Categoría: Música

  • Cole Bennett nos devuelve al pasado con ‘All Is Yellow’

    Cole Bennett nos devuelve al pasado con ‘All Is Yellow’

    Un viaje al pasado, a cinco o seis años atrás, es lo que mucha gente de veintidós o veintitrés años querría hacer en este momento. Una vuelta a la época donde no tenías tantas responsabilidades, donde no habían tantas preocupaciones ni necesidades que atender. Si pudiéramos volver a esos días y nos lleváramos este álbum con nosotros el éxito estaría asegurado, siendo este proyecto una continuación de las tendencias que ya se seguían pero mostrándonos cómo serían si hubieran seguido evolucionando hasta el día de hoy. Cole Bennett apela a la nostalgia desde una posición complicada para crear una pieza cohesiva, la de director de vídeos, pero que tal y como está planteado el álbum consigue transportarnos a otros años donde todo era más bonito.

    ‘All Is Yellow’ (2024)

    Desde que ví el cortortometraje que nos abría las puertas a este universo y a este proyecto, ‘whyrush?’, supe que iba a ser algo especial, ni bueno ni malo, pero ciertamente especial. La moraleja, que el mayor premio de esta vida es la vida en sí, es potente y te hace reflexionar desde un primer momento, creandonos escenarios y expectativas muy diversas sobre el álbum. Al final, la voz en off de Rick Rubin nos recuerda que la vida es una oportunidad que muchas veces está marcada por unas metas que son definitorias de lo que somos, pero que debemos vivir este regalo que es la vida a nuestro propio ritmo disfrutándola al máximo.

    La vida y las decisiones que tomamos es también un tema recurrente en el apartado musical. Esta temática tan amplia se puede ver reflejada en todos sus aspectos; en ‘Guitar In The Room’, Lil Durk recuerda su vida pasada en la que puede haber cometido errores pero ha reconducido su rumbo y ahora quiere que se le trate por quién es actualmente y que le den un voto de confianza; en ‘Hummingbird’, UMI, SahBabii y Teezo Touchdown intercambian versos sobre sus perspectivas personales sobre el sentido de la vida o el amor en lo que es la mayor performance vocálica del álbum; sin embargo, la canción que mejor refleja está temática en la faceta de vivir tu propia vida es ‘Stop Giving Me Advice’, Jack Harlow y Dave se funden en una oda al personalismo y al egocentrismo sano en la que no le aceptan consejo a nadie y se mantienen puros a ellos mismos.

    Este sentimiento reflexivo sobre la vida también llega por medio de los coloboradores. Las voces de los difuntos 6 Dogs y Juice WRLD te hacen pensar sobre lo efímera que es la vida, al igual que Lil Tracy hablando de su hermano de diferente madre Lil Peep y como se fue sin que el pudiera despedirse. También que aparezcan personas como Sheck Wes, Corbin o Ski Mask The Slump God que llevaban tiempo sin sacar música propia y estaban alejados del foco público también ayuda al sentimiento de nostalgia que comentaba al principio, al igual que con raperos icónicos como Lil B o Chief Keef u otros que marcaron una época entera como Lil Tecca, Swae Lee o el propio Lil Yatchy que te devuelven completamente a otros momentos de la vida.

    Cole Bennett y Chief Keef grabando el vídeo de ‘Say Ya Grace’ (2024)

    Otro punto de vista desde el que ver el disco es la distribución de las canciones a lo largo del tracklist. Este evoluciona como un día en el sentido de que el frenetismo decae pasada la primera mitad del álbum, induciéndonos a una parte más tranquila que busca la musicalidad en otras cosas como la lírica y no solo en el ritmo. La locura de la primera parte se ve concentrada en la canción ‘Fist Night’, una pieza muy bien formada que hace que se sienta como un paraje colérico encajado entre la intro de Teezo Touchdown y el speech final de Lil B. Esto se consigue juntando a cinco personas en una misma canción que cambia de ritmo tres veces. Por el otro lado, tenemos a ‘Hello There’ como máximo representante de lo que sería la noche en este álbum, una canción basada en la interpolación de ‘I Miss You’ de blink-182 que consigue transmitir una sensación muy oscura. Las voces de Corbin y Lil Tracy son inquietantes y llenas de remordimiento, mientras que Black Kray añade ese sonido a murmullo que hace la canción aún más tétrica.

    El proyecto en general abarca muchos géneros y facetas de estos, ya que aunque mayoritariamente sea trap los artistas se desenvuelven muy bien en géneros a los que no están acostumbrados o sacan a relucir su mejor versión. Esto en parte puede ser porque los raperos sobre todo se siente que están disfrutando en sus versos y esto el oyente lo nota. Una buena muestra de esto es la canción ‘Special’ en la que tanto Latto, Aminé y Swae Lee fluyen a la perfección la base con melodías muy frescas que te transportan directamente al verano. En ‘Say Ya Grace’ directamente se juntan Chief Keef y Lil Yatchy, dos de los raperos que más disfrutan fluyendo las bases y que casan perfectamente con el tono irónico del track. La poca seriedad del proyecto en este aspecto suma más que resta, lo que es complicado de conseguir, y ayuda a que todas las escuchas sean muy agradables, dándole forma a un proyecto muy ameno.

    Swae Lee grabando el vídeo de ‘Special’ (2024)

    Porque la seriedad a veces no lo es todo, Cole Bennett a través de Lyrical Lemonade consigue hacer una oda al pasado cercano y consigue traer de vuelta el disfrute de toda una época. Aun con esto la introspección siempre estuvo y, por ende, está presente equilibrando la balanza a la perfección. La evolución siempre aporta y eso lo podemos ver por todos los lados de este proyecto en el que Cole consigue hacer, en sus propias palabras, su primera película. Ahora solo queda esperar al deluxe, que ya está confirmado, al segundo volumen y al lanzamiento de los videoclips de todos las canciones del disco, lo que hará la pieza aún más redonda si es que se puede.

  • Las tías chulas venimos a misa

    Las tías chulas venimos a misa

    Una avalancha de fans corría hacia el escenario, adornado de manera minimalista con un cruceiro y un piano de cola. Todos querían ver al artista lo más cerca posible: su corta estatura no le impidió ir ganando grandeza a medida que el concierto avanzaba. La gran pantalla de la parte posterior ofrecía su imagen o se mantenía neutral para no competir con el artista. Con esta puesta en escena, en la que los dos únicos músicos quedaban relegados también a un segundo plano, salió Sen Senra al escenario enamorando a un Wizink que, aunque contase con algunas butacas vacías, le rindió culto como uno de los mejores artistas de esta generación. 

    Fotografía: Claudia García Morán

    Sin ninguna prisa, Sen Senra avanzó por su último álbum intercalando en este repertorio sus canciones más escuchadas de álbumes anteriores. Con su chaqueta de cuero y sus gafas negras, disfrutaba cada palabra que cantaba, al igual que su público, que gritaba de emoción con las primeras notas de cada tema. El artista disfrutaba de esta comunión con su audiencia y consiguió salvar esos momentos en los que sus canciones podían haber decaído en directo. Sus gestos y miradas, proyectadas además triplemente en las pantallas, creaban una atmósfera íntima y envolvente, que hacía que no pudieses apartar la mirada del artista. 

    El repertorio de Sen Senra no destaca por ser el más animado del mundo, pero su público ya lo sabe y no le importa en absoluto. Es otra cosa lo que va buscando. En “Ya no te hago falta” y “Por ti”, el público pasó a formar parte del espectáculo, convirtiéndose en el coro que no sabíamos que necesitábamos, como también sucedió con “Nada y nadie”, en la que tanto el público como el artista se dejaron el alma. Pero Sen Senra era consciente de que un concierto así era insostenible, y por eso intercaló varias sorpresas, además de cortes con canciones bastante más animadas con ritmos de reggaetón que convirtieron la arena en una pista de baile.

    Fotografía: Claudia García Morán

    Entre las sorpresas podemos destacar la interpretación de un tema “que nunca va a salir” como él mismo dijo, “Cielo azul”, en el que solamente le acompañó el piano de cola y que dejó al público sin palabras. Amén. Una sorpresa que los asistentes esperaban con ansia era la aparición de C Tangana, que se quedó en una mera especulación, como un milagro que no llegó a producirse. Pero con lo que no contaban era con presenciar una colaboración aún mejor. Para la canción “Familia”, el artista sacó al escenario a “Habichuela”, un guitarrista flamenco nieto de Juan Carmona. Esta colaboración se llevó las ovaciones y los “oooolés”más grandes de la noche.

    Fotografía: Claudia García Morán

    El momento en el que la audiencia se dio cuenta de que no solo estaba ante un gran artista sino también ante una gran persona fue cuando Sen Senra tuvo que dejar de cantar en una de las canciones de lo emocionado que estaba al ver todo el Wizink con las linternas encendidas dejándose la piel por su canción. De esta manera, para el último tema del amplio repertorio le pidió al público que viviese el momento, que no iba a haber un bis y como recordó en su homilía: “hay momentos que solo suceden una vez en la vida”. Tras esta declaración, y con la bandera gallega y la arcoíris en la mano, finalizó el concierto cantando “No se preocupe”, en la que el público, siguiendo al artista y al contenido de la canción (“El que no salte, se va pa´l hoyo”) terminó la celebración. Sen Senra nos bendijo y nos fuimos en paz.   

  • Los elefantes cabalgan por Madrid y dejan huella

    Los elefantes cabalgan por Madrid y dejan huella

    Después de tres meses desde el exitoso lanzamiento de su más reciente proyecto titulado ‘BROWN BOY’, Abhir Hathi consigue un doble SOLD OUT con la apertura de su gira ‘ELEFANTES CABALGANDO TOUR’ en la Sala La Paqui de Madrid, logrando un espectáculo multidisciplinario cargado de emoción y muchas sorpresas.

    Abhir, foto de Alber Noriega

    ‘ELEFANTES CABALGANDO TOUR‘: Abhir Hathi elige Madrid como destino para presentar BROWN BOY.

    Parece que fue ayer cuando tuve la oportunidad de ver a Abhir por primera vez en directo. Y es que, realmente no hace tanto de la última vez que el artista pasó por Madrid para dar su último concierto antes del lanzamiento de BROWN BOY, donde puso a vibrar hasta a los cimientos del IFEMA, en su quinta vez (mínimo) allí, dando una pequeña y a su vez, colosal muestra de todo lo que se venía, y se posicionó, a mi gusto personal, como el mejor concierto del festival ‘Madrid Salvaje’. Me acuerdo que, al terminar, después de una hora y media de pura energía acumulada en un pogo imparable, solo se me pasaban por la cabeza dos cosas. Una: «Yo ahora no puedo irme a dormir». Y dos: «Necesito ir al Tour». Y efectivamente, como podréis imaginar, ese día me costó conciliar el sueño. Pero, lo más importante, es que también, este pasado jueves, cumplí la segunda.

    Muy grata fue mi sorpresa al ser anunciado que Madrid sería la primera ciudad en acoger al ‘ELEFANTES CABALGANDO TOUR’, y no solamente una vez, sino puliendo La Paqui (y no hablo de sustancias) durante dos días seguidos. Y es que, además de haber sido elegidos para despedir junto a Abhir una etapa muy importante, también lo hemos sido para dar la bienvenida a la potente era BROWN BOY que viene con tanta potencia, en este inicio de gira. Y tanto todo el público de Madrid, como yo, estamos muy agradecidos por haber podido vivir esta oportunidad.

    Abhir, foto de Alber Noriega

    La apertura de puertas de la sala estaba programada a las 20:00, pero la Calle de Barceló ya se encontraba inundada de gente desde hacía horas atrás, con una fila kilométrica de gente, deseosa de conseguir el mejor sitio en la pista, que generaba la curiosidad de las personas que iban de paso por allí. Eso sí, estoy seguro de que al público no le falto entretenimiento durante su espera, ya que Topu estuvo inaugurando la nueva sección de su canal haciendo preguntas y repartiendo ilusión por el lugar. Héroe sin capa, no podía quedarme sin mandarle un s/o desde aquí.

    Yo la verdad que llegué un poco justillo de tiempo, pero, posteriormente, tras un par de pogos, acabé haciéndome con una bastante buena posición. Algo que en este concierto era algo bastante importante por la gran cantidad de detalles visuales que el espectáculo traía consigo. Pero de esto hablaremos en un rato.

    Bueno, como iba contando, a las 21:00 entré por la puerta, justo al resto del equipo de Calle 52, y recorrimos los pasillos hasta llegar a la pista. Una vez asentados medianamente, alcé la vista al frente y entre toda una marea de gente, coloreada de rojo por los focos, pude ver un mensaje de advertencia en pantalla: «Para todas las personas que padezcan epilepsia, lesiones musculares o articulares o problemas respiratorios, se recomienda colorarse atrás, o a un lado». Diría que nunca había visto algo así en un concierto, pero no me sorprendió. Yo creo que todos estábamos preparados lo que íbamos a experimentar en unos minutos. Y es que, ya sabéis lo que dicen: Esto es ‘HARD MUSIC FOR CALM SOULS’. De repente, toda luz se apagó, y únicamente pensé: «Espero llegar a casa de una pieza».

    Mensaje de Advertencia previo al concierto de Abhir Hathi

    UN COMIENZO IRREPLICABLE: Emociones a flor de piel, performances artísticas y una explosión enérgica.

    En ese momento, comenzó a reproducirse un vídeo en pantalla, en el que el abuelo de Abhir aparecía diciendo unas palabras acerca del orgullo que sentía por todo lo que estaba consiguiendo. Algunas frases como: «Verás que brillarás como una estrella polar» se me metieron en el ojo y se quedaron grabadas en mi retina. Tras esto, todos comenzamos a aplaudir, compartiendo, en cierta proporción, ese sentimiento de orgullo que representaba la grabación. Ahora sí que estábamos preparados.

    Abuelo de Abhir Hathi : <<Verás que brillarás como una estrella polar>>

    Como no podía ser de otra forma, el espectáculo dio su pistoletazo de salida con SHANTI, la apertura instrumental de BROWN BOY y el último ápice de descanso antes de que la sala fuera destinada a temblar. En el escenario, entre tonalidades rojas y una humareda que se expandía progresivamente por la sala, una muchacha acompañaba al mantra con una performance de danza preciosa. Y es que, como he dicho, todo lo visual y artístico también tuvo un gran peso en el desarrollo del mismo. Porque, esto no era solo un concierto, era toda una experiencia sensorial.

    En el momento que se acercaba el final de SHANTI, todos sabíamos que eso también significaba el inicio de BANGLADESH. Por ello, antes incluso de que el propio Abhir apareciera en el escenario, ya se avistaba un notable espacio en el centro de la sala. En ese momento se escuchó: «¿Qué fue, puto?». Lo siguiente, os lo podéis imaginar. Y como se veía venir, ese fue el preciso instante en el perdí de vista a todo el grupo. Pero bueno, conseguí un sitio increíble.

    HARD MUSIC / CALM SOULS: Música para todos los estados de ánimo.

    Tras este eufórico inicio, la energía ya estaba por las nubes y Abhir sabía que había que seguir manteniéndola en lo más alto un rato más. De esta manera, sacó parte de la artillería pesada del álbum comenzando con algunos de los últimos Singles como 6 ANILLOS, y siguiendo con algunas de las canciones más movidas de Lazos y Nudos como Big Dawg Freestyle y una versión de Jersey Club de Habibi, dedicando esta última a su pareja, Gema, utilizando como visuales una sucesión de fotografías suyas.

    Abhir Hathi – Habibi

    Por supuesto, además de la gran intensidad para los mayores disfrutones de la HARD MUSIC, también hubo tiempo para aferrarnos fuerte a nuestra CALM SOUL. Aquí, entró en escena una de mis canciones favoritas de BROWN BOY y la primera colaboración de la noche, con la aparición de Saint Lowe y Dwara en el escenario para cantar GC-1 y el aura cambió por completo. Los focos comenzaron a colorear la sala de tonos azulados y todos los que habíamos estado saltando sin parar y empujándonos (amistosamente) unos con otros durante un buen rato, ahora estábamos abrazados, mirando hacia arriba y haciendo corazones con las manos. Una sensación preciosa.

    VERSIONES ACÚSTICAS, REMIXES Y PRIMERAS SORPRESAS: WEST DUBAI y QUEVEDO desatan la locura en el escenario.

    Pero este momento de armonía grupal no duró demasiado, ya que West Dubai ya estaba en boxes preparado para salir al escenario y poner a la sala patas arriba de nuevo con YALLAH. Y es que, ya sabemos que el dúo Rachid y Abhir es como Zipi y Zape, nunca falla.

    Además de esto, Abhir nos sorprendió con dos versiones muy diferentes entre sí de canciones suyas, intercalando una versión acústica de Mil Días, con un acompañante a la guitarra, y un Remix de Techno de BROWN BOY BOUNCE. Si esta última ya iba demasiado dura, imaginen como sonaba esta versión en los altavoces de la sala.

    En este momento, todavía no habíamos llegado ni al meridiano del concierto y ya escuchaba a gente posicionándolo como el mejor de sus vidas. No sabíamos lo que estaba por venir. A partir de aquí, ya no hubo descanso. De repente, las luces se apagaron y lo único que iluminaba el escenario era una visual en la que ponía «CA’ MANOLO – Abhir & Quevedo». Dije: «No será capaz». Efectivamente, fue capaz. Quevedo se abrió camino entre el humo y provocó una de las reacciones más locas que he visto jamás. Yo, personalmente, estaba en ese bando. Eso si que no me lo esperaba.

    VISUALES DE GOOGLE MAPS Y DANZAS DE DRUM AND BASS: Un ESPECTÁCULO MULTIDISCLIPNARIO.

    BOMBAY A LAS PALMAS fue la siguiente y quería destacarla en la crónica porque venía acompañada de mi visual favorita del concierto. Un vídeo sacado del Street View de Google Maps en la que la cámara iba avanzando entre las calles de Bombay y las de las Palmas. Idea sencilla, pero súper bien ejecutada.

    Abhir Hathi – BOMBAY A LAS PALMAS

    Después, tras interpretar ALYX, la Outro del BROWN BOY, Abhir salió del escenario y llegó una de mis partes favoritas de la noche: el Interludio de Anoushka. Apareció en el escenario una muchacha luciendo un vestido blanco al más puro estilo de Princesa Disney e interpretó una coreografía impresionante al ritmo de unas percusiones de Drum and Bass, creando un contraste increíble en una gran expresión del arte.

    EQUIPO DE ESTRELLAS: ÉBANO, JUICY BAE y CRUZ CAFUNÉ se unen a la insuperable lista de colaboradores.

    Ahí, comenzó la segunda mitad del concierto y posiblemente la mayor sucesión de sorpresas vistas jamás en esa sala. Y es que, este concierto reunió a más estrellas en un mismo espacio que los Grammys. Tuvimos a Ébano para darlo todo con SHTOOPID, a Juicy Bae coronándose como una reina con MANGO LASSI y, como último e increíblemente celebrado colaborador, Cruz Cafuné marcando tendencia con HOTTEST.YOUNG.MEN.in.BIZNESS, poniendo a todo el público a saltar e interpretar junto a ellos su popular Trend.

    DOS FINALES ALTERNATIVOS: EL ABRAZO DEL ALMA y EL POGO SUPREMO.

    De esta manera, llegamos al final del concierto con un cierre muy emotivo al ritmo de ABEL, desvaneciéndose progresivamente con esa Outro Instrumental de final de película, mientras que Abhir recibía una merecida ovación por el gran espectáculo que nos acababa de brindar. Así, se apagaron todas las luces y Abhir se fue. Un cálido abrazo a nuestra alma calmada.

    Pero, tenemos mucha experiencia en conciertos para saber que eso no iba a ser del todo así. Ni una sola persona se movió del sitio durante los tres próximos minutos, esperando con la luz apagada a esperar al equivalente musical a una escena postcréditos en una película de Marvel. Todos sabíamos que faltaba algo, y todos sabíamos que era ese algo. En ese momento, se volvieron a encender los focos y apareció en medio del escenario un hombre interpretando en unos tambores un ritmo que nos sonaba bastante. Así, Abhir resurgió desde un lado del escenario y provocó el mayor bombazo de la noche con GO GETTER, poniendo, ahora sí, el broche de oro a un inicio de gira espectacular y a uno de los mejores conciertos de mi vida.

    Abhir Hathi – GO GETTER

    Tras este gran final, se encendió la luz de sala y todo el público se dispuso a salir a la calle en la búsqueda y reencuentro con sus compañeros. Era muy gracioso escuchar a la gente sorprendida al encontrarse diciendo: «Wow, has sobrevivido». Así, de la misma forma en la que me fui a casa tras el Madrid Salvaje, me monté en el Metro y volví a pensar: «Yo ahora no puedo irme a dormir».

    RECOMENDACIÓN FINAL: VER para CREER.

    Si habéis llegado hasta aquí, solo espero que sí teníais alguna duda de si deberíais acudir a la fecha del ‘ELEFANTES CABALGANDO TOUR’ en vuestra ciudad, os haya desaparecido. Y a todos los que vayáis a ir, os deseo un increíble próximo concierto de Abhir Hathi.

    Abhir Hathi – ELEFANTES CABALGANDO TOUR
  • ‘IN LOVING MEMORY’, la odisea de Sean Leon

    ‘IN LOVING MEMORY’, la odisea de Sean Leon

    Una odisea se define como «un viaje largo en el que abundan las aventuras adversas y favorables». Homero ya retrató uno de estos viajes en el siglo VIII a.C. Veintinueve siglos después Sean Leon retrata su propia odisea a través de una película, ‘House Of Leon’, y un álbum, tema de este artículo, que funciona como banda sonora de la misma, ‘IN LOVING MEMORY’. Sumando estos dos proyectos se completa una experiencia total en la que conviven los momentos más profundos de la vida de Sean con sus puntos más álgidos, conviviendo perfectamente en la faceta más R&B y neo-soul del artista.

    «IN LOVING MEMORY» (2023)

    En 2019, Maui, como es apodado el cantante, comenzaría a desarrollar un nuevo disco después de su tercer álbum de estudio, ‘Sean Leon (The Death Of)’. Desde un primer momento ya tenía claro que quería hacer un álbum que prescindiera más del rap y que, en sus propias palabras, «rellenara los espacios vacíos con poesía y afirmaciones».

    De esta etapa temprana del álbum nace ‘THE GLADE’, con su amigo cercano y uno de los mejores artistas de la nueva ola del R&B Daniel Caesar. Este tema provoca una sensación de lucha y coraje que en cierto punto se concentra para crear un paraje más fraternal con tintes angelicales, protagonizado por la firme voz de Caesar. Esta canción, que aún estaba en desarrollo para el momento, llamaría la atención de Kanye West que reversionaría la canción para darle una temática más bíblica, pero manteniendo la esencia original, e incluirla en Donda como ‘Up From The Ashes’. Este encuentro entre artistas deriva de forma más inmediata en la colaboración de Leon en ‘JESUS IS KING’, el disco que Ye estaba trabajando en el momento, como escritor en ‘Selah’ y ‘Use This Gospel’.

    Videoclip de ‘GRAVITY’ (2023)

    En 2020 sucedería un hecho que marcaría ya no solo este álbum, sino la vida del artista por completo. Su hermano Kingsley fallecería dejándolo completamente destrozado, cambiando el rumbo de su vida personal y profesional. En este momento el álbum pasa a llamarse ‘IN LOVING MEMORY’ y se empieza a plantear como un homenaje, un homenaje a su hermano pero también un homenaje a su vida que desde ese suceso consistió en sanarlo y asumirlo como pudiese. En la canción ‘KINGSLEY’S OUTRO’ Sean dice; «enrollo marihuana, vuelvo a ser yo de nuevo», retratando su forma de alejarse de la difícil realidad que estaba viviendo; y «voy a conseguirlo, porque mi hermano no lo consiguió», mostrando con una voz destrozada y casi llorosa como era su relación con su hermano en ese momento después de su muerte en el que todavía no asimilas del todo lo que está pasando.

    A partir de este momento Sean comenta que trabajar en el álbum se volvió para él una forma de encontrar paz en relación al fallecimiento de su hermano, y que por esto mismo le había costado tanto «dejarlo ir» en el sentido de lanzarlo y no volver a trabajarlo. De hecho en 2021, Maui publicó un prematuro tracklist del álbum vía Twitter, que tan solo contaba con 7 canciones, pero probablemente esta versión del disco no salió en ese momento por el motivo antes mencionado.

    Videoclip de ‘GRAVITY’ (2023)

    Una de las canciones que al parecer siempre ha permanecido en el proyecto es ‘MEMORIES’, que se puede ver como el buque insignia del disco. Consigue reunir a la perfección todos los factores diferenciales del disco en tan solo dos minutos y medio; la composición es lo más alejado al rap que se pueda imaginar, plagada de frases poéticas en vez de versos rápidos; la canción es una carta de amor a su hermano, en donde Sean desea volver al pasado y su hermano le contesta preguntándole si duele recordarle; por último, la esencia, maximalista pero delicada a la vez, consigue situarte en un entorno de forma casi cinematográfica y la canción nunca se desprende de este lugar imaginario.

    Durante todo el disco se encuentran estas características, en mayor o menor medida y permitiéndose prescindir de alguna para crear una diversidad que se mantiene cohesiva. En ‘EQUINOX’, por ejemplo, se incluye un verso rapeado precedido de un cambio de beat a trap, esto se usa de manera excepcional para dinamizar la extensa canción de casi siete minutos que necesitaba de un momento como este.

    Con estos parámetros derivados de unas circunstancias únicas, Sean Leon consigue lanzar una obra maestra emotiva y familiar. Un disco que se disfruta en el día pero que reluce más bajo la luz de la luna, en esas noches en las que vuelves al pasado rebuscando en la memoria y creando escenarios nuevos a partir de lo que tienes guardado.

  • Berlioz: El nuevo jazz para la gente corriente 

    Berlioz: El nuevo jazz para la gente corriente 

    Este 2023 hemos tenido grandes giras mundiales como el Motomami Tour y discos muy esperados como Did you know that there’s a tunnel under Ocean Blvd de Lana del Rey. Pero frente a esto, que es lo previsible, lo que las grandes multinacionales, el algoritmo y las plataformas musicales nos hacen escuchar, otros artistas se han hecho un hueco de manera inesperada. Este es el caso de Berlioz. 

    Detrás de este nombre, que toma prestado del gran compositor romántico francés Hector Berlioz, se esconde el productor Ted Jasper, un joven inglés que, tras publicar en 2022 su sencillo No bad dreams, ha sorprendido a toda la industria con su nuevo EP Jazz is for ordinary people. El Berlioz original es conocido (o fue conocido), entre otras cosas, por ser el compositor de La sinfonía fantástica, que revolucionó la música del siglo XIX al convertirse en la primera sinfonía programática, es decir, una obra musical cuyo objetivo es contarle al oyente una historia.

    Y en cierta manera, el Berlioz actual también es “fantástico” porque ha conseguido mezclar -pero no agitar- el jazz y la música house. Jasper ha demostrado que estos dos géneros tienen una característica en común que los hace perfectamente compatibles: el ritmo. El jazz se basa en el swing, una pulsación dinámica muy marcada que transciende la interpretación; y la música house tiene un ritmo rápido de baile muy marcado por fuertes golpes de bombo en cada tiempo del compás. 

    Jasper ha mantenido esos ritmos rápidos que hacen que te levantes de la silla incapaz de quedarte quieto y no bailar con el swing del jazz producido por el saxofón y el chaston de la batería, los dos elementos más presentes en todo el álbum y en sus canciones anteriores. El teclado también destaca en temas como Wash my sins away y, si nos fijamos, somos capaces de escucharlo a lo largo de todo el EP.

    «Jazz is for ordinary people»

    Pero, como mencionaba anteriormente, a ningún tema le falta ese bombo del house que llevará la voz cantante a lo largo de todo el conjunto. Además, podemos diferenciar ritmos hindúes en r&r que introduce el sitar, uno de los instrumentos más populares de la India. De esta manera Berlioz, con solo ocho canciones publicadas y un EP, ha conseguido en menos de un año tener más de 1M de oyentes en Spotify además de una gira europea y americana.

    Jasper quiere una música para las personas de hoy, por eso su EP se titula Jazz is for ordinary people. Recupera así el origen del jazz, que no era una música elitista sino una música del pueblo, que podía hacer cualquiera. En el jazz primitivo hay una conversación entre los diferentes instrumentos que Berlioz mantiene. Y esto es lo que nos podemos encontrar en las canciones de Berlioz, una música para toda la gente, una música que más allá del gusto personal, no excluye a nadie. Y así, la conversación continúa. 

  • André 3000 y “New Blue Sun”, el plot twist más apasionante de los últimos años

    André 3000 y “New Blue Sun”, el plot twist más apasionante de los últimos años

    André 3000 ha conseguido desarrollar un sonido evocador y sorprendente sin pronunciar una palabra. ¿Por qué se tendría que pasar toda la vida con la etiqueta de rapero si tiene otros intereses? O como dijo recientemente en una entrevista con GQ: “¿De qué voy a rapear con 50 años? ¿De cómo me hago una colonoscopia? Ha pasado página y de repente, hacer un disco instrumental es un movimiento lógico.

    Portada del disco: Dexter Navy

    Y aunque se ha promocionado como “un disco de André 3000 tocando la flauta”, es mucho más que eso. De hecho, lo primero que pensé al escucharlo fue «¿pero dónde está la flauta? » Resulta que André colecciona más de 40 flautas y la que aparece en la portada es una flauta maya doble y personalizada. Su sonido se asemeja más al de un sintetizador y André, junto con el productor californiano Carlos Niño, juegan con esa dualidad de una forma extraordinaria. Escuché el proyecto por primera vez mientras preparaba una presentación en una sala llena de ordenadores y de repente estaba rodeado de plantas y pájaros en una selva tropical.

    La portada, al igual que el disco, es un chute de vida. El jersey amarillo fosforito entrelazándose con los hierbajos desenfocados… La sensación es como ese trozo de sol que se cuela en el sofá por la mañana y en el que te quieres regocijar hasta que desaparezca. 

    Fotografía: Renell Medrano – GQ

    “BuyPoloDisorder’s Daughter Wears A 3000® Shirt Embroidered” es uno de los cortes más largos del álbum con 13:05 minutos de duración y aunque quizás no tiene las texturas microscópicas de los discos de Matmos ni las progresiones poéticas de Brian Eno, consigue crear una atmósfera exótica y relajante. Incluye desde pasajes íntimos con un palo de lluvia hasta un climax de una flauta distorsionada hasta convertirse en una mosca. Y funciona. Es uno de los muchos momentos en el disco que nos recuerda que a veces tenemos que hacer cosas para nosotros y solo para nosotros. 

    Ya que las canciones no tienen letra, André aprovecha los títulos para añadir algo de humor a la paleta. Por ejemplo, “Ninety Three Til Infinity and Beyoncé” o “The Slang Word P (*) ssy Rolls Off The Tongue With Far Better Ease Than The Proper Word Vagina. Do You Agree?”. Esta última es la más serena y minimalista del disco e incluye algunos sintetizadores que pueden recordar a “When I Get Home” de Solange.

    Fotografía: Renell Medrano – GQ

    En el último tema “Dreams Once Buried Beneath The Dungeon Floor Slowly Sprout Into Undying Gardens”, André condensa el espíritu del proyecto y aprovecha para introducir nuevos instrumentos que pueden recordar a música tradicional hindú. Quizás acude con demasiada frecuencia a recursos que tradicionalmente representan paz. El palo de lluvia, las campanas tubulares, los cascabeles… Y en vez de sumar, parece que esté intentando tapar huecos menos interesantes.

    “New Blue Sun” es una gran mezcla de sonidos terrenales y electrónicos que logra pintar imágenes relacionadas con la naturaleza. No tiene que ser fácil cambiar algo en lo que eres brillante por algo en lo que apenas tienes experiencia. Desde sus años en Outkast hasta el día de hoy, André 3000 ha demostrado ser un alma libre y una fuente enorme de inspiración. 

  • Diego 900 vuelve a iluminar su corazón desde ‘La Espalda del Sol’

    Diego 900 vuelve a iluminar su corazón desde ‘La Espalda del Sol’

    El pasado 15 de diciembre, Diego 900 decidió celebrar por todo lo alto el segundo aniversario de su aclamado ‘Gas Platino’ con el lanzamiento de su cuarto proyecto de larga duración titulado ‘La Espalda del Sol’, donde el artista se enfrenta a la pérdida del amor, expresando todo lo que no ha podido expresar con palabras en estos últimos años, y aprendiendo tanto de sus virtudes como de sus errores para sanar su corazón y estar preparado para volver a sentir la calidez del sentimiento de nuevo.

    Diego 900 – La Espalda del Sol

    Dentro la industria musical, es bien sabido que, el mes de diciembre es una época complicada en relación al lanzamiento y promoción de todo tipo de proyectos de carácter artístico debido a varios factores, como son la disminución del hábito de consumo y del interés por las tendencias que marcan el momento por parte del público, debido a las características festivas de la Navidad. Es decir, estamos demasiado ocupados con los reencuentros familiares, la elección de regalos y las canciones de Mariah Carey como para llevar al máximo alcance potencial a un producto de gran escala. Y eso las discográficas lo saben, por lo que, mayoritariamente, deciden no arriesgar y esperar un par de meses más para entregarnos la música que tanto ansiamos de su artista estrella. Una decisión completamente comprensible en la que todos ganamos. Es por esto, que en esta época encontramos una especie de limbo en cuanto a sequía de nuevos lanzamientos musicales, pero, a efectos prácticos para nosotros, no es algo muy perceptible debido a la situación descrita.

    Pero, ¿por qué os estoy contando todo este rollo tan largo? Porque aquí es donde entran los sellos independientes y el motivo que me da pie a introducir el álbum del que voy a hablar hoy. Y es que, si eres un artista «pequeño», por así decirlo, pero con un público muy sólido, esta es una oportunidad que puedes aprovechar bastante bien. Lanzar tu proyecto en diciembre no sólo no te va a afectar negativamente a nivel de audiencia, sino que también es bastante más probable que tu lanzamiento no vaya a ser solapado por otro más titánico.

    Diego 900 se adueña del mes de Diciembre por segunda vez en este 2023

    Aquí, es donde entra el nombre de un artista, que nos ha regalado, no uno, sino dos de los proyectos más aclamados de sus respectivos años, ambos compartiendo día en el mes de diciembre. Estoy hablando de Diego 900 y de sus dos últimas obras maestras: ‘Gas Platino’ de 2021 y, la que hoy nos concierne, ‘La Espalda del Sol’ de 2023.

    Y es que, si te has pasado por redes sociales estas últimas semanas es bastante probable que hayas visto más de una vez la frase: «El único que puede sacar álbumes en diciembre es Diego 900». Esto no es dicho es vano, ya que el reciente pasado 15 de diciembre, Diego nos sorprendió en el segundo aniversario de Gas Platino, tras una larga época en bajo perfil, volviéndose a adueñar de este día con un esperado nuevo proyecto y demostrando que sí tu arte es realmente bueno, tu público siempre va a estar ahí esperándote y listo para escuchar lo que tengas que contar. Nieve, truene o haga sol. Y justo esto último, va a ser un tema recurrente en el día de hoy.

    Diego 900 – Long Way Home

    El Sol como representación conceptual del estado de ánimo y la experiencia

    Como bien señala el título, este más reciente proyecto de Diego 900 establece su idea principal alrededor de la figura del Sol. Pero, ¿esto que representa? Bajo mi interpretación personal, esta premisa simboliza de forma metafórica una época complicada y, a su vez, constructiva en la vida del autor. Y es que, como podemos observar durante su escucha, Diego emplea una gran cantidad de símiles relacionados con la meteorología o incluso, la astronomía, para expresar los sentimientos y vivencias que ha experimentado durante estos últimos años.

    Partiendo de esta base, también nos preguntamos, ¿por qué la elección de esta figura para crear el imaginario del proyecto? Desde tiempos inmemoriales, el Sol ha sido una figura muy importante en múltiples culturas y disciplinas, y la visión conceptual de esta ha sido de gran utilidad como medio de expresión. Desde el misticismo religioso desarrollado en las sociedades antiguas, hasta las representaciones artísticas más abstractas, y pasando por la mirada científica, la llegada del Sol ha significado, ya sea literal o metafóricamente, una señal de luz y buen augurio en un nuevo comienzo.

    Diego 900 – DHL

    Entonces, si la aparición del Sol posee este significado, ¿qué representa estar a La Espalda del Sol? Para mí, esta expresión hace alusión a un proceso de sanación personal, el cual ha conseguido llevar a cabo gracias a su música. En las letras, podemos observar que Diego abraza en cierta forma a la oscuridad, pero no como algo perjudicial, sino como un espacio necesario para reflexionar y superar una pérdida, siendo en este caso, la del amor.

    De esta manera, Diego aprovecha este espacio para relatar, entre anocheceres y tormentas, una de las decisiones más complicadas que le tocó tomar, provocada por la difícil compatibilidad entre la persecución de un sueño y la atención necesaria para mantener una relación amorosa, y comentar como esta ha repercutido en su situación actual.

    Gracias a este proceso, Diego evita acomodarse al falso confort de un Sol que terminaría abrasándolo y se toma ese tiempo de introspección para tratar de comprender su duelo, y encontrar así la paz interior, experimentando, al fin, un nuevo amanecer. Así, mediante La Espalda del Sol, da forma a todo lo que no pudo expresar en su momento, aprendiendo tanto de sus virtudes como de sus errores y poniendo fin a un ciclo.

    Sonoridad melancólica de un corazón apagado y el resurgir entre llamas

    El imaginario conceptual que rodea al disco no solamente se deja ver a través de las letras, sino que el apartado sonoro también juega un gran papel en aportar claridad a este mensaje. Durante el desarrollo del disco podemos encontrar que, principalmente, este está envuelto en una atmósfera melancólica, la cual caracteriza a gran parte del proyecto, pero en ciertas ocasiones significativas, aparecen ciertos atisbos de energía al explorar fusiones con ritmos más movidos, que aparecen como los rayos de luz de un corazón que, progresivamente, se está volviendo a encender.

    Y es que, en todo momento, este Sol del que tanto hemos hablado, no representa a otra cosa que al sentimiento de un corazón que necesitaba sanar hasta estar preparado para volver a descubrir la maravillosa calidez del amor.

    Diego 900 – Zombii

    Importancia y valor del conocimiento del mensaje y la cercanía con el público

    En conclusión, se puede sacar en claro qué, La Espalda del Sol es un proyecto que conoce muy bien su mensaje, lo que hace que sea muchísimo más cercano para su público y que cada frase consiga transmitir su sentimiento como si estuviera escrita para cada una de las personas que la escuchan. Y la verdad, que esto es algo muy a valorar y que posicionan a La Espalda del Sol como uno de los lanzamientos del 2023.

    Para mí, uno de los álbumes que más me han marcado a nivel de primera escucha este año y que mejorará, aún más si es posible, con el tiempo.

  • Cocco Lexa | The Come Up EP6

    Cocco Lexa | The Come Up EP6

    Desde las calles de Granada hasta los grandes escenarios, la historia de Cocco Lexa es un testimonio de resiliencia, autenticidad y evolución. A través de sus palabras, se refleja un alma que ha encontrado en la música no solo una carrera, sino un camino de auto-descubrimiento y expresión espiritual. Ahora está preparando su primer disco que promete ser un antes y un después en su carrera.

    «Yo creo que mi álbum va a ser algo muy grande, mucha gente se va a llevar más sorpresa. Yo sé que la gente no se lo espera.»

    Tu primera canción en Spotify, «Ella no entiende», marcó un comienzo importante en tu carrera. ¿Cómo recuerdas esa época y qué significó para ti?

    La verdad, esa época fue una mezcla de adolescencia, problemas y desafíos. Fue un entorno difícil, pero creo que escribir en medio de todo eso fue crucial. Cuando haces las cosas de corazón y de manera sincera, lo que sale de ahí siempre es bueno, porque al final no estás tan presionado. Cuando estás haciéndolo de manera profesional, ahí es donde de verdad se ve la calidad artista que eres. Ya no solo estás tú con tu libreta, sino que estás tú con tu libreta, un montón de preocupaciones, eres adulto, y tienes que tirar con tu vida también, y tienes que hacerlo todo.

    ¿Y cómo ha sido la transición a una carrera más profesional? ¿Ha cambiado tu enfoque hacia la música?

    Desde luego. Yo me encuentro ahora mismo en un momento de mi carrera en el que es como si hubiera pasado por la carrera y ahora estuviera haciendo el TPG. Vengo de estar en el barco fumando porros, y pasar de ahí a dedicarse profesionalmente a la música, pues es una transición complicada. Y también está lleno de trampas por el camino. Como el periplo del héroe. Es un camino espiritual y cercano a Dios de una manera que nunca imaginé.

    Hablando de tus raíces, eres de Granada. ¿Cómo ha influido esto en tu música y tu arte?

    Pues mira, por una parte estoy muy orgulloso de ser de una tierra tan grande como la de Granada. Y por otra parte, con respecto a las otras artistas de la Tierra Granadina, si te digo la verdad, nunca he tenido conexión. Yo creo que la gente tiene una percepción de Granada como de que ahí hay una movida. Y en verdad no.

    Muchas veces uno se marea entre los tesoros, las mujeres, la moda, el estatus, mierda, ¿sabes? Al final uno se aleja de la realidad y se olvida verdaderamente de lo que es importante.

    ¿Crees que es necesario ganar reconocimiento localmente antes de expandir tu música a nivel nacional o internacional?

    Yo he sentido mucho más apoyo por parte, por ejemplo, del País Vasco, el norte de España, que de mi propia ciudad. Creo que lo importante es crear algo de calidad y con verdad. La música puede alcanzar cualquier lugar si viene del corazón y tiene autenticidad.

    Si pudieras compartir tres lecciones con alguien que está empezando en la música, ¿cuáles serían?

    Primero, no desviarse del camino y mantenerse conectado con la realidad. Segundo, no dejarse llevar por las distracciones como la fama o el materialismo, cómo cuando Ulises llega a la isla de Calipso. Muchas veces uno se marea entre los tesoros, las mujeres, la moda, el estatus, mierda, ¿sabes? Al final uno se aleja de la realidad y se olvida verdaderamente de lo que es importante. Y tercero, ser humilde y sincero en tu arte. No sé si en los números, pero por lo menos a nivel personal y a nivel espiritual alcanzarás el éxito, que creo que es lo más importante en esta vida

    Tu música transmite mensajes de positividad y balance. ¿Es este tu objetivo como artista?

    Sí, pero también creo en mostrar la realidad, tanto lo bueno como lo malo. La autenticidad es clave. No se trata solo de ser positivo todo el tiempo, sino de ser honesto y fiel a uno mismo. En plan, si un día estás solo y estás amargado, pues no tienes por qué tener la presión sobre tu hombro de que tienes que manipular y estar todo positivo y sonriendo.

    Dios es una parte fundamental de mi vida y mi proceso creativo. La música me conecta de manera profunda con mi espiritualidad. A veces experimento situaciones que son difíciles de explicar.

    Hablando de tu música actual, ¿cómo visualizas tus nuevos sencillos «Amuleto» y «Me Siento Solo»? ¿Marcan un nuevo capítulo en tu carrera?

    Estos sencillos son la punta de lanza de mi nuevo disco. Va a ser un disco, un disco sólido, el primero de mi carrera y el famoso TFG del que hemos hablado antes. Es un proyecto que refleja todo lo que he aprendido y experimentado. Llevo como un año y medio guardando las mejores temas.

    ¿Por qué no has sacado un álbum antes?

    Yo quería sacar una obra de la que yo estuviera orgulloso, y no podía realizarlo, ya no solo por el contrato, sino por una serie de circunstancias. Yo creo que no estaba preparado, no estaba destinado a que pasase así. Esto al final es un trozo de mi alma. Requiere de mucho tiempo, mucho trabajo, mucho esfuerzo, mucha energía y requiere que tu vida, que toda tu vida esté favorable para poder centrarte en la música.

    ¿Y cómo ha sido el 2023 para ti?

    Ha sido un año realmente duro pero está terminando está bastante bien. Ahora estoy en en Disney Land Paris, he firmado mi contrato, estoy en el equipo donde yo quería, con el mando que yo quería. Mi padre está recién operado y está bien, está curado. Estoy con mi mujer. Estoy haciendo mi disco. Todos los sueños que tenía se están cumpliendo. Absolutamente todo.

    Nunca he tenido conexión con otros artistas de Granada. Yo he sentido mucho más apoyo por parte, por ejemplo, del País Vasco, el norte de España, que de mi propia ciudad.

    ¿Hay algún ritual o amuleto que te acompañe en tu carrera?

    Mi mujer. Ella ha sido un pilar en la transición que he llevado en mi vida. Yo llevaba una vida bastante mala antes de la música incluso. Y ella siempre me ayudaba a centrarme y a llevar mi vida por el camino correcto.

    Hablas mucho sobre la influencia de Dios en tu vida y tu música. ¿Podrías profundizar un poco más en eso?

    Dios es una parte fundamental de mi vida y mi proceso creativo. La música me conecta de manera profunda con mi espiritualidad. A veces experimento situaciones que son difíciles de explicar, pero sé que están guiadas por una fuerza mayor. Mi esperanza es que mi próxima gira refleje esta conexión y que la gente pueda disfrutar y sentir esa energía. Al final, lo más importante para mí es que mi música resuene con la gente.

    ¿Cómo ves el próximo año en tu carrera?

    La verdad, todavía estoy asimilando todo lo que está pasando. Ha habido tanto esfuerzo invertido en este proyecto que aún me cuesta creer que se está materializando. Tengo grandes expectativas y siento que es algo que la gente realmente necesitaba. Este proyecto es muy importante para mí. Después de un tiempo enfocándome en estilos más oscuros y de rap, ahora estoy haciendo lo que realmente disfruto: crear melodías y estribillos. Estoy alineado con mi música, haciendo lo que quiero, de la manera que quiero, y en el lugar que quiero. Yo creo que eso va a ser algo muy grande, mucha gente se va a llevar más sorpresa. Yo sé que la gente no se lo espera

    ¿Algún sueño por cumplir?

    La música está funcionando y ya está, tío. Lo importante es que la gente le guste, no necesito más en verdad… Bueno comprar un Ferrari también. Un Ferrari y una mansión. Voy aquí a Luis Vuitton de París, hermano, y digo, joder, soy un fucking plebeyo. Todavía me quedan cosas por hacer.

    Entrevista realizada por Alberto Noriega y Santiago Medina.

  • Spotlight 2023 | «’95 Civic» – Dende

    Spotlight 2023 | «’95 Civic» – Dende

    A veces cuando queremos dejar de lado una etapa muy importante de nuestra vida necesitamos liberar todo lo que hemos y seguimos sintiendo. Algunos lo hacen mediante una carta que se escriben a sí mismos, otros prefieren los mensajes de WhatsApp. Dende prefirió crear ‘95 Civic, un desahogo sentimental tras una ruptura amorosa que en sus propias palabras “le dejó un vacío que aunque pasara el tiempo no podía suplir”.

    El cantante de Texas ha logrado una cohesión digna de artistas de clase mundial y sin dejar de lado la diversidad, tanto musical como lirical. No hay ninguna emoción que se pueda sentir después de una separación que se haya quedado fuera de las letras del disco: el remordimiento, la nostalgia, la culpa, el deseo de reunión, la incredulidad hacia tus propios comportamientos e incluso el deseo de que a la otra persona le vaya bien se incluyen en el proyecto.

    Estos temas casan perfectamente con el estilo de composición, con la voz de Dende y de sus colaboradores y con el género musical, un R&B que ondea entre el clásico y el moderno tomando elementos de otros géneros como el soul o el rap y representando perfectamente esta nueva era del artista y su evolución respecto a sus anteriores álbumes. Sinceramente de los proyectos de R&B de este año siento que es el mejor, y no precisamente por su complejidad si no por lo placentero de escuchar que es.

    Personalmente desde que lo descubrí fue amor a primera vista. Las canciones son pegadizas y consiguen que te identifiques con ellas a pesar de ser una historia tan personal, creando a veces la sensación de que están hechas para ti y estrechando la relación entre el artista y el oyente como me pasó a mi. El imaginario también es algo que me enamoró desde un principio, quizás porque mi primer acercamiento con el disco fue mediante el videoclip de Swerve. La relación que consigue entre los coches y el amor fue algo que me gustó y que aún creció más dentro de mí con el único interludio del álbum, “I Can´t Believe I Call This Woman At Work”, del que dejo una cita para finalizar.

    “El amor es como un coche y siento que solo ahora entiendo cómo manejarlo. Lo he estado haciendo durante años pero solo ahora he aprendido a cómo hacerlo correctamente, y justamente a tiempo para mi intento de indagar más a fondo en lo que es el amor»

  • Spotlight 2023 | «5AM» – Julieta

    Spotlight 2023 | «5AM» – Julieta

    El mundo interior de una chica es algo complejo, algo que encontramos entre el amor y la nostalgia, algo que transcurre entre las 11 de la noche y las 5 de la mañana . Como una caricia al corazón 5 AM de Julieta llego a mí, no solo para colarse entre el top de mi Spotify Wrapped, sino también para devolverme la ilusión en algo que hacia tiempo que la había perdido; la música en catalán.

    Julieta 5am

    Las malas lenguas ya advertían el año pasado que Julieta iba a pegar fuerte, sin embargo creo que ni yo ni nadie esperábamos poder verla coronando no solo un soldout en Madrid, sino también en Londres. Si bien un buen recuerdo que tengo de este álbum, y mira que me lo he puesto en bucle mil veces este año, fue escuchar «Avions Volant» en una peluquería de pijas del centro de Madrid. Sé que lo he contado muchas veces ya, pero fue la primera vez que recité en mis adentros un “Julieta lo ha logrado”.

    «5 AM» es como un buen libro o una buena peli, ese sitio al que volver para sentirte arropado. Con los elementos más básicos del storytelling; una introducción, un nudo y un desenlace Julieta nos presenta la historia de amor del siglo XXI. Tres capítulos (que presentó en tres EP’s distintos) forman una noche donde el perdón apacigua ese sueño de un amor que nunca va a hacerse realidad.

    Un álbum que se desmarca completamente de lo que habíamos escuchado antes en el panorama musical catalán, como los que hemos visto también de sus compañeras de escena como Mushkaa, Maria Hein o The Tyets. Un sueño pop que se entremezcla con la electrónica y el reggaetón para explorar un viaje nocturno hacía un amor imposible y a las profundidades del corazón de una chica.