómoda, podías sentir que la noche iba a ser cuanto menos legendaria: la gente que ya estaba ubicada en pista entonando cánticos como si de ultras se trataran para animar a la gente de la grada, los que tenían su asiento reservado podías verlos o bien sumándose a la prefiesta montada por los autóctonos de los aledaños del escenario o con unos nervios de infarto esperando a que el telonero hiciera su aparición antes del plato fuerte de la noche.
Y es que poca broma, Travis contó con la presencia del legendario Yung Lean para hacer el warm up. Voy a barrer un poco para casa, pero creo que es de las pocas veces en toda la gira que veo a Yung Lean estar tan en sintonía con el público. Sabiendo o no los temas, la gente saltaba y animaba al sueco como si del artista principal se tratara. Desde los pogos de “Afghanistan” hasta la locura generada cuando entonó “Kyoto”, sin olvidar el emotivo momento de “Red Bottom Sky”, Yung Lean dejó un preshow de lo más completo. Tras agradecer al público y a Cactus Jack por la oportunidad, nos preparábamos para vivir una verdadera estampida.
No hubo música hasta la salida de La Flame, aunque en su lugar hubo un detalle que me mantuvo loco durante la espera: el tenue pero continuo estrídulo de los grillos. A poco más de las 9:10, se hacía la oscuridad y el silencio dentro del Wizink Center. Un cortometraje hacía aparición en la pantalla mostrando imágenes de lo más distópicas bajo un sonido estático de fondo que termina rompiendo con el frame que muestra título de la gira, al son del tono que se podía escuchar en los tótems del rollout de Utopía. Y ahora sí: “antes de empezar el show, abrid esa mierda”.
Travis se abría paso hasta la catapulta del escenario mientras que casi 18.000 voces cantaban al unísono el inicio de “HYAENA”. Bajo los cortes perfectos de un impecable Chase B y la amenaza del fuego, Travis hizo una salida espectacular con la que puso a saltar a todos los ragers allí presentes. “¿Cómo estás Madrid?” – gritó La Flame bajo el descontrol del público, tomado por la locura y la emoción del momento. No hubo descanso alguno y es que puso a saltar hasta la grada de tal forma que a más de uno le pareció que iba a sucumbir en cualquier momento. Tres temas iban y ya podías ver a gente sudando como si estuvieras en un asadero de pollos. Tras “MODERN JAM”, Cactus Jack nos dejaba respirar un poco para hablar un rato con el público, agradeciéndonos por estar allí y recordándonos que ese día estábamos allí para saltar como verdaderos animales. Después de esta pausa la locura continuó con “Aye”, el tema junto a Lil Uzi.
Al finalizar, la voz que al principio nos dió la bienvenida se puso en contacto con Travis: “Tenemos que seleccionar a alguien”- afirmó mientras todas las personas allí presentes cruzaban los dedos para ser los elegidos para “escribir el pasado”. Una vez allí arriba, cuatro afortunados tuvieron la oportunidad de cantar temas como “sdp interlude”, “backr00ms”, “Type Shit” y “Nightcrawler” junto a su ídolo; un momento que jamás olvidarán en sus vidas. Cuatro canciones de puros saltos y raging que dejan en mero calentamiento a cualquier sesión de cardio. Si te preguntas si había descanso no, te equivocas. “SIRENS” y “Upper Echelon” cerraron esta pequeña sucesión de enérgicas canciones, dando lugar a uno de mis momentos favoritos de la velada.
Travis Scott en su concierto en Madrid
Se hizo la noche de nuevo. Linternas encendidas. El discurso de Donda West era recitado al unísono por todo el lugar. “Praise God” tomaba por unos segundos el lugar, siendo esta continuada por “GOD’S COUNTRY”. Aunque no estuviera allí, como fan de Kanye West sentí su presencia más cercana de lo que nunca iba a sentirla.
Llegaba ahora una de las partes más emotivas del set. Los láseres apuntaban a la punta del escenario mientras una plataforma elevaba a lo más alto a Travis Scott. Cuando Chase B dio al play, pude confirmar lo que en su día mi buen amigo Kozma decía acerca de “MY EYES” en su review al disco de La Flame. Todos y cada uno de los allí presentes sintió cada una de las palabras que entonaba Travis. Estoy seguro de que a más de uno se le escapó una lagrimita.
Después de tan íntimo momento, volvió la locura con “BUTTERFLY EFFECT”, “HIGHEST IN THE ROOM” y “Mamacita”. Al acabar la última pista, la voz volvería para anunciarnos que “recibiríamos visita pronto”, y es que dos gorilas tomaron el escenario al ritmo de “CIRCUS MAXIMUS”. Una vez terminada la pista, para sorpresa de los allí presentes, Travis cantó el legendario “Don’t Play”, tema junto a Big Sean. Ya terminada la canción especial, el artista iría a cambiarse de vestimenta, dejándonos de fondo “DELRESTO”, su tema junto a Beyoncé.
Si ya antes de la pausa el concierto era una locura, ahora iba a serlo aún más. El público cantando al unísono “I KNOW?”, “90210” haciendo retumbar los cimientos del Wizink y la locura de “MELTDOWN”, “TOPIA TWINS” y “NO BYSTANDERS” nos dejaba un run de cinco canciones en las que el público hizo a Travis crecerse a más no poder.
Travis Scott en su concierto en Madrid
Y ahora sí, llegaba el momento que más de uno estaba esperando: “FE!N”. Daba igual cuantas veces la hubiera puesto, el público estaba con ganas de más. Fíjate si había ganas de “FE!N” que el propio Travis no daba tregua alguna a los que habían hecho una pequeña parada para descansar las piernas.
La utopía se dirigía a su final, siendo el despertar de un sueño que, para muchos, no querían que se acabara. Con los legendarios “SICKO MODE”, “Antidote” y “goosebumps”, Travis nos hizo saltar por última vez antes de despedirse del público de la primera noche en el Wizink. Tras darnos mil veces las gracias por vibrar junto a él y bajo el glorioso sonido de “TELEKINESIS”, Travis Scott abandonaba el Wizink Center, listo para ofrecer otra noche inolvidable el día siguiente.
Travis Scott no solo ha dejado un maravilloso recuerdo en la memoria de todos aquellos fans que llevan esperando uno de sus legendarios shows mucho tiempo, también ha abierto una puerta a la posible llegada de conciertos de artistas estadounidenses a tierras españolas. Desde aquí solo podemos agradecer enormemente a Travis por tener en cuenta a España en su gira y de convertir el sueño utópico de muchos fanes en una realidad que recordarán el resto de sus vidas.
Los veranos en Tenerife Sur tienen nueva banda sonora. El EP sorpresa del versátil Cruz Cafuné contiene 6 grabaciones con registros que van desde el sexy drill hasta música jamaiquina.
Cruz Cafuné en un show (2024)
Cruz Cafuné es de esos artistas que hacen movimiento. En el aspecto de crear escena, tiene a toda una camada de raperos detrás a los que apoya y da colaboraciones cuando conecta con lo que están haciendo, véase el remix “Rifle Talibán”. En cuanto a traer sonidos nuevos que no han sido explotados lo suficiente en España, el tinerfeño es pionero. Ya lo hizo en su día con el jersey club y ahora lo hace con el sexy drill neoyorkino a la vez que Abhir y un jerk, que nunca habían sido tocados por un artista mainstream.
La buena sociedad que forma Cruzzi con Gesse da O y Lex Luthorz ayuda al proyecto a tener un sonido bastante fresco, y como no, hay samples por doquier. “Tu Vas A Tener Que Explicarme” de La Ross María acapara la atención gracias a la habilidad de Gesse y Lex para transformar los samples en un instrumento más, quedándose así un sexy drill (subgénero del drill popularizado por Cash Cobain) donde el beat es el principal protagonista en “m€ntiras”.
Evento de presentación de «blu€s» (2024)
La macedonia de géneros musicales de “blu€s” contiene también un jerk, un riddim’ jamaiquino y el tema que popularmente más se ha destacado del EP, “la raíz d€l mal”. Una outro muy parecida a “Me Muevo Con Dios” que samplea a Mother’s Finest se encarga de cerrar el proyecto regalo de Cruz Cafuné.
Lujos, coches y cadenas rodean al de Tenerife en “blu€s”. Este exceso de suntuosidad en un proyecto tan corto ha generado varias críticas, achacando que la falta de profundidad del EP hace que pierda fuerza frente a sus pasados proyectos. Si bien este EP cumple la función de proyecto fácil de digerir para una época concreta del año, el sector más nicho esperaba algo más introspectivo, parecido a lo que nos había traído el canario en sus anteriores grabaciones.
Portada de «blu€s» por Dimithry Victor y BCS Vision (2024)
Ya lo relata el propio Cruzzi en “Este Verano” cuando canta “No es tan profundo”. La funcionalidad de este proyecto es introducir al rap game español más mainstream unos códigos diferentes a lo acostumbrado con nuevos géneros que tienen un sonido más fresco que lo que acostumbramos a ir para cumplir dicha función de proyecto corto para el verano.
Siempre se le exige al artista música nueva que no se parezca a lo que ha sacado antes, pero cuando el artista varía y le da al público algo fuera de su zona de confort vienen los problemas. “blu€s” es un proyecto que sigue la línea de consumo devorador que existe en la música actualmente, que difícilmente será recordado al nivel de “Visión Túnel”, pero que igualmente cumple a la perfección el rol que el equipo de Mécèn ha querido que tenga.
Como aperitivo para su nuevo proyecto de 2025, este EP es un sólido bien en la discografía de el rapero tinerfeño, del que se espera mucho en el futuro. Aunque haya hecho más ruido por las polémicas en redes ajenas al rapero que por el propio valor de la música que contiene, “blu€s” trae sonidos nuevos y frescos al panorama hispano con una perspectiva.
Nunca es fácil decir adiós, parece que cuando nos vamos a despedir de algo o alguien todas las memorias que tenemos asociadas a él nos persiguen y nos suplican que no lo hagamos. A Alvaro Diaz le ha costado encontrar un camino hacia su liberación, pero para nuestra fortuna ha ido recopilando todas sus experiencias para compartirlas en esta película llamada “SAYONARA”.
Portada de «Sayonara»
Desde el momento en el que salió ‘RAMONA FLOWERS’, el primer adelanto del disco, en 2022 el proyecto ya se iba impregnando de ese misticismo que ahora se ve con nostalgia. Alvarito lo tenía todo listo para un lanzamiento cercano que nunca llegó. Siempre nos quedará la duda de cuánto dista esa primera versión de la que fue publicada finalmente. Por esto “SAYONARA” nos muestra la evolución de Alvaro Diaz como artista, pero también como persona. En estos dos años de espera su vida ha cambiado mucho y con ella su sonido. Cuando salió “Felicilandia”, su anterior proyecto, ya llevaba mucho en el juego y tenía un reconocimiento considerable, pero no estaba ni cerca del estado de referente que conseguiría apenas un año después.
Con este contexto, Alvarito retrata las fases de una despedida, formándose una especie de yin yang que no deja espacio para un ‘gris’. En sus propias palabras, la primera parte del disco es “un poco heartless porque estás intentando evitar decir lo que sientes”, mientras que después del interludio “lo sueltas todo” y al final te quedas con esa plácida sensación de libertad. Esta premisa hace que “SAYONARA” se convierta en una experiencia cinemática que no necesitas ver para entender, basta con escuchar la voz de Alvaro.
En ‘MAMI 100PRE SABE (INTERLUDE)’ se hace una analogía en la voz de una madre que se queda grabada en la memoria de cualquiera que escuche el disco: “Te acuerdas cuando eras chiquito e íbamos al cine y se acababa la película y nos quedábamos hasta el final a ver si aparecía una escena nueva? A veces la vida es así”. Esto viene a representar el disco en gran parte, el asumir que por mucho que la esperes no siempre aparece esa nueva escena de una película y que en algún momento tienes que salir de la sala de cine y volver a la realidad que vivías antes de comprar las entradas del filme.
Alvaro Diaz vía Instagram
Como toda buena película, “SAYONARA” tiene una introducción bien definida que nos presenta a los personajes, ‘TE VI EN MIS PESADILLAS’. Aquí Alvaro ya sabe que su relación está más que acabada, no tiene solución por más que él quiera. Con mucho dolor y arrepentimiento en su voz se despide y recuerda los buenos momentos que no se van a volver a repetir, comenzando con un seco y efímero “se acabó”. Al final ARON (Arón Piper) lo rescata de esa atmósfera cargada de nostalgia y lo lleva a olvidar como él sabe, de fiesta: “Álvaro, no me jodas eh. Levántate de ahí ahora mismo y vamos pa la calle”.
Aquí empieza un viaje por los perreos más sucios y pesados de toda la carrera de Alvaro Diaz como ‘BYAK’ con Rauw Alejandro o ‘KAWA’, un total flashback a la escena de Puerto Rico en los 2000s interpolando canciones de Daddy Yankee y recuperando un sonido hipnótico que pocos han sabido recuperar. Aunque Alvarito en poco tiempo ya ha masterizado el reggaeton con propuestas al nivel de los más grandes no solo se queda ahí. Trap, house y demás géneros conviven en esta primera mitad del disco con una fluidez increíble entre temas. Específicamente ‘PLN’ y ‘LENTITO’ son dos pulmones para este caótico tracklist que sorprendentemente funciona.
En un tweet, Alvaro comentaba que si tuviera que definir el álbum en una palabra sería “chrome”, cromado o metálico. Tracks como ‘FATAL FANTASSY’, producido por Tainy, demuestran que esta definición no solo es completamente acertada, sino que el diseño de sonido del disco está a otro nivel como si se tratase de un trabajo de millones y millones de dólares. Este factor determinante para la inmersión en la historia se extiende hasta la segunda mitad del disco con sintetizadores punzantes en la introducción de ‘FUNERAL’, el bajo distorsionado seguido de unos sintetizadores eléctricos en ‘MAJIN BUU’ o los efectos tanto en la instrumentación como en las voces de ‘QUIZÁS SI QUIZÁS NO’, generando ese sonido envolvente que te mete de lleno en la atmósfera del disco.
Esta segunda mitad de la historia es más profunda, reflexiva y muy nostálgica. En ‘QUIEN TE QUIERE COMO EL NENE’ se representa esa fase de duelo en el que la relación no puede continuar, y solo esperas ese inevitable adiós mientras te cuestionas si hay forma de salvar la relación: “No voy a pedir que me esperes, pero tengo mil excusas para que vuelvas y te quedes”. ‘EN PR NO HACE FRÍO’ es una canción única en donde los caminos de ambos ya se han separado pero aún tienen la esperanza de volver, sin tener el valor para decirlo de frente: “Subiste una foto con el hoodie mío y no es porque tiene frío. No te voy a negar que de otra cuenta te espío”. Cuando ya la ilusión de poder volver ha pasado empiezas a recordar todo lo bonito, cuando los dos aún estabais enamorados siempre uno al lado del otro, este momento viene a ser ‘YOKO’. Este track es un completo destello de apego entre las canciones más apagadas del álbum por su letra apasionada acompañada de unos coros angelicales de Judeline, pero que viéndolo en perspectiva tiene un trasfondo muy oscuro: “Un atardecer contigo no lo cambio por ninguno si tú me quisiste cuando ni yo me quería”.
Alvaro Diaz por Jesús Soto Fuentes
Toda la nostalgia que hay en esta segunda interpretación de la ruptura se canaliza en ‘GOLDEN GUN’, pero no de una forma emotiva sino que con un trap que se convierte en un boom bap como los que Alvarito no hace desde hace mucho tiempo. Lo primero que se te viene a la mente al escuchar esto es al Alvaro de SoundCloud, sus primeras mixtapes y EPs como “Ilumilatin” y la mezcla de fronteo y barras que lo caracterizaba. Para sumar aún más el tema empieza con un sample mítico de Arcángel que ayuda a crear el escenario más agresivo de todo el álbum. A partir de aquí la base se presta a que todo fluya y se desprenda del amor y afecto, mencionando marcas, dinero, personajes célebres y mujeres, puro trap como el que ya no se hace. Para cuando parece que todo está controlado se interpone un sample de un pasaje de la Biblia que precede perfectamente una base de rap tétrica: “Acuérdate de tu creador en los días de tu juventud antes de que vengan los días malos”. La letra cambia y se vuelve reflexiva, recordando el largo camino que ha tenido que seguir Alvarito hasta el lanzamiento de “SAYONARA”, sus aspiraciones y sus metas: “Mis raperos favoritos no le meten como antes, búscame un espejo para inspirarme. Esto va a vivir por siempre porque es arte”. Finalmente todo culmina con un audio del difunto Alex Malverde, el padre del hip hop mexicano y en palabras de Alvaro “el responsable de que yo esté hoy aquí”.
Y como toda película, esta también tiene un final, un final melancólico para cerrar una aventura muy propia de amor y desamor. ‘NO LLORES SI ME VOY’ es un homenaje al pop-punk de Blink-182, una de las mayores referencias de Alvarito en la música, con un toque minimalista y sobrio. Este es una despedida final en la definitivamente no se van a volver a ver, por mucho que lo quieran. Un cierre emotivo para una aventura frenética la cual seguramente se repetirá de nuevo porque en algún momento siempre vamos a tener que decir adiós, ‘sayonara’, por mucho que no lo queramos.
Es un domingo de junio de 1961, en el corazón de Nueva York. Descendemos las escaleras hacia un rincón legendario del jazz, el Village Vanguard. Aquí, entre las paredes de este sótano emblemático, se teje la historia de una de las grabaciones más reverenciadas en el jazz moderno: El Trío de Bill Evans en vivo en el Village Vanguard.
Nos adentramos en el 178 de 7th Avenue, donde Orrin Keepnews, de Riverside Records, y el ingeniero de sonido Dave Jones, preparan una grabadora Ampex para capturar un momento histórico. A pesar de un breve momento de pánico por un fallo eléctrico, todo está listo para registrar no solo música, sino la esencia misma del jazz en su forma más pura y espontánea.
El Village Vanguard, con su acústica excepcional, se ha convertido en un santuario para los jazzistas. Aquí, en este espacio íntimo, Keepnews y Jones enfrentan el desafío de grabar un día completo de actuaciones. Este no es un día cualquiera: es el último de una serie de dos semanas con un artista reacio a grabar nuevo material en estudio. El trío de Bill Evans, conocido por su enfoque innovador y su química musical, está a punto de crear algo mágico.
Los inicios
Cinco años antes, en 1956, Keepnews grabó por primera vez a Bill Evans para Riverside con el álbum ‘New Jazz Conceptions’, incluyendo al baterista Paul Motian. A pesar de un comienzo modesto, Evans, con su estilo único y emotivo al piano, buscaba los músicos adecuados para su visión de un trío de jazz. Este encuentro fortuito ocurrió en Basin Street East, donde el bajista Scott LaFaro y Motian se unirían a Evans. Juntos, transformarían el concepto del trío de jazz, enfatizando la improvisación simultánea y una interacción profunda entre los instrumentos.
Después del debut del trío en ‘Portrait in Jazz’, la unidad y el enfoque colectivo del grupo se fortalecieron. Evans, con su visión artística, buscaba una conversación musical continua entre los instrumentos, más allá de los solos individuales. La armonía sutil y la interacción dinámica del trío se convirtieron en su firma, atrayendo a oyentes profundamente emocionales. A pesar de las audiencias a veces pequeñas y los desafíos personales, como la lucha de Evans contra la adicción, el trío mantuvo su compromiso con la innovación y la expresión artística.
El 25 de junio de 1961, el trío se preparaba para lo que nadie sabía que sería su última actuación juntos. La atmósfera en el Vanguard ese día estaba cargada de una mezcla de intimidad y espontaneidad. Las grabaciones capturaron no solo la brillantez musical del trío, sino también el ambiente único del lugar: los sonidos de la audiencia, los vasos, el murmullo. Cada nota tocada ese día reflejaba la profunda conexión entre Evans, LaFaro y Motian, y la pasión compartida por explorar los límites del jazz.
El álbum
La alquimia entre Bill Evans, Scott LaFaro en el contrabajo y Paul Motian en la batería, redefine lo que significa el arte de la improvisación colectiva. Cada nota, cada pausa, cada intercambio es un testimonio de una comunicación musical que trasciende las palabras. La sinergia de este trío, en este día en particular, es una maravilla que sigue resonando en el tiempo.
Desde el primer track, “Gloria’s Step”, nos encontramos inmersos en un viaje rítmico y melódico que capta la esencia del swing. Evans, con su característico toque en el piano, establece un diálogo lleno de vivacidad y sutileza. Pero es la actuación de LaFaro lo que realmente destaca; su habilidad para tejer líneas melódicas complejas y llenas de creatividad es simplemente asombrosa.
El tratamiento del trío a “My Man’s Gone Now” de Gershwin es un punto culminante del álbum. Aquí, Evans nos guía a través de una exploración emocional profunda, donde cada acorde del piano evoca una sensación de melancolía y contemplación. La sensibilidad del trío hacia el contenido emocional de la pieza es tangible, convirtiéndola en uno de los momentos más conmovedores del álbum.
En “All of You”, la interpretación del estándar de Cole Porter es una demostración magistral. Evans revitaliza la melodía con un fraseo inventivo y una exploración armónica que inyecta una nueva vida al tema conocido. La sección rítmica responde con una espontaneidad que convierte cada compás en una aventura musical.
El genio LaFaro
Lo más destacado de este álbum, sin embargo, es el trabajo pionero de LaFaro en el contrabajo. Su enfoque innovador en el instrumento, que incluye técnicas de arco y pizzicato, le da una dimensión única a la música. Su enfoque caracterizado por una técnica fluida y un sentido melódico excepcional que trascendía el papel tradicional del contrabajo en los grupos de jazz. En este álbum, LaFaro no se limita a ser un mero acompañante rítmico; en cambio, se involucra activamente en el diálogo musical, interactuando con Evans y Motian de manera que su instrumento se convierte en una voz principal en sí misma.
LaFaro también destacó por su capacidad para improvisar líneas melódicas complejas que complementaban y desafiaban las interpretaciones de Evans en el piano. Esta interacción dio lugar a un nivel de conversación musical que era raro en los tríos de jazz de la época. Su influencia en el álbum es palpable en cada pista, donde su presencia no es solo percibida en términos de soporte rítmico, sino también como una fuerza creativa integral.
Desafortunadamente, esta sería una de sus últimas actuaciones grabadas, ya que falleció en un accidente de coche solo dos semanas después, añadiendo un matiz aún más emotivo a este álbum histórico.
Sin embargo, lo que se grabó en el Village Vanguard aquel domingo de 1961 permanece como un testimonio del poder del jazz para capturar el momento, la emoción y la genialidad. Este no fue solo un concierto; fue la culminación de una búsqueda artística, un legado que Bill Evans y su trío dejaron para el mundo.
El innovador artista Brocki se ha revelado como una inminente promesa del Hip Hop y el Afrobeat en España con el lanzamiento de su primer proyecto de duración extendida titulado ‘VS THE WORLD’, trabajando en colaboración con ODDLIQUOR en la producción para traer frescura al panorama con mucho estilo y melodías animadas que recuerdan a grandes nombres de la fusión musical como Dave y Tyla.
No me equivoco si digo que el estilo musical al que más me he aficionado este último año ha sido esa conexión entre el Hip Hop de UK y Afrobeat que tanto han popularizado artistas como Dave, Burna Boy, Rema y más recientemente la hiperviral Tyla. Y es que, para mí, es una música que siempre apetece escuchar y que te anima hasta el día más gris. Voces únicas, melodías pegadizas y un ritmo que, según están comenzando a sonar las primeras notas, ya transmite un buen rollo irrefrenable.
Es por esto, que al igual que mola tanto, es algo que no todo el mundo puede hacer. Por ello, es de valorar qué podamos disponer de artistas que se adentran en este sonido, y más aún, de poder contar con la llegada de este sonido a España de la mano de nuevos talentos. Y como a mí, no hay cosa que me guste más que descubrir artistas emergentes y sobre todo, escuchar buena música, no podía pasar por alto el nombre de Brocki.
EL DESCUBRIMIENTO DE UN NUEVO ARTISTA y LA IMPORTANCIA DE UNA COMUNIDAD MUSICAL
No es sorpresa que muchos grandes artistas ya estén confiando en su visión. Y con razón. Desde el Minuto 1, el artista ha venido pisando muy fuerte, con el lanzamiento de su primer EP titulado VS THE WORLD, el cual está producido en su totalidad por ODDLIQUOR, uno de los grandes nombres de la producción musical en nuestro país, y por supuesto, uno de mis favoritos.
De hecho, fue su presencia la que me dio a conocer la existencia de este EP y el motivo para darle una oportunidad, demostrando la gran importancia que tiene la creación de una comunidad en nuestra escena musical, que cada vez pilla más fuerza a través del apoyo de los artistas más consolidados a las nuevas propuestas, logrando resultados más completos, y muchísima más frescura y variedad musical.
VS THE WORLD: PRIMERA MUESTRA de la IDENTIDAD MUSICAL de BROCKI
VS THE WORLD está compuesto por un total de 5 canciones diferentes entre sí, pero que, a su vez, siguen un mismo hilo conductor sonoro que dibuja las primeras pinceladas del estilo identitario de Brocki.
BILINGUAL RIDDIM: CONFIANZA, ESTILO Y MUCHO ACENTO
Comenzamos con Bilingual Riddim, siendo esta la más diferenciada dentro del EP, contando con una atmósfera más cruda respecto al resto de canciones. Característica que se deja ver, tanto mediante los deliveries melódicos de Brocki, rapeando con mucha firmeza, confianza y estilo al más puro estilo del Hip Hop de UK, como a través la instrumental, construida a partir de unas percusiones industriales muy marcadas y agresivas, que toman el control sobre la instrumental, dejando a los sintetizadores en un estado ambiente y generando, de esta forma, un trasfoco oscuro que, sin pasar al primer plano, se va adentrando hipnóticamente en tu cabeza.
Pero aún siendo la canción que más se diferencia al resto en cuanto a sonido, Bilingual Riddim ya nos deja ver, de forma clara, uno de los pilares fundamentales y más icónicos del proyecto. Efectivamente, estoy hablando de la contraposición entre Español y el Inglés para construir la estructura de las canciones, que se intercambia con fluidez y naturalidad, consiguiendo un resultado original y de calidad.
JUDGE ME / HIJO DE JULIET: ODIADORES VAN A ODIAR
Tras este primer tema, llegamos a Judge Me e Hijo de Juliet. En estas, encontramos a Brocki haciendo frente a esas opiniones negativas y sin fundamento, que por naturaleza, siempre van a existir sobre tu persona o tu arte, pero sin dejar que estas te afecten en absoluto.
De esta forma, al igual que la temática, la producción instrumental propone dejar toda mala vibra fuera, con dos canciones que siguen una línea más melódica y llena de florituras vocales, acompañando a un patrón rítmico de percusiones más animado, característico del Afrobeat, que introduce al EP esa vibra positiva que comenté anteriormente, invitando a moverse y disfrutar.
BLACK BOY MAGIC / SIDE BY SIDE: EL SONIDO DEL AMOR
Así, llegamos a Black Boy Magic, un tema al estilo vacileo. En este momento, la buena vibra ya se ha apoderado por completo del EP, y tanto la letra como la percusión comienzan a hacerlo notar, preparando el terreno para llegar a su climax en la próxima canción.
Side by Side es la quinta y última pieza del EP, y también, es la más animada. Aquí Brocki expone unos sentimientos a flor de piel, dando forma a una canción de amor, que expresa, ya no solo mediante palabras, sino a través de múltiples estímulos sonoros y melodías diferentes y un lindo estribillo a dos voces, la energía que provoca este sentimiento, dando un cierre muy completo al proyecto.
¿MERECE LA PENA ESCUCHAR ‘VS THE WORLD’?
En conclusión, considero que VS THE WORLD es un EP completo, distintivo dentro de la escena musical y que merece la pena escuchar, dejando un primer vistazo sobre un nuevo descubrimiento y esperando, con ganas, ver como continúa desenvolviéndose con lo próximo.
Amaia es uno de esos talentos naturales de los que no puedes apartar la mirada ni el oído y con su último single “Nanai” lo vuelve a constatar. Este es el primer adelanto de su tercer disco y se puede convertir en un punto de inflexión importante en su carrera por varias razones:
Portada de Nanai: Adrián Cuerdo
La letra
Si bien “Pero No Pasa Nada” y “Cuando No Sé Quién Soy”, contienen letras directas y sencillas sobre el amor, la amistad o la búsqueda de uno mismo, «Nanai», en cambio, presenta algo más fragmentado, un cóctel de microsensaciones, un puente entre lo real y lo onírico. “Cuando abra los ojos todo se me olvidará”, cuya melodía recuerda al principio de “Qué No Va A Pasar” de La Buena Vida, es una de las muchas referencias a los sueños.
Amaia tiene la suerte de que sus amigos son los creativos más punteros de la industria y contar con Irene Garry y Amore en la composición es sinónimo de éxito. La letra es tan gustosa y acogedora que apetece escuchar alguna estrofa más. Aunque precisamente, esa ruleta de palabras en una duración tan corta es lo más cercano a un sueño que podemos encontrar y como dice al final: “aquí un segundo puede ser la eternidad”.
La producción
Primero fue Santiago Motorizado, su ídolo de la adolescencia y el cabeza de una de las bandas de rock más emblemáticas de Argentina “Él Mató A Un Policía Motorizado”. Luego fue Alizzz, quien la ayudó a “sofisticar” su sonido y acercarse a un pop más electrónico y menos analógico. En esta ocasión, Amaia ha elegido trabajar con la gente de su quinta y cuenta con Ralphie Choo en la producción. Ralphie es un artista con una gran intuición, buen gusto y también es el rey de los ruiditos. De hecho, la canción puede desconcertar e incluso marear por momentos. Una percusión desdibujada pero galopante con unos coros hipnóticos que recuerdan a “Give It Up To Me” de Ojerime puede parecer algo difícil de digerir. Sin embargo, la voz cristalina de Amaia ayuda a bajar todo a tierra y a humanizar la canción. De repente parece que te está cantando al oído como cuando tu padre te contaba un cuento antes de dormir.
El videoclip
El formato del videoclip está viviendo un declive y muchos artistas apuestan por visualizers para que el oyente pueda ver algo mientras escucha la canción. No es el caso de Nanai. El video, dirigido por Tomás Peña (De Plata, Harleys In Hawaii, Sin Carné), es una pieza fundamental para expandir el universo onírico de la canción. A través de transiciones de Grand Theft Auto, casas de muñecas, pedicuras con peces y automasajes, repasa las distintas etapas de su carrera desde que salió de OT. Quizás Amaia no había tenido la oportunidad de aplicar su universo irónico-paranoico de Instagram a sus temas y videoclips pero parece que en este disco lo tendremos muy presente.
La difusión
También se nota un cambio en su forma de compartir su música. Al principio, en un intento por abandonar el «sobrehype» de OT, apostó por soltar su música de forma casi austera con un simple anuncio, un videoclip, algunas entrevistas y ya. Esta vez ha subido dos tiktoks, varias stories, tres posts, e incluso ha lanzado preguntas a sus fans. También ha ocurrido lo contrario; hasta ahora no había tenido la oportunidad de aplicar ese universo irónico-paranoico de su Instagram a sus propias canciones/videoclips pero parece que en este disco lo tendremos muy presente.
Amaia ha empezado un nuevo capítulo y promete ser uno de los más interesantes de su carrera. Ya no solo hace canciones pop bonitas y agradables. Ahora nos invita a su propio universo.
PD: A partir de ahora, si escuchas «aaaaahaaahaaahaaaahaaahaaaaa» en tus sueños ya sabes por qué es.
A las 8 de la mañana del viernes 21 de junio, los primeros seguidores llegaban a la explanada del Paseo del Salón de Granada para asegurar su lugar frente a la barrera que los separaba del escenario montado la noche anterior. Poco más de doce horas después, Dellafuente se subiría al escenario para celebrar con su ciudad y su gente el lanzamiento de su nuevo álbum, ‘Torii Yama’, que marca también sus diez años en la música.
El lanzamiento de ‘Torii Yama’ el 14 de junio significó el regreso de un Dellafuente más cercano al sonido de sus inicios, mostrando además una notable madurez creativa. Este momento especial en su carrera lo quiso compartir con su Granada, las personas y el entorno que lo vieron crecer y convertirse en uno de los artistas más destacados de su generación en España.
Y lo hizo con un concierto sorpresa, anunciado apenas 24 horas antes a través de un breve comunicado en redes sociales, convocando a los granadinos a celebrar juntos cantando ‘Torii Yama’. La reacción fue espectacular, demostrando la conexión única que tiene con su público: más de 14.000 personas se congregaron en el Paseo del Salón en Granada, en una noche inigualable.
Dellafuente Estrena ‘Torii Yama’ en el Paseo del Salón, Volviendo a Sus Raíces
Dellafuente presentó las canciones de ‘Torii Yama’ en un concierto caracterizado por el entusiasmo de su público. En un set de más de media docena de canciones, interpretadas desde la sencillez de un escenario sin más efectos especiales que la conexión entre Dellafuente y las más de 14.000 personas que llenaron el corazón de Granada.
Desde las primeras notas de ‘Si Te Lo Comes Lo Crías’, el público levantó las manos al cielo en una comunión inmediata. ‘13 Preguntas’ hizo reflexionar a los presentes, antes de que toda duda se disipara con ‘K Alegría’, una de las dos únicas canciones fuera de ‘Torii Yama’ que sonaron en un show inolvidable. Este formato, gratuito y accesible para todos, junto con la cercanía con el público, permitió ver a un Dellafuente más accesible que nunca; firmando camisetas, regalando bufandas, haciéndose fotos y saludando a las personas que se reunieron para lo que fue un regalo para todos.
‘Ayer’ y ‘Otra Noche en Granada’ fueron la antesala del emocionante anuncio de Dellafuente ante su público más cercano de que se avecina el momento más importante de su carrera. Un clímax que será revelado próximamente y que celebró con ‘Manos Rotas’.
Dellafuente vuelve a demostrar su poder de convocatoria en un anuncio espontáneo ante casi 15.000 personas.
En una mezcla entre calle y elegancia, el artista británico Sainté sale con su primera mixtape con su característica interpretación del nuevo sonido del rap en Reino Unido donde es pionero absoluto.
Sainté en el shooting de la portada de «Still Local» (2024)
Si no estás muy al tanto de la escena del rap en Reino Unido, probablemente no conocerás a Sainté. El artista originario de Leicester es uno de los pioneros en el cambio de tendencia musical en la escena de Reino Unido, donde se ha transicionado de un Drill mucho más agresivo y sobrecargado en cuanto a sonidos a un rap mucho más tranquilo y menos abrupto.
Sainté nos ha dejado proyectos de pocas canciones como «Local MVP», «Vacation» y «Out the Blue», donde la evolución de sonido del británico es constante en cada proyecto. Destacar de estos canciones como «Champagne Shots», «On Me» y «Compare» para introducirse en el artista. Desde 2020 el ascenso de Sainté ha sido categórico, con su segundo sencillo «Round & Round» acumulando ya más de 40 millones de reproducciónes en Spotify. Sainté ha estado en el foco desde sus comienzos, algo que el rapero ha sabido llevar perfectamente, manteniendo su estatus y aumentando progresivamente sus cifras.
Sainté en el shooting de «Still Local» (2024)
La portada del disco acompaña al concepto de «Still Local», que se puede ver como una continuación del disco Local MVP. Sainté sigue rodeado de su gente, de los que estuvieron en el ascenso pero también en las caídas. Cuando salió Local MVP, el rapero no tenía tanta repercusión ni estaba donde está ahora, y aunque el ascenso de Sainté ha sido categórico, sigue en el mismo sitio del que salió.
El shooting del proyecto viene de la mano de Simon Wheatley, un fotógrafo londinense que ha dedicado su carrera a hacer documentales y fotografiar Londres. Es calificado como uno de los fotógrafos británicos más influyentes del siglo 21.
Portada de «Still Local» de Sainté (2024)
En materia de «Still Local» como proyecto, encontramos una macedonia de diferentes géneros como el jersey club, aunque Sainté sigue manteniéndose fiel a su sonido pero con pequeñas pinzas de evolución para no caer en la monotonía, como pasa en «Tea Over Henny» donde añade unos drums de New Jazz que crean una atmósfera bastante cómoda que ayuda a la primera escucha del disco. Por cierto, una primera escucha que se hace bastante liviana, donde su sonido no se satura y las colaboraciones del disco como Draft Day acompañan a la perfección este sonido que nos presenta el británico en el disco. En una escena donde los proyectos cada vez se hacen con más intención de funcionar como un conjunto de canciones que no se hace para ser escuchado a la vez, se agradece que una mixtape como esta tenga una primera escucha tan valiosa.
Uno de los puntos fuertes de este proyecto son sin duda sus letras. Algo que describe a esta nueva tendencia del Rap en Reino Unido es la palabra “nonchalant”, que significa calma y despreocupación. Así nos lo demuestra Sainté en letras donde el artista flexea de sus logros de una manera bastante despreocupada, lejos de lo que estamos acostumbrados en la escena , a esos ritmos más agresivos donde los artistas nos cuentan el lujo en el que viven, siendo Sainté y toda esta escena mencionada anteriormente la rotura de esquema del rap británico, donde antes predominaban los 808 distorsionados con el UK Drill y ahora artistas como Nemzzz y el propio Sainté con proyectos así cambian la tendencia de sonido a la que todos asociamos el rap de Reino Unido.
La producción del proyecto también es clave, siendo otro de sus puntos fuertes. La selección de beats es impoluta y consigue que un género que suele ser tachado de monótono (no hay más que ver los comentarios sobre el último proyecto de Nemzzz) tenga una gran variedad. Los responsables de este sonido son productores como Lil Silva que sale acreditado como colaboración, sumándose a Brad Baker o Charlile P. El álbum esta repleto de productores emergentes del Reino Unido que llevan trabajando con Sainté desde su ascenso en 2020.
Sainté en el shooting de «Still Local» (2024)
Sainté suena más de lo que parece, y es que su gran repertorio le hará girar por toda Europa con Lil Tjay de finales de abril a mitad de mayo, pasando por nuestro país el 7 de mayo en Madrid en la Sala La Riviera y el 8 en Barcelona en la sala Razzmatazz.
Con «Still Local» Sainté se presenta como el principal exponente de la nueva ola del rap en el Reino Unido, siendo pionero en este sonido desde hace años y sumando esta última grabación a su lista de proyectos que cada vez se ve más enriquecida.
La noche del 8 de junio, Madrid se preparó para una noche histórica. Las multitudes se congregaban alrededor del imponente Estadio Santiago Bernabéu, luciendo el merch y con los emblemáticos tatuajes del argentino pintados en sus caras. Pocos argentinos han hecho historia en el Bernabéu, Di María, El Pipita o el propio Di Stéfano, pero esta noche, Mauro Ezequiel Lombardo Quiroga, más conocido por todos como Duki, acompañado de compatriotas como Bizarrap, Nicki Nicole, Ysy A, Emilia Mernes, Neo Pistea y CRO, hizo un soldout memorable en la capital.
Duki, Estadio Santiago Bernabéu, 2024, Foto de Alber Noriega
El comienzo del espectáculo
Como si fuéramos el propio Vinicius Jr., tuvimos el privilegio de entrar por el subsuelo del estadio, procesando lo que estábamos a punto de vivir. Cuando salimos a la luz, vimos desde abajo a las 65.000 personas que llenaban el Bernabéu hasta la bandera. A las 21:30, con sorprendente puntualidad, Duki inició con «Rockstar», seguido de «Tumbando el club». El calor del fuego en el escenario nos quemaba la cara. El escenario, lleno de efectos de luces y humo, brindaba una atmósfera mística, casi mágica. Con dos banderas colgadas de su cuello, la argentina y la española, Duki mostró su gratitud y conexión con España, a la que llamó su «segunda casa».
Duki y Emilia, Estadio Santiago Bernabéu, 2024, Foto de Alber Noriega
Apariciones sorpresa
Rei fue el primer invitado sorpresa de la noche. La química entre ambos artistas era palpable y el público no dejó de vitorear ni un segundo. Luego, subió al escenario Emilia, la novia de Duki, culminando su aparición con un apasionado beso que hizo vibrar el estadio. Más tarde, apareció Nicki Nicole, llevando la energía a otro nivel con su carisma y talento característicos.
Duki mostró su lado más humano al detener el show para asegurarse de que un fan se encontraba bien, gesto que provocó una ovación masiva y un grito unánime de «Duuuukiii, Duuuukiii». La conexión del artista con su público era innegable, y momentos como este lo demostraron claramente.
Duki y Jhayco, Estadio Santiago Bernabéu, 2024, Foto de Alber Noriega
El setlist de la noche
El show estuvo cargado de una energía de superestrella mundial que correspondida por un Santiago Bernabéu totalmente entregado a Duki y su banda de rock que le acompañaba para versionar sus temas con baterías y guitarras. El concierto continuó con una serie de éxitos que mantuvieron la energía en el pico. Canciones como «Si te sentís sola», «Sin frenos», «Goteo», «No da más», «Quavo», «Trap n’ Export», «Vuelta a la luna», «Ticket», «No Me Llores RMX», «Malbec», «BZRP Music Sessions #50», «Givenchy» y «She Don’t Give a FO» llevaron a los fans a un viaje a través de la carrera de Duki.
La noche, por momentos, parecía un festival. Las apariciones sorpresa no pararon en ningún momento. West Dubai saltó al escenario con una actuación electrizante de “cONTRA><Mi”. Uno de los referentes de Duko, Dano, le acompaño en el escenario para interpretar «Santo Grial». Jhayco sorprendió a todos con un junte estelar para cantar el hit “RoCKSTAR 2.0”. C.R.O apareció entre las sombras con su mística característica para tumbar el Bernabéu con un remix de “hARAkiRi”. Neo Pistea y YSY A se juntaron en el escenario para cimentar la leyenda del trío más icónico del trap argentino. Y por último, Bizarrap apareció para tocar el vol 50 de sus Sessions, una de las canciones más cantadas por el público. Sin duda, los asistentes amortizaron su entrada en un concierto de casi 2 horas y media.
Duki, Neo Pistea y YSY A, Estadio Santiago Bernabéu, 2024, Foto de Alber Noriega
El cierre con drama
Hacia el final del concierto, la intensidad no disminuyó. Sin embargo, un desafortunado incidente dejó a Duki cojeando mientras era asistido fuera del escenario. A pesar de esta lesión, el artista aseguró que seguiría adelante con el resto de su gira europea, demostrando su compromiso y dedicación hacia sus fans.
Antes de cerrar la noche, Duki se tomó un momento para dirigirse a sus seguidores. Con palabras llenas de emoción y gratitud, animó a todos a perseguir sus sueños, recordándoles que si él había logrado llenar el Bernabéu, era gracias a su elección y apoyo constante. Este discurso fue el broche perfecto para una noche que será recordada como histórica.
Duki, Estadio Santiago Bernabéu, 2024, Foto de Alber Noriega
El concierto de Duki en el Santiago Bernabéu fue más que un evento musical; fue una celebración de la música urbana y un testimonio del increíble ascenso del artista argentino. Con una producción impecable, invitados sorpresa de lujo y un público entregado, la noche del 8 de junio de 2024 será recordada como un momento icónico en la historia del trap y la música urbana. Duki no solo brindó un concierto, sino una experiencia que resonará en los corazones de todos los presentes por mucho tiempo.
Duki y Bizarrap cerrando el show, Estadio Santiago Bernabéu, 2024, Foto de Alber Noriega
En «Jumanji», el famoso filme de 1995, el personaje principal de la misma es guiado al cofre que albergaba el tablero de juego mediante el sonido de tambores tribales. Curiosamente, el protagonista de este episodio sintió algo parecido. La música lo guio hasta el que iba a ser su tablero de juego: una MPC. Y qué casualidad, aunque baile una letra, ambos compartían el mismo nombre: Allan Parrish.
Primero que nada, ¿cómo estás?
Muy bien tío, haciendo el cabra por ahí. Todo bien la verdad.
Día de curro, ¿no?
Sí bueno, los viernes acabo pronto, a las dos. Y nada, la verdad que tenía bastantes cosas pendientes y al final solo me ha dado tiempo a hacer una. Mira ya aprovecho y lo digo por si alguien pregunta, pero tengo discos de “El Periplo” pendientes de enviar. Se me han juntado cosas y se me ha hecho imposible enviarlos.
A mi me llegó hace poco y qué pasada, suena muy guay. La espera merece la pena.
La verdad es que estoy muy contento en cómo quedó. Me pringué en eso y al final ha quedado guay, a la gente le ha gustado.
Totalmente, ha sido currazo. Bueno, primera pregunta: ¿cómo se dio lo de empezar a producir?
En mi casa siempre ha habido mucha música y eso supongo que contribuyó a que yo fuera curioso sobre cómo se hacía y demás. Además, mi primo Truman me metió bastante en la movida del hip hop. Él hacía beats en una MPC 2000 XL creo que era, ahora no me acuerdo, pero ahí es cuando empecé a hacer mis primeras historias y demás. Ahí ya dije “buah, yo quiero empezar a hacer beats”. Me acuerdo de que empecé con el Fruity Loops a hacer loops, que curiosamente es como he acabado, haciendo loops igual (risas). De ahí ya me pillé una MPC y empecé a hacer cosas.
Lo de la música en tu casa me parece curioso. Si no me equivoco, en una entrevista junto a Padri decías que tu padre es un melómano y eso te había hecho escuchar mucha música desde pequeño. Además, hay cosas chulas que dices en ese episodio como lo de que algún día a tu abuela tu música le pueda parecer guay. ¿Lo sigues manteniendo? ¿Crees que lo has conseguido?
Lo mantengo (risas). No creo que se haya cumplido, pero lo mantengo. Lo que quiero decir es que me parece guay hacer de este género musical una cosa menos restrictiva al oído, sobre todo en cuanto a temáticas o sonidos. De alguna manera quiero pensar que lo estamos consiguiendo. Por ejemplo, algunas cosas que hemos hecho con Nico, que alguien incluso podría considerar muy cercanas a la literatura, la forma de relatar las cosas, de empaquetar los discos… Creo que estamos acercando posiciones y que hacemos que se un poco más accesible la música a la gente mayor. Yo tengo ya 31 años y no tengo ganas de fingir que me quiero hacer el malo, que la vida es una mierda y tal. Creo que este tipo de música puede ser el vehículo para contar otro tipo de cosas y acercarse a otro tipo de público. El objetivo final sería que mi abuela acabara escuchando algo y dijera “ojo”. Le he puesto cosas a mis dos abuelas y algún tema les ha hecho gracia, pero bueno, aún queda un poco.
Aparte de inspirarte tu padre, ¿quién te inspira para hacer música?
Ahora mismo mis dos productores favoritos son EVILGIANE y BNYX. EVILGIANE es este productor de Surf Gang que hace un rollo así drill… Es el que produjo “The Hillbillies” de Kendrick y Baby Keem. Había oído hablar de él, pero a partir de ese tema investigué un poco y encontré a la Surf Gang y tal. Luego BNYX me gusta mucho ahora porque es un sonido muy duro pero el tío tiene elementos característicos que, enseguida que oyes un beat suyo, sabes que es de él. Eso me gusta mucho, que los beats tengan cosas características. Aun así, de toda la vida he convivido con influencias variadas. Me ha gustado mucho el rap de los noventa y he tenido mi época de escuchar DJ Premier, Havoc, Pete Rock y tal; y luego también he tenido mi época más del sur, cosas de Atlanta, con el sonido de 808 Mafia, los inicios de Metro Boomin… Siempre he ido a la par con los dos rollos. También he tenido mi época de ser un loco de J Dilla y demás. Aun así, ahora mismo dentro del hip hop, los que más me vuelven locos son esos dos.
«He pasado por todas las etapas por las que una persona que hace música como yo puede pasar.»
Allan Parrish sobre sus influencias musicales.
Fotografía por @andrea_savall
¿Fuera del hip hop quien te inspira?
Pues, aunque hace muchas cosas con gente del hip hop, Jame Blake me parece un tío bastante guay. Además, me gusta porque cuando hace hip hop aporta cosas muy distintas. Por ejemplo, el beat de “LOST FOREVER” para el disco de Travis es un approach muy interesante a ese tipo de ritmos. Hay mucha gente, pero el que se me viene a la cabeza ahora mismo es ese.
Bueno, ya que has hablado de cosas características, ¿qué hace que tu música sea tu música?
Es buena pregunta porque es algo que ni yo se. Eso es una cosa que me gustaría que me dijera la gente a veces. Yo creo que una cosa que me caracteriza mucho es el uso de samples. Yo siempre he sido muy sample based, me gusta mucho samplear. Aunque también compongo y hago mis pinitos, samplear es lo que más me gusta y lo que mejor se me da. Creo que lo más característico mío es la selección de samples, pero aun así creo que sería más fácil que me lo dijeran desde el otro lado. Ahora estoy haciendo rollos muy distintos y no sé si eso hace que pierda un poco la identidad como productor, pero creo que lo que me caracteriza en cualquier forma de hacer beats es los samples que uso.
Totalmente. El otro día volví a escuchar tanto “S.O.D.A.” como “Expectedly Unexpected” y es muy cierto lo que has dicho. Tanto el aura que creas con los beats como los samples hacen que sea muy chulo. Muy misterioso.
Nunca había pensado lo del tema del aura, puede ser. Pero sí, en la selección de samples, sobre todo en “S.O.D.A.”, tuvimos mucho cuidado, lo hicimos a fuego lento. En el de Johnny fue más rápido e improvisado, aunque no fue coger cualquier sample y funcionar. Es muy raro que coja un sample y diga “esto me vale”. Detrás del proceso de selección del sample hay un proceso de reflexión.
Bueno, ahora te voy a hacer dos preguntas las cuales han sido hechas por dos productores. La primera viene de parte de Nico, que me dijo que con esta pregunta te ibas a picar. ¿Por qué usas el Fruity MPC?
Sabía que me iba a decir eso (risas). Lo sigo usando aún. El Fruity MPC es, dentro del Fruity Loops, un layout tipo MPC donde puedes cargar sonidos que se mapean a teclas del ordenador. Yo lo uso y creo que no he visto a nadie usarlo. Creo que soy el único pringado que lo usa. Pero es porque gran parte de mi periodo de aprendizaje fue con un MPC, y hubo un día que me cansé de montar beats ahí y me pasé a Fruity Loops. Necesitaba algo familiar y di con el Fruity MPC, empecé a trabajar con él y no he dejado de usarlo. Es verdad que es un poco limitante y hay otras formas de hacerlo, pero es donde más cómodo estoy. Lo que le molesta a Nico es que, si uso eso y tengo que pitchear para arriba o para abajo el sample, uso el Gross Beat, que cuando tocas el pitch queda horroroso. Al principio no me daba cuenta, pero gracias a sus tirones de orejas me di cuenta de que eso sonaba como el orto. Estoy dejando de pitchear con eso, pero sigo usando el Fruity MPC. La respuesta a su pregunta es que me siento como en casa, aunque no sea lo mejor, es lo más familiar y cómodo para mí. Seguramente tendrá que venir otro Nico enfadado a decirme que no lo use para plantearme dejar de usarlo, pero de momento lo voy a usar (risas).
La siguiente la formula Jay Cas. Hay una cosa que me gusta y es que, en España, tú eres de los pocos que hacen drumless. Hablando con Jay Cas, la pregunta que me dijo que te hiciera es si, cuando usas un sample, le metes drums o si usas en el tema los drums nativos del mismo.
Pues no hay una respuesta correcta a eso. El caso es que, al final toda esta movida que llaman drumless al final no es del todo drumless. Muchos de los samples que usan los productores tienen elementos de precusión ligeritos. Antiguamente a todos lo beatmakers nos ha pasado que, cuando encontrabas un loop, si tenía drums, generalmente no se loopeaba porque te sentías más y sentías que tenías que aportar algo encima del sample. Sentías que tenías que hacer tú los drums encima porque si no parecía que no habías hecho nada. A raíz de que la gente empezara a hacer loops de cualquier manera, incluso sin drums, las reglas cambiaron y la gente comenzó a utilizar cualquier sample, que no hay unas reglas establecidas para usarlos. Entonces yo pues depende, a veces encuentro un sample sin drums y me parece que funciona bien así, tal cual; otras veces creo que con una ligera percusión basta e incluso a veces siento que le necesita unos drums fuertes, es un poco igual. También te digo, estoy dejando un poco el drumless. Ahora si me encuentro un sample le pongo drums.
Claro, ahora lo que haces es samplear “Mi Gran Noche” y mandarle un beat a Gloosito.
Tal cual, tal cual (risas).
Tío, en Twitter he visto que te gustaría currar con Gloo. ¿Alguna vez te ha respondido?
Mira, generalmente no me gusta mandar DM’s fríos a la gente para intentar hacer música con ellos. No me siento bien, además ya veo mi música reconocida con la gente que yo trabajo. Aun así, a la única persona que le daría la brasa y con la que me gustaría hacer cosas es con Gloosito, más que nada porque realmente creo que tengo beats que a él le irían muy guay. Antes hablábamos de cosas que me vuelven loco y, la wave esta de detroit me ha encantado desde que la descubrí. Además, hago muchos beats de detroit a los que no le doy salida, entonces creo que a la única persona a la que no me importaría darle la brasa es a Gloosito.
Ya que hablas de la new wave y tal, el movimiento de los chavales de Disobey y tal, ¿qué te parece?
Tengo opiniones mixtas. Me parece que los chavales lo hacen muy guay y que han montado una movida que llama la atención a la gente, eso es innegable. El problema es que hay gente diciendo que vuelve 2014 y que este sonido es lo que va a pegar ahora. Sinceramente, la gente no sé si se acuerda, pero la P.A.W.N. Gang lleva haciendo esos desde hace mucho tiempo. Incluso en Boticarios temas tipo Chicago y tal. Yo la verdad no se si todo el mundo va a querer hacer ese sonido 10 años después. Está gracioso y muy guay, pero me extrañaría que la gente se pusiera a hacer ese sonido ahora. Aun así, todo el respeto. Me gusta el sonido que hace esta peña. Pero que la gente no se equivoque, hay muchos artistas que han hecho temas de este rollo, lo que pasa es que esta gente lo ha hecho bien y han conseguido que la gente atienda a lo que hacen. De hecho, tengo un disco con Chicoes3 cuando firmaba como Sportman y en ese disco había temas con sonido muy Chicago.
Bueno, Chicoes3 firmaba como Sportman y, si no me equivoco, tu firmabas como Keith Dramn. ¿A qué se debe ese nombre?
Ese nombre nunca me gustó. Era un anagrama de Mad Thinker, un villano de Marvel. Me hacía gracia tanto Marvel como el cambiar las palabras y me puse ese nombre. Aun así, a lo largo de los años dejó de gustarme, lo que pasa es que empecé a hacer cosas con Natural Spittaz, la gente me conocía y me daba pereza cambiarlo. En 2014, empecé a hacer beats de trap y, como había muerto Robin Williams, decidí, con ayuda de un colega, cambiarme el nombre a Alan Parrish, el nombre del protagonista de Jumanji. Pensé al principio en hacer como dos vertientes con dos sonidos distintos, pero como el anterior nombre no me gustaba, al final me quedé con el nombre de Allan Parrish.
Buscando en SoundCloud “Allan Parrish”, encontré dos cuentas: una con todo junto y la otra, la que usas ahora, con el nombre separado.
Sí, tengo dos (risas). No sabía volver a mi cuenta anterior porque no sé con qué correo la tengo registrada. Me quería hacer un SounCloud para publicar beats que no están usados y dije “uf, paso de buscar la otra”, entonces me cree una nueva (risas).
Te has marcado un Tyler, the Creator en toda regla (risas).
Totalmente, pero es básicamente porque soy un desastre (risas).
Bueno, he visto que has estudiado “teleco”. ¿Te ha ayudado en algo la carrera?
En cuanto a producción no, pero si me ha ayudado a tener independencia económica para poder hacer música y no tener que hacer música por ganar dinero, que para mí eso siempre ha sido importante. Creo que la carrera me ha ayudado a tener un trabajo que me permite poner dinero para hacer proyectos musicales y, además, poder hacer música sin estar preocupado en si funciona o no. Lo que se de producción lo aprendí por mi cuenta.
En cuanto a la independencia económica, ¿sientes que hacer música hoy en día es más barato y accesible?
Más que nunca. Te compras una Focusrite, un micrófono y un portátil medio decente y con eso puedes hasta ganar un Grammy si tienes buenas ideas. La música nunca ha sido tan accesible al público. Que también te digo, tiene su parte buena y su parte mala. Hace años el tener que conseguir un estudio, equipo y alguien que controlara de software de audio era muy difícil. Ahora está todo regalado.
Al ser más fácil, quiero entender que es más exigente el mercado, sobre todo el público. No sé si tú lo ves así.
No sé si directamente, pero indirectamente desde luego. Creo que, desde la perspectiva del que escucha música, hay tantas cosas que al final saturas mucho antes y, si tú escuchas música de continuo y realmente te preocupa escuchar cosas diferentes y demás, como que ya estamos muy cansados de escuchar las mismas cosas y te vuelves un poco más selectivo. El hecho de que la música sea más accesible y fácil de hacer nos ha hecho un poco más reacios a muchas cosas y más selectivos.
Ya que hablas de música fácil y accesible, ¿crees que esto afecta a la sociedad y los ritmos de consumo de música?
Creo que se consume todo mucho más rápido y que eso hace que las cosas pasen mucho más rápidas. Aun así, no creo que lo que tú hagas no pueda trascender de la misma manera que cuando la música no era tan accesible. Simplemente creo que el mensaje está mucho más difuminado ahora. Es más difícil retener la atención de la gente por la cantidad de oferta que hay, pero al final como hay tanta gente escuchando música, creo que esas dos cosas se compensan.
¿Tú crees que, al haber tanta música, el trabajo de los vocalistas queda más reconocido que el de los productores?
Sí, pero creo que no depende de las circunstancias, depende más del rol que quiera asumir cada uno. Yo creo que ahí influye un poco el cómo actúas tú. Como productor te puedes desentender de muchas movidas, hacer beats para la gente y olvidarte, que te dará una posición más secundaria. Si en cambio quieres asumir un rol más importante y demostrar que puedes estar a la altura de importancia de la persona que canta, puedes hacer muchas cosas. Por ejemplo, puedes hacer discos de productor con concepto. Para mí creo que es importante que, si quieres tener ese tipo de papel, demostrando que no solo apuntas temas un papel y ya, que quieres aportar algo y quieres que sea coherente, te puedes implicar en más cosas aparte de hacer beats, como en el arte o los visuales, de tal manera que la gente las asocie a tu figura cuando escuche la música que tú produces. Por ejemplo, creo que $kyhook es un tío que ahí lo ha hecho muy bien.
«Si los beatmakers queremos que se nos considere tan importante como los cantantes, tenemos que esforzarnos más»
Allan Parrish sobre los productores y el protagonismo de los mismos.
Fotografía por @andrea_savall
Cambiando de tema, te he visto hablar por Twitter acerca de los reaccionadores. Estoy bastante de acuerdo con bastantes cosas de las que dices, pero ¿qué es lo que te chirría de ellos?
A ver, a mí lo que me chirría del tema reacciones es que creo que hay gente que sabe hacer una review en directo, que es en lo que consiste una reacción, y realmente son sinceros sobre lo que escuchan y cuál es su opinión. Por ejemplo, Topu me parece un tío bastante honesto y, de hecho, me vi su review de “El Periplo” y dijo algo como “este sonido no me gusta tanto”, fue sincero. Me pareció honesto y me acuerdo de que le comenté “respect porque estás siendo honesto”. Además, está aportando algo. La gente ve tus reacciones porque quieren saber qué piensas sobre lo que estás escuchando. Entonces, mi problema es que creo que para que a un reaccionador le funcione, tiene que ser una cosa demasiado endulzada. La exageración de ciertas reacciones creo que hacen daño al artista y a la música. Al final la gente percibe la música de esa manera, haciendo que al final perciban la música de forma muy endulzada. Ves en Twitter que salen temas, la gente los escucha y es como “buah, que locura, madre mía”. Está muy polarizado y creo que las reacciones no ayudan a frenar esto. No creo que no haya que haber reacciones, pero deberían hacerse de forma honesta. Mira a Anthony Fantano, reacciona a discos de forma muy honesta.
Totalmente cierto. Además, el ejemplo de Fantano es muy claro. La gente suele echársele encima por decir lo que piensa acerca de determinada música.
También hay una cosa que no me gusta nada y es que la gente siempre se esconde detrás del “yo no soy periodista” o “yo no soy musicólogo” como escudo para que las opiniones que se expresen no se tengan en cuenta. Si tú estás opinando sobre música y sueltas conceptos o “facts” que luego no son verdad o que no te has informado bien, pues me parece que también haces daño. No puedes decir cualquier burrada sobre cualquier tema y luego decir “bueno, es que a mí no me vengas a pedir explicaciones que de eso no sé”. Pues entonces no divulgues sobre música, que eso es otra cosa que tampoco me gusta. Yo no necesito que la gente sepa en qué hospital nació J. Dilla, pero tampoco propaguemos la ignorancia y, sobre todo, no nos hagamos cargo de nuestra ignorancia. Si tú has dicho una cosa y no está bien, reconócelo. Eres un reaccionador y estás ganando dinero de opinar sobre música, por lo tanto, tienes una responsabilidad.
Muy cierto. Creo que esto conlleva un problema de “borreguismo”, al final la gente sigue este tipo de opiniones.
Sí, total. Las opiniones que tienes y compartes por Internet influyen a la gente. Hay que tener cuidado con las cosas que se dicen porque tienen un impacto. Que tu opinión no tenga un fundamento, no tengas ni idea y acabes diciendo tonterías no va a hacer que todo el mundo se desinforme, pero tu huella no está siendo positiva. No estás aportando. Si vas a opinar sobre música, trata las cosas con respeto, distancia y mesura. No te plantes delante de una cámara y sobrerreacciones. Somos bastantes los que opinamos esto.
Cambiando de tema, quería rescatar la polémica que hubo cuando Ye y James Blake se quejaban de Spotify, una plataforma que ayuda poco a los artistas. ¿Tú estás de acuerdo?
A ver, yo estoy de acuerdo. Lo que paga Spotify por stream me parece injusto. La cosa es que, si Spotify ha montado un imperio del streming, el mérito es suyo y al final ellos pueden hacer lo que quieran. No sé si alguien va a cambiar eso. Yo quería pensar que Ye y James Blake iban a cambiarlo, pero visto lo que hizo este último siento que eso no va a ser lo que cambie el modelo de forma de consumo. Es un tema muy complejo, yo no sé qué se puede hacer para cambiarlo. Lo único que a veces se pasa por mi cabeza es que, en algún momento, la gente compre a mansalva el formato físico y volvamos a eso.
Yo estuve pensando el otro día y ¿no crees que SoundCloud podría ser una buena plataforma para los artistas?
No tengo ni idea de cómo monetiza SoundCloud, lo único que sé es que tiene menos restricciones. Además, no sé si la gente consumirá mucho SoundCloud.
De vez en cuando me meto a escuchar temas filtrados y cosas del estilo.
Yo creo que la época de SoundCloud ya fue, dudo mucho que vuelva. Tampoco tengo ni idea de qué modelo será el siguiente. Es más, no sé qué quiero que pase.
Y por último, ¿qué es para ti la música?
Ostia, es una pregunta muy amplia. Bueno, primero de todo es un producto de entretenimiento, no nos equivoquemos porque debe tener esa parte; y luego, es un arte. Seguramente dirás “es una obviedad”, pero muchas veces eso la gente lo olvida. Al ser un arte, todo lo que está relacionado con tu música ha de tener sentido y esa premisa en mente.
