Tras un segundo disco descarado y urgente, Sebastián Cortés vuelve con “No Sé Qué Será De Nosotros”, un EP más reflexivo en el que repasa, de forma casi masoca, el fin de una relación que le ha drenado por completo. Todo esto también se refleja en los visuales con una de sus portadas más minimalistas e introspectivas. Un fondo blanco y una polaroid en medio que podría ser un recuerdo espontáneo de esa relación. Todo un acierto.
Portada de “No Sé Qué Será De Nosotros”
“Esto es la intro” empieza con una guitarra “mal” tocada que recuerda a las demos de Daniel Johnston y una conversación con una chica en la que bromean con usar ese trozo como intro. Un comienzo saleroso que le quita hierro a todo el drama que viene ahora.
Y justo después suena un sintetizador tímido que crece hasta convertirse en un synth pop épico. Y es que “Siempre Me Acuerdo De Ti” podría sonar en la escena final de una trama adolescente de los años 80. Esta dinámica progresiva también está ligada a la letra. Empieza pintando una imagen romántica de todos los momentos que le han arrebatado del tirón: la cafetería donde solían ir, besos en portales… para después acabar repitiendo “mirando la luna porque me recuerda tanto a ti, a ti, a ti, a ti”. Y así empieza la title track, con el eco de este estribillo como transición. De repente se escucha un vocoder, algo con lo que Sebastián ya había trasteado en “Todo Ha Cambiado Para Siempre”, su segundo disco. Es curioso que este efecto vocal se esté convirtiendo en un sello del pop actual. Ya lo vimos desparramado por todo el último disco de Alizzz o en el estribillo de la ya coreadísima “Columbia” de Quevedo. Cortés ha conseguido usar este recurso a su favor para resaltar el dramatismo que la canción necesitaba.
Sebastián Cortes, Foto: @madkidmontes
En “Querernos De Nuevo”, el primer adelanto del disco, Sebastián se siente aislado e incomprendido: “cuando cuento esto a cualquiera no me entienden y me miran siempre raro”. Ese solo de guitarra distorsionada es otro de los momentos memorables del proyecto y denota que efectivamente, estamos ante un EP cantado, escrito y producido por Sebastián Cortés. Todo fluye y sus decisiones parten de la intuición y el sentimiento. Quizás está demasiado cómodo en esa estructura pop-rock con toques electrónicos pero es difícil imaginar estas canciones con otra forma diferente. Aún así, sería interesante ver a Sebastián colaborando con otros compositores y explorar otros enfoques.
En “Todo El Amor Que Nos Sobra”, Cortés es capaz de identificar y enfatizar momentos delicados añadiendo armonías o filtrando su voz. La ruptura le ha pillado desprevenido pero a veces queremos refugiarnos en el dolor. Recordar lo bien qué estábamos, lamentar lo mal que estamos o imaginar cómo sería si todo siguiera igual. Todo menos aceptarlo. Quizás a nivel lírico, podría acompañar esa vulnerabilidad con escenas más concretas. ¿Qué le ha llevado hasta esos sentimientos?, ¿Qué recuerdos tiene con esa persona? Aunque la letra es honesta podría recordar a cualquier otra canción de desamor
Sebastián Cortes, Foto: @madkidmontes
Y llega el desenlace de la historia con “Me Duele Hasta Pensarte”, donde Sebastián por fin remonta y acepta que la vida sigue y puede vivir sin esa persona. Mentira. Sigue igual de triste y hundido y lo demuestra en uno de sus mejores momentos a nivel vocal, cantando “me duele odiarte, pero más olvidarte, me duele hasta pensarte” a pleno pulmón.
“No Sé Qué Será De Nosotros” no es una colección de canciones. Cortés ha conseguido tejer un proyecto clásico y aparentemente simple sin traicionar a su espíritu curioso y experimental. Los temas representan fielmente una etapa de su vida y tiene sentido escucharlas una tras otra. No sé si es el proyecto más innovador y arriesgado del mundo (ni tampoco es la intención) pero lo que está claro es que el pop español está en buenas manos. Sebastián se está estableciendo como una figura camaleónica y lo mejor es que no sabemos cuál será su siguiente paso.
Muy pocos son los que son capaces de trabajar con la gente que admira, pero entre los afortunados está Dirty Suc. De ser un niño que admiraba toda la escena que se estaba creando en Vigo hace más de 10 años, a ser parte de ella. Él ha sido uno de los integrantes del mayor movimiento cultural de Galicia, Banana Bahía. Con el tiempo se disolvió y poco a poco fui conociendo más a algunos que a otros, pero nunca tuve la oportunidad de hablar mucho con él. Ahora nos juntamos a hablar los dos mudados a Madrid y con algunos años más.
«El imaginario gallego va a estar en mi siempre presente, en mi música o en cualquier proyecto artístico como moda o videos.»
Dirty Suc, Foto: Tomás Casado
P: ¿Cómo ha sido el camino de salir de Vigo, una ciudad no capital, a poder sonar por el resto de España?
R: Todo empezó realmente sin querer expandir mi música, no tenía el objetivo de hacer pasta con esto ni dedicarme a ello, al final tenía 13 años cuando empecé… Después si que es verdad que estuve unos años sin hacer música y decido tomármelo en serio a partir de 2019 y dedicarme a ello 100% usando todas las herramientas que están en mi mano para expandir mi proyecto y llevarlo a donde no estaba llegando antes. Ahí es cuando más se nota estar en una ciudad que no es como Madrid o Barcelona, donde quizá haya más oportunidades a nivel industria y gente para trabajar, pero bueno yo tuve la suerte que justo en Vigo, aunque seamos pocos, la gente que trabaja en la industria lo hace con mucha pasión como yo y nos hemos juntado para tirar para alante todo eso y expandirlo poco a poco… Todavía nos queda mucho, pero al final estamos en Madrid un poco por eso.
P: Si, ¿es como un movimiento estratégico un poco no?
R: Si totalmente, mirando un poco por el negocio. Al final venir aquí, que la gente te ponga cara y aprovechar más oportunidades, todo es por profesionalizar más la movida.
P: Siguiendo un poco hablando de Vigo, aunque sea tu éxito, yo creo que todos los que somos de aquí lo notamos como propio, ya que en tus letras, videos e imaginario en general, encontramos elementos que nos llegan mucho a la gente del norte; la Ría, el marisco, las bateas… para mi es muy sorprendente cómo has llegado a tanta gente con estos elementos tan «propios».
R: La verdad es que esto es una cosa que está bien que me lo comentes por dos cosas; la primera porque mucha gente dice lo de «Uno en su tierra no es profeta», aún estaba viendo una entrevista a un artista que decía eso, como que en su ciudad no lo escuchaba tanta gente, yo siento que conmigo es todo lo contrario, yo siento que en Vigo si tengo un poder y una voz. Luego otra cosa muy curiosa que acabas de decir, que es muy acertada, es que el imaginario gallego va a estar en mi siempre presente, en mi música o en cualquier proyecto artístico como moda o videos. Es muy curioso porque mucha gente que no es gallega se siente identificado con eso y va a Galicia y comen marisco y me etiquetan (risas) y es como esta guay poder llegar a eso y me enorgullece bastante la verdad.
P: Al final yo creo que a todos les encanta Galicia y el norte, sobre todo a los «fodechinchos»
R: (risas) Si, si, les gusta mucho tenemos ahí como que la gente quiere ir para retirarse y estar genial.
P: Bueno, al final a mi me parece que en Vigo concretamente es un sitio base donde hay mucho movimiento cultural y muchos artistas de fuera con los que he hablado siempre me hablan muy bien de cuando han pasado por Vigo…
R: 100%… justo la entrevista que dije antes que estaba viendo, el artista dijo que la ciudad en la que más se lo gozó fue Vigo tío… Yo creo que tenemos algo especial ahí a nivel artístico pero de todo, de moda, de música, del cine, está genial tío y es raro ¿no? estamos ahí como en una esquina… no se, mola.
«Con mis 16, yo era muy fan de Banana Bahía y fue literalmente un sueño poder estar ahí y a día de hoy tengo mucha gente en mi equipo de trabajo que formó parte del colectivo.»
Dirty Suc, Foto: Tomás Casado
P: Además me pasa que es solo con Vigo, obviamente en Coruña, Santiago, etc. hay cosas pero lo de Vigo…
R: Exacto, si, si y ahora que estoy de gira en otras ciudades ligadas a la música urbana me doy más cuenta que en nuestra ciudad hay un movimiento fuerte de esto, de todo lo que es arte en general… Desde luego es un sitio al que echarle un ojo (risas).
P: Yo tengo Banana Bahía como uno de los primeros colectivos, con los que además cada uno tiene su carrera en solitario e incluso grupos dentro de el colectivo, entonces me molaría saber cómo ha sido estar en ese colectivo y luego tener tu carrera solitaria.
R: Pues de primeras como yo empiezo en solitario, a componer y rapear y pasan como un año o dos, con mis 16, yo era muy fan de Banana Bahía y fue literalmente un sueño poder estar ahí y a día de hoy tengo mucha gente en mi equipo de trabajo que formó parte del colectivo y estoy muy orgulloso de poder estar con ellos remando en mi proyecto y eso, al principio para mí fue una ilusión gigante y lo fue durante todo el proceso y aprendí mucho, sobre todo de lo que había detrás de la música. Yo venía de hacer letras y grabar en un estudio y empiezo a introducirme en un colectivo donde hay gente que está produciendo sus primeros ritmos, que ya canta sobre música hecha por ellos mismos, donde incluso hay grupos dentro del mismo colectivo, cada uno hacía cosas diferentes; me sentí muy empapado de toda la diversidad cultural, y no soy nada cerrado, estaba descubriendo un montón de cosas y me considero un mix de todo lo que aprendí allí. En el momento en el que decidimos que era un proyecto que tenía que acabar y que cada uno hiciese su carrera, yo me vi con ganas y salí de allí con hambre de darle a mi proyecto personal.
P: Si, yo además lo recuerdo como un colectivo muy amplio en el que no solo había música.
R: Exacto había de todo, fotógrafos, estilistas, gente de vídeo, de la moda, gente que hacía portadas, directores de arte y creativos… Yo creo que se ha perdido un poco eso ¿no? Ahora hay un par que embarcan de todo, pero yo veo que son más como grupos de productores y raperos.
P: Yo personalmente recuerdo con mucho cariño toda esa época, al final fue cuando empecé a descubrir un poco que había en mi ciudad.
R: Yo también… Que bueno… te lo agradezco eh, hacía tiempo que no hablaba con alguien así de eso y para mí fueron unos años muy importantes en mi vida. Imagínate para un niño de 15 años que lleva escuchando a esa gente toda la vida, incluso los veía por la calle y decía ¡búa!, yo era un niño enamorado de la cultura y de repente pasaron a ser mis amigos y mis mentores y por eso te agradezco las palabras, porque está guay que la gente a día de hoy si se puede hablar de Banana Bahía que se hable así con cariño y con respeto.
«Yo me enamoro de la cultura Hip Hop, pero años antes me enamoro de la rumba, del flamenco, digamos que no me cierro a ningún género que me guste, a mi una canción me hace vibrar o sentir algo y eso me pasa desde pequeño.»
Dirty Suc, Foto: Tomás Casado
P: Siguiendo un poco con este tema de diversidad, me parece muy guay como te podemos escuchar en diferentes registros, desde cosas más electrónicas, colaborando con MDA, Eflexx… hasta rap más puro, reguetón e incluso pop en galego.
R: Yo creo que eso me viene de ahí tío, yo me enamoro de la cultura Hip Hop, pero años antes me enamoro de la rumba, del flamenco, digamos que no me cierro a ningún género que me guste, a mi una canción me hace vibrar o sentir algo y eso me pasa desde pequeño, que sonaba una canción y a lo mejor a la tercera ya me la sabía porque tenía algo ahí con la música… no se yo intento probar y pasármelo bien sobre todo, no me cierro a nada y creo que lo que puedo hacer bien lo hago bien.
P: Y también en la moda ¿no? con tu proyecto Morriña03, ¿Cómo lo tienes un poco planteado?
R: Así es, ahora mismo está como la semilla todavía, estamos probando, aprendiendo y en ese proceso de movernos, pero me gustaría llevarla a poder expresar algo con la marca. Para mí el objetivo de la marca no es tanto a nivel empresarial o económico, me cunde que diga algo, que tenga mensaje. Poco a poco intentaremos meterla más en el mercado actual, no sabemos cómo va a ir a nivel «técnico» pero sí a nivel conceptual.
P: Trabajas mucho eh (risas) ¿Cómo llevas llevar tantos proyectos a la vez?
R: Es complicado sí, pero como la marca la tengo con mi otro socio, que es mi primo, mi mánager que está en el otro proyecto también, pero bien, está también el chulo (chulomovinfast) de Banana Bahía que nos ayuda un montón, pero bueno, a veces sí que es cierto que me toca apuntar las cosas porque a veces descuido la marca si estoy mucho con la música o al revés, entonces tengo que organizarme muy bien; me encanta trabajar, si estoy dos días sin hacer nada ya me entra la atrapada (risas).
P: Bueno, también, llevas mucho haciendo música, pero podríamos decir que en 2021 se profesionaliza todo con «Morriña» y desde ahí van 4 mixtapes, un deluxe, un montón de singles,… ¿Qué es lo que más has aprendido en este camino?
R: Si tío, en 2019 es cuando me planteo que me quiero dedicar a la música 100%, entonces aprovecho ese año para calendarizar el siguiente y para trabajar mucho y hacer un volumen de temas que considerasen que estaban bien hechos y luego pues darle a cada tema un lanzamiento como debía ser, pues un vídeo, la portada, el spoti, la promo… Entonces estoy como en un proceso de muchos meses calendarizando y con las ganas de sacar música, pero siendo paciente para sacar todo guay y ya entonces empiezo a sacarla, cada mes un tema con un video, hago mi canal, el perfil de spotify y a hacerlo todo bien con las herramientas que había en ese momento y veo resultados rápidos, que para mi resultado rápido es tener hoy 0 y mañana 1, y pues todo es aprovechar ese «momentum».
«Ahora estoy preparando mi primer álbum, que quiero que sea mi proyecto más importante de mi carrera hasta ahora. Tendrá de todo, colaboraciones potentes incluidas. Es un proyecto que estoy cuidando mucho.»
Dirty Suc, Foto: Tomás Casado
P: ¿Consideras que te pones muchas metas de plays o de a cuanto llega un tema?
R: No, no, para nada, en plan me pongo objetivos pero no a nivel números, si no a trabajo, de este año quiero hacer tantos proyectos, pero si veo que no doy tampoco fuerzo la máquina. Aunque va siempre porque me encanta trabajar tío (risas), es lo más sano, no obligarme en ciertas cosas porque al final el arte se ve cojo por algún lado.
P: ¿Cómo llevas la gira, te mola girar?
R: Es increíble hermano, llevo dos años casi, cada mes o dos descanso el resto he estado girando, pero no como con un concepto de gira, si no dando conciertos y ya, pero esta vez sí que es como la primera gira «oficial». Está todo muy guapo, es diferente a estar por ahí y un bolo y decir a bueno en mucho tiempo tengo otro, y ahora con el concepto que le hemos dado, ir a diferentes ciudades, conocer a la peña allí, es especial… Como no soy de hablar en redes, no doy muchas entrevistas tampoco, se puede conectar conmigo a través de mi música pero en los shows conecto yo con los fans, paso la noche con ellos después, estoy super cerca de ellos y es increíble tío. Cada vez estoy más enamorado de lo que hago también gracias a ver las caras de la peña en un montón de ciudades y luego vienen a hablar conmigo y el proceso de toda esta gira la estoy viviendo que flipas y nunca más voy a tener una primera gira, así que gozándola.
P: También este año te pudimos ver en festivales como el Riverland, ¿notas mucha diferencia de una sala a un festi?
R: El Riverland fue mi primer festi fuera de Galicia y si que hay mucha diferencia, al final vas a un festival que es de los más punteros de España donde hay artistazos, la hora igual te coincide con otros artistas y vas ahí con ese miedo pero yo me llevé una sorpresa increíble, fue una locura la de gente que hubo en mi concierto a pesar de todo y lo pasamos genial y del mal tiempo que aun así estaban los fans viviéndose el show, la verdad que fue de esos días que no olvidas ¿sabes? No se si volveré al Riverland, espero que sí, pero esa primera vez no la voy a olvidar nunca. Y si lo de la diferencia pues hay, la sala es algo más familiar, más de tú a tú y en el festi conectas con la masa, es como que vamos a hacer que todos los que estamos aquí lo demos todo y estemos todos a una.
P: Para terminar me gusta hablar de futuro, si quieres empezar por algo próximo…
R: Pues ahora estoy preparando mi primer álbum, que quiero que sea mi proyecto más importante de mi carrera hasta ahora y pues tendrá de todo, colaboraciones potentes y es un proyecto que estoy cuidando mucho, cocinandolo a fuego lento, y antes de que salga pues sí que estoy currando en otros singles que tenía ahí ya empezados que no quiero desechar pero no quiero sacar después del álbum, y ahora estoy trabajando en la parte más visual de estos singles y cuando considere que es el momento del álbum pues lo sacaré e intentaré que sea para este año 2024 que entra.
P: Y en cuanto a tu futuro lejano, ¿cómo te molaría retirarte?
R: Lo primero me gustaría haber sido una persona feliz y que mis amigos y mi familia sigan conmigo y echar la vista atrás y no arrepentirme de nada, haber hecho lo que me gusta… Sí que me molaría haber abarcado más cosas rollo la música, la moda, otro tipo de negocios, pero me veo en una casita en el monte por ahí con mi finquita, mi familia y bien tranquilo, leyendo por la mañana con mi cafecito, ese rollo (risas)
P: Es lo que todos buscamos yo creo.
R: Si, si, además en Galicia nosotros tío que lo tenemos allí del gusto.
Tras diez meses muy discretos, los valencianos Bluu y 17Beats toman la palabra de nuevo para traernos “Working on Mute”, un proyecto que demuestra que a lo callado, todo sale mejor.
«No hace falta ser el más blandito o el más duro para transmitir algo, simplemente sé tu mismo.»
17Beats y Bluu, los artistas detrás de «Working on Mute».
La literatura es una de las formas del arte que más me gustan. El hecho de poder dejar plasmado tus sentimientos en varias líneas me resulta cuanto menos cautivador y liberador. El otro día me estaba leyendo una obra de Jorge Luis Borges, un famoso escritor argentino, y me acordé de una frase que dijo: «No hables a menos que puedas mejorar el silencio». Pero bueno, ¿qué tiene que ver esto con la música? Pues que Borges y Mario Mota, mejor conocido como Bluu, tienen más en común de lo que parece. Diez meses después de la salida de «17 Bluured Days», Bluu y 17Beats rompen su silencio para traernos «Working on Mute», un golpe sobre la mesa con el que dicen «aquí estamos nosotros».
A lo largo de los nueve temas que componen la cinta, los artistas nos presentan una muy variada y colorida paleta de ritmos de la mano de 17Beats. Desde ritmos en los que el artista ya se había montado antes como son el trap y el reguetón, hasta sonidos más experimentales y arriesgados como el funk brasileño, el corrido tumbado o el jersey club, sonido de moda de este año. Y si, como dice el dicho, «el que no arriesga, no gana», yo creo que esta vez ha ganado, y por mucho.
Desde el primer tema se puede sentir el poder de Bluu. Los duros y vibrantes 808’s y el sobrenatural sintetizador del ritmo ofrecido por 17Beats, junto a la gran performance vocal del valenciano, abren el disco introduciéndonos en una atmósfera cuanto menos única. Y es que, en el siguiente tema, «Coraçao de Ipanema», nos sorprenderán con un funk brasileño junto a Tarchi, con quien ha colaborado en otros temas como «Escapada Nocturna».
Depués deldetroitbajo el nombre de “GTO”, Bluu nos presenta «Horny Vibes», un movido jersey club en el que, fruto de la locura en el estudio, Bluu decidió interpolar «Sexy B*tch», el famoso tema de David Guetta y Akon. Para mí uno de los mejores temas de la cinta.
Tarchi no será la única colaboración de la cinta. En «x0,5», Bosston y Eflexx se unirán a Bluu para interpretar un pegadizo reguetón en el que ninguno de los presentes en los créditos del tema se queda atrás, y es que nadie le baja a lo largo de los dos minutos y medio que dura este tema. No se “si como otros ellos no los habían”, pero lo que sí sé es que la química entre los tres artistas en intachable: elaboraron este tema en menos de hora y media.
Y como último junte de la cinta tenemos a H. Rayiz, que se une a 17Beats para crear un ritmo más que elegante para «Sirena», dando una masterclass de cómo dos polos opuestos, incluso en herramientas de producción, pueden dar lugar a un temazo de principio a fin. Y bueno, si te pareció una locura la interpolación del tema del famoso DJ parisino, espera a escuchar la referencia a “Greece”, el track conjunto de Drake y DJ Khaled, una completa voladura de cabeza.
Y si el inicio fue magistral, el final no se queda para nada atrás. “Sola”, la penúltima pista del disco nos trae un corrido tumbado al más puro estilo de Vatocholo y Cash Bently, dos de las fuentes de inspiración del artista en la confección del tema. Además, cuenta con un videoclip cargado de nexos entre el mundo mexicano y el valenciano, todo ello obra de Hugphotoss.
Con “Perdón”, tema en que 17Beats volvió a hacer magia sampleando «Habits (Stay High)» de Tove Lo utilizado en «Perdón», los valencianos ponen punto final a su segundo proyecto juntos, dejando claro que no hace falta ser ni el más blandito ni el más duro, tan solo ser tú mismo
Para mí, este disco es cuanto menos mágico. Si tuviera que definirlo con una sola palabra, «versátil» sería la elegida. Tanto artista como productor ponen a nuestra disposición una cinta con ritmos muy variados y cuidados, featurings más que a la altura de los temas y un Bluu que se nota que ha dejado sangre y sudor en esta cinta, sin alzar mucho la voz y manteniéndose discreto, pero resonando con fuerza en los altavoces de la gente.
La famosa diseñadora francesa Coco Chanel dijo una vez: «Una mujer que se corta el cabello está a punto de cambiar su vida». Sabia verdad en esa frase se esconde pero, ¿qué me dices si cambiamos la palabra «mujer» por «artista»?
¿Alguna vez te has preguntado por qué a veces, cuando estamos tristes por algún motivo, nos cortamos el pelo o nos lo tintamos? Un usuario de Quora, una red social dedicada a lanzar preguntas y darles respuesta, dice que «la razón es que energéticamente, el cabello contiene muchas cosas. Tus emociones viejas, patrones, pensamientos y memorias, así como energía sucia y espiritual”. Y bueno, ¿a qué viene esto? Pues verás, resulta que existe un artista que, aunque no lo creas, nos comunica mucho acerca de sus emociones no solo con su música, también con su pelo. ¿Todavía no se te viene nadie a la cabeza? Bueno, ya te lo digo, que te veo arrancándote los pelos de los nervios. Te hablo nada más y nada menos que de XXXTENTACION, uno de los raperos más conocidos de la era SoundCloud.
A lo largo de su vida, los muchos de los que ahora llamamos «eventos canónicos» que ha vivido Jahseh Onfroy han hecho que el rapero originario de Plantation (Florida) halla hecho más visitas a la peluquería de las que te piensas. Y aunque no lo parezca, estas no son aleatorias. Todas tienen que ver con las etapas tanto personales como musicales por las que estaba pasando el artista. Para ver la evolución de no solo sus rastas, también su música, nos vamos a ir a 2013, el año cero del artista.
Foto de Jahseh Onfroy, XXXTentacion, en 2013.
Estando en un centro de menores por cargos de posesión de armas y tras sacar su primer tema llamado «News/Flock», XXXTENTACION conoció a Stokeley Goulbourne, mejor conocido como Ski Mask The Slump God (o Beyoncé, como más rabia te de). Tras salir del centro de detención y cometer unos cuantos allanamientos de morada con tal de conseguir algo de dinero, Jah compraría un micrófono y convencería a su colega Ski de seguirlo en el camino de la música. Con este micrófono, X grabaría su primer tema oficial en SoundCloud llamado «Vice City», donde pone sobre un beat de bajo BPM todos sus sentimientos y pensamientos al descubierto. Gracias a este tema y a la ayuda de su por aquel entonces pareja Geneva Ayala, Jah usó la música como su mejor aliada para dar salida a todo lo que llevaba guardando durante todos estos años.
Durante tres años XXXTENTACION lanzó más proyectos en SoundCloud, como «The Fall» y «Ice Hotel» en 2014, los dos primeros volúmenes de «Members Only» en 2015 y el proyecto que marcaría un antes y un después en su carrera: «Look At Me!», en 2016. ¿Te suena esta mugshot, no? Para ponerte un poco en contexto, el rapero fue condenado a prisión por delitos de abuso doméstico, siendo esta no solo su foto de recluso, también sirvió como portada de «Look At Me!», uno de los temas más virales de la década.
Mugshot de X, tomada por el Centro Regional de Detención de Broward en Fort Lauderdale.
En cuanto a su pelo, aunque son muchas las historias que se cuentan acerca de por qué decidió teñírselo de tal forma, por ejemplo su inspiración en Cruella de Vil, la villana de «101 Dálmatas», la historia que más me gusta y me cuadra con la personalidad de Jah está relacionada con uno de sus temas lanzados en 2016 en SoundCloud llamado «I Spoke To The Devil In Miami, He Said Everything Would Be Fine». En este tema tan melancólico, el artista tiene una hipotética conversación con Satán en la que le habla acerca de su depresión y de todo aquello de lo que se arrepiente, citando versos bíblicos a lo largo de la pista.
Pues bien, se dice que le pasó algo parecido a Coto Matamoros. Estando en prisión, XXXTENTACION vio al demonio, cuyo rostro constaba de la mitad de la cara de color negro. No sé si sería obsceno, pero lo que sí sabemos es que fue motivo más que suficiente para hacer que X se tintara medio cabello de color oscuro.
En 2017, X salió de prisión siendo uno de los artistas más populares del momento y el 28 de abril de 2017, diez días después de su puesta en libertad, el rapero anunció «The Revenge Tour», que por si te lo preguntas no, no paró en Murcia. Ese año estuvo plagado de éxitos para el artista: lanzó «Members Only Vol.3», fue telonero de forma indirecta de Kendrick Lamar en la gira de «DAMN» y lanzó su primer LP titulado «17». ¿Qué quiere decir esto? Pues visita a la peluquería.
Fotografía publicada por X en su historia de Instagram.
Creo que no hay mejor forma de explicar el por qué de este cambio de pelo que con la intro del proyecto llamada «The Explanation». Aquí nos explica el significado que tiene dicho número en su vida. Jahseh nos cuenta que sus penas y dolores vienen a raíz de los 17 años, edad en la que se sentía mental y emocionalmente perdido. Siente que el dolor es cíclico desde los 17 años y por ello lo tiene tatuado en la cabeza. Al darle play a este disco estás escuchando todas las dolencias y pensamientos que pasan por la mente de Jah. Según Denzel Curry, artista muy cercano a XXXTENTACION, contaba en una entrevista para HotNewHipHop, esta etapa de su vida en la que se rapó las cejas, se tatuó un arbol de la vida sin hojas en la frente y se tiñó de color blanco, suponía una etapa de evolución personal. Básicamente este álbum sirvió como llave para abrir la puerta que contenía a los demonios del artista, además de un medio por el cual sus oyentes pueden conectar aún más con él.
Tras debutar en el 2º puesto en la lista de Billboard 200 de EEUU y lanzar el videoclip oficial de «Look At Me!», el artista firmaría un contrato con la distribuidora Capitol Music Group por valor de 6 millones de dólares por un solo álbum. Poco después, Jah rompería dicho acuerdo y dos días más tarde anunciaría su retirada de la música por la negatividad y la reacción violenta a dicha decisión. Esta «retirada» le duraría poco pues el 11 de diciembre de 2017 lanzaría «A GHETTO CHRISTMAS CAROL» en SoundCloud y anunciaría estar trabajando en tres nuevos proyectos. A principios de 2018, el rapero de Plantation subiría a su canal oficial de Youtube un freestyle junto a Joey Badass, además de un video titulado «#THEHELPINGHANDCHALLENGE», donde se veía a Jah dando instrumentos musicales, videoconsolas y otros objetos a un lugar de acogida. Tras hacer este hashtag viral, el artista anunciaría su siguiente disco: «?».
Foto de perfil del artista en su canal de Youtube en 2018.
Con el añil como nuevo color de pelo, X nos presentaba un disco con gran variedad de sonidos, tal y como nos dice en la introducción del disco. En esta cinta llena de temas más que conocidos como «Moonlight», «SAD!» o «Hope», el artista juega con diferentes géneros como esa especie de reguetón en «i don’t even speak spanish lol» con Rio Santana y Judah, el rock junto a Travis Barker en «Pain = BESTFRIEND» o el R&B en «changes». Con un disco que cuenta con la aparición de Joey Badass, Matt OX y PnB Rock, además de los anteriormente mencionados, XXXTENTACION consiguió ponerse en el puesto número uno de la lista Billboard 200.
Y bueno, ¿por qué añil? Pues bien, este color representa la justicia, la sabiduría y la devoción. Representa la defensa de los derechos de las personas, algo que luce totalmente acorde al «#THEHELPINGHANDCHALLENGE» que planteaba en los videoblogs de su canal de Youtube.
La carrera de XXXTENTACION lucía una de las más prometedoras del panorama pero, por desgracia, el 18 de junio de ese mismo año, Jahseh fue asesinado en el aparcamiento de una tienda de motocicletas. Aunque son muchos los rumores que hay tras su muerte, su familia y su equipo de trabajo siguen lanzando a día de hoy proyectos que no fueron lanzados de forma oficial o que simplemente quedaron a medias, continuando así con su legado y ayudando a millones de oyentes de alrededor del globo a través de su música, pintando con su paleta de sus sentimientos y pensamientos la vida de otras personas de un color esperanzador.
Bon Calso ha sacado a la luz su cuarto álbum de estudio, tras más de un año desde el lanzamiento de sus dos proyectos anteriores: OUTTA MY HEAD y Love Me Not, los cuales consiguieron un merecido puesto en el TOP del 2022 y que consolidaron su figura como artista dentro del panorama español. Ahora, Bon Calso ha llegado para disfrutar de ese merecido éxito y demostrar que, en ocasiones , salirse de lo establecido puede conllevar a sucesos increíbles. Esto es OUTTA CONTROL.
Bon Calso – OUTTA CONTROL
Hay quien dice que la cantidad y calidad son factores que no pueden coexistir de forma simultánea pero, para mí, hay un artista que lleva años haciendo qué, incluso, se vea fácil. Y es que, únicamente teniendo en cuenta su discografía en el pasado año, podemos recordar que fue el responsable de no uno, sino dos de los proyectos de larga duración más disfrutables y prolíficos en el tiempo de ese 2022. Estoy hablando de Bon Calso y de sus creativos proyectos OUTTA MY HEAD y Love Me Not.
Aunque no lo parezca, ya ha pasado más de un año desde el lanzamiento de ambos y el hecho de poder asegurar que los sigo disfrutando tanto como el primer día, y que incluso han conseguido aumentar su valor en lo personal para mí, dice mucho de la calidad de ambos en un momento en el que cada semana hay decenas de álbumes nuevos que escuchar. Pero es que, en esto de fabricar canciones duraderas, de calidad y a un buen ritmo, Bon Calso siempre me ha parecido un genio. Ahora, tras un año para recordar, centrado en plasmar sus pensamientos y (des)amar mucho, Bon Calso ha dado luz verde a su cuarto álbum de estudio y está preparado para salirse OUTTA CONTROL.
Concepto principal de OUTTA CONTROL: Confianza en la visión
A través de sus proyectos anteriores, Bon Calso supo darle una forma artística a sus momentos más difíciles, y gracias a ello, llegó un merecido éxito que ha recibido con los brazos abiertos. Y es que, la premisa principal de OUTTA CONTROL es desacatarse y disfrutar al máximo de todo lo que ha conseguido, demostrando que el esfuerzo no ha sido en vano. De esta manera, el proyecto establece su estilo desde un enfoque más vacilón, enérgico y con un Bon Calso muy seguro de sí mismo.
Bon Calso – DRuuuUNK
Influencias y el toque personal del artista: Innovación y unión entre conceptos
Para conseguir esto, Bon Calso se sirve de un sonido altamente electrónico que venía experimentando desde OUTTA MY HEAD, y que ha consagrado con más fuerza en su discografía con algunos Singles de este año. Este sonido proviene de una clara influencia principal del Pluggnb y el Rage, los dos subgéneros de la nueva ola del Hip Hop Americano que más fuerte lo están petando ahora mismo y cuyas características cumplen todos los requisitos para expresar el mensaje del proyecto.
Estableciendo esta referencia sonora como base, Bon Calso le impregna su marca personal con su estilo melódico característico en los deliveries vocales, algo que no es tan común de ver en esta corriente musical, pero que le queda como anillo al dedo. De esta manera, Bon Calso consigue unos estribillos bastante pegadizos y un sonido sensual al estilo R&B, e incluso acercándose a la novedosa técnica viral del Slowed + Reverb en canciones como AHA!.
Mediante esta premisa y sonido principal, Bon Calso habla de triunfo, de pasión, de lujos y sobre todo, de dejarse llevar. Este último punto se hace presente en su forma más cristalina en la Outro del disco titulada W.T.F, donde habla sobre el estilo de vida de no llevar un plan fijo y de, en cierta forma, vivir fuera de control. Un control creado por unas presiones autoimpuestas que te impiden perseguir un objetivo. Es decir, la búsqueda de una vida libre fuera de la oscuridad de los pensamientos.
Bon Calso – BOSSIN’
¿Será OUTTA CONTROL otro álbum para recordar?
Se podría decir que OUTTA CONTROL es un proyecto bastante sólido, con un propósito claro, y que trae la consolidación de un nuevo horizonte en la carrera de Bon Calso. Ahora bien, también considero que el proyecto posee un carácter más introspectivo que los álbumes anteriores.
Bajo mi punto de vista, estos anteriores proyectos ya nombrados, aunque también expresaban su mensaje y trasfondo personal, tenían un enfoque más direccionado hacia el público, primariamente en lo referido al sonido y estilo musical, mientras que OUTTA CONTROL lo veo más como un proyecto de autor. Esto quiere decir que, posiblemente no vaya a ser el que más triunfe entre el público general, aunque sí, un proyecto de gran valor artístico para sus seguidores y sobre todo, personal para el mismo artista, y que, con posteriores escuchas, podría llegar a recibir un mayor reconocimiento.
Así que por el momento, sólo nos queda preguntar: ¿Será OUTTA CONTROL otro álbum para recordar? El tiempo nos dará la respuesta.
El pasado fin de semana, miles de personas se congregaron en Palacio Vistalegre para disfrutar del esperado concierto de Cruz Cafuné en Madrid. El talentoso artista canario logró agotar todas las entradas de una de las salas más grandes de la ciudad. Tras casi dos horas de show, comparto mis impresiones de uno de los eventos del año.
Cruz Cafuné, Palacio Vistalegre, Foto: Alberto Noriega
La jornada comenzó temprano, a las 8:00 am, cuando ya se podía ver a la gente en la cola con sillas y banquetas, como si de la playa de Fuengirola se tratase, listos para asegurar su lugar. El ambiente era soleado y el entusiasmo era evidente en Carabanchel.
La espera en la cola fue un poco agitada, ya que alrededor de las 5:00 pm tuvo lugar un cambio de ubicación que causó cierto caos. Hubo personas intentando colarse y el espacio resultaba demasiado estrecho. Sin embargo, la espera se hizo amena gracias a algunas actividades que se llevaron a cabo.
El equipo de Cruz Cafuné sorprendió a los fanáticos al acercarse a la cola y hacer preguntas sobre el artista. Aquellos afortunados que respondían correctamente recibieron una gorra del merchandising oficial firmada por él. Tuve la suerte de ser uno de ellos. Me preguntaron el nombre de su hermana, madre y abuela (Fabiola, Charo y su abuela), la canción de Cruzzi que lleva el nombre de un diseñador (Issey Miyake) y me pidieron que continuara un fragmento de la canción «Nmout 3lik». Y, efectivamente, me la llevé.
Cruz Cafuné, Palacio Vistalegre, Foto: Alberto Noriega
El público comenzó a entrar al Palacio Vistalegre alrededor de las 7:20 pm, y la emoción se palpaba en el ambiente. El concierto, al igual que los demás de la gira, fue inaugurado por el artista canario Dawaira, quien ofreció un breve pero intenso setlist. Nos deleitó con temas de su último trabajo «Pasapalos» y joyas antiguas como «No le bajes».
Luego llegó el turno de Cruz Cafuné, quien abrió el concierto con su canción «Turbo», como era de esperar. Sin embargo, sorprendió al no interpretar «Epifanía». Lo curioso de este concierto fue la aleatoriedad del orden y la duración de las canciones, lo que lo hizo más dinámico y entretenido.
Cruz Cafuné, Palacio Vistalegre, Foto: Alberto Noriega
Si tuviera que destacar algo del concierto y describirlo en una sola palabra, sería «energía». Tanto Cruzzi como el público irradiaban una energía contagiosa. No importaba si la canción era para bailar o era una balada de R&B, la energía se hacía presente en cada momento.
Cruz Cafuné unió las canciones en un orden poco ortodoxo, pero eso no impidió que el público cantara cada barra a pleno pulmón. El canario las entrelazaba sin importar si pertenecían a un álbum en particular o si tenían estilos diferentes, lo que hacía el concierto aún más dinámico. Cabe destacar el emotivo momento en el que, al finalizar con canciones como «Fabiola» e «Issey Miyake», todo el Palacio Vistalegre iluminó el lugar con las linternas de sus teléfonos, creando un efecto visual similar a la Vía Láctea. Fue un hermoso regalo de cumpleaños para la hermana de Cruz Cafuné, Fabiola.
Cruz Cafuné, Palacio Vistalegre, Foto: Alberto Noriega
En cuanto al repertorio, Cruz Cafuné interpretó casi todas sus canciones, aunque, obviamente, tuvo que dejar algunas fuera debido a la duración del concierto. Temas como «En bajo perfil», «No se emula» o «Este Verano» no sonaron esa noche en Vistalegre. En cuanto a las colaboraciones, destacaron invitados de la talla de Quevedo (Sangre y Fe), Hoke (Jjjj), Abhir (Hottest Young Men In Bizness) y Dawaira (Majalulo).
Durante el concierto, se proyectaron un par de videos. El primero se mostró antes de la aparición en el escenario de Quevedo. Contenía varios tweets haciendo referencia a la polémica generada cuando los medios no incluyeron al canario en las nominaciones a Mejor Álbum y Artista. Uno de los videos que se han hecho virales mostraba la entrega de premios de los ’40 Music Awards’, donde tanto Cruzzi como Quevedo estaban nominados al premio al Álbum del Año, pero finalmente ganó Aitana. La pelea en Twitter entre los fans del canario y la catalana fue intensa y brutal, aunque afortunadamente duró solo un día.
El segundo video mostraba a Cruz Cafuné en el backstage, como introducción a la canción «Mina el Hammani». Esta canción desató un pogo salvaje, que desde las gradas parecía un movimiento tectónico. Y hablando de pogos, fue precisamente allí donde perdí mi zapatilla (pasaron dos minutos de tensión hasta que me la devolvieron), lo cual confirma lo que digo.
Personalmente, considero que este ha sido uno de los mejores conciertos que he presenciado en mi vida. Sin embargo, es importante estar preparado físicamente, ya que es una verdadera prueba de cardio y resistencia. Lamentablemente, muchas personas se quedaron sin entrada, lo cual me entristece, ya que no deseo que nadie se pierda la oportunidad de vivir una experiencia tan completa e intensa. El concierto de Cruz Cafuné en Palacio Vistalegre fue una experiencia llena de energía que no olvidaré.
Tras “to hell with it”, una mixtape que recogía las microcanciones de drum & bass que reventaron TikTok en 2021, la vida de PinkPantheress ha dado un giro de 180 grados. De saltarse clase haciendo beats en su residencia universitaria a trabajar con los mejores creativos del mundo y subirse al podium del Billboard Hot 100 de la mano de Ice Spice con “Boy’s a liar P. 2”. Ahora vuelve con «Heaven knows», un disco que se aleja del drum & bass para adentrarse en otros territorios.
Portada de «Heaven knows». Fotografía: Aidan Zamiri
Pink propone un sonido optimista y luminoso para introducir temas tan oscuros como la muerte. Aunque la mayoría de las demos estaban en Youtube desde hace meses, las versiones finales te envuelven y te sorprenden como el primer día. “Ophelia” (producida junto a Danny L Harle), empieza con un arpa insinuante a la que pronto se unen unas baterías secas y todo recuerda un drama de Disney Channel en el mejor de los sentidos. Encima, en la letra encarna a la protagonista de la famosa novela de Shakespeare aunque aquí cuenta cómo su pareja le ahoga en la bañera mientras observa su vida pasar por delante de sus ojos.
El sampling sigue siendo su hábitat natural. Se atreve a trastear con hits de K-Pop como “Ice Cream” de F(x) en “Another Life” y hasta clásicos del pop británico como “Gold” de Spandau Ballet en “Nice to meet you”. Este último es candidato a ser el single más pegado del disco. Una producción voraz y explosiva, un videoclip sacado del “student book” de 2009 y la aparición de Central Cee, uno de los artistas británicos que lideran la ola del drill a nivel global. Quizás las rimas de Cench sean algo vagas – “I might risk it for a biscuit… sweet and I can’t resist it” pero su voz empasta muy bien con el beat y aporta la energía del drill inglés que el tema necesitaba.
En los créditos de “Mosquito”, el primer adelanto del disco, sorprende encontrarse a Greg Kurstin, conocido colaborador de Adele y Sia. Esta vez usan una percusión mucho más clásica y amena con partes silbadas que recuerdan a los hits veraniegos de Corinne Bailey o Lily Allen. Su estribillo: “Acabo de soñar que estaba muerta y solo me importaba porque me separaba de ti” puede parecer la declaración de amor más bonita que has escuchado en tu vida pero en realidad Pink está hablando del dinero y su miedo a perderlo.
Fotografía: Aidan Zamiri
Algo a destacar es su obsesión por el detalle. Hay temas como “Capable Of Love” (el más largo de su carrera con 3:43 minutos) o Blue (producido junto a Sam Gellaitry), que están repletos de perlitas. Un sintetizador sumergido, unas llaves de coche, unas guitarras eléctricas adolescentes al más puro estilo “Paramore”, dos segundos de violines en medio de la canción… Y es ahí donde yace la magia de PinkPantheress. Presenta algo simple y aparentemente inofensivo con un enfoque misterioso y sugerente. Ya no es “la de TikTok que hace temas de jungle”. Es una compositora y productora que quiere demostrar todo lo que es capaz de hacer.
Si algo se echa en falta es progresión dinámica. La mayoría de los temas rondan los dos minutos y medio y las ideas se desarrollan muy rápido. Si además añades invitados como Rema en “Another Life” o Kelela en “Bury Me”, acaban siendo cortes esporádicos que se escurren un poco entre los dedos. De todas formas, el verdadero pegamento del disco es la voz de Pink. Un tono ligero y agradable, un poco de autotune y un aplastante acento de Canterbury que tira por tierra la tendencia de los cantantes ingleses a suavizar o “americanizar” su acento al cantar.
En esta nueva oleada de artistas nacidos a partir del año 2000, es fácil encontrar letras algorítmicas y fórmulas refritas, y es difícil encontrar melodías evocadoras, samples ingeniosos y voces distinguibles, pero “Heaven knows” demuestra que sí se puede. En definitiva, PinkPantheress es una figura necesaria, sorprendente y emocionante que siempre apuesta por empujar el pop hacia nuevos horizontes.
Ckc Clique son dos artistas procedentes de A Coruña y Extremadura, llamados Sabio Sport y Mb Casablanca, que cargan a sus espaldas una trayectoria corta pero intensa. Destacan EP´s como “Port Vauban”, “Franco on Crack” o su álbum “Conocimiento y Dinero”, que rebosan brillo y calidad. Pero hoy no vengo a hablaros de ninguno de los trabajos, sino de su último EP, «Marina Grande».
«Marina Grande» es un proyecto colaborativo de esos que cuando los escuchas sabes que ha sido mimado y cuidado hasta el más mínimo detalle, con sonidos totalmente ochenteros pero renovados, y con una estética limpia y minimalista.
Este EP consta de 7 canciones, con solo una colaboración (pero que colaboración) con Rober Ill Direttore, sevillano perteneciente al dúo Riber y Rober. El proyecto, grabado en Madrid, es como un viaje por el mediterráneo, como un crucero en el que te da el aire en la cara mientras te bebes un Aperol Spritz (igual he sido muy específico).
Es el tipo de música que te pondrías en verano para ir de viaje, un EP muy digerible, de esos que escuchas y se te pasan volando. Los temas en este proyecto nos deja varias demostraciones de elegancia con Mb Casablanca a los mandos y una producción totalmente envidiable. Lo curioso de este proyecto es que, parece algo así como una continuación de su anterior EP “Port Vauban”, que ya nos dejaba pistas sobre el recorrido que estos dos artistas iban a seguir en este juego del underground español.
Lo primero de todo, me gustaría remarcar el trabajo de Mb Casablanca y la utilización de diferentes guitarras en los beats utilizados, con melodías muy “Italia de la Cosa Nostra”. Si me preguntasen sobre como es escuchar los beats de “French Blue” y “Stella” diría que es algo así como comer spaghetti a la bolognesa en una terraza de algún restaurante de Cinque Terre.
Mb casablanca y Sabio Sport.
Si hablamos de las guitarras utilizadas tenemos que nombrar al responsable del sonido angelical de las mismas en los tracks 4 y 6 (French Blue y Stella). Daniel Barrejón es un auténtico artista y músico. Creo que he escuchado pocos temas de este género en las que se utilicen instrumentos y melodías del “Bel Paese”. Es un recurso que le viene como anillo al dedo a este proyecto.
Ahora, vayamos a lo más destacado, la calidad de Sabio Sport. ¿Os acordáis de Roberto Baggio en la Juventus?, y ¿De Pirlo en el Milán? Pues bien, Sabio Sport es algo así con Mb Casablanca, una combinación de calidad que no puede fallar.
Desde luego, esto no es un trabajo demasiado profundo. A primera vista, es más para ponértelo mientras haces algo de fondo, música de ambiente para disfrutarlo pasivamente, pero si te fijas en la letra descubrirás alguna joya que otra. La frescura y el carisma de este trabajo destilados en 20 minutos, harán que se te haga una escucha muy amena y divertida.
Es un EP al que, si se le deja madurar y se le da el reconocimiento suficiente puede llegar a ser una de esas joyas ocultas que uno va descubriendo cuanto más indaga. Algo así como lo que comúnmente se conoce como un grail. Si el tiempo no es caprichoso, nos dejará ver como este trabajo crece sin necesidad de adaptarse a los nuevos tiempos que nos rodean, con un estilo propio y, sobre todo, directo y sin rodeos.
Sonidos de punk-rock, sintetizadores con tonos oscuros y la potente y singular voz de un canadiense fueron suficiente para que Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd, crease «Trilogy», uno de los discos más revolucionarios en el R&B de la época.
Cruz Cafuné decía un 10 de enero en su tema contenido en “Moonlight922” llamado “Doble Tick Azul”, junto a Sofi de la Torre, que “todas las carencias que tenemos no se solucionarán con sexo”. Cuando escuché esa pieza de R&B del canario, no pude evitar acordarme del sentimiento que recorría mi cuerpo el día que escuché “Trilogy”, el disco recopilatorio de The Weeknd lanzado el 13 de noviembre de 2012. Tras una semana en la que mi banda sonora eran las guitarras de “Wicked Games”, la tenebrosa atmósfera de “Gone” o el delicado y triste piano de “Echoes Of Silence” y con motivo del 11º aniversario de este largo proyecto, era una necesidad para mí hacer un artículo acerca de este gamechanger en el mundo del R&B.
Después de lanzar tres mixtapes que revolucionarían el R&B que conocemos actualmente, el canadiense Abel Tesfaye, mejor conocido como The Weeknd firmaría en septiembre de 2012 un contrato en el que se uniría a Republic Records en un acuerdo conjunto con el propio sello de The Weeknd, XO Records. Sería un mes más tarde, tras conseguir hacer legal el uso de varios samples a lo largo de las cintas, cuando The Weeknd lanzaría el video oficial de “Rolling Stone”, el cual le serviría para promocionar el lanzamiento de “Trilogy”.
No sería este el único videoclip relacionado con el disco, tanto el 18 de octubre como el 8 de noviembre (una semana antes de la salida del disco), el canadiense lanzaría los videos oficiales de “Wicked Games” y “The Zone” respectivamente, este último contando con la colaboración de Drake. Y sería entonces tras todo este rollout cuando el 13 de noviembre de ese mismo año, “Trilogy” vería la luz.
Como ya hemos dicho antes, “Trilogy” recopila los tres primeros proyectos de The Weeknd, pero con el peculiar detalle de que estos cuentan con una mezcla diferente y con tres temas que se añaden a los nueve existentes en cada una de las mixtapes con el fin de dar una línea argumental a esta obra de dos horas y media de duración. Para entender un poco la línea argumental del mismo, vamos a ir poco a poco a través de este denso pero adictivo proyecto, empezando por “House Of Balloons”.
En este primer proyecto, el artista nos da a conocer a un Abel cuya vida esta basada en el sexo y las drogas a través de un oscuro y misterioso sonido influenciado por el trip-hop, el rock indie y sonidos varios de electrónica, todo esto de la mano de Illangelo y Doc McKinney, manos maestras en otras obras del artista como “Starboy” o “After Hours”. En esta entrevista para Rolling Stone,
Abel explicaba el título de esta tape, que hace referencia al lugar donde fue a parar cuando dejó los estudios a los 17. En esta casa ubicada en el número 65 de la Avenida Spencer, en Toronto, hacían fiestas cutres e invitaban a chicas por lo que “siempre había globos”. A lo largo de la cinta no solo nos describe cómo funcionaba el lugar, movido por las mujeres y las drogas, como sucede en “High For This” o “House Of Ballons/Glass Table Girls”; podemos ver la historia de romance entre Abel y una (o varias, sabiendo como es nuestro amigo) de las chicas que invitan a esta “casa de globos”.
Es un sin fin de emociones las que podemos ver a través de los temas de este tipo: mientras que en “What You Need”, “The Party & The After Party” o “Loft Music”, mi tema favorito de este proyecto, podemos ver a un The Weeknd que parece seguro y dominante en cuanto a mujeres se trata, cosificándolas y dándoles “falso amor” con la finalidad de conseguir sexo, todo ello bajo el efecto de las drogas; es en temas como “The Morning”, “The Knowing” o el famoso tema “Wicked Games”, donde podemos ver que este comportamiento solo sirve como un “escudo” ante la carencia de autoestima y la necesidad de afecto femenino del artista.
El tema de cierre de esta primera etapa, “Twenty Eight”, nos da ese enlace argumental necesario con el siguiente disco. A lo largo del tema podemos ver el apego evitativo que muestra Abel hacia esta chica que, aunque está perdidamente enamorado, siente que no le hará bien, arrepintiéndose de todo lo ocurrido a lo largo de la cinta.
Pasamos entonces a “Thursday”, que comienza con el tema “Lonely Star”, donde The Weeknd nos presenta a un nuevo personaje llamado “estrella solitaria”, una chica a la que solo ve los jueves. Esta chica solo le sirve para llenar su vacío físico, ya que no es capaz de llegar a enamorarse de ella, que está pillada hasta los nervios de Abel. En el siguiente tema, “Life Of The Party”, mientras que esta chica está deseando que llegue el jueves para ver a Abel, este anda por ahí golfeando, persuadiendo a una chica rica que le gusta esnifar cocaína de entrar a su mundo, recordándonos al lobo disfrazado de abuelita en el cuento de Caperucita.
Esta chica del jueves no es consciente de las señales mixtas que le da el canadiense (como podemos ver en “Thursday”) hasta “The Birds pt.1”, donde Abel le advierte que no ha de enamorarse de él o la acabará dejando. En la parte dos de este tema, podemos ver una de las letras más crudas de la carrera del artista. La chica es consciente de que, para él, ella es un juego y, fruto de la rabia, esta dispara a Abel.
En los tres últimos temas del disco, vemos a The Weeknd sumido en el mundo de las drogas como solución a sus problemas, siendo en el último tema donde justifica su abuso de ellas y su comportamiento mujeriego en busca de validación en la ausencia de figura paterna. El tema que se añade en “Trilogy”, “Valerie”, The Weeknd canta acerca de su “lonely star” de la cual, a pesar de todas las infidelidades, parece estar completamente enamorado. Esta canción carente de lenguaje alusivo a las drogas o el sexo sirve como cierre de “Thursday” y como nexo con el siguiente disco, “Echoes Of Silence”.
En este disco, que comienza con una versión del conocido tema de Michael Jackson llamado “Dirty Diana”, The Weeknd nos habla de qué se siente al ser rechazado por la chica que te gusta tan solo porque esta piensa que eres un “don nadie”. En temas como Montreal, al contrario de sus otros discos, podemos ver a Abel Tesfaye hablándonos de como una chica podría haber sido su “estrella solitaria” si se hubiera dado cuenta de lo enamorado que estaba de ella.
A su vez, siguiendo la línea argumental del disco, podemos ver como en “XO/The Host” y el siguiente tema, “Initiation”, The Weeknd empezará a jugar con la chica que en un principio lo rechazó por no ser alguien, mostrándole el estilo de vida al que deberá acogerse si quiere andar con él. En los tres siguientes temas habla de cómo chicas que han pasado o pasan por su vida buscan su atención solo por su fama, no su persona. Esta temática también se repite en Next, donde el artista nos dice que “solo lo quieren porque saben que está en otro nivel”.
Los dos últimos temas los considero un broche de oro para esta obra. Mientras que en “Echoes Of Silence” nos muestra un escenario en el que la chica ruega a The Weeknd que se quede con ella, siendo esto un cierre perfecto al concepto de “estrella solitaria”, es decir, puedes ser brillante en muchos aspectos, pero al final del día estás sola; en “Till Dawn (Here Comes The Sun)” el artista nos muestra las notas más tóxicas de esta relación. Aunque en el tema anterior se muestran totalmente distantes, en el cierre de “Trilogy” Abel le da a entender que existe un vínculo con ella de manera tóxica: aunque no esté contigo no quiero verte con nadie más. Sin duda un cierre al más puro estilo The Weeknd.
Y al más puro estilo de “Las Supernenas” con drogas, sexo y no muchas cosas bonitas, The Weeknd consiguió revolucionar el mundo del R&B con esta obra digna de película de cine. Con “Trilogy”, Abel Tesfaye nos muestra su lado más oscuro y hedonista, marcado por el pecado en sus formas más físicas, el descontrol que conlleva la vida nocturna en los clubes de Montreal y, como dijo C.Tangana en su canción “Un Veneno”, esa obsesión desmedida por las mujeres, la fama y los focos; todo esto con el fin de dar forma a esa sombra misteriosa que nos hacía preguntarnos quién está detrás de la potente y maravillosa voz que, sin saberlo ni suponerlo, marcaría un antes y un después en la historia del R&B moderno.
Cuando eres productor pasas mucho tiempo escuchando las voces de otros artistas. Tanto trabajando con ellas, editándolas e incluso aconsejando a la persona en cuestión para cambiar ciertas cosas si es necesario. Tras hacer esto todos los días con gente a veces más talentosa y otras no tanto, debe de ser imposible que no pase por tu cabeza ese pensamiento de “yo lo haría mejor”. En “José”, Gese ha demostrado que no solo podría sino que lo hace mejor que mucha gente del panorama.
Pese a esta introducción, sabemos que en su mensaje no hay soberbia, esto es pureza.“José”es el primer EP completamente rapeado y producido por Gese Da O.
“Cuido mi ego, me da poder” es la frase que abre este proyecto, y es que la tónica que sigue el EP gira en torno al trabajo bien hecho (cuando sabes que lo haces bien), el progreso y la humildad con la que hay que llevarlo todo si no quieres torcerte en el camino. Gese lleva una década dedicándose a la producción musical, pero ya era hora de ponerse delante del micro. Ya nos dio una pequeña demostración en “Fly Ass Music” con Dano y en los singles que sacó hace unos meses, lo que ha hecho que muchos de nosotros tuviésemos muchas ganas de este trabajo.
La voz de Gese es cruda, seca y directa. Uno de los puntos más fuertes de esta faceta suya que estamos descubriendo es que su actitud y estilo casan a la perfección con sus letras, y esto es algo que se agradece muchísimo. Gese en esencia es un chaval de Cádiz, inconfundible por su acento, que hace que todo el EP suene a Andalucía, y no sabéis lo bien que le queda.
De hecho lleva esto hasta el punto de haber metido a JK11300 en la mixtape. Este no es un artista tan popular como si lo son los otros que salen en el proyecto, pero se marca un cacho durísimo en “11k”, y es que el número que acompaña su nombre viene del código postal de La Línea de la Concepción. “Ayudo al que veo que es puro” dice Gese en la intro, y es que barre para casa, pero le queda muy bien.
Este proyecto va para la gente que viene de zonas como La Línea, para aquellos que sueñan con salir del barrio a través de trabajo duro y sin tener que hacerse camellos. Y es que esto no lo va a entender alguien que ha nacido en un chalet. En el rap de Gese no hay referencias gratuitas ni bulto. Todo lo que dice es porque lo ha vivido, y pocas cosas se agradecen tanto como que un artista sea real con lo que dice.
Las producciones corren todas a su cargo, y ya nos veíamos venir el estilo del proyecto con los adelantos. El sonido aquí se define por un Pluggnb predominante a lo largo de todo el EP trasteando entremedias con el New Jazz. Si repasamos un poco la trayectoria sonora de las bases de Gese, podemos ver como hubo una época con un boom-bap old school que se le daba muy bien, y más tarde un cambio más hacia el sonido Detroit. De ahí por ejemplo sale “No Lol Zone”, de Gloosito. Por eso sorprende tanto esta nueva dirección, que por otra parte, está muy bien escogida
Hay momentos en los que acompaña a estas bases poniéndose algo más melódico pero la mayoría del rato tenemos rapeos sobrios y directos. La voz de Gese como comentaba antes, es muy característica, no es una voz de cantante, sino de un chaval de Cádiz. Habrá gente que aprecie esa pureza y cercanía y otra que no conecte por buscar voces más suaves o melódicas. Sea como sea, su destreza con el micro no queda muy lejos de la que tiene con el FL.
El disco cuenta con la participación de nombres más grandes como Ergo Pro o Cruz Cafuné. Estos artistas tienen prácticamente una relación de colegas con Gese, y se nota esa química cantando mano a mano que ya estaba ahí cuando Gese todavía se quedaba fuera de la cabina y solo podíamos percibirle a través de las instrumentales. “José” es un EP hecho por disfrute y con calma absoluta, sin presiones, y eso se nota. Al final no hay nada más real que hablar de uno mismo, y es que este EP nos habla de Jorge José y todas las cosas que le han llevado a ser Gese Da O.
